Jean Eugene Robert-Houdin fue un mago francés del siglo XIX, considerado el padre de la magia moderna, nacido en Blois, Francia, en el Valle del Loira.
La Maisón de la Magie es un museo de magia en la ciudad que vio nacer al famoso prestidigitