#magia, #teatro, biografia, circo, libros

Seventy Years a Showman

Anteportada de Seventy Years a Showman. Se muestra con fines ilustrativos.

George Sanger fue un artista circense del siglo XIX. Nació en 1825 y toda su vida la dedicó al circo. Se retiró a los 80 y en 1910, teniendo 85 años, publicó su autobiografía: Seventy Years a Showman (Setenta Años de Showman) Comencemos con la definición de showman. Puede traducirse como empresario, organizador de espectáculos. De manera literal como hombre espectáculo, quien ejerce de manera excelente varias ramas del espectáculo. En este caso, Sanger, era todo ello.

La edición que se utiliza para la reseña es la de J.M Dent & Sons para la colección The Kings Treasuries of Literature (algo así como Las Arcas de Literatura de los Reyes) Es un curioso librito de bolsillo. Midiendo 11×15.5 cm y apenas 1.5 cm de espesor, incluyendo tapas duras, contiene 256 páginas, las cuales a pesar de ser delgadas se sienten de buena calidad. Se trata de una reimpresión de 1967, seguramente pensada literalmente como libro de bolsillo. El formato lo hace ideal para cargarse en un viaje y sus tapas duras reducen el maltrato. Muy diferente a los libros de bolsillo actuales. La tapa de color rojo solo tiene un pequeño bajo relieve del perfil de una mujer. El título está escrito en el lomo únicamente.

George Sanger nació de padres que viajaban en las ferias itinerantes. Como niño ayudó a sus padres con el peep-show que era la atracción que manejaban. Peep significa mirar furtivamente. Peep-show es un cajón que contiene fotografías y los espectadores se asoman por mirillas para ver las imágenes. Según narra Sanger, mostraban secuencias de imágenes mientras contaban alguna historia: la muerte del rey y coronación de la nueva reina o algún asesinato que hiciera mucho ruido en las noticias.

También trabajó con otros compañeros de feria haciendo actos de circo. Con el tiempo se casó con una domadora de leones y se asoció con hermanos para independizarse de sus padres y buscar sus propias aventuras. Posteriormente se separó de sus socios y se convirtió en uno de los empresarios de circo más importantes de Inglaterra. Formó su compañía y tuvo a su cargo la administración de diversos espectáculos tanto en carpas como en teatros.

A lo largo de su libro cuenta diversas experiencias: los peleas entre los circos para asegurar el mejor lugar en las ferias, las vicisitudes al presentar números de magia y mentalismo en la Inglaterra Victoriana donde abundaba la superstición y frecuentemente se creía tenía pactos diabólicos, así como conflictos con la ley que consideraban a las ferias ambulantes como peligrosas. Cuenta también algunos de los engaños que hacía en los espectáculos de fenómenos para mostrar caníbales o al hombre “más alto del mundo”, otros engaños eran la ostra que fuma y los puercos sabios.

Durante muchos años administró un teatro donde presentaba a su compañía o a otras que rentaban el espacio. En algunos espectáculos de teatro, en una época de grandes producciones que apostaban por atractivos visuales muy complejos, se pedía su apoyo para que hubiera grandes felinos en escena. En un par de ocasiones narra como truco publicitario haber soltado a los leones al final de los ensayos. Los trucos publicitarios se le daban a menudo, participó en desfiles en honor a la reina donde el desfile y pequeños enfrentamientos con la policía eran partes de la publicidad.

En un conflicto legal con un contrincante, como burla, se agregó el título de Lord, por lo que frecuentemente es conocido como ‘Lord’ George Sanger. Hay historias apócrifas que dicen que Lord era su nombre de pila. Varias veces se entrevistó con la realeza, contando que los reyes tomaban de forma divertida el auto nombrarse Lord.

En diversos momentos la historia se siente un tanto moralizante. Dando consejos propios o repitiendo los que le daba su padre.

Me llama particularmente la atención cuando narra la plaga de viruela de 1833. Desde la preocupación general por la forma tan rápida de propagarse y lo virulenta de la enfermedad, hasta las maravillas que se lograron por medio de la vacunación. Recomienda ampliamente vacunarse y está seguro de que la razón que como adulto, en todos sus años de empresario, perdiera solo un par de empleados por causa de la viruela es gracias a las vacunas. Aclaración: Dichos empleados no estaban vacunados.

A casi 2 siglos de esa epidemia y a más de 100 años de publicarse por primera vez este libro, el episodio y la recomendación se sienten muy actuales.

Seventy Years a Showman es un libro entretenido, de fácil lectura. Como se indica en la introducción de esta edición, es un libro olvidado que vale la pena rescatarlo.

Seventy Years a Showman.
‘Lord’ George Sanger.
J. M. Dent & Sons Ltd, Londres.
Primera impresión en esta edición 1935, reimpresión 1967.
265 páginas.

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41 Festival Mondial du Cirque de Demain

Año con año en París se lleva a cabo el Festival Mondial du Cirque de Demain. La última edición, la 41, se llevó a cabo en 2020. Debido a la pandemia ha habido una pausa y la próxima edición está anunciada para enero de 2022.

