#teatro, circo, marionetas

El Circo

Poster del Festival de Títeres Lucio Espíndola. Se muestra con fines ilustrativos.

Marionetas de la Esquina fue fundada en 1975 por Lucio Espíndola y Lourdes Pérez Gay. Durante 48 años han presentado su repertorio de teatro de títeres en espacios nacionales e internacionales. Lucio Espíndola falleció el 10 de diciembre de 2022, para recordarlo, del 5 de mayo al 4 de junio se lleva a cabo el Festival de Títeres Lucio Espíndola, en La Titería de Marionetas de la Esquina y en el Teatro Orientación del Centro Cultural del Bosque. En el festival participan diversas compañías como Teatro Tinglado, Teatro al Hombro y Badulake Teatro, entre otras.

El pasado 13 de junio en el Teatro Orientación se presentó El Circo, obra escrita por Espíndola en 1976.

Durante 50 minutos nos traslada a una carpa de circo, de las de los años 70s, de esas que ya no hay, con leones y todo.  El maestro de ceremonias nos da la bienvenida a la carpa que se abre majestuosa ante nosotros. El desfile inaugural con la banda presenta situaciones cómicas con los integrantes. Particularmente me llama la atención el músico de la tambora y platillos por la forma en que se mueve tocando sus instrumentos.

A continuación, Pepe con su monociclo presenta su acto con los ojos vendados. Su lenguaje se reduce casi a un monosílabo, lo cual causa risa por la forma en que entrega su palabra y los significados que tiene. La marioneta es capaz de girar sobre su propio eje y equilibrar un objeto en su nariz. Es un mecanismo muy ingenioso sumado con una excelente animación por parte de los titiriteros.

Posteriormente Ariadna la equilibrista camina en la cuerda floja y hace contorsionismo. Ursus, el hombre fuerte, hace demostraciones con sus pesas, haciendo abdominales mientras carga las pesas con los pies ¡Y en verdad parece que hace abdominales! Es otra marioneta con un ingenioso mecanismo. Estrella, la trapecista me dejó embobado con su movimiento, me hizo recordar la vez que vi a Antonio Diávolo, un trapecista autómata del siglo XIX.

Jaime, el domador, trabaja con el león Budineto. He olvidado el nombre del payaso que hace equilibrio en silla y hace rabiar al maestro de ceremonias. Su rutina es de las que más hizo reír a los niños, quienes incluso pedían continuara con su broma. Finalmente las focas amaestradas juegan con pelotas y la función termina con el desfile de todos los artistas, primero las marionetas y después vemos a los titiriteros.

Los niños junto a mí se quejaban del domador Jaime y el maltrato hacia Budineto. Los niños de ahora no conocen lo que fue el circo.

El Circo fue la primer obra de Marionetas de la Esquina. Nos hace pasar un buen rato con las ocurrencias de los personajes y a los que nos interesamos en la animación de los títeres, nos deja pensando cómo están los hilos para lograr esos movimientos. En algún momento se llega a esa “suspensión de la incredulidad” de la que tanto hablan los magos y decidimos ignorar los hilos de las marionetas. Para ver la programación del festival consultar el blog de La Titería, en este post está la cartelera de ambas sedes.

El Circo
De: Lucio Espíndola
Duración: 50 minutos

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#danza, Ballet

Coppelia

Detalle del programa de mano. Se muestra con fines ilustrativos.

Coppelia o La muchacha con ojos de esmalte fue estrenada en 1870 en la Ópera de París, con música de Léo Delibes, libreto de Charles Nuittier y Arthur Saint-León. Coreografía de Saint-León. El argumento se basa en el cuento El Hombre de Arena de E.T.A. Hoffman. Desde entonces este ballet pantomímico se ha mantenido entre los favoritos del público por ser además cómico, siendo conocido simplemente como Coppelia. Ha tenido varias versiones coreográficas a lo largo de sus más de 150 años de existencia.

La Compañía Nacional de Danza presenta la obra como el programa 2 de la temporada 2023, después de 7 años de no montarla. Esta versión fue coreografiada por Enrique Martínez, quien falleció en 1998.

A pesar de ser una obra bastante conocida, creo nunca la había visto en vivo, solo en videos. Además, esta visita al Palacio de Bellas Artes marca mi primer asistencia al recinto después de iniciada la pandemia, la última vez que estuve fue para la Gala Contemporánea, justo una semana después de confirmado el primer caso en México. En esa ocasión hubo muy poco público. Esta vez me dio gusto ver bastante gente, aunque no lleno total y con promociones en internet con el operador de boletos, lo que puede indicar bajas ventas.

La temporada se realiza en dos versiones: con o sin orquesta (música grabada) Hace años todas las funciones eran con orquesta, no sé por qué hace tiempo comenzaron a hacerse las presentaciones con grabación. Al menos ahora hay oportunidad de seleccionar la función y, para mi gusto, ver el ballet con orquesta.

