#cartas, #historia, #magia, documental, pelicula

Lost in the shuffle

Hace unos años en una convención, Shawn Farquhar comentó algo sobre el Rey de Corazones, conocido como “el rey suicida” por estar clavándose una espada en la cabeza. Hizo referencia a las mangas que no coinciden y que la manga de la mano de la espada se parece más a la de la Reina de Picas, posiblemente siendo quien asesina al Rey de Corazones. En aquella ocasión no quiso explicar más, pues en un futuro daría a conocer la historia completa.

Ese día ha llegado. En octubre de 2021, mediante una campaña exitosa en Kickstarter se logró financiar el documental Lost in the Shuffle (algo así como Perdido en la Barajada). En abril de 2024, en el marco del festival HotDocs en Toronto, se llevó a cabo el estreno de la película. Durante el verano se proyectó en diferentes salas y en septiembre salió comercialmente como DVD, Blu Ray y en servicios de streaming para compra y renta.

Shawn Farquhar viaja a Estados Unidos, Inglaterra, Francia, España y Bélgica para hablar con figuras representativas de la magia, así como con historiadores y expertos en barajas. Shawn va exponiendo las pistas que ha encontrado en las cartas, con las que forma su hipótesis de un regicidio que involucra a Carlos VIII, Ana de Bretaña y Luis XII.

Durante el viaje se entrevista con el técnico en cartas Richard Turner y con los magos Michael Vincent, Juan Tamariz y Alexandra Duvivier. Cada uno de ellos explica cómo se involucraron con la magia o con las cartas y presentan su concepto o trama favorita con naipes. Tomando estas ideas, el objetivo de Shawn es hacer una rutina de magia con cartas que una las tramas de los cinco magos y cuente la historia del regicidio que está oculta en la baraja.

En el camino visita el Speelkaartenmuseum (Museo Nacional de las Cartas de Juego) en Turnhout, Bélgica, donde es recibido por Filip Cremers, antiguo director de la institución. Se pueden apreciar varios naipes antiguos y conocemos un poco sobre el proceso de impresión.

En los datos históricos se mencionan diferentes usos que se le ha dado a las cartas, además del juego. Se exponen también los hechos e intrigas en la vida de la realeza que van formando el entramado que usará Shawn para su hipótesis. El Doctor Ken Lodge, historiador y coleccionista de cartas, Pierre Chotard, director de exhibiciones del Castillo de los duques de Bretaña y Marc Métay, Director de Catillo Real de Amboise son los encargados de proporcionar el contexto y las perspectivas históricas.

Por momentos es demasiada información y para comprenderla mejor es necesario pausar y regresar un poco, o mejor aún, verlo varias veces. Cada vez descubrirán algo nuevo. Los magos exponen su amor por la magia, la responsabilidad hacia el público, el cómo, al conocer los secretos de la magia, se pierde el asombro, pero uno debe poder transmitir al público ese asombro que se sintió la primera vez, en el momente en que se decidieron dedicarse a la magia. Se habla de la importancia del orden y el caos y cómo el niño interno del espectador se asoma y saluda al mago.

Los cinco participantes principales son muy reconocidos por su trabajo con las cartas y se puede aprender mucho de ellos durante este documental. Me llama la atención que al poner sobre la mesa la historia del regicidio y los símbolos en las cartas que se usan como prueba, todos los magos reaccionan con gusto e interés, mientras que los historiadores se mantienen más fríos y aseguran que no hay ninguna prueba de ello.

Me parece un documental apasionante, hecho por personas apasionadas. En lo personal pienso que es difícil que en verdad los naipes cuenten esta historia en cuestión, pero es muy interesante cómo se van uniendo las pistas, la simbología y la historia. Lo recomiendo completamente y me da gusto haberlo apoyado en la campaña original y haberme perdido en la baraja #igotlostintheshuffle.

Cabe mencionar que cuando leí Playing Cards de Gurney Benham, ya había visto la cinta un par de veces en los accesos previos que tuvimos los fondeadores. Ya de por si interesado en la historia de las cartas, después del documental busqué pistas en la evolución de los naipes que presenta el libro.

Para mas información sobre la película y plataformas para compra y renta, visitar el sitio de Lost in the Shuffle.

Lost in the shuffle
Dirección: Jon Ornoy.
Con: Shawn Farquhar, Richard Turner, Michael Vincent, Alexandra Duvivier, Juan Tamariz, Filip Cremers, Dr. Ken Lodge, Pierre Chotard, Marc Métay.
Animal Mother Films, 2024.
Duración aproximada: 1:40 horas.

#teatro, circo, documental, marionetas, pelicula

El carretón del desierto

Jorge Prior dirigió este documental fechado en 2022, pero es hasta ahora que llegó a salas de cine, particularmente a la Cineteca Nacional.

Kasia y Jaime vinieron a México desde Europa. Ella de Polonia, él de España. Se conocieron en la India acercando el teatro a la gente. En México han estado recorriendo el Altiplano, los estados de San Luis Potosí, Zacatecas, Durango, una parte de Coahuila y recientemente Nuevo León. Llevan su carretón de títeres a las comunidades que encuentran, poblados y rancherías en medio de la nada.

Nos narran cómo inicialmente recorrían a pie kilómetros y kilómetros con una mochila con títeres y sus víveres a las espaldas. Posteriormente consiguieron hacerse de un carretón tirado por caballos, mulas y/o burros. Ha sido un trabajo de varios años, de ir y venir entre los poblados y entre México Y Europa. Lo que ganan en Europa se ha quedado en los pasajes de avión. Acá en México solo tienen su carretón y sus títeres, eso les basta. Siguen el sueño de vivir del teatro y acercarlo a la gente que de manera regular no tiene acceso a él.

No solo llevan historias con sus títeres, también ofrecen talleres a los niños de las comunidades. Se les ve dar clases de acrobacia y teatro y montar pequeñas funciones con los niños.

Ellos comentan que es una vida que cualquiera puede hacer, renunciar a las comodidades a las que estamos acostumbrados en la ciudad y seguir el sueño, vivir de la tierra. Como lo indican, ellos no son campesinos ni arrieros, pero al final, viven de la tierra.

No ha sido un camino fácil, han tenido que aprender cosas que no imaginaban, han tenido caballos enfermos, han pasado hambre a 40 km del poblado más cercano, donde lo único que encontraban en algún lugar recóndito era Coca-Cola y Sabritas ¿esas cosas llegan a cualquier rincón del mundo? Han tenido que ser pacientes, bajar el ritmo al que estamos acostumbrados en las ciudades y pasar al ritmo del campo. Lo más importante: se han ganado la confianza de los pobladores que al principio veían con recelo a los europeos que habían llegado con quién sabe qué intenciones.

El documental es un excelente trabajo que muestra la labor de amor realizada por Kasia y Jaime. No es una película de acción, no es un documental que retrate desgracias. Creo que no es un filme para todo el mundo, pero vale mucho la pena verlo. Hay artistas con aires de grandeza que si no es en un teatro elegante no se presentan, y hay otros como Kasia y Jaime que lo dejan todo para llevarle el arte a la gente.

#danza, Ballet, contemporaneo, documental

The International Competition for The Erik Bruhn Prize 2023

Captura de pantalla de los ganadores. Se muestra con fines ilustrativos.

Erik Bruhn fue un bailarín y coreógrafo danés que trabajó con varias compañías. Fue Director Artístico del National Ballet of Canada entre 1983 y 1986 cuando falleció. En su testamento estableció el Premio Erik Bruhn, el cual fue instaurado en 1988 y es organizado por dicho Ballet. El pasado 25 de marzo se llevó a cabo la más reciente edición de este premio, exactamente 37 años después de que Bruhn fuera internado y diagnosticado con cáncer de pulmón, falleciendo unos días después el 1 de abril.

Por primera vez la función realizada en el Four Seasons Centre for the Performing Arts en Toronto, pudo ser vista en todo el mundo gracias una transmisión en vivo de forma totalmente gratuita (livestreaming) El trabajo de cámara tuvo sus problemas, no estando bien balanceados los blancos, por lo que cada cambio de cámara daba imagen con un tono diferente.

En esta ocasión participaron The National Ballet of Canada, American Ballet Theatre, The Royal Ballet y Stuttgart Ballet. Cada compañía manda una pareja de bailarines, de entre 18 y 23 años. Bailan un pas de deux de repertorio clásico y posteriormente se baila una obra de contemporáneo realizada especialmente para el premio, concursando también por coreografía. En el caso de contemporáneo puede ser un solo o un dueto. Los bailarines, a pesar de bailar juntos, son calificados individualmente. Los jueces no pueden evaluar a los miembros de su propia compañía. Al finalizar, las calificaciones se entregan para un conteo final, los jueces no se reúnen a deliberar y no saben quiénes son los ganadores, enterándose al mismo tiempo que la audiencia en el momento en que el maestro de ceremonias abre el sobre y anuncia los resultados.

Los primeros en bailar fueron Tristan Brosnan y Chloe Misseldine del ABT. Participaron con el Grand Pas Clasique. Me gustó, fue una danza con mucha frescura, se veían conectados, con naturalidad. Me gustó particularmente la variación de Misseldine. Al finalizar Brosnan tuvo una mala caída a pose sobre una rodilla, metiendo la mano al piso para detenerse. Desafortunadamente eso le valdrá puntos.

Siguieron Mackenzie Brown y Adhonay Soares da Silva del Suttgart, presentando también el Grand Pas Clasique. Mucho se ha comentado sobre lo subjetivo que es evaluar una competencia artística. En este caso ¿es bueno o malo ver la misma obra? Puede ser mejor pues se evalúa sobre lo mismo, pero las comparaciones se vuelven inevitables. Técnicamente mucho mejores que los participantes del ABT, no está a discusión. Pero …. Me gustó más la variación de Missledine en comparación con la de Brown. La ejecución fue tan técnicamente perfecta que por momentos la sentí mecánica. Sin la frescura de los bailarines anteriores. Las poses, las sonrisas, eran en momentos tan exactos que se perdía naturalidad. El momento que más me gustó fue al finalizar cuando Soares dejó salir una amplia sonrisa honesta y agradeció a Brown. Eso se ve poco, normalmente las gracias entre bailarines están tan ensayadas que no hay esos momentos de auténtica conexión y agradecimiento entre ellos. Soares no concursó pues sustituyó a Gabriel Figueredo que por circunstancias imprevistas no pudo participar. Por técnica, Brown puede ganar el premio de bailarina.

Siguió el turno para los anfitriones: The National Ballet of Canada. Emerson Dayton y Noah Parets interpretaron el Pas de Deux del cuarto acto de La Bella Durmiente. Bien interpretado, la obra nunca ha sido de mis favoritas, son pocos momentos del Pas de Deux que me gustan.

El final de la primera parte fue con el Royal Ballet. Daichi Ikarashi y Viola Pantuso interpretaron Diana y Acteón. Muy buena ejecución. Ikarashi tiene saltos impresionantes y buena técnica. Lo veo como ganador del premio a bailarín.