La función grabada el 1 de febrero de 2020 puede verse en arte.tv, existen restricciones geográficas, por lo que en algunos países es posible ver el espectáculo completo y en otros la función editada, quedando fuera algunos números que no recibieron premio y cortando otros. La presente reseña corresponde a la versión editada, la cual está disponible en streaming hasta el 22 de junio de 2021.

La función comienza con Johannes Holm y Martin Richard de Dinamarca y Francia quienes presentan un acto en el que uno de ellos se amarra de la cintura mientras sostiene al otro que se balancea, lanza y gira debajo de él. Parecido a un trapecio pero el balanceo lo da la persona que sostiene. El aparato se llama columpio coreano y es de los actos más premiados en el festival.

Benedikt Baumann de Hungría, continúa con un número de aro en el que mezcla danza, acrobacia, cinta aérea y contorsión. Hace pases muy precisos con el aro, lanzándolo y atrapándolo mientras hace alguna acrobacia. Uno de mis números favoritos.

Valeriia Davydenko de Ucrania muestra una rutina de contorsión parada de manos, haciendo nudos impresionantes con el cuerpo así como giros rápidos sobre las manos apoyada en los zancos que se utilizan en esta disciplina.

Guangdong Arts Troupe de China se llevan el Grand Prix con un número de cuerda floja impresionante. Me llama la atención que en la cuerda solo vemos a una persona a pesar de presentarse como Troupe, sin embargo las personas que están abajo en el escenario, aunque no participan activamente en la acrobacia tienen peso en el acto, sin olvidar a  los riggers fuera de escena.

Tom Lacoste de Francia hace una rutina cómica de diábolo. Movimientos muy interesantes que me parecen bastante originales, así como su presentación. Es de los actos que más disfruté. En un momento dado, por un error de continuidad, uno puede darse cuenta que el número fue editado en el video, lo cual me decepciona. Preferiría que no la hubieran cortado.

Francesca Hyde y Laura Strokes de Holanda y Alemania presentan suspensión capilar, número aéreo donde son sostenidas por el cabello. Delphine Cézard de Canadá hace mástil chino aéreo. Anna y Saleh, pareja iraní-ruso-mexicana-alemana participan con cargadas acrobáticas o mano a mano, haciendo posturas poco vistas en este tipo de actos. Kateryna Nikiforova lleva malabares. Célien y Nicolas de Francia, trapecios individuales con un estilo gótico. Ludivine Furmon y Nicolas Besnard de Francia, un ballet acrobático. Théo y Lucas Enriquez  de Francia, juegos icarios sin ayuda de soportes o sillones que es lo tradicional. Holland y Sara de Estados Unidos, número aéreo en cuerda. Compagnie Lapsus de Francia participan con un número muy raro mezcla de performance, uniciclo y sobre todo saltos donde se hacen torres humanas.

Como es tradición Calixte de Nigremont es el maestro de ceremonias. Los participantes como de costumbre, suelen llevar números de gran calidad, lo que no evita que el espectador disfrute más unos que otros. En mi caso me gustaron en particular Benedikt Baumann y Tom Lacoste. Como decía, el pero que le veo al video es la edición. Dejar fuera algunos números que están en la grabación original (pude localizar uno de ellos y francamente no me gustó) y sobre todo detectar que el número de Lacoste haya sido editado.

41 Festival Modial du Cirque de Demain
Duración aproximada 1:26 horas
Año: 2020

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Sept moments de joie

Siete momentos de algería

Cirque Éloize, compañía de circo con sede en Montreal, ha realizado una nueva producción durante la pandemia. La misma es una película para mostrarse por medio de streaming. Se trata del espectáculo Sept moments de joie (siete momentos de alegría), que une a 7 coreógrafos haciendo igual número de obras que mezclan danza con artes circenses.

La realización corre a cargo de Lilli Marcotte y la puesta en escena es de Benoit Landry. Las obras son:

Fine Ligne, de Virginie Brunelle. Danza contemporánea y danza en bungee. Cuenta con 3 bailarines y un cuarteto de cuerdas interpretando música de Philip Glass. Se explota muy bien el espacio haciendo que por momentos los bailarines y la cámara se muevan entre los músicos.

Slick, de Christian Garmatter. Con la famosa música Sing, sing, sing de Louis Prima en versión de Benny Goodman, es una mezcla de swing, break, pole dance y malabares. El resultado es una obra con mucho frenesí que fácilmente nos traslada a los salones de principios de siglo XX. La iluminación complementa muy bien la escenografía, incluso se producen reflejos en las ventanas que hacen pensar en la existencia de anuncios luminosos en el exterior. Los encuadres no me gustaron del todo, hay acercamientos que dificultan apreciar partes de la obra. En particular me llama mucho la atención el malabarista, sobre todo un movimiento en el que las pelotas pasan describiendo un círculo de atrás hacia adelante.

Ravissement 42 45 de Claudia Chan Tak presenta una especie de desfile de modas con telas de animales y posteriormente algo que parece una batalla de una pareja sobre mástil chino.