El ballet se divide en tres actos y cuenta la historia de Swanilda y Franz quienes están comprometidos, sin embargo, Franz coquetea con la misteriosa Coppelia, hija del Doctor Coppelius. Coppelia es una muchacha guapa que sale a leer a su balcón y no interactúa con nadie …excepto para mandarle besos a Franz. Swanilda se enoja y no quiere saber nada del matrimonio con Franz. Él se va con sus amigos a una taberna, Coppelius sale a la calle y los bribones se divierten a su costa atacándolo. En el jaloneo pierde sus llaves. Las muchachas que ven todo, toman la llave y se meten a casa de Coppelius. Franz mientras tanto busca una escalera para subir al balcón y visitar a Coppelia.

En el segundo acto, las muchachas descubren que la casa de Coppelius es un taller donde fabrica autómatas y Coppelia es una muñeca. Coppelius mientras tanto, regresa a casa y encuentra la puerta abierta, las chicas salen huyendo excepto Swanilda que toma el papel de Coppelia. Mientras, Franz ha entrado por la ventana. Coppelius lo emborracha para hacer un hechizo y transferirle su alma a Coppelia y que así tome vida. La tarea parece funcionar, ya que la muñeca se mueve, aunque tomándose demasiadas libertades. En realidad, Swanilda se divierte a costa del Doctor.

Franz despierta y ambos huyen, sin antes dejar revuelto el laboratorio y hacerle ver al Doctor la triste realidad de que todo fue un engaño y Coppelia sigue siendo no más que una muñeca.

Durante el tercer acto se celebra la boda entre Franz y Coppelia. Como sucede en la mayoría de los ballets, el acto está dedicado en su totalidad a los festejos.

El ballet es bastante dinámico y divertido. Al ser pantomima, gran parte de la historia se va narrando con gestos. La mazurka siempre es de las favoritas del público. A mi alrededor escuché gente reaccionando con alegría al escuchar las piezas más conocidas. Mucho colorido, limpieza en el movimiento, la ambientación que crea la escenografía es muy bonita, sensación de profundidad en la plaza. Me gustó particularmente que podemos ver, aunque sea un poco, el interior de la taberna, donde se vislumbra a una persona disfrutando su estancia en el lugar. También me impresionó que los bailarines que hacen de muñecos permanecieron gran parte del segundo acto en una sola posición.

Nuevamente, extraño los programas de mano físicos. Al menos el QR funciona y el PDF está bellamente elaborado. Después de tres años de no ver ballet, fue bastante revitalizante y lo hizo mejor la orquesta en vivo. La temporada termina el 30 de abril, quedando aun con y sin orquesta. La función empieza puntual, lo cual se agradece y cuenta con dos intermedios de aproximadamente 10 minutos, teniendo una duración total de alrededor de 2:00 horas.

Coppelia
Coreografía: Enrique Martínez
Adaptación Coreográfica: Compañía Nacional de Danza
Música: Léo Delibes
Director Musical: Luis Manuel Sánchez
Escenografía y vestuario: Eugenio Servin
Iluminación: Compañía Nacional de Danza
Estreno con la CND: 28 de septiembre de 1989, Sala Principal del Palacio de Bellas Artes

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#danza, Ballet, contemporaneo, documental

The International Competition for The Erik Bruhn Prize 2023

Captura de pantalla de los ganadores. Se muestra con fines ilustrativos.

Erik Bruhn fue un bailarín y coreógrafo danés que trabajó con varias compañías. Fue Director Artístico del National Ballet of Canada entre 1983 y 1986 cuando falleció. En su testamento estableció el Premio Erik Bruhn, el cual fue instaurado en 1988 y es organizado por dicho Ballet. El pasado 25 de marzo se llevó a cabo la más reciente edición de este premio, exactamente 37 años después de que Bruhn fuera internado y diagnosticado con cáncer de pulmón, falleciendo unos días después el 1 de abril.

Por primera vez la función realizada en el Four Seasons Centre for the Performing Arts en Toronto, pudo ser vista en todo el mundo gracias una transmisión en vivo de forma totalmente gratuita (livestreaming)  El trabajo de cámara tuvo sus problemas, no estando bien balanceados los blancos, por lo que cada cambio de cámara daba imagen con un tono diferente.

En esta ocasión participaron The National Ballet of Canada, American Ballet Theatre, The Royal Ballet y Stuttgart Ballet. Cada compañía manda una pareja de bailarines, de entre 18 y 23 años. Bailan un pas de deux de repertorio clásico y posteriormente se baila una obra de contemporáneo realizada especialmente para el premio, concursando también por coreografía. En el caso de contemporáneo puede ser un solo o un dueto. Los bailarines, a pesar de bailar juntos, son calificados individualmente. Los jueces no pueden evaluar a los miembros de su propia compañía. Al finalizar, las calificaciones se entregan para un conteo final, los jueces no se reúnen a deliberar y no saben quiénes son los ganadores, enterándose al mismo tiempo que la audiencia en el momento en que el maestro de ceremonias abre el sobre y anuncia los resultados.