Después de un intermedio de 20 minutos la función continuó con el bloque contemporáneo.

Tristan Brosnan y Chloe Misseldine regresaron para bailar Game On de Laurren Lovette. Mackenzie Brown y Adhonay Soares da Silva interpretaron A Dialog de Roman Novitzky. Noah Parets y Emerson Dayton bailaron la creación de Ethan Colangelo titulada fractured. Finalmente Viola Pantuso y Daichi Ikarashi dieron vida a Things left unsaid de Joshua Junker.

La parte contemporánea no la disfruté tanto. Game On del ABT y Things left unsaid del Royal Ballet fueron las que más me gustaron aunque no terminaron de agradarme. La que menos disfruté fue A Dialog del Stuttgart. Movimientos muy cortados, técnicamente difíciles, pero no terminó de agradarme, no me parecía un diálogo, era más como dos monólogos.

El maestro de ceremonias Rex Harrington anunció la proyección de un fragmento del documental I’m the same, only more donde pudimos ver un poco del trabajo de Bruhn. El corto termina con la pregunta “¿Cómo estás? Soy el mismo, solo más”. Al finalizar la proyección se tuvieron los ganadores. Harrington los anunció quedando de esta manera:

Mejor coreografía: A Dialog de Roman Novitzki por el Stuttgart Ballet.

Mejor bailarina: Mackenzie Brown del Stuttgart Ballet.

Mejor bailarín: Daichi Ikarashi del Royal Ballet.

De esta forma concluye la edición 2023 del premio Erik Bruhn, con una duración de aproximadamente dos horas. Por primera vez pudimos disfrutarlo desde otros países en la comodidad de la casa y de forma totalmente gratuita. En días siguientes reportan más de 8000 espectadores en línea. Un agradecimiento especial a quienes hicieron esto posible.

#magia, documental

Our Magic (Documental)

Detalle del documental Our Magic. Se muestra con fines ilustrativos.

Our Magic (Nuestra Magia) es un documental realizado en 2014, financiado colectivamente en Kickstarter. Realizado por el mago R. Paul Wilson, comparte título con el libro homónimo de David Devant y Nevil Maskelyne de 1911.

El documental intercala entrevistas a diversos magos, que van exponiendo sus ideas sobre varios temas relacionados con la magia. Iniciando con la pregunta ¿Qué es magia? Se puede apreciar que no es algo fácil de definir.

Durante la cinta se va explorando si existe o no la buena magia, si la magia es arte, ciencia. Si la magia se mantiene siempre igual o cambia.

Momentos que me parecieron particularmente interesantes es cuando William Kalush menciona que últimamente se han escrito muchos libros de neurociencia donde se pretende explicar la magia desde un punto de vista científico, pero, agrega, esas personas escriben muy bonito como si supieran de lo que hablaran, pero en realidad no entienden nada de magia. El mismo Kalush menciona que la magia va cambiando con la ciencia, lo que siglos atrás se consideraba mágico e inexplicable, ahora la ciencia lo ha explicado y lo vemos como algo normal o cotidiano.

Mike Caveney menciona que es más fácil ser neurocirujano que mago, ya que el neurocirujano va a la universidad, sus maestros lo guían, indican dónde realizar cortes y se forma el neurocirujano, mientras que no tiene idea de cómo hace un mago para formarse como tal.

Varios de los entrevistados coinciden en que el mago más influyente de los últimos años, el que cierra la brecha entre generaciones, es Juan Tamariz. Tamariz explica rápidamente sus famosos siete velos del misterio: amor (por tu arte), conocimiento, trabajo, energía, verdad, mundo interior y finalmente amor (al público, a la demás gente) El público percibe la presencia o ausencia de cada uno de ellos ¿cómo lo hace? No se sabe, pero lo hace, es un misterio, agrega Tamariz.

¿La magia importa? ¿la magia es relevante? Brad Henderson señala que el secreto de la magia no es ¿cómo llegó la pelotita abajo del vaso? El secreto de la magia es cómo hago para que a la gente le importe que hay una bola bajo el vaso y reaccione en masa.

Otro tema que se toca es qué importa más, el mago, su personalidad o el truco en si. Para cerrar, los entrevistados dan sus comentarios sobre “el mayor secreto de la magia”.

El documental me parece muy bueno, realizado cuidadosamente, con excelentes tomas de aparatos antiguos de magia, si no me equivoco de la colección Chamber of Secrets de John Gaughan. La música de Jonathan Astor y Howard Berman es hermosa. El único detalle que no me gustó es que la última parte (el mayor secreto de la magia) va al mismo tiempo que los créditos, lo cual me distraía un poco (Quería leer los créditos y oír las entrevistas)

Our Magic puede verse gratuitamente en el Blog de Vanishing Inc hasta el 31 de diciembre de 2021 como regalo navideño, cortesía de R. Paul Wilson. También está a la venta en Vanishing Inc.

Our Magic
Con Cam Productions, Dan and Dave Industries, una película de R. Paul Wilson
Dirección: R. Paul Wilson
Nuestros magos: Stepehn Bargatze, David Berglas, Adam Blumenthal, John Carney, Mike Caveney, Cyril, Richard Garriott, John Gaughan, Mahdi Gilbert, Brad Henderson, Luke Jermay, William Kalush, Richard Kaufman, Mac King, Ken Klosterman, Peter Lamont, Max Maven, Tomohiro Maeda, Eric Mead, Ton Onosaka, Mama Onosaka, Adam Rubin, Juan Tamariz, Johnny Thompson, Juan Esteban Varela, Michael Weber, Asi Wind, Richard Wiseman, Hide Yamamoto, Rob Zabrecky
Año: 2014
Duración: 1:30 horas

#magia, documental, historia, libros

The rise of the indian rope trick

El truco de la cuerda india es una de las leyendas más conocidas en la magia. Se habla mucho del efecto: una cuerda se levanta verticalmente en el aire, un niño trepa por ella y desaparece. En otras versiones se dice que el mago sube tras el niño, lo descuartiza y caen los pedazos, apareciendo después nuevamente sin ningún daño. El problema, como lo indica la solapa de The rise of the indian rope trick. How a spectacular hoax became history (El ascenso del truco de la cuerda india. Cómo un engaño espectacular se convirtió en historia) es que el truco nunca existió.

Peter Lamont, mago e historiador en la Universidad de Edimburgo escribió este libro sobre dicho truco. En varios momentos su estilo es cómico, por ejemplo, en la sección de notas da la bienvenida al lector diciendo que dudó escribirlas porque nadie las lee, por estar el lector en esta sección, se ha convertido en el 10% que las revisa.

Se dice con frecuencia que el truco fue descrito por Maco Polo en su libro, sin embargo, Lamont aclara que en una de tantas ediciones, el encargado de la misma, en una nota dice que recordó el truco de la cuerda india. Es decir, quien lo dice es el editor, no Marco Polo, de ahí que Lamont remarca que es importante leer bien las notas.

En la antigüedad, en diversas culturas orientales, no necesariamente en la India, existen diferentes versiones. Puede ser una cuerda, una cadena o una tela. En una versión quien sube es una serie de animales incluyendo tigres.

En la Inglaterra Victoriana, tras dejar atrás el oscurantismo, ya no se cree en cosas sobrenaturales, no hay nada inexplicable, salvo los milagros religiosos, todo lo demás es científico. Lamont indica que los británicos ante la falta de cosas inexplicables trasladan su imaginación a la India, recientemente conquistada.

Como conquistadores, los británicos tenían derecho a explotar todo, hasta la magia innata de la India. Los magos comienzan a vestirse de indios o chinos pues el oriente transmitía la idea de misticismo. Comienza también una lucha de superioridad entre magos donde los occidentales rechazaban que los faquires orientales tuvieran poderes auténticos y eran solo truqueros. Algunos efectos que se describían no podían ser explicados por los occidentales, con lo que se hacía la eterna discusión de si no se puede explicar entonces son superiores (eso no puede ser) o en el oriente aplican otras leyes científicas.

En la época se comenzaba a hablar de espiritismo e hipnotismo, como eran los temas “científicos” del momento, se utilizaban como explicaciones a la magia oriental.

La historia de la cuerda india se popularizó a partir de 1890 cuando en un periódico de Chicago se publicó la historia de Fred S. Ellmore donde asegura haber visto y fotografiado el efecto. La foto no mostraba nada en particular, con lo que se concluía todo era efecto de la hipnosis y la cámara no era engañada. La nota fue reproducida por varias publicaciones. Poco después el periódico admitió que todo era un fraude, una nota sensacionalista para vender. El testigo S. Ellmore significa sell-more (vender más) La confesión no fue difundida por quienes reprodujeron la nota original. La persona que escribió el artículo posteriormente fue director del Servicio Secreto, conocido por su experiencia en desinformación adquirida mientras trabajó como reportero.

Con el paso del tiempo se van presentando personas que dicen haber visto o conocido a alguien que vio el truco. La mayoría de los casos no son testigos de primera mano, algunos citan a gente fallecida años atrás y extrañamente los que dicen haber atestiguado el truco de primera mano, a pesar de decir que les sorprendió mucho y nunca lo olvidarán caen en contradicciones y hablan del asunto muchos años después de haberlo vivido.

Fotos trucadas, fotos mal interpretadas, ofertas millonarias a quién pruebe que puede hacer el truco. Existen todo tipo de historias alrededor de la cuerda india. Nunca se ha probado su existencia y a pesar de que la historia ha caído en el olvido varias veces más desacreditada que nada, siempre regresa, aparentemente con más fuerza.

Con una conclusión entre hilarante y poética, Lamont equipara las leyendas con vacaciones en un lugar paradisiaco: es fugarse de la realidad, una ilusión más atractiva que la realidad. Siempre hemos necesitado de leyendas y ellas nos han dado esa ruta de escape. Y al igual que un folleto anunciando un destino turístico, no deben tomarse literalmente. Al decir esto, Lamont asegura haber visto el truco de la cuerda India.

The rise of the indian rope trick
Peter Lamont
Thunder’s Mouth Press, 2004
264 páginas.

#magia, biografia, documental, libros

Confidencias de un Prestidigitador

Portada de Memoirs of Robert-Houdin, se muestra con fines ilustrativos.

Jean Eugène Robert-Houdin fue un relojero y mago francés que vivió de 1805 a 1871, estando activo en el mundo de la magia, de manera profesional aproximadamente 7 años. Entre magos se le llama “el padre de la magia moderna” En 1858 publicó sus memorias bajo el nombre Confidences d’un prestidigatateur: una vie d’artiste (Confidencias de un prestidigitador: una vida de artista), que ha sido traducido a varios idiomas frecuentemente cambiando el título. La versión que se usó para esta reseña es la edición de Milbourne Christopher, para editorial Dover, con el título Memoirs of Robert-Houdin King of the Conjurers (Memorias de Robert-Houdin Rey de los magos).