Souffle de Axelle Munezero une danza contemporánea con aros hula. Las mariposas son un tema recurrente. Son parte del vestuario y hay movimientos de brazos que remiten a un aleteo desesperado. El vestuario de la solista es un vestido muy elaborado y en el cabello chino lleva varias mariposas, algo que requirió mucho trabajo de realizar.

Yalapasicik de Ivanie Aubin-Malo. Coreógrafa perteneciente a la nación Malecite de Cacouna, en Quebec, sus obras se enfocan en dar presencia a los grupos originales de Canadá. Yalapasicik involucra pasos de la tribu Pow Wow y mezcla contorsionismo. El vestuario y la escenografía remiten a la indumentaria tradicional. Con música de Kìzis con quien Aubin-Malo ha trabajado antes, la obra logra una atmósfera ritual, incluso alucinógena. La música se siente entre tradicional y electrónica, lo que logra un ritmo hipnótico que ayuda con la sensación alucinada.

Ojas de Edgar Zendejas une danza contemporánea con acrobacia aérea y música en vivo: un guitarrista y cantante español. La voz no es de mi agrado.

Furie de Manuel Roque termina el programa. Une danza y acrobacia. Aprovecha totalmente el espacio del estudio del Cirque Éloize donde se realizó la grabación. La solista se mueve por varios salones. Se utiliza muy bien la iluminación natural y los grandes ventanales del edificio. Es una grabación que se presenta en cámara lenta dando un toque muy especial al frenesí mostrado por la intérprete. Es la única obra en la que en realidad veo alegría. Al final observamos a la bailarina abrir la puerta del estudio y salir a la calle. Acaso el fin de la cuarentena.

La película en general me parece muy buena. Un gran esfuerzo que Cirque Éloize hace en estos momentos para seguir produciendo material. Las obras llevan una breve introducción de los coreógrafos (en francés) y en general se expresa el gusto de estar trabajando juntos. Se pueden ver imágenes de ensayos con cubrebocas. No hay duda, ésta es una creación durante la pandemia.

Se hizo muy buen uso de la cámara dando planos muy interesantes que no se lograrían con público en vivo. Se propusieron hacer un film y se logró, dando escenas en las que la cámara recorre 360 grados y no se ve nada del equipo de producción. El tema es 7 momentos de alegría aunque solo veo alegría en la obra Furie.

Fine Ligne, Slick, Yalapasicik y Furie son las obras que más me gustaron.

El streaming está disponible hasta el 6 de enero en la página de Cirque Éloize. Tiene un precio de 15 dólares canadienses y un boleto es válido por 48 horas a partir del primer acceso. Todos los ingresos se donarán a la Fundación Éloize para contribuir al desarrollo de las artes escénicas.

Sept moments de joie
Cirque Éloize
Realización: Lilli Marcotte
Puesta en escena:Benoit Landry
Coreógrafos: Virginie Brunelle, Christian Garmatter, Claudia Chan Tak, Axelle Munezero, Ivanie Aubin-Malo, Edgar Zendejas y Manuel Roque
Duración aproximada: 1:20 horas

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Séquence 8

Séquence 8. Imagen con fines ilustrativos.

En 2012 la compañía Les 7 doigts de la main creó el espectáculo Séquence 8, que visitó 15 países, contando con más de 400 representaciones. El mismo concluyó en abril de 2015 en Nueva York. Como parte del Freedom Festival Arts Trust (Reino Unido) que este 2020 fue en línea del 4 al 6 de septiembre, se presentó de manera gratuita durante 72 horas una grabación de dicho espectáculo.

Séquence 8 cuenta con 8 acróbatas en escena, no creo que sea coincidencia. Presentan números con movimientos muy fluidos, al igual que otros de sus montajes, por ejemplo Cuisine et confessions, gran parte del espectáculo parece una danza acrobática. Todo fluye y se mueve bailando.

Es de especial interés lo que hacen en el mástil chino: imágenes estáticas que cambian tras breves oscuros. El artista que estaba sobre el mástil ahora esta abajo y quien observaba desde abajo de pronto está arriba. En otro momento hacen un concurso de preguntas con el público. Cada vez que el público contesta correctamente (siempre) hacen algo con mayor dificultad en el mástil.

La barra rusa también me llama la atención. Se trata de una barra horizontal sostenida sobre los hombros de dos personas. Sobre ella una mujer salta y hace giros gimnásticos, cayendo siempre sobre la barra. Algo que no recuerdo haber visto antes es la manera en que cae en relevé (de puntitas) en perfecto equilibrio mientras las barra se estabiliza con el peso del salto.

Algo muy interesante es el número de trampolín (tipo sube y baja utilizado para hacer saltos) Yo vi un conflicto entre los ejecutantes, una pelea. Otros artistas susurran al oído de los dos que saltan y regresan al trampolín a saltar. Parece que los están azuzando. Los saltos se hacen cada vez más complicados, pero hacia el final hay un equilibrio. Logran equilibrar el trampolín. Frecuentemente tienen movimientos que me llaman la atención pretendiendo equilibrarse sobre la tabla. Un momento después hablan sobre la creación del número y comienzan a discutir. Dicen que habían acordado hacer movimientos de surf (que son los que veía buscando el equilibrio) y no logran ponerse de acuerdo si el susurro es la presión de la sociedad o un fantasma que les habla. Ya se habían puesto previamente de acuerdo pero ahora cada quien quiere interpretar su propia versión. Es un acercamiento que me parece muy interesante. Es el único número que me mantuvo literalmente al filo del asiento no solo apreciando la acrobacia sino descubriendo un significado, que poco después descubro que puede tener otro significado … o no. Y que fue intencionalmente hecho de esta forma.