Los primeros en bailar fueron Tristan Brosnan y Chloe Misseldine del ABT. Participaron con el Grand Pas Clasique. Me gustó, fue una danza con mucha frescura, se veían conectados, con naturalidad. Me gustó particularmente la variación de Misseldine. Al finalizar Brosnan tuvo una mala caída a pose sobre una rodilla, metiendo la mano al piso para detenerse. Desafortunadamente eso le valdrá puntos.

Siguieron Mackenzie Brown y Adhonay Soares da Silva del Suttgart, presentando también el Grand Pas Clasique. Mucho se ha comentado sobre lo subjetivo que es evaluar una competencia artística. En este caso ¿es bueno o malo ver la misma obra? Puede ser mejor pues se evalúa sobre lo mismo, pero las comparaciones se vuelven inevitables. Técnicamente mucho mejores que los participantes del ABT, no está a discusión. Pero …. Me gustó más la variación de Missledine en comparación con la de Brown. La ejecución fue tan técnicamente perfecta que por momentos la sentí mecánica. Sin la frescura de los bailarines anteriores. Las poses, las sonrisas, eran en momentos tan exactos que se perdía naturalidad. El momento que más me gustó fue al finalizar cuando Soares dejó salir una amplia sonrisa honesta y agradeció a Brown. Eso se ve poco, normalmente las gracias entre bailarines están tan ensayadas que no hay esos momentos de auténtica conexión y agradecimiento entre ellos. Soares no concursó pues sustituyó a Gabriel Figueredo que por circunstancias imprevistas no pudo participar. Por técnica, Brown puede ganar el premio de bailarina.

Siguió el turno para los anfitriones: The National Ballet of Canada. Emerson Dayton y Noah Parets interpretaron el Pas de Deux del cuarto acto de La Bella Durmiente. Bien interpretado, la obra nunca ha sido de mis favoritas, son pocos momentos del Pas de Deux que me gustan.

El final de la primera parte fue con el Royal Ballet. Daichi Ikarashi y Viola Pantuso interpretaron Diana y Acteón. Muy buena ejecución. Ikarashi tiene saltos impresionantes y buena técnica. Lo veo como ganador del premio a bailarín.

Después de un intermedio de 20 minutos la función continuó con el bloque contemporáneo.

Tristan Brosnan y Chloe Misseldine regresaron para bailar Game On de Laurren Lovette. Mackenzie Brown y Adhonay Soares da Silva interpretaron A Dialog de Roman Novitzky. Noah Parets y Emerson Dayton bailaron la creación de Ethan Colangelo titulada fractured. Finalmente Viola Pantuso y Daichi Ikarashi dieron vida a Things left unsaid de Joshua Junker.

La parte contemporánea no la disfruté tanto. Game On del ABT y Things left unsaid del Royal Ballet fueron las que más me gustaron aunque no terminaron de agradarme. La que menos disfruté fue A Dialog del Stuttgart. Movimientos muy cortados, técnicamente difíciles, pero no terminó de agradarme, no me parecía un diálogo, era más como dos monólogos.

El maestro de ceremonias Rex Harrington anunció la proyección de un fragmento del documental I’m the same, only more donde pudimos ver un poco del trabajo de Bruhn. El corto termina con la pregunta “¿Cómo estás? Soy el mismo, solo más”. Al finalizar la proyección se tuvieron los ganadores. Harrington los anunció quedando de esta manera:

Mejor coreografía: A Dialog de Roman Novitzki por el Stuttgart Ballet.

Mejor bailarina: Mackenzie Brown del Stuttgart Ballet.

Mejor bailarín: Daichi Ikarashi del Royal Ballet.

De esta forma concluye la edición 2023 del premio Erik Bruhn, con una duración de aproximadamente dos horas. Por primera vez pudimos disfrutarlo desde otros países en la comodidad de la casa y de forma totalmente gratuita. En días siguientes reportan más de 8000 espectadores en línea. Un agradecimiento especial a quienes hicieron esto posible.

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circo

XVII Encuentro de Circo Joven

El pasado 25 de febrero, el Circo Atayde Hermanos presentó en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris el XVII Encuentro de Circo Joven. Previa convocatoria se seleccionaron los actos que participarían en el evento. Durante la función se invitó al público a votar con mensaje privado en redes sociales por su acto favorito durante los siguientes días. Los tres con más votos pasarán al V Festival Nuevo Circo.

La función fue presentada por Lorena Canseco como maestra de ceremonias. En la primer parte del programa Momo Netza hizo antipodismo, girando pequeños tapetes en los pies, posteriormente también con las manos y una especia de malabares con ellos. Hubo pequeñas fallas pero todo está contemplado y se tiene previsto cómo recuperar rápidamente los tapetes que caigan. A continuación Natalia RamZav realizó aro aéreo con acrobacias en dicho aparato.

El siguiente número fue el payaso Alambrón con una entrada cómica con globo, no fue precisamente lo que a mi me parece cómico. Milo Reygadas continuó con una rutina de diábolo. Trabajo bien pulido, muy dinámico, con pases que por un momento parecían que iban a fallar pero siempre atrapaba el diábolo. Me gustó particularmente que su rutina va bien sincronizada con la música, terminando justo en el acento musical al mismo tiempo que se hizo oscuro. Ya tengo alguien por quién votar.

A continuación Nayeli Ramos presentó un acto de equilibrio sobre manos y evoluciones en un aro. Se notaba dificultad para mantenerse en equilibrio. Al finalizar intentó un lanzamiento de flecha con los pies mientras se apoyaba en las manos. Lo intentó sin éxito tres veces, en cada una se veía más cansada y con más dificultad para sostenerse.

MOA continuó con pole aéreo, un mástil chino que no está apoyado en el piso sino colgando de una cuerda, lo cual hace que se mueva, seguramente aumentando la dificultad. Me gustó, no lo meto a primer lugar pero es un buen número. Casco y Filipo siguieron con una entrada cómica de box, rutina clásica de slapstick. Foster Smith continuó con malabares de rebote. Me sorprendió el control sobre las pelotas, las perdió un par de veces pero hay que considerar que el escenario del Teatro de la Ciudad tiene un declive hacia el frente, ya que las pelotas rebotan en una plataforma, no caen en un piso horizontal y el rebote no será hacia arriba. La plataforma de Smith no se veía que tuviera cuñas para nivelarla, por lo que yo hubiera esperado más dificultad para controlar las pelotas.

Ernesto Ponce concluyó la primer parte con rola bola. Comenzó bien, pero al ir aumentando la dificultad se le fue complicando. Para finalizar trató de mantener el equilibrio sobre el rola bola mientras cargaba a su asistente sobre los hombros ¿de pie? tras varios intentos no lo lograron. Nuevamente creo que el declive del escenario pudo tener un papel crucial en el aumento de la dificultad.

Tras el intermedio Alfonso Meléndez continuó con un acto de blondín (cuerda floja) el aparato me pareció que se balanceaba peligrosamente, no se veía lo suficientemente firme. Eran apreciables las cuñas para nivelar el piso pero se movía y en repetidas ocasiones entraron técnicos a acomodarlas mientras Meléndez trabajaba sobre el aparato, saltando, rebotando y haciendo cabriolas en la cuerda.

Milo continuó con una entrada cómica. Payaso que con ayuda de alguien del publico realizó una serie de situaciones cómicas con un globo y un tiro con arco invisible teniendo una puntería increíble. Tengo otro número compitiendo por mi voto y por la reacción del publico diría que ha sido el favortio de varios.

Luisa Fuentes realizó suspensión capilar. Número aéreo donde es sostenida por el cabello. Erick Medina siguió con malabares con diversos objetos. Al principio sentí flojo el acto y mejoró mucho hacia el final. Siendo los últimos objetos que utilizó su fuerte. En algunos casos combinó objetos al mismo tiempo, lo cual es complicado por requerir diferentes formas de lanzar y atrapar. Allegrissimo mostró un conjunto musical de payasos que tocan una estrofa en formas cada vez más enredadas, al final hacen una cadena donde se van enlazando los instrumentos de cada uno, tocando con una mano el instrumento propio y con la otra el del vecino.

Sebastián Salazar continuó con straps, número aéreo suspendido por cintas. Para finalizar Dúo Mexica realizó un acto en patines. Girando en una plataforma realizaron varios tipos de cargadas. Es una disciplina circense que recuerdo haber visto solo dos veces, ambas en el Teatro de la Ciudad. La vez anterior fue en La Veritá de Finzi Pasca, aunque en una segunda gira omitieron el número. Es también de los actos que me pregunto qué tanto cambia el control con el escenario inclinado.

Mis tres números favoritos: Milo Reygadas (diábolo), Milo (payaso con globo y arco invisible) Dúo Mexica (patines). Al asegurarme de los nombres para votar caigo en cuenta que los números de diábolo y el payaso con el globo y arco son la misma persona.

En redes sociales se dijo que a finales de marzo se darían a conocer los números seleccionados para el Festival Nuevo Circo, pero al escribir esta reseña (un mes después de la función) todavía no se han publicado resultados. Esperemos en los próximos días se haga.

Una buena función, mucho trabajo para lograr estos números de circo, algunos más pulidos, otros con fallas. Ya que el evento es sobre todo para impulsar nuevos talentos es comprensible que haya errores. En los dos números descritos con problemas más evidentes, admiré el deseo de repetir y repetir hasta que saliera bien, al mismo tiempo que decía ya no lo hagan, en cada intento se ven más cansados y menos va a salir. Parte del aprendizaje es conocer el equilibrio entre no darse por vencido y saber cuándo parar.

Quedamos en espera de noticias de Festival Nuevo Circo.

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#danza, #historia, Ballet

Marie-Antoinette

Presentación de Marie-Antoinette. Se muestra con fines ilustrativos.

He visto algunas obras en video de Thierry Malandain y la mayoría me han gustado. Maria Antonieta no es la excepción.

Con música de Haydn y Gluck, Malandain nos lleva al Palacio de Versalles, donde vemos a la corte en fiestas, juegos pueriles y entretenimientos frívolos. También vemos desenvolverse romances entre gente de la corte.

Presenciamos la inauguración de la Opera Real de Versalles, un escenario dentro del palacio. Esta grabación en particular fue realizada en ese preciso escenario.

Se va presentando de igual forma la relación de María Antonieta con Luis XVI. En un principio somos testigos de una pareja amorosa, poco a poco se van separando, la frialdad y rechazo por parte de Luis XVI hacia María Antonieta se van haciendo más y más evidentes.

Hacia el final se escuchan estruendos. Los cañones y disparos que anuncian la revolución. Los dos reyes quedan en el escenario, levantan la cabeza al tiempo que se hace oscuro implicando la caída de la guillotina. Un final impresionante.

Como es frecuente en los trabajos de Malandain, la música y movimiento son alegres, con mucho dinamismo, incluso en escenas lentas. La sincronía de los bailarines con la música y del cuerpo de baile es perfecta. Un trabajo muy bien pulido. La escena final es una imagen con mucha fuerza, sin ser explícitos se insinúa el cadalso y la caída de la cuchilla.

El teatro principal del Palacio de Versalles fue inaugurado en 1770 para celebrar la boda del Delfín (Dauphin, título que se le da al hijo del rey y futuro heredero) con María Antonieta. El hecho de que este ballet sea grabado en ese escenario le da un toque histórico especial.

Una obra recomendable que puede ser vista en medici.tv

Marie-Antoinette
Dirección: Thierry Malandain
Bailarines: Claire Lonchampt, Mickaël Conte, Irma Hoffren, Frederik Deberdt, Miyuki Kanei, Arnaud Mahouy, Raphaël Canet
Música: Joseph Haydn y Christoph Willibald Gluck
Disponible en medici.tv con suscripción

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#teatro

Lun

Cartel de Lun. Se muestra con fines ilustrativos.

El Centro Cultural del Bosque presenta el ciclo La ENAT en Escena con obras de dicha escuela realizadas durante la temporada académica pasada (exámenes de tercero y cuarto año) Dentro del Teatro El Galeón no hay programas ni códigos QR, en el corredor junto al Teatro de la Danza hay una lona con publicidad del ciclo donde se puede ingresar el QR de toda la temporada. La página no funciona correctamente en celular ya que trata de abrir una ventana nueva y el navegador la cierra. En computadora funciona bien. Nota: La gente que va al teatro y usará el QR lo hará desde un celular, no desde una computadora.

La obra que vi, Lun, es presentada por Pamplinas Teatro. Su participación dentro del ciclo termina el martes 24 de enero. En meses pasados se anunció próxima temporada en el Teatro María Teresa Montoya.

La escenografía muestra una casa de techo de dos aguas. El interior del Teatro El Galeón tiene precisamente la forma de dos aguas, con lo que en este especio en particular se crea una extensión bastante interesante.

Lun es una niña de 4 años. Como es normal en su edad, tiene muchas preguntas, frecuentemente cortadas por un «no se». No sabe leer, pero no es necesario, porque de las páginas de su rompecabezas favorito siempre saca sabiduría, mostrando que no es necesario saber para saber. Lun no sabe contar, pero si multiplicar.

Lun es una obra de teatro de absurdo, donde frases inconexas, sin sentido y contradictorias, se entrelazan dando un significado y la razón a los argumentos presentados. Poco después de comenzar a notarlo la misma Acotación lo mencionó.

La obra acaso es una parodia a las convenciones teatrales, es decir a la vida. La ficción, la realidad, el soñar, el día y la noche se mezclan. En improvisación, algo que ha sido establecido no se puede modificar, a veces es contradictorio con otra cosa establecida y hay que buscar la forma de que conviva en esa realidad ficticia. En nuestra realidad, de igual forma, pasan cosas absurdas, pero si pasaron, están establecidas y no se pueden cambiar.

Lun durante su viaje nos muestra que un niño y un adulto (¿su papá? un papá es una persona que puede ser muchas cosas) pueden ser un Augusto y un Carablanca naturales. También que en la vejez se repiten patrones de la infancia. Su inocencia y curiosidad la llevan a buscar y/o encontrar palabras, números, música, Dios, preguntas, respuestas, personas desaparecidas y el momento en que se duerme una persona amada.

¿En si de qué trata? De muchas cosas (lo que hace complicado entenderla) y de una sola cosa (que lo hace fácil). Hay quien verá chistes de actores, hay quien verá una protesta social, una niña creciendo, una búsqueda filosófica o 90 minutos de sinsentido.

Una obra rara y excéntrica, por lo tanto perfectamente normal que con el silencio invita a expresarse y no quedarse callado. Un sinsentido con mucho sentido. De esos trabajos donde cada espectador tomará de la ficción que ve lo que mejor se adapte a su realidad y experiencia.

Si ha sido confuso, vean la obra, quedará todo claro.

Lun
De Valeria Fabbri
Dirección: Jesús Díaz
Con: Félix Vanessa, Iván Zambrano, Kristshell Vásquez, Diego Santana, Aldo Estrada, Dafne Romero y Mónica Magdiel
Duración aproximada: 90 minutos.

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circo

Cirque du Soleil: Kooza

Detalle del vestíbulo de la carpa de Kooza

El pasado 8 de enero finalizó la temporada en México de Cirque du Soleil Kooza. Dicha temporada marcó 20 años de la compañía presentándose en México y su regreso tras la pandemia.

La reseña corresponde a la penúltima función de la temporada, es decir la primera del de 8 de enero.

Comenzaré con los precios. Cirque du Soleil nunca ha sido barato, pero esta vez me pareció particularmente caro. No me sorprende que tanto en Guadalajara como en Ciudad de México hayan tenido múltiples promociones y descuentos durante toda la temporada (Cosa que ya sucedía con espectáculos anteriores) Aún así me sorprendió ver lleno total incluso en las localidades sin promoción.

En cuanto a mercancía trajeron menos que en años anteriores y creo que ligeramente a menor precio. Se notó también la ausencia de stands de los patrocinadores. Un amigo una semana antes me dijo que no había programas a la venta, aparentemente reservados para los espectadores VIP. El último día si estaban disponibles para su compra.

Pasemos al espectáculo: La primera parte se compone de los actos charivari (torres humanas), contorsión, telas aéreas, rueda Cyr y cuerda tensa doble. La segunda parte lleva danza de esqueletos, péndulo de la muerte, diábolos, equilibrio en sillas y trampolines. Ambas partes llevan entreactos de payasos.

El número de contorsión me gustó mucho, sobre todo la música. Las telas no son mi acto aéreo favorito ya que frecuentemente se presentan lento con un ritmo somnífero. En este caso lo presentan de manera muy dinámica que le imprime una energía especial. El programa indica que la rueda Cyr es acto en rotación con dúo de monociclo. Hubo movimientos que nunca había visto con rueda Cyr, todo el tiempo muy controlado y preciso. La cuerda tensa doble es impresionante, con los ejecutantes corriendo, bailando, haciendo esgrima y montando bicicleta sobre la cuerda.

La apertura después del intermedio es baile de esqueletos muy al estilo de cabarets, mucha coreografía y vestuario de plumas. Durante el mismo número se prepara el péndulo de la muerte. No deja de impresionarme y no me explico cómo aprenden a usarlo, no me imagino una forma segura para practicar en él. El número de diábolos es muy bueno, nuevamente hay movimientos que nunca había visto. El programa indica que es acto en rotación con manipulación de aros. El equilibrio en sillas es una torre alta de sillas mientras el ejecutante hace …. Equilibrios. El espectáculo finaliza con trampolines, donde planchas cual sube y baja son usadas para saltar y hacer giros en el aire, incluso usando zancos o un solo zanco atado a ambos pies.

Los números son enlazados por payasos que unas veces interactúan con el público y otras hacen pantomima con gran expresión corporal. Para mi gusto los payasos ocupan demasiado tiempo, sin embargo, cabe destacar cómo están coreografiados los momentos en que se arman aparatos a la vista del público como el caso de las cuerdas tensas y el péndulo de la muerte, donde los payasos corren entre la audiencia o los esqueletos hacen lo propio bailando y desfilando por los pasillos.

El slogan es “Cirque en su estado más puro” Según el programa, el escenario es una plaza que evoca a los circos de antaño. La escenografía es muy sobria en comparación con otros espectáculos del Soleil, lo que puede evocar ese “estado puro”.