Antes que nada, quiero aclarar que a nivel personal las autobiografías (y frecuentemente también las biografías hechas por familiares) las tomo con reserva, ya que suelen engalanarse episodios, o hacerse tendenciosas (véase por ejemplo Bailando sobre mi tumba de Gelsey Kirkland, aquí en Por los Teatros) David Britlan en la revista Genii de febrero de 2021 dice: “Las biografías son frecuentemente historias bien pulidas en que las vicisitudes del negocio del espectáculo son transformadas en drama entretenido” En la actualidad, se tiene bien documentado que las Confidencias de un Prestidigitador contienen varios episodios apócrifos.

Tal vez teniendo esto en mente, leí las memorias como una novela entretenida. Robert-Houdin (finalmente entendí que Jean Eugène es su nombre, Robert su apellido y agregó Houdin, el apellido de su primera esposa) da una poética introducción donde se remonta a sus días en el teatro, compara el libro con el escenario y al lector con el público. Se especifica que contará los pasajes importantes de su vida que lo llevan al camino de la magia, es decir no una autobiografía con detalles fuera de ese tema.

Narra cómo en su juventud, su ingenio y afición por crear aparatos y mecanismos lo metieron en problemas en la escuela, cómo su vida estaba destinada a aburridos trabajos de oficina, todo sea por satisfacer a su papá o tener un empleo redituable o bien visto por la sociedad. Originalmente su interés está en la relojería, su papá era relojero, pero al considerar que se tenían pocos ingresos, trata de que su hijo se dedique a otra cosa. Finalmente cede y lo deja ser aprendiz del oficio. Durante sus estudios, por accidente, cae en sus manos un libro de trucos de magia, lo cual despierta su afición.

Tras comer alimento envenenado, en el delirio de la fiebre, da con el mago Torrini y su fiel ayudante Antonio. Ellos lo ayudan a reestablecerse y es como da una primer presentación en público. Torrini le cuenta sus desventuras, su ascenso y caída en desgracia. Son los capítulos más romantizados del libro, frecuentemente me recuerdan a novelas y en ciertos aspectos a la película El Ilusionista (a Edward Norton le dieron a leer las Confidencias como apoyo para el personaje y varios trucos que se ven en la película se basan en efectos de Robert-Houdin, por lo que no me sorprende encontrar similitudes)

Torrini le cuenta sus ideas de lo que un buen mago debe hacer y lo que no. Varias de ellas me llaman la atención, tomando nota de las mismas. Al analizar si estos conceptos las presenta Robert-Houdin o Torrini, frecuentemente me encuentro en un conflicto: me interesa saber quién de los dos lo expone, sin embargo, Torrini es alguien que se sabe no existió, por lo que la pregunta sobra: son ideas de Robert-Houdin puestas en boca de un personaje.

La historia sigue avanzando, contando encuentros con otros magos de la época, frecuentemente decepcionado por la tendencia a ridiculizar al público varón y mostrándose caballerosos con las damas.

Robert-Houdin propone unas reformas, basándose en las recomendaciones de Torrini (?) entre ellas tener un escenario elegante y sencillo, sin que esté lleno de parafernalia innecesaria, preferencia de habilidad de manos sobre aparatos trucados, abstenerse de utilizar ropa excéntrica y usar solo la ropa que la sociedad civilizada reconoce como vestimenta de noche. No hacer bromas ni juegos de palabras, tener un código de conducta del cual no desviarse.

Actualmente los magos suelen entablar largas discusiones sobre si el frac está pasado de moda y es reminiscencia de Robert-Houdin cuando quería vestirse como igual con su público (no lo dice de esa forma) pero no veo que tomen como caballito de batalla las otras reformas propuestas.

Describe también sus presentaciones en las Soirées Fantastiques en París, su momento de apogeo y sus giras por Inglaterra y Europa. Esto dura apenas 7 años. Se retira a dedicarse a sus experimentos con electricidad y autómatas.

Frecuentemente se menciona que fue sacado de su retiro para sofocar una revuelta en Argelia, colonia francesa, derrotando a los “hechiceros” locales con sus trucos de magia. El episodio, relatado por Robert-Houdin, es muy diferente del que existe en el ideario colectivo.

Confidencias de un prestidigitador me parece un libro muy interesante, por momentos novela, por momentos manual sobre el código de conducta de un mago. Hay pasajes que actualmente se sabe son falsos y otros con imprecisiones históricas. Se mezcla mucho la incógnita de qué es real y qué es ficticio. Además si consideramos que la cultura popular ha modificado lo que contiene el libro, en la idea de la gente puede estar algo muy diferente a la realidad.

No siempre se ha sabido que las Confidencias tienen episodios falsos. Peter Lamont y Jim Steinmeyer indican en su libro The Secret History of Magic (La historia secreta de la magia) publicado en 2018, que fue en 1943 cuando el mito de Torrini se vino abajo. Hasta entonces se habían hecho pocas investigaciones al respecto.

Esto deja más incógnitas. Si son sus memorias ¿tiene episodios ficticios solo para engalanar la historia? La cita de David Britland tiene mucho peso en este caso. Como decía antes, hay pensamientos sobre la magia que los expresan sus compañeros, pero al saber que son solo personajes ¿entonces son las ideas de Robert-Houdin puestas en boca de otros? Lamont y Steinmeyer indican que tanto Torrini como Antonio, entre otras cosas, sirven para que el autor disfrace educadamente sus críticas a la magia de la época.