Entre las palabras que dicen que me gustan está lo siguiente, dicho al iniciar Séquence 8: “Estuve ensayando esto a solas, pero faltaba algo: ustedes […] Estamos conectados porque están aquí por mi y estoy aquí por ustedes. Todo sucede aquí solo para ustedes” Hoy en día con los espectáculos sucediendo en línea o en algunos casos con poco público, ésto cobra un nuevo significado.

Otros textos, mencionados durante la discusión creativa del trampolín, son: “Hablar de temas más grandes que nosotros, temas que llevan a acciones, temas que le digan algo al público […] Esto es un poco de nosotros para ustedes” Lo cual me parece algo importante en las artes escénicas. Se puede hacer algo para mostrar que se puede hacer, mostrar virtuosismo, o se puede hacer algo para decirle algo al público. Creo que no hay bueno ni malo, los dos caminos son válidos, pero prefiero el segundo.

El video estuvo disponible entre el 6 y el 8 de septiembre.

Séquence 8
7 doigts de la main
Ejecutantes: Eric Bates, Ugo Dario, Colin Davis, Devin Henderson, Alexandra Royer, Maxim Laurin, Camille Legris, Tristan Nielsen
Dirección: Shana Carroll y Sébastien Soldevila
Duración aproximada: 80 minutos.

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Cuisine et Confessions

Cuisine & Confessions. Imagen mostrada con fines ilustrativos.

En 2014 la compañía circense con sede en Montreal, Les 7 doigts de la main grabó el espectáculo Cuisine & Confessions. La compañía indica que como individuos estamos hechos de ingredientes, una receta única de memorias de sangre. Nuestras vidas giran frecuentemente en torno a la cocina, es ahí donde nos reunimos, realizamos recetas familiares, nos sentamos a contarnos secretos mientras tomamos un café. Nuestros recuerdos también suelen remontarse a cuando éramos niños y algún familiar cocinaba algo que solo a él le sale de esa forma. Ciertos olores y sabores vienen a nuestras mentes, incluso lugares.

Con esta idea surge el espectáculo, que como su nombre lo indica, es sobre la cocina y las confesiones. Los acróbatas hacen sus números circenses, cocinan pasta y panqué de plátano mientras nos cuentas algunas cosas reales de su vida.

Los 7 dedos nos dan la bienvenida a su cocina con un número de volteretas tan fluidas que yo diría es una danza. Nos comparten los ingredientes para un omelette perfecto: huevos, cebolla, pimientos y amor, preparando uno en escena para una invitada del público, mientras realizan malabares con los utensilios de cocina.

Hay un número de salto de “marcos”, normalmente este tipo de acrobacia se hace saltando aros circulares, en esta caso son marcos cuadrados. Un número aéreo de telas. Una impresionante rutina de diábolo utilizando un aro de cuerda, nunca había visto algo así. Hay también una secuencia donde una acróbata cuenta su historia como gimnasta, momento en que solo comía brócoli crudo. La historia la cuenta con una mezcla de danza y movimientos de gimnasia. A pesar de sentirse como una parodia, la calidad de los movimientos es de admirarse.

Uno de los momentos más emotivos es cuando uno de los artistas cuenta la historia de su padre desaparecido por las milicia argentina. Para ilustrarla hace mástil chino. Uno de esos momentos raros en el circo donde no hay música, solo silencio y el ruido que se produce al subir el mástil o tocar el piso, las interjecciones del ejecutante y alguna risa nerviosa del público, un tosido y los “ooooh” de los espectadores.

El último número es una especie de juegos icarios al ritmo de una versión cantada del Bolero de Ravel . Hay momentos donde se ve gente alrededor de la mesa, la cual es una imagen tradicional de dicha pieza en el mundo de la danza.

Al finalizar invitan panqué de plátano a los espectadores. Toda la comida que hemos visto ha sido preparada durante la función.

Es muy buen espectáculo, la música ilustra bien los estados de ánimo que muestra cada uno de los números. La escenografía está integrada a las acrobacias, realmente vemos una cocina donde los artilugios comunes se usarán para las acrobacias. Lo único raro es el tubo (mástil chino) que está por un lado.

La grabación fue realizada en el TOHU de Montreal, un espacio dedicado al circo. El video está disponible solo hasta el 12 de julio. Para recibir el enlace para verlo es necesario suscribirse al boletín gratuito de noticias de la compañía. Puede realizarse en su página web o sus redes sociales.

Cuisine & Confessions
Les 7 doigts de la main
Dirección: Shana Carroll y Sébastien Soldevila
Elenco: Matias Plaul, Émile Pineault, Mishannock Bruno Ferrero, Anna Kichtchenko, Gabriella Parigi, Pablo Pramparo, Melvin Diggs, Sidney Iking Bateman
Duración aproximada:1:24 horas

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Einstein on the beach

En 1976 Phillip Glass y Robert Wilson estrenaron en el Festival de Avignon la ópera Einstein on the beach, la cual dura aproximadamente 5 horas sin intermedios y el público puede salir y entrar de la sala según lo necesite.

En 2019 una nueva producción de la obra se hizo en conjunto entre el Grand Théâtre de Genève y la Compagnia Finzi Pasca, con una duración de 4 horas. La ópera estuvo disponible en streaming en el sitio del teatro del 14 al 19 de abril de 2020.

En el programa de mano, que también estuvo disponible en el sitio, el compositor Phillip Glass indica que buscó “la integración de la música rítmica, armónica y cíclica en un sistema coherente” y agrega que transmite “La idea de una energía que no se puede parar”.

La música a mi gusto es disonante. El coro canta números y nombres de notas musicales. Escuchar cantar la-re-la-re-la-re por 4 horas no es lo que prefiero para un espectáculo. La música me recordó la de John Cage. Se utilizan diferentes calificativos para describirlos pero frecuentemente para ambos se usa “minimalista” y “experimental”.

Los integrantes de la Compagnia Finzi Pasca, que son quienes están en escena, tienen esporádicamente textos inconexos entre ellos. No se siente un argumento. Daniele Finzi Pazca indica que es una obra surrealista y ha plasmado sus sueños. Es una excelente descripción. Bastante surrealista, y como los sueños, no parece tener sentido una escena con la siguiente.

Visualmente hay gente moviendo libros en la oficina de Eisntein, personas jugando en la playa, sirenas flotando en el aire, bicicletas volando, un caballo entre la niebla, espejos, muchas lámparas, juegos de sombras. Por momentos los números me recuerdan a Donka, incluso un vestuario y las referencias a los zapatos de ese vestuario son muy claros de dicha obra.

Precisamente las cosas que no me gustaron son por las que Einstein on the beach es reconocida. Se menciona esta obra como una muestra de lo que cambiante que es la ópera, marca nuevos rumbos. El hecho de no tener un argumento como tal y mostrar “la historia” en la parte visual y no en la letra. Como decía, la letra cantada son números y nombres de notas musicales. Hace referencia a las matemáticas y “esa energía que no puede parar” nos remite a la física de Eisntein.

De vanguardia hace 40 años sigue siendo algo extraño para verse. No es para mí.

Einstein on the beach
Ópera de Phillip Glass y Robert Wilson
Einstein-Ensemble: Orquesta y Coro compuesto por alumnos de la Alta Escuela de Música de Genève
Dirección Musical: Titus Engel
En escena: Compagnia Finzi Pasca
Dirección Escénica: Daniele Finzi Pasca
Duración aproximada: 4:00 horas sin intermedio.

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Teatro de la Caricia

Portada de: Teatro de la Caricia, se muestra con fines ilustrativos.

Bajo el título Daniele Finzi Pasca Teatro de la Caricia, Facundo Ponce de León publica conversaciones que a lo largo de los años ha tenido con el clown y director escénico Daniele Finzi Pasca.

El trabajo de Daniele incluye ser co-fundador de las compañías Teatro Sunil (Ícaro) y Compagnia Finzi Pasca (La Veritá, Bianco su Bianco, Donka, Per té), co-producciones con Cirque Eloize (Rain, Nomade, Nebbia), dirección para Cirque du Soleil (Corteo, Luzia), apertura y clausura de juegos olímpicos de invierno, dirección de óperas para English National Opera (L’Amour de Loin), Teatro Mariinsky (Aída, Requiem) y Teatro San Carlos de Nápoles (Pagliacci). Su línea de trabajo siempre ha ido sobre lo que él llama Teatro de la Caricia.

El libro incluye conversaciones que nos llevan a un viaje circular, un viaje de regreso donde conocemos la filosofía de Finzi Pasca y los orígenes del teatro de la caricia.

Siendo un volumen no muy grande (136 páginas) me parece difícil resumirlo. Es un libro lleno de ideas de un importante creador escénico, cada página tiene cosas para tomar nota.

Entre lo que más me llama la atención es la forma en que indica que un clown corteja al público. En una fiesta hay varias formas de ser y cada una de ellas conquista. Así mismo hay varias formas de ser clown y cada una corteja. Si no tienes suerte consiguiendo pareja y buscas consejo de tus amigos, tal vez el consejo sirve, pero conquistaste a tu pareja usando una formula que no es tuya, ese no eres tu: o te condenas a mantener la mentira o viene el rompimiento. Así un clown: si te aconsejan ponerte un nombre en diminutivo y hacer figuras con globos, tal vez sirva, pero puede ser que ese no seas tú ni lo que quieres de ser clown.

En días anteriores publiqué la reseña de Donka, donde menciona que un artista es pescador de ideas y puede pasarse días enteros sentado en un café aparentemente sin hacer nada, en realidad está pescando la idea. Como la pesca, es cuestión de paciencia. En este libro se profundiza sobre el tema.

Habla de que todo el equipo de trabajo está en una embarcación, puede ser pequeña o grande, el barco se maneja diferente pero el propósito es el mismo. Si la producción es para un actor o para miles de artistas, la estrategia es diferente pero siempre se busca el mismo objetivo: llegar al puerto.

Menciona que hay dos tipos de actores: aquellos que sienten las cosas y las hacen sin importar hacia donde van y los que hacen preguntas, los que consultan los mapas y quieren saber para qué es todo esto. Como director Daniele debe comprender rápidamente que tipo de actor es cada uno de sus artistas para no perder el tiempo de su gente. Indica que el tiempo de otros es algo que no se puede malgastar.

Finalmente habla de su viaje de juventud como voluntario a la India. Viaje hacia adentro, de auto descubrimiento. En una India con muchos enfermos de lepra y gente viviendo en la calle, su trabajo era atender a los enfermos, muchos de ellos moribundos. De sus experiencias sale lo que será el teatro de la caricia: aprende a sentir al enfermo (o al público) él puede sentirse bien haciendo su trabajo, pero si no percibe lo que sucede con el enfermo, entonces su trabajo ya es automático. Aprende el valor de una caricia. Hacer saber al enfermo que alguien está ahí a un lado con él. Conoce a Sunil, un muchacho que muere después de 24 días de batalla cuando no esperaban que durara uno. De él toma el nombre para su primer compañía.

Su trabajo escénico se ha enfocado en buscar la conmoción, resonar en el público, ser un clown cuya finalidad principal no es hacer reír. Busca oír, sentir al público. Para él el clown es un actor que cuenta historias, un héroe perdedor que con dignidad pierde casi siempre y al final se desvanece discretamente.

Daniele Finzi Pasca Teatro de la Caricia
Facundo Ponce de León
Ediciones CFP
Primera Edición Julio 2009, Tercera edición enero 2015 (Uruguay)
Reseña sobre edición en español, también disponible en otros idiomas
136 páginas

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#teatro, circo

Donka, una carta a Chéjov

Detalle del póster de Donka. Se muestra con fines ilustrativos.

Este espectáculo de la Compagnia Finzi Pasca estrenado en 2010, abrió en Moscú las celebraciones por el 150 aniversario del natalicio de Anton Chéjov. Desde entonces ha recorrido el mundo visitando 26 países.

Daniele Finzi tomó notas de los diarios y cartas del escritor y médico Anton Chéjov y las unió con “vidas paralelas en el jardín de su casa”, el resultado es un espectáculo en el estilo de Finzi Pasca y su Teatro de la Caricia. Un circo teatral donde hay cosas colgando de cables, llueven objetos, camas se mueven por el escenario, los actores dicen pensamientos al público en el proscenio, sin cuarta pared, iluminados por lámparas que ellos llevan. Todos elementos muy definidos en la estética de su director.

Donka se presentó en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris del 12 al 15 de marzo.

Los números circenses incluyen contorsión, malabares, patinaje y zapateado sobre una superficie resbalosa, sombras, comedia, rueda Cyr y muchos pensamientos.

Uno de los números de contorsión se mezcla con humor al presentarlo como una inspección médica. Una medicina bastante salvaje. Los malabares incluyen manejo de pelotas entre una y dos personas, así como de contacto. Al final de la primer parte, me resultó sorprendente que después de una rutina de malabares de contacto, la bola es estrellada en el piso donde se hace añicos. Los siguiente minutos continúan estrellando bolas después de trabajar con ellas. En ese momento ya es evidente que no son de acrílico sino hielo, lo cual resulta mas sorprendente.

Hay secuencias de sombras en una pantalla donde los movimientos y proporciones están perfectamente sincronizadas para crear mundos e historias. Una superficie resbalosa es utilizada para un número de zapateado y para patinar. En otro momento, los artistas patinan sobre el escenario transmitiendo que están en hielo. Uno de ellos hace rutinas sobre ruedas fingiendo caerse y no controlar los patines.

Entre los pensamientos que Finzi Pasca entrega en sus espectáculos, en Donka se incluyen los siguientes: En aquella época los médicos buscaban el alma humana y al hacer autopsias cobraban boletos como espectáculo público para que los asistentes atestiguaran el descubrimiento, cosa que nunca sucedió ¿Los clowns dónde tienen el alma? En los zapatos.

Salir a un café y sentarse a no hacer nada. No es a no hacer nada. Los poetas pescan ideas y eso requiere paciencia, hay que sentarse tardes enteras esperando a que una idea pique.

Como los otros trabajos que he visto de esta compañía, se entrega un espectáculo de calidad que une el circo y el teatro, historias rebuscadas, ideas que dejan qué pensar y también momentos en que no se entiende que está pasando. El Teatro de la Caricia se trata de darle una caricia al alma del espectador. Una caricia que en estos tiempos es muy necesaria.