Como mago aficionado siempre me he preguntado por qué el Cirque du Soleil no incluye magos. La grabación en video que existe de Kooza muestra un acto de magia y pickpocket (carterismo) y un par de desapariciones. Dichos números no se presentan por lo menos desde marzo del 2014, fecha en que vi el espectáculo en Ámsterdam y ya no se realizaban. El programa sigue haciendo referencia a ellos en la sección “accesorios”. Único acto de magia en el Cirque du Soleil y quedó fuera hace años (Posteriormente en Michael Jackson ONE se incluyó magia y tengo entendido que en Mad Apple hay un mago comediante) Pero queda la pregunta ¿Por qué prácticamente no hay magos?

Hago mención de que había visto el espectáculo antes, para un pensamiento final ¿Qué recuerdo de hace 9 años? La cuerda tensa, el baile de los esqueletos y el péndulo. Todo lo demás prácticamente lo había olvidado (telas, rueda Cyr y diábolos deben ser actos nuevos)

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#danza, Ballet

Sueño de una Noche de Verano (Neumeier)

Portada de Sueño de una Noche de Verano, se muestra con fines ilustrativos.

John Neumeier en 1977 creó su versión de Sueño de una Noche de Verano, basado en la obra de Shakespeare. Historia llevada a la escena de la danza en numerosas ocasiones, esta versión es diferente a las otras por no llevar solo la música del mismo nombre de Mendelssohn.

La historia es la comedia de errores donde dos parejas se adentran en el bosque, una correspondida y la otra no. El bosque es el dominio de las hadas, donde Titania y Oberón tienen sus propias rencillas. Oberón planea verter un hechizo de amor sobre Titania y así burlarse de ella. Puck le ayuda pero el travieso duende comienza a inmiscuirse con las dos parejas de humanos creando una confusión. Al final todo se resuelve y los humanos se casan con la venia de Hipólita y Teseo, los duques, que también celebran su boda.

En la presente versión con el Hamburg Ballet se alterna música de Félix Mendelssohn, no limitada a la Música Incidental a Sueño de una Noche de Verano, con la de György Ligeti. Otro cambio sustancial es que las parejas de Titania/Oberón e Hipólita/Teseo son interpretadas por los mismos bailarines. De igual forma Puck y Filóstrato, que serían los sirvientes de una y otra pareja, son ejecutados por el mismo bailarín.

Vemos a Hipólita y Teseo no como una pareja feliz, están a punto de casarse, pero a Teseo se le ve distante e interesado en otras mujeres. Puede ser un reflejo de la historia tradicional en que Titania y Oberón están peleando por la custodia de un paje ¿hijo?

Las escenas en el bosque, en el reino de las hadas, llevan música de Ligeti. En general no me gusta, me parece muy disonante. Los pas de deux entre Titania y Oberón son de muchas cargadas casi circenses.

Los bailes grupales están muy bien realizados, las escenas del mundo de los humanos son muy luminosas y las escenas de las hadas son muy abstractas y obscuras.

Las escenas de los comediantes que preparan el divertimento para la boda de Hipólita y Teseo son francamente divertidas. Su representación de la tragedia de Píramo y Tisbe es divertida, bien contada y se le dedica su tiempo. Usualmente es un pasaje que se deja de lado o se representa muy de pasada. En la obra de Shakespeare está establecido que un hombre representa a Tisbe, en esta versión cabe destacar que lo hace en puntas aparentando no saber usarlas.

Teseo me parecía conocido. Caí en cuenta que Edvin Revazov es el mismo bailarín que participa en la grabación de La Dama de las Camelias con el Bolshoi al lado de Svetlana Zakharova. La Dama de las Camelias es también de Neumeier, estrenado con el mismo Hamburg Ballet. Para la presentación con el Bolshoi, Neumeier se llevó especialmente a Revazov.

Otros trabajos de John Neumeier me han gustado mucho. Éste me pareció interesante por los paralelismos entre las parejas, sin embargo, no me gustó lo oscuro y la música para las hadas. La grabación, realizada en 2021 se encuentra disponible en medici.tv y fue hecha especialmente para cámara, no es con público en vivo y permite cambios de personaje más rápidos que si fuera en un escenario en vivo.

A Midsummer Night’s Dream
Coreografía: John Neumeier
Bailarines: Anna Laidere, Alexandr Trusch, Edvin Revazov, H´lène Bouchet, Madoka Sugai, Karen Azatyan, Jacopo Bellussi, Marc Jubete
Dirección: Myriam Hoyer
Duración: 2:00 horas

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circo

Luna Eva

El pasado 3 de diciembre se presentó en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, el cierre de temporada de Luna Eva, la nueva creación del Cirko De Mente. Estrenado en el Festival Internacional Cervantino el pasado octubre y con una temporada en la Karpa De Mente, el espectáculo cerró con la presentación en el recinto del Centro Histórico.

Se crea una atmósfera interesante con la iluminación y me gustó mucho lo que el músico hizo con la voz. Se trató de un músico que con sintetizador, voz, mezclas, en momentos piano y percusiones ambientaba los actos.

