#magia

Crescendo

Le Double Fond es un bar de magia en París, ubicado en la plaza Sainte-Catherine. La planta baja es un restaurante-bar-café, pero al pasar al doble fondo del edificio, es decir al sótano, uno encuentra un pequeño teatro para 50 personas, donde se pueden ver espectáculos de magia.

La cartelera normalmente es de jueves a sábado, con algunas actividades los domingos, principalmente en horario familiar.

El 7 de mayo, el espectáculo fue Crescendo, con Boris Wild, nominado al Espectáculo Mágico del año 2026, por la Federación Francesa de Magia. Como su nombre lo indica, el show va in crescendo, subiendo poco a poco de intensidad, hasta llegar a un clímax poético.

Principalmente con magia con cartas y participación del público, Boris Wild va creando situaciones imposibles. Por ejemplo, una carta creada por varios miembros de la audiencia se localiza precisamente en la posición baraja indicada por un número nombrado por otro espectador. Hay efectos en que una baraja se transforma completamente en la carta seleccionada, o cartas blancas que se imprimen mágicamente. Otra rutina para recordarse es cuando localiza cartas seleccionadas por varios espectadores mientras se invita a gritar “Oh là là”.

El espectáculo cuenta también con una bella rutina con los aros chinos. Un clásico.

Boris Wild nos ofrece también su famosa rutina de los besos. Una historia de amor realizada con cartas y fondo musical ad hoc. El retrato de una muchacha desaparece para volver a encontrar su imagen de una forma mágica. Las cartas se van llenando de marcas de besos. Una segunda parte materializa impresiones de mariposas.

La función comenzó con un tono ligero, de conversación y bromas. El día que fui, un niño bastante despierto con conocimiento de cartas y seguramente de magia, desempeñó una participación del público muy memorable. Poco a poco el ambiente fue siendo más serio, para concluir con el momento romántico – poético. El Espectáculo, como se nos prometió, fue in crescendo.

Había visto a Boris Wild en 2014 en una convención de la Society of Americans of Magicians, participando en una gala, al lado de otros magos, por lo tanto, solo fue un par de rutinas, la de los besos. En esta ocasión, tuve la oportunidad de ver su espectáculo completo. A pesar de no hablar mucho francés y perderme la mayoría de las bromas, la magia es universal y me sentí envuelto y sorprendido por sus efectos. Las risas de la audiencia me hacían notar que las bromas que no entendía eran buenas.

Le Double Fond, al ser un espacio tan íntimo, permite disfrutar del espectáculo. Creo que no hay lugares malos, todos tienen una buena vista. Se presta además para que el artista conviva con la audiencia al finalizar. Fue el caso con Boris Wild, por lo que los asistentes pudimos platicar, saludar y tomarnos una foto.

Crescendo
Con: Boris Wild
Duración aproximada: 1:15 horas

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#danza, Ballet

Romeo y Julieta

Romeo y Julieta es una conocida obra de William Shakespeare que ha sido llevada al ballet en diferentes versiones. La partitura más popular es la de Sergei Prokofiev. El Ballet de la Ópera de París acostumbra bailar la coreografía de Rudolf Nureyev desde 1984.

No deja de sorprenderme toda la actividad que gira alrededor de la Ópera de París: patrocinadores, funciones todos los días prácticamente todo el año (excepto en vacaciones de verano) la variedad de mercancía en su tienda de recuerdos, funciones agotadas con meses de anticipación, y por supuesto, la gran cantidad de audiencia.

Durante la temporada 2025-2026, Romeo y Julieta se presentó en el teatro Ópera Bastilla, con capacidad mayor al recinto histórico del Palais Garnier.

En esta versión, el destino representado por las Parcas, juega a los dados al inicio de la obra, decidiendo así el trágico fin de la historia desde antes de comenzar.

Una función magnífica, los bailarines con técnica impecable, mucha plasticidad y ligereza en los movimientos, pareciera que no es difícil lo que están haciendo, como si no se cansaran. Los saltos prácticamente sin ruido al caer, incluso las zapatillas de punta hacen muy poco ruido.