Me resultan de particular interés las diferencias que tienen las palabras conjurer, magician y prestidigitator (en inglés) y me hace preguntarme qué palabras usa en el original francés y cuáles serían los equivalentes en español. Por ejemplo, al inicio traduje King of conjurers como rey de los magos, aunque una traducción más literal sería rey de los conjuradores. Conjurador, en español, en realidad no se usa. Incluso la palabra magician no aparece como tal y magia solo se utiliza en el libro para decir magia blanca. Hoy en día estas palabras pueden usarse de manera indistinta, pero en la época tenían diferentes significados.

Me parece que Confidencias de un Prestidigitador es de los libros frecuentemente mencionado en el mundo de la magia pero poco leído. Lamont y Steinmeyer dicen que el mayor truco de Robert-Houdin, es precisamente este libro, un truco que sigue intrigándonos y dejándonos incógnitas 150 años después. Si leemos nuevamente la introducción dice “¿Por qué no debería convertir esta ficción en realidad? ¿No podría, cada noche cuando el reloj da las 8:00, continuar mi presentación bajo otra forma? Mi público será el lector, y mi escenario un libro”

Para esta reseña:
Memoirs of Robert-Houdin King of Conjurers.
Jean Eugène Robert-Houdin.
Notas e introducción de Milbourne Christopher.
Editorial Dover, 1964.
329 páginas.
Disponible en varios idiomas y editoriales.

#magia, #video, documental, pelicula

Dealt

Ricahrd Turner se describe a sí mismo como un “card mechanic”, una traducción literal sería mecánico de cartas, en Dealt subtitulan el término como “tahúr”, la expresión se refiere a ser experto en el manejo de las cartas, en este caso enfocado a técnicas de trampas en juegos, por lo que “tahúr”, si bien considero no es un término que refleja completamente la idea, si es una palabra bastante aproximada en español. Considero que en español tahúr nos remite a una persona que usa su habilidad para sacar ventaja en los juegos y obtener ganancias. A Turner le interesan estas técnicas como demostración, no para sacar beneficios

Turner es ampliamente conocido en el mundo de la magia, participando en convenciones y espectáculos, sin embargo, él no se considera mago.

Dealt (repartir, haciendo referencia la baraja) es un documental de 2017 sobre la vida de Turner. En la cinta vemos su obsesión por las cartas: clósets llenos de ellas, práctica incesante día y noche, en todo momento naipes en las manos, incluso cuando hace ejercicio. Su hijo recibió el nombre de Asa Spades (suena muy parecido a As de Espadas) a quien le decoró si habitación con motivos de cartas.

Steve Forte, experto en protección de juegos, menciona que es común que un tahúr utilice una o dos técnicas, y no necesariamente de forma limpia. En sus palabras, Turner ha recorrido toda la lista dominando los movimientos.

Turner a temprana edad comenzó a perder la vista, quedando legalmente ciego en una adolescencia temprana. Sin embrago durante años se negó a aceptar el hecho, recibir un trato especial, sentirse limitado o que se hablara de “su condición”. Nunca ha aprendido Braille, frecuentemente se mueve como si pudiera ver, ocultando el hecho de que no. Lo normal cuando uno guía a una persona ciega es que el vidente vaya al frente, en Dealt vemos a Turner siempre tomar la delantera aún cuando es guiado por alguien. Su hijo Asa dice que tardó varios años en descubrir que su padre no veía.

Es experto en artes marciales, es cinta negra, vemos fotografías donde anda en cuerda floja y otras actividades que uno no pensaría para un ciego. Todo en un esfuerzo de demostrar que no estaba “discapacitado”. En videos de programas de televisión donde participó a lo largo de los años, vemos su semblante volverse sombrío cuando el presentador dice “no solo es un experto en cartas, también es ciego”.

Hacia el final del documental, en años recientes, Turner acepta su ceguera y convivir con ella. Sigue buscando hacer cosas por si mismo y no depender de otros, sin embargo, acepta que es una parte de él, y es lo que lo ha hecho la persona que es. En los últimos años se indica, presentó un espectáculo autobiográfico.

Se incluyen entrevistas con familiares y magos, algunas escenas de la vida cotidiana, visitas a museos y paseos donde le están describiendo las escenas y cuando es posible él toca las piezas. Se ven fragmentos de presentaciones y cómo es recibido en convenciones. Nominaciones a premios tanto no ganados como ganados.

Definitivamente es una vida de obsesión. Solo la obsesión puede llevarlo a practicar tanto y lograr la excelencia en sus áreas de interés. Por supuesto, llama más la atención el hecho de que pelee en artes marciales o controle cartas sin vista para ayudarlo. Es algo que no podemos dejar de lado. También podemos imaginar que en su lucha, también obsesiva, por demostrar que es autosuficiente, se ha metido de lleno en lo que se propone. Y si, es posible que de no haber perdido la vista estaría haciendo otras cosas y no por lo que es mundialmente conocido. Aunque no me cabe duda de que también lo habría hecho de forma obsesiva.

El documental ganó el premio de la Audiencia en el SXSW Film Festival 2017, en el cual debutó. Es una cinta bien lograda que transmite emociones y va llevando al espectador por todas ellas. Puede verse en servicios de streaming solo en Estados Unidos o en DVD, disponible solamente en región 1.

Dealt
Dirección: Luke Korem
Duración: 1:26 horas
Sundance Selects, Keep on Running Pictures, Ralph Smith Entertainement.

#danza, Ballet, documental, libros

Apollo’s Angels – Conclusiones

Portada de Apollo’s Angels, se muestar con fines ilustrativos

Con esta tercer parte finalizo mis comentarios sobre el libro Apollo’s Angels, a history of ballet, de Jennifer Homans. Las primeras partes pueden consultarse en reseña y crítica.

Homans concluye que el ballet es un arte en decadencia, contaminado por lo contemporáneo y donde no se crea nada nuevo y los coreógrafos se aferran a obras de siglos atrás. Difiero completamente y encuentro contradictorio el no ver con buenos ojos lo contemporáneo y al mismo tiempo quejarse de presentar obras del pasado.

Si algo quedó de manifiesto durante la historia del ballet, es que a pesar de ser «clásico» y de «tradición» donde hay elementos que se han mantenido inamovibles durante siglos, hay otros elementos que han cambiado: Pasos nuevos, el pasar de salones de sociedad a teatros, de ser número entre actos de ópera a ser espectáculo completo, el uso de pantomima, saltos, giros. La introducción de zapatillas de punta. El cambio de los papeles de hombres y mujeres. Todo ha sido una evolución. Hoy en día distinguimos si una obra es clásica o contemporánea, pero es bastante probable que en un momento dado no haya sido tan clara esa línea, o lo que se consideraba contemporáneo, ahora lo vemos como clásico. No se puede separar de la historia de la danza clásica el papel de la moderna, contemporánea, neoclásica y todas las derivaciones.

¿Está bien seguir presentando obras de hace 100 años o más? Si, por algo son clásicas, porque gustan y son parte del legado y vale la pena mantenerlas en repertorio.

Por otro lado, concluyo que el ballet siempre ha sido patrocinado, nunca ha existido de manera independiente, posiblemente a excepción de los Ballets Rusos de Diaghilev, donde él mismo fungía como mecenas. En Francia antigua y moderna, Dinamarca, Rusia zarista y socialista, Inglaterra, Estados Unidos … Siempre ha estado patrocinada por el estado o por particulares, quienes han marcado el tema de las danzas. Frecuentemente se menciona a la URSS como ejemplo del país que imponía temáticas, pero incluso en la Francia revolucionaria, quien tenía el poder temporalmente era quien dictaba los temas. De igual forma en Estados Unidos donde los patrocinios son más bien de particulares y es a quien hay que dejar contentos presentando la temática que les interesa.

Finalmente agregaré que la idea de nombrar a Balanchine como el coreógrafo que finalmente acercó la danza al pueblo, alejándola de temas de nobleza que no son del interés de la gente común y corriente, yo diría que si acaso, ese privilegio le correspondería a Maurice Béjart, quien realizó obras con música del gusto popular como Queen y Edith Piaf, así como la Novena Sinfonía de Beethoven, planeada para presentarse en arenas deportivas. Espectáculos multitudinarios donde acercó al público tanto a la música clásica como a la popular/comercial uniéndola con la danza.

Apollo’s Angels
Jennifer Homans
Random House
Nueva York, 2010
643 pp

#danza, Ballet, documental, libros, Sin categoría

Apollo’s Angels – Crítica

Detalle de Apollo’s Angels. Se muestra con fines ilustrativos.

En la entrada anterior di la reseña general del libro Apollo’s Angels, a history of ballet, de Jennifer Homans. En esta segunda parte daré mi crítica.

En general el libro tiene un estilo muy ligero, en ocasiones se siente incluso en tono de chisme cuando se trata de dar detalles personales de los protagonistas de la historia del ballet. Hay descripciones bastante interesantes de algunas obras, en las que se da un análisis con interpretaciones en las que nunca hubiera pensado. Por momentos me queda la duda de si esa interpretación es de la autora o es la intención que originalmente se le dio a dichas obras.

Los primeros capítulos me parecen muy interesantes pero mi decepción inició con el capítulo de la URSS. Con él comienzo a ver una tendencia y no puedo evitar preguntarme que tan objetiva es Homans y qué tanto se deja llevar por motivaciones personales. Señala que la URSS creó los mejores bailarines pero acabó con el ballet. Agrega que las obras hechas con temas previamente autorizados por el gobierno solo pueden ser del gusto de los soviéticos pero no tienen éxito en occidente. Critica ampliamente a Yuri Grigorovich y sobre todo su Espartaco. Sin embargo hoy en día Grigorovich es una leyenda viviente y Espartaco una obra que sigue presentando el Bolshoi en sus giras mundiales, lo que indica que es del gusto aún fuera de Rusia. Al hablar de Romeo y Julieta dice que es el West Side Story soviético. Comparación extraña ya que el ballet (ruso) precede al musical (neoyorquino) A menos que lo diga para que un americano sin gran conocimiento de ballet tenga un punto de referencia.

En la segunda mitad del siglo XX, muy de pasada menciona a Roland Petit. A Maurice Béjart lo nombra con cierto desdén limitándose a un par de párrafos y en una fotografía de Jorge Donn (sin señalar al bailarín) describe a Stimmung de Béjart como «sexo, sudor y pretensión disfrazados de arte». William Forsythe y John Neumeier son mencionados una sola vez y a pie de página.

Al llegar a los capítulos de Estados Unidos veo aún más una tendencia marcada. Señala a Antony Tudor, Jerome Robbins y George Balanchine como los pilares del ballet americano. Presenta al ballet estadounidense con un discurso de nacionalismo, padres fundadores, igualdad, crear obras con temas importantes, acercar la danza al pueblo, alejarlo de alta sociedad y las cortes francesas. Irónicamente Tudor era británico y se cambió el apellido para sonar más aristocrático. Robbins era neoyorquino descendiente de inmigrantes rusos y cambió su nombre para sonar más americano. Balanchine era ruso y cambió su nombre a algo más occidental.

Incidentalmente menciona a Martha Graham y a Merce Cunninham. A Jirí Kylián lo señala como un «aparente pero falso heredero de Tudor», pues rechazó tomar sus obras después de su muerte. En general veo rechazo de Homans por todo lo que es danza moderna / contemporánea. Si está escribiendo sobre ballet, tal vez está delimitando el ballet clásico, en cuyo caso hubiera sido interesante indicar que criterios toma. Por ejemplo los Ballets Rusos de Diaghilev y las obras de Nijisnky eran mal vistas en su época y se consideran más modernas que clásicas. Robbins es más conocido por su trabajo en teatro musical a lo que Homans dedica varias páginas para describir con detalle sus obras.

La parte cumbre del libro es Balanchine y su trabajo en Nueva York. Muchas páginas dedicadas a su obra y persona, indicando cómo revolucionó el ballet al introducir estilos que no se usaban ¿no se desvía también de la danza clásica? Señala a su compañía como un ejemplo, pues incluía a bailarines negros (no menciona el trabajo de Alvin Ailey) El libro finaliza con la muerte de Balanchine y las palabras «El legado de Balanchine fue inmenso. Le dio al mundo la mayor obra en la historia de la danza […] Salta al pasado vía Ruisa y Petipa, a Luis XIV y a los antiguos griegos […] Ha restaurado su lugar [de la danza] como entretenimiento fino, arte sensual e ideal olímpico»

Pareciera que las 550 páginas del libro y los 350 años de historia solo existen para llevarnos a la figura de Balanchine en un pedestal en el Monte Olimpo y después de él no hay nada. Incluso el título está influenciado por él, pues acostumbraba llamar «ángeles» a las bailarinas. No es de sorprender que en el índice temático sea la persona que más entradas tiene.

En el epílogo, Homans dice que los ángeles de Balanchine han caído (ya no son de Apolo) y el ballet está en decadencia. Agrega: «la coreografía contemporánea vira sin rumbo entre imitación sin imaginación e innovación estridente» Me parece una triste conclusión para un trabajo que le tomó 10 años. Sin embargo, en la introducción deja entrever el rumbo que tomará.

En la publicación anterior mencioné que en la introducción escribe algunas cosas que a primera vista no puse mucha atención, pero cobran importancia al leer todo el trabajo. Es precisamente su postura ante Balanchine y la opinión de que el ballet es un arte fuera de moda y a la antigua lo que deja ver desde ver el principio. Pareciera que es su tesis inicial y con el epílogo demuestra a lo que quería llegar.

En la tercera y última parte publicaré mis conclusiones.

Apollo’s Angels
Jennifer Homans
Random House
Nueva York, 2010
643 pp

#danza, Ballet, contemporaneo, documental, musica

Ballet for Life

En noviembre de 1991 Freddie Mercury fallecía. Un año después, en noviembre de 1992, Jorge Donn también moría. Ambos por complicaciones a causa del SIDA. En 1996, Maurice Béjart estrenó Ballet for Life, como un homenaje a la vida y talentos de Mercury y Donn (que fuera bailarín principal en la compañía de Béjart) A finales de junio, como parte del ciclo Béjart Ballet at Home, la compañía tuvo la obra un par de días en streaming junto con un documental de su realización. También se encuentra disponible a la venta en Blu-Ray y DVD.

La obra incluye música de Queen y Mozart. Reconozco que no soy seguidor de Queen, no estoy familiarizado con sus canciones, letras ni videos. Ballet for Life se me hizo un poco pesado para ver, sin embargo, me doy cuenta que al no conocer a Queen me perdí mucho del encanto de la obra. El público se nota muy emocionado y aplaude como si estuvieran viendo a Queen en un concierto. Posteriormente al ver algunos videos de la agrupación, noté que parte de la escenografía, utilería y coreografía hacía referencia a ellos. Incluso el público sabe en que momento de las canciones acompañar con las palmas según es costumbre en ciertos temas.

Durante el documental se menciona que los bailarines interpretan las letras, las sienten y en los movimientos hay algo de ellas. El ballet termina con la canción The show must go on mientras los bailarines van levantándose después de estar acostados cubiertos con sábanas. Durante la canción van agradeciendo.

Uno de los momentos que mas me gustó, no por “bonito”, sino por lo que hace sentir, es cuando se ven dos personas en camillas desplazadas por el escenario. Una escena triste. En el contexto en que fue creada la obra seguramente es referencia a los hospitalizados por SIDA. La música de Mozart, Concierto de piano 21 “Elvira Madigan”, también ha sido usada por José Rivera en la obra Bailemos a Mozart por los ángeles que se han ido, que de igual manera es un homenaje a quienes han muerto de SIDA. Esta escena de las camillas, donde la pareja interactúa en una especie de pas de deux, el día de hoy, en medio de la pandemia de COVID-19, cobra otro significado y a la vez es el mismo que cuando fue creado.

Ballet for Life es una colaboración entre tres grandes instituciones: Béjart Ballet Laussane, Queen y Gianni Versace quien diseñó el vestuario. En el documental se ve además que, si no me equivoco, durante el estreno, al finalizar la obra se levantó el telón de fondo dejando ver a los músicos de Queen interpretando The show must go on con Elton John cantando. Así que logró reunir a cuatro instituciones. Algo de ese tamaño seguro requirió un gran esfuerzo y solo Béjart podía haberlo logrado.

Ballet for life
Coreografía: Maurice Béjart
Música: Queen, Mozart
Vestuario: Gianni Versace
Duración aproximada: 1:20 horas y 58 minutos documental.

Por los Teatros

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