El espectáculo en si no me gustó. Sentí muy lentas las transiciones entre un acto y otro, creo que frecuentemente eran cosas abstractas, no precisamente algo que uniera argumentalmente cada acto, por ejemplo pasar con un bloque de hielo, dejarlo suspendido y nunca usarlo, o limpiar con mechudos un suelo limpio a una velocidad a la que evidentemente no se está limpiando. Al principio me parece que son unos náufragos en el mar, después la idea la pierdo completamente. La única transición que me gustó fue la de clown.

Los números consistieron en una pequeña introducción donde se vio un poco de todo lo que venía. Luego hubo mástil chino intercalado con pulsadas, malabares con sombreros, suspensión capilar, rueda Cyr, lanzamiento de cuchillos y nuevamente mástil chino con pulsadas.

La transición hacia el número de rueda Cyr fue la que menos me gustó, no me quedó claro si era una transición o un número completo de acrobacia o break. Al comenzar con la rueda sentí el giro descontrolado y un momento después la ejecutante golpeó parte de la escenografía con el resultado de una luz fundida. En el lanzamiento de cuchillos, en el momento cumbre, el cuchillo cayó en el piano. No creo que esté planeado clavar al piano en cada función. Durante la introducción el lanzador ya había perdido su blanco.

Una niña en el público comenzó preguntando con voz muy curiosa ¿Qué es eso? ¿Qué van a hacer? ¿Qué va a pasar? Hacia el final le preguntaba a sus papás por la Navidad.

Hay buenos actos. La iluminación, la música y la voz las disfruté mucho, pero me pareció lenta, muy abstracta y con errores. Con una duración aproximada de 1:15 la sentí larga.

Nuevamente enfrenté al código QR. El teatro proporciona dos: uno para ver la cartelera y otro para ver el programa de mano. La realidad es que ambos muestran la cartelera, por lo tanto desconozco el equipo que trabajó en Luna Eva. Por el momento he asistido a 3 obras con QR y solo en una de ellas funcionó.

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#magia, #teatro

La Desilusión de la Ilusión

Logo de La Desilusión de la Ilusión. Se muestra con fines ilustrativos.

En su descanso entre dos funciones de magia, un mago nos cuenta su historia. El mago cuenta pasajes de su vida, que proviene de familia de magos (abuelo y ambos padres) cómo su padre trabajaba con su espectáculo callejero, los pregones que hacía, así como la magia que realizaba.

Cómo su hermano rompió la tradición de tres generaciones, pero de todos modos está involucrado en el arte. En algún momento el descubrimiento de la cruda realidad, cómo un recuerdo no era lo que él creía sino un acto de sacrificio.

Durante el monólogo se van realizando varios trucos de magia. Me llama la atención que la mayoría son clásicos de antaño que difícilmente se ven hoy en día. Hay aparición de monedas, vasos de leche que multiplican su volumen (perfectamente aplicadas a la historia familiar) un árbol que crece y produce naranjas reales (un clásico que no había visto presentado de esta forma) una luna flotando, un florero que no pierde su agua y un ganador de la lotería.

Las reflexiones del mago, que seguramente está solo en su camerino, de pronto rompen la cuarta pared y se involucra abiertamente con el público. La obra se ambienta con música en vivo.

La obra es un tanto autobiográfica pues toma ciertos elementos de la vida e historia familiar de Javier Rendón Tovar quien actúa al igual que lleva la dramaturgia y dirección al lado se su hermano Carlos. Javier es mago (Javy Poker), su abuelo era mago y sus padres son magos. Su hermano no, pero es pintor y cineasta. También hay elementos ficticios. En este tenor autobiográfico me hubiera gustado ver a un actor más maduro y no joven en los 20s.

Una combinación raramente vista en la actualidad de teatro con magia, un toque de musical con canciones e historias que se entretejen con los efectos mágicos. Estrenada hace un año en el Teatro Sergio Magaña, actualmente tiene temporada hasta el 18 de diciembre en el Foro 4 Espacio Alternativo del Centro Cultural Helénico. El cupo es de solo 60 personas. La función se desarrolla en un ambiente íntimo donde el mago y el músico están a muy corta distancia del público. Al finalizar uno puede tomarse fotos con el elenco que sale al vestíbulo a saludar.

Extraño los programas de mano impresos, no me gustan los de código QR, pero supongo tendré que acostumbrarme a ellos. Afortunadamente el código funciona.

La Desilusión de la Ilusión
Actuación: Javier Rendón Tovar
Dramaturgia y dirección. Javier Rendón Tovar y Carlos Rendón Tovar
Música original: Fores Basura y David Amaga
Duración: 75 minutos aproximadamente.
Sábados y domingos 20:00 horas Foro 4 Espacio Alternativo. Hasta el 18 de diciembre.

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