Las escenas incluyen mucho colorido, movimiento y apoyo en otras disciplinas, como manejo de espadas, combate escénico, malabares, uso de banderas y acrobacia de piso. Visualmente hablando, hay muchos estímulos. Interpretativa y emocionalmente hablando, se logra muy bien la tragedia.

Hay escenas que no recuerdo haber visto en otras versiones y en ésta, me deja más clara la historia. Por ejemplo ¿Por qué Romeo no se enteró del plan de la falsa muerte de Julieta? Porque el mensajero fue interceptado y no llegó a su destino.

Otras escenas generan más peso a la tragedia. Tras la muerte de Tibaldo, primo de Julieta, ella está completamente desgarrada soltando su ira sobre el asesino: Romeo, que también es la persona a la que ama. Otra escena es la premonición de muerte, las dudas de Julieta de si tomar el brebaje o no, se vislumbran incluso pensamientos suicidas.

Es una obra muy bien lograda, integra todos sus elementos creando una velada espectacular. Hace años había visto una grabación en video, pero no es lo mismo verlo y oírlo en vivo.

Rome y Julieta
Coreografía: Rudolf Nureyev.
Música: Sergei Prokofiev.
Función del 4 de mayo, personajes principales interpretados por: Guillaume Diop, Hohyun Kang, Francesco Mura, Isaac Lopes Gomez, Daniel Stokes, Aubane Philbert, Rémi Hairy Araujo, Sarah Kora Dayanova, Mathieu Botto, Sarah Barthez.
Director musical: Robert Haussart.
Duración aproximada: 3:10 horas, incluyanedo dos intermedios.

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#historia, #magia, museo

Maisón de la Magie

Jean Eugene Robert-Houdin fue un mago francés del siglo XIX, considerado el padre de la magia moderna, nacido en Blois, Francia, en el Valle del Loira.

La Maisón de la Magie es un museo de magia en la ciudad que vio nacer al famoso prestidigitador. Ubicado frente al castillo de Blois, al otro lado de la explanada, en una casona, el museo tiene en el frente una estatua de Robert-Houdin. Una hidra asoma sus seis cabezas y una cola, cada cierto tiempo, por las ventanas del edificio.

En el interior, el muso ofrece un breve resumen de la historia de la magia. En exhibición están algunos aparatos de grandes ilusiones, hay efectos con espejos donde el visitante puede tomarse fotos. Una sección sobre Harry Houdini y lo más relevante a mi gusto: un piso dedicado a Robert-Houdin.

En esa sección se puede ver un “reloj misterioso” cuya carátula de cristal transparente muestra manecillas aparentemente aisladas de todo mecanismo (un reloj de éstos se encuentra en el museo José Luis Bello de la ciudad de Puebla) se muestran también artículos personales de Robert-Houdin y muestras de su trabajo en otros campos como la óptica. Así mismo un video explica algunos de sus efectos más famosos.

El boleto de acceso incluye una función de magia en el teatro ubicado en el sótano y de manera opcional, se puede entrar también a otra presentación de magia de cerca. En el ático se ofrecen pequeños talleres de magia para niños.

La tienda está llena de sorpresas para amantes de la magia, incluyendo algunos productos exclusivos.

Aunque digan que el museo se ve en una hora, máximo hora y media, uno puede perderse por más tiempo. A considerar: el museo cierra a medio día para volver a abrir más tarde, por lo que el horario queda dividido en dos bloques de dos horas y media.

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#teatro

Rey Ubú

Alfred Jarry escribió la obra Ubú Rey, la cual se estrenó en 1896. El Carro de Comedias de la UNAM presenta la puesta en escena Rey Ubú, mostrando que 130 años después, la temática sigue vigente.

Respecto al título, en la función que vi, se manejaba como Rey Ubú, aunque en el programa de mano siempre se menciona Ubú Rey. En lo particular, éste último es el nombre que siempre he escuchado y asumí que para este montaje se decidió invertir ambas palabras.

Jarry es considerado uno de los precursores del surrealismo, dadaísmo y teatro de lo absurdo. La obra tiene momentos grotescos, sobreactuación y nada de naturalidad en los personajes, lo cual refleja lo absurdo y la farsa que se hace de la realidad. Siendo la realidad, también grotesca.

Ubú es un capitán del ejército que inicialmente traicionará al rey, asesinándolo y alzándose en el poder. Mas adelante traiciona a las personas que lo respaldaron. Rápidamente se vuelve tirano que se acobarda en los momentos decisivos y utiliza a todo aquél a su alrededor para salirse con la suya y aferrarse al poder todo el tiempo que sea posible.

Como es lo normal, el Carro de Comedias se presenta en la explanada del Centro Cultural Universitario, a las afueras del Teatro Juan Ruiz de Alarcón.

Rey Ubú
De. Alfred Jarry
Dirección: Mario Espinosa
Con: Santiago Alfaro, Valeria Becerril, Edwin Bool, Víctor Villagrán, Alejandra Piastro y Nahomi Roldán
Hasta el 28 de junio
Duración aproximada: 70 minutos

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#historia, circo

Circo en llamas

Giuseppe Chiarini nació en la actual Italia y se convirtió en un gran empresario de circo del siglo XIX y trabajó en México entre 1864 y 1868.

Sergio López Sánchez, en su libro Circo en llamas: los viajes de Giuseppe Chiarini en México (1864-1868) documenta esta aventura. Dividido en dos tomos, la primer parte cuanta la historia de Chiarini en Cuba, su llegada a México y su empresa durante el imperio de Maximiliano. En la segunda parte, se describe el periodo de la República Restaurada y sus viajes hacia el interior del país, la parte occidental y posterior partida.

Ambos libros están muy documentados, profusamente ilustrados y con notas al pie, de un sinnúmero de publicaciones, archivos y periódicos de donde se va armando la historia. Es imposible separar los hechos del momento histórico en el que ocurrían, por lo que el relato del Circo de Chiarini, se va intercalando con las intrigas políticas y sucesos del momento.

La llegada de Chiarina a México coincide con el anuncio de que Maximiliano aceptó el trono ofrecido por los conservadores. Aparentemente la época de bonanza para el empresario fue entre Puebla y la Ciudad de México justo durante la presencia de Maximiliano. Tras la reinstauración de la República, con Juárez de regreso, se describen épocas más aciagas para el cirquero por lo que prueba suerte hacia otras regiones del país, eventualmente saliendo de él.

Porfírio Díaz es otro personaje histórico que aparece a menudo en el relato, siendo responsable de uno de los varios incendios que sufrieron las diversas instalaciones del Circo Chiarini (de ahí el título Circo en llamas)

Hay pasajes donde el autor da vuelo a la imaginación y con licencia poética propone hechos que pudieron o no suceder, se oyen muy bien dentro de la historia, pero no se pueden comprobar dichas sugerencias. Otro punto en contra es que, a mi gusto, ensalza demasiado a Maximiliano y a Díaz.

En general es un libro apasionante, de fácil lectura, aunque perdí un poco el ritmo hacia la última parte del segundo tomo. Un gran trabajo de investigación que tomó varios años hacer y finalmente se ve publicado. Será la delicia de los amantes del circo y de la historia.

Extrañamente, el libro fue presentado en diciembre de 2025 durante la venta de bodega del INBA, un libro nuevo que es lanzado dentro de los remates. A pesar de ser producido por la Secretaría de Cultura, el Instituto Nacional de Bellas Artes y el Instituto Sinaloense de Cultura, no lo he visto aún en las librerías Educal, solo en aquella venta de bodega. Espero la distribución se haga correctamente y el libro pueda llegar a un gran número de lectores.

Circo en llamas: los viajes de Giuseppe Chiarini en México (1864-1868) Tomo I y Tomo II
Sergio López Sánchez
Secretaría de Cultura. Instituto Nacional de Bellas Artes.Instituto Sinaloense de Cultura
México, 2025. 308 pp / 313 pp.

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#historia, circo, libros

Ni circo, ni teatro … Maroma

La Maroma es un circo campesino desarrollado principalmente en Puebla y Oaxaca. Bajo el nombre “La Maroma o circo campesino de la región Mixteca” se encuentra dentro del inventario del patrimonio cultural inmaterial de México.

Rey David Sanjuán Zamora, del Grupo Mixteca de mi Corazón, con el apoyo del Programa de Apoyo a las Culturas Municipales y Comunitarias (PACMyC Oaxaca), la Secretaría de Cultura y Artes de Oaxaca y la Secretaría de Cultura (federal) publicó en 2020 el libro Ni circo, ni teatro … Maroma.

Se trata de un libro pequeño de 58 páginas donde se explica a grandes rasgos los antecedentes de la maroma y el desarrollo de la actividad en la Mixteca.

Siendo un circo campesino, los miembros de las compañías tienen su formación y ensayos tras finalizar sus actividades en el campo. Se montan estructuras para trapecios y se hacen funciones en las comunidades o son invitados para presentarse en las fiestas patronales de la zona.

Las generaciones nuevas han perdido interés en la tradición y los ejecutantes se han hecho mayores, por lo que la Maroma está en riesgo al tener cada vez menos practicantes.

Con texto y fotografías de Rey David Sanjuán, el libro plasma no solo de lo que se trata la Maroma, también proporciona entrevistas con los maestros ejecutantes y deja una memoria fotográfica. A su vez, proporciona una breve bibliografía donde se puede conocer más del tema.

Se trata de un librito muy importante por registrar esta tradición. Solo me hubiera gustado que fuera más amplio y profundizara más en el tema.

Esta reseña fue posible gracias a Iván Casasola del Centro de Documentación de Moros y Cristianos quien prestó el ejemplar a Por los Teatros.

Ni circo, ni teatro … Maroma
Grupo Mixteca de mi Corazón
Texto y fotografí: Rey David Sanjuán Zamora
México, 2020
58 páginas

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#magia, #teatro

El Manipulador de Mentes

Siguiendo la línea de “La obra que sale mal”, Próspero teatro, bajo acuerdo con Mischief Worldwide, presentan «El manipulador de mentes, una noche de ilusión trágica«.

Daniel Haddad (Mago Dínez – Oficínico), Daniel Ortíz “Super” y Miguel Tercero nos entregan este espectáculo unipersonal de dos personas … o tres … donde un mago mentalista promete manipular la mente de los espectadores mediante ciencias exactas, no meros trucos.

El espectáculo va saliéndose de control generando situaciones cómicas. Las mismas pueden surgir de los clichés del mentalismo, hasta de cosas absurdas.

Sin dar demasiados detalles para no desvelar el misterio, algunos efectos son evidentemente vaciladas mientras que otros si asombrarán al público.

Hay mucha interacción con el público, aunque en algunos casos no es tan claro que se está invitando a los espectadores a hacer algo. En un segmento se revelará lo que miembros de la audiencia escribieron en papeles. Esta parte se alargó innecesariamente por una espectadora que no cooperaba con el mago.

La obra en general lleva buen ritmo, pero me pareció muy larga. Anunciada con duración aproximada de dos horas incluido intermedio, en realidad duró dos horas con veinte minutos. Para mi gusto podía haber finalizado en el intermedio. Esa pausa es necesaria para preparar un efecto con la ayuda de la audiencia.

Al ser una adaptación en español de una obra original en inglés estrenada en el West End, supongo están respetando la estructura original, efectos y por supuesto la duración. Así es el original, no están alargando la función por gusto.

Me gustan particularmente las funciones de magia que llevan un corte más teatral y se apoyan en otras disciplinas para crear un espectáculo más completo. Es el caso de El Manipulador de Mentes.

La obra se presenta actualmente en el Centro Cultural Helénico, finalizando temporada el 29 de marzo. El viernes 27 hay entrada libre por el Día Mundial del Teatro

El manipulador de mentes. Una noche de ilusión trágica
Por Henry Lewis, Jonathan Sayer y Henry Shields
Con: Daniel Haddad, Daniel Ortíz «Super» y Miguel Tercero
Una producción de Próspero Teatro bajo acuerdo con Mischief Worldwide Ltd.
Duración aproximada: 2:20 horas con intermedio.

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#teatro

La danza que sueña la tortuga

En el marco del centenario del natalicio de Emilio Carballido (1925-2008), se presentó su obra “La danza que sueña la tortuga”. Ha sido un montaje muy exitoso que ha tenido varias extensiones de temporada en el Teatro Orientación, finalizando la más reciente, el pasado 15 de marzo.

Se trata de una comedia de enredos, amor y machísimo, dirigida por Nohemí Espinosa, quien con su experiencia en clown hace aún más cómicas las situaciones.

Ambientada en Córdoba de los años 50s, entre todas las risas, el espectador se lleva la historia triste, casi trágica, de una familia guiada por el machismo del jefe de familia que tiene a las hermanas, hijos, sobrinos y demás, a su servicio, sintiéndose con derecho de decidir sobre sus vidas, el negocio que llevan y hasta de la calle donde están establecidos.

Una historia de amor que surge de un malentendido se va complicando. Por momentos los lazos familiares se vuelven confusos. El parentesco de los comprometidos (primos segundos) no es lo que le preocupa al patriarca, él solo quiere imponer su autoridad y mantener a las hermanas a su servicio.

Mujeres de más de 35 – 40 años que se les fue el tren, la niña mimada, el hijo haciendo de poeta (cosa que no es de hombres) no poder adoptar por «el qué dirán», no aprobar el matrimonio porque es de mala familia, porque me cae mejor aquella persona; el estigma del divorcio, hombres mujeriegos y mentirosos. El macho que se las sabe de todas todas y afirma “cuando tú vas yo vengo”.

Conductas, frases y actitudes que 70 años después siguen escuchándose.

La obra refleja una crítica social que sigue vigente después de varias décadas. El montaje y las actuaciones son muy buenas. Los personajes indudablemente hacen pensar en alguien que conocemos. La escenografía nos transporta al pasado donde vemos la tienda de abarrotes con vitroleros, refrigeradores horizontales de refrescos, con su destapador integrado, botes de dulces y venta de otras tantas cosas como fruta y mercería.

Muy recomendable. No había podido verla en las temporadas anteriores y fue casi al final de la última extensión que pude asistir.

La danza que sueña la tortuga.
De: Emili Carballido.
Dirección: Nohemí Espinosa.
Con: Sonia Couoh, Carmen Mastache, Omar B. Betancourt, Jorge Zárate, Erika de la Llave, Berencie Rios}e, Cris Ramos y Yadira Pérez.
Duración: 140 minutos.

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#teatro, Nohgaku, Sin categoría

Río Sumida

Río Sumida (Sumidagawa) es una obra clásica de teatro Noh escrita por Kanze Motomasa (1394-1432) El título hace referencia al río que atraviesa Edo, lo que actualmente es el centro de Tokio.

La obra cuenta la historia de una madre en busca de su hijo de 12 años que fue secuestrado por traficantes de esclavos. En su camino, cruzará el Sumida con la ayuda de un barquero y en compañía de un viajero. Ellos tratan de divertirse a su costa y es en el trayecto que se conocerá su historia, su búsqueda y su dolor.

Teatro Noh México ha estado desarrollando diferentes actividades entre las que se encuentra el montaje de Río Sumida, bajo la dirección del maestro Richard Emmert.

Una presentación del trabajo en progreso se realizó el 8 de diciembre en el Pabellón Escénico del Centro Cultural del Bosque, contando con una exposición de algo más de 40 máscaras realizadas por alumnos del maestro Hideta Kitazawa.

Río Sumida es una historia triste, con mucha carga emocional muy contenida. A pesar de conocer la historia y haber visto la obra, hubo varios momentos en los que me dieron ganas de llorar, sintiendo desde huecos en el estómago, hasta los ojos comenzando a hacerse agua.

Para este montaje, se contó por primera vez con una máscara, expresamente realizada por el maestro Kitazawa, combinando el diseño tradicional japonés con rasgos mexicanos. El maestro ha comentado que las máscaras tienen ciertos rasgos para que cambie la expresión según se mueva de frente, de lado o se incline la cabeza. Por primera vez pude ver esto en acción en un escenario y es impresionante cómo la máscara cobra vida. Hay momentos en que uno juraría que la máscara llora o cierra los ojos. Las sombras creadas por la iluminación y las inclinaciones de cabeza cambian totalmente la expresión. Por supuesto, gracias también al movimiento preciso del ejecutante.