La temporada en la Ciudad de México fue poco común. Programados para dos semanas, comenzaron en medio de la incertidumbre por el avance de COVID-19. El viernes 13, en entrevista para Canal 22, Daniele Finzi mencionó que en esas fechas debía estar haciendo Ícaro en Bérgamo, una de las ciudad más asoladas en Italia. El sábado 14 se anunció que la segunda semana de la temporada se cancelaba, se agregaba un horario más el domingo 15 y todos los que tuvieran boleto de las fechas canceladas podían ir al horario que más les conviniera. Era necesario frenar la temporada para que los artistas pudieran regresar a sus países de origen en Europa. En la Ciudad de México era inminente el cierre de espacios públicos. Unos días después se cerraron todos los teatros.

Resultó extraño durante la obra oír sobre médicos, enfermedades respiratorias y posibles curas (Chéjov padecía tuberculosis)

En Canal 22, Finzi Pasca dijo que el siguiente paso será ir a China y a Corea. No dudo que lo haga, las raíces del Teatro de la Caricia y Teatro Sunil se remontan a Daniele trabajando con enfermos en la India.

Un gran esfuerzo de la Compagnia Finzi Pasca, Teatro de la Ciudad y Arte & Cultura Grupo Salinas que hicieron todo lo posible para tener la temporada. Esperamos el regreso de la Compañía, mientras tanto, quédate en casa.

Donka, Una Carta a Chéjov
Escrito y dirigido por: Daniele Finzi Pasca
Compagnia Finzi Pasca
En escena: Andrée-Anne Gingras-Roy, Beatriz Sayad, David menes, Félix Salas, Francesco Lanciotti, James Kingsford-Smith, Jess Gardolin, Marco Paoletti, Melissa Vettore, Rolando Tarquini y Stépane Gentilini
Duración aproximada: 2:20 horas

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El Pagliacho, el gracioso de la calle de Relox

Detalle del cartel de “El Pagliacho” se muestra con fines ilusrativos.

En 1841 surgió el primer circo mexicano bajo la dirección de José Soledad Aycardo, considerado el primer empresario circense mexicano y precursor del estilo de payaso que se usa en nuestro país. Se trató del Circo Olímpico y operó aproximadamente 25 años.

Los Estrouberry Clowns presentan El Pagliacho, el gracioso de la calle de Relox, inspirado en Aycardo y su circo. Según el programa de mano, la obra “nos lleva a viajar en el tiempo para conocer las vicisitudes del primer circo mexicano […] nos invita a disfrutar de aquella época de circo, maroma y teatro”

Un niño del siglo XX es “teletransportado” al siglo XIX dónde conocerá al Circo Olímpico instalado en el patio de una vecindad en la calle de Relox (o la calle del reloj, hoy Argentina) Ahí, el virrey tratará de cerrar el circo a como de lugar con tal de llevarse a los artistas y al público al Teatro Nacional.

Esa es la premisa y básicamente las “vicisitudes” son enfrentar al virrey que adoptará diferentes disfraces para aplicar multas, incautar, cobrar la renta y otras acciones económicas.

La parte histórica me crea conflicto a partir de que el antagonista, figura del gobierno, es presentado como el “Virrey” mientras la historia transcurre en la segunda mitad del siglo XIX, momento en que ya no había virreyes.

Se presentan clichés como la pareja de comediantes borrachos y la rutina de “salúdelos a todos, pero con la boca”, sin embargo no me queda claro si son rutinas de la época. Se supone que la obra tiene fines históricos y busca mostrar cómo era el circo en aquellos años pero al usar chistes claramente modernos se pierde noción de qué cosas aparentemente modernas pudieran remontarse en realidad al Circo Olímpico.

Respecto a conceptos y narrativa: “Teletransportar” significa desplazar a distancia y se usa para referirse a que un objeto se mueve instantáneamente de un sitio a otro. Si se viaja al pasado sería una máquina del tiempo. Mas adelante el de la casa de empeño se presenta para incautar pues no han pagado. ¿La casa de empeño incauta? Posteriormente, al finalizar la obra, dicen que todo lo que ha sucedido es para darle una función de circo al niño del siglo XX, la misma está a punto de comenzar y el niño debe regresar a su propia época. Si la función que va a comenzar es para él ¿por qué lo mandan al siglo XX antes de iniciarla?

Casi no se muestran números circenses. Un número que me molestó fue presentar un antipodista (persona que manipula objetos con los pies) haciendo falsamente su disciplina, en lugar de tener una persona realmente especializada en la misma.

La idea no me parece mala, a lo largo de la obra se explican palabras y conceptos que ayudan a comprender al circo de la época, sin embargo, para mi gusto, tiene varios huecos.

La función comienza puntualmente y es ligeramente más larga de lo anunciado en el programa. Al finalizar, el elenco sale al vestíbulo a saludar y posar para fotografías.

Cabe destacar la presencia del Ensamble Jofranka que musicaliza y hace efectos sonoros en vivo.

El Pagliacho se presenta en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque hasta el 26 de abril.

El Pagliacho, el gracioso de la calle del Relox
De Fernando Hondall
Dirección: Raúl Zamora
Con: Jorge A. caballero Vega, Dettmar Yaáñez, María Cappelletti, Adriana Reséndiz, Víctor Siáñez, Lobo Valle, Yrsmin Curiel, Eréndira Morales Rodríguez, Erick Murias, Fernando Hondall, Gustavo Franco, raul Zamora
ensamble Jofranka: Mario Alberto Gallardo y Julio Zapata
Duración aproximada (según programa) 75 minutos (real) 90 minutos.

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Cirque du Soleil: Alegria in a new light

Nueva imagen de Alegría

En 1994 Cirque du Soleil estrenó el espectáculo Alegría, el que se convertiría hasta la fecha en el más icónico de sus producciones. Su última presentación fue en 2013, año en que se retiró definitivamente de los escenarios. El DVD ha existido comercialmente durante muchos años así como el disco con la música, siendo el tema Alegría la pieza mas escuchada del Cirque.

Este 2019 se estrenó “Alegría in a new light” (en una nueva luz) originalmente anunciado como “el retorno de un clásico” Y así es, regresa un clásico pero en una nueva faceta. El nuevo espectáculo es una reinterpretación del original el cual solo conozco por videos ya que no lo vi en vivo.

Se indica que es una historia de resilencia y esperanza. Alegría siempre ha sido una historia triste, tomando el nombre de la costumbre en Italia de decir “Alegría” cuando todo va mal, una manera de decir “por buena cara, la vida sigue, qué nos queda: ¡alegría!” En el espectáculo se presenta un reino sin rey donde el personaje guía toma la corona y se autoproclama. En el video original esta trama no es clara, en la nueva versión me recuerda mucho el argumento de Kooza, el estilo de los payasos también me recuerda a Kooza. que fue creado en 2007.

La música tiene más tintes de rock que en la versión antigua. El soundtrack fue liberado en plataformas digitales meses atrás, lo oí antes de ver el show y no me gustó. Siento que la música original de René Duperé podía vivir por si sola aun sin ver el espectáculo. La música nueva siento que no funciona así. Al ver el show cobró sentido, va muy bien empatada con la acción en vivo, pero aislada siento que no tiene la misma fuerza. Las piezas que son reinterpretaciones de las originales se oyen raras. Precisamente están modificando clásicos. Las decepciones más grandes para mi fueron los temas Alegría y Vai Vedrai.

La mayoría de los actos se conservan, como los aros hula, el fast track y las barras de altura. Otros presentan modificaciones como las cintas áreas, previamente un solo y ahora un dueto. Hay actos que cambian completamente como la falta de hombre fuerte y el uso de una nueva rueda cruzada. El acto previo a la tormenta de nieve tiene también un cambio mayor: El payaso triste con el perchero, interpretado magníficamente en la grabación por Yuri Medvedev, siempre me da mucha tristeza. La rutina es de Slava Polunin y la usa en su Slava’s Snowshow, la he visto en vivo en dicho espectáculo y no siento lo que transmite Medvedev. En este nuevo Alegría no se presenta dicha rutina, se hace una diferente tratando de transmitir lo mismo pero no llega a igualar la emoción. No se si por cuestión de derechos no se haya incluido como se realizaba anteriormente.

El número que más se me quedó fue el de malabares con fuego, con la canción Cerceaux, la cual tiene vida propia sin el show. El conjunto que forman la cantante de negro, la baterista y el malabarista son increíbles y se complementan perfectamente. Me dio gusto que al finalizar se agradecen entre los 3. Es un trabajo en equipo que sin una de esas partes no funcionaría de la misma manera. Cerceaux originalmente se usaba en el número de aros hula. Es un acierto presentarla con un estilo de rock ahora en el fuego.

También vale la pena destacar el número con ruedas cruzadas, una especie de rueda Cyr con una rueda empotrada dentro de la otra, no se si sea ilusión óptica pero pareciera cambiar el ángulo entre ambas.

Durante el fast track (camas elásticas puestas en dos líneas largas donde saltan mientras avanzan haciendo múltiples acrobacias) me llamó la atención la forma en que la música guía al público, en la parte en que la música es lenta y melancólica el público no aplaudía aunque los acróbatas hicieran poses agradeciendo. El aplauso regresó cuando la música nuevamente se acelera. En el momento lento la gente sabe que es tiempo de observar, sentir emociones y reservar el aplauso para después.

Normalmente no me gustan las adaptaciones o reinterpretaciones de clásicos, esta no es la excepción, siento que algo quedó a deber. La función que vi fue hacia el final de la temporada en Toronto, segunda ciudad que pisa este montaje. No hubo programas de mano, parece que la respuesta durante toda la temporada fue que llegarían “la próxima semana”. Otro punto que me llamó mucho la atención es la forma en que varían los precios de los boletos comprando en el sitio oficial. Pareciera que se le compra a reventa: el mapa de precios varía significativamente de un día a otro, incluso una misma función, un mismo asiento puede cambiar considerablemente dependiendo de que tantos o pocos lugares queden.

Cirque du Soleil: Alegría in a new light
Duración aproximada: 2:15 horas incluyendo intermedio

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