Al finalizar, el silencio es aplastante. Una atmósfera muy densa donde todos los participantes salen ceremoniosa y sobriamente. No todos con la misma carga, pero el peso ahí está y se siente. Tristeza y más tristeza, no queda más. El aplauso llega cuando el último miembro del coro sale. A mi parecer, un poco anticipado. Me hubiera gustado prolongar más ese silencio.

En medio de esa atmósfera me pregunté ¿Qué acaba de suceder? ¿Qué acabo de ver? Posiblemente seamos los afortunados en ver por primera vez en México una obra Noh, lo más apegada a lo que sería un montaje tradicional, aunque aún sea trabajo en progreso.

Al escribir estas líneas, vuelvo a estremecerme. Río Sumida es un claro ejemplo de que uno va al teatro a sentir algo, no necesariamente a “divertirse” en un sentido de reír o pasar un rato agradable.

Teatro Noh México es un proyecto de Tusitalas Artes Escénicas, con el apoyo de Toshiba International Foundation (TIFO)

Río Sumida.
De Kanze Motomasa.
Dirección escénica y adaptación musical: Mtro. Richard Emmert.
Realización de máscara del Shite: Mtro. Hideta Kitazawa.
Adaptación al español de la versión en inglés: Alejandra Castro.
Vestuario: Tere Águila / Rafael García.
Coro: Griselda Ashari, Ammi Yan Villanueva, Berta María Hernández, Daniel Loyola, Frida de la Torre, Isaid, Pelayo, Isabel Raigosa, Kenia Castillo Mendoza, María Elisa Rojas, Mariana Becerra Núñez, Martha Merina, Nelson Rodriguez.
Personajes: Jéssica Gámez, Victor Siáñez Vaca, Alheli Ábrego, Regina Mirón Martínez.

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#teatro

Nahuala

Detalle del póster de Nahuala.

Nahuala nos presenta una historia donde Naya’ni crece en una familia donde se expresa poco el amor y la comunicación está ausente. Poco a poco conocerá el mundo de los Nahuales y las Tonas. Con sus acciones tendrá que decidir si se inclina al bien o al mal, si la ira gana o puede controlarla y si aceptará la guía de los seres que se le presentan.

La historia es musicalizada en vivo y las actrices interpretan a varios personajes. El uso de máscaras, tanto de humanos como de animales, le da un toque muy especial.

Las Tonas tienen un vestuario y máscaras muy coloridos, que remiten precisamente a las Tonas de artesanía de madera (no confundir con Alebrijes, que son estrictamente de cartonería)

En esta reseña estoy tratando de no revelar mucho de la historia, por el título de la obra, creo que no es ningún secreto que existe una nahuala. Las diferentes etapas de transformación son muy interesantes y el animal final es una mezcla de humano y marioneta con movimientos complejos.

 Se trata de una obra interesante que une cosmogonía zapoteca, artesanía de talleres de Oaxaca con un mensaje sobre identidad, amor, ira, comunicación y desplazamiento de la sociedad por grupos de poder. Al finalizar, el elenco sale al vestíbulo a saludar y tomarse fotos con el público.

Nahuala es una obra de Ámonos recio con Los tres pies del gato y se presentará hasta el 14 de diciembre en el teatro El Galeón del Centro Cultural del Bosque.

Nahuala
Idea original, dirección general y diseño de máscaras humanas: Elsi Yamel Salgado.
Dramaturgia y direccón escénica: Andrómeda Mejía.
Con: Jéssica Gámez, Isabel Raigosa, Elsi Yamel Slagado y Rosaura Pérez Sanz.
Música en vivo y titiritero: Daniel Loyola.
Diseño de máscaras Tonas y Nahuales: María Mendoza co-fundadora del Taller Jacobo y María Ángeles
Diseño de títeres: Humberto Galicia.
Música original y diseño sonoro: Félix Bailón.
Duración aproximada: 75 minutos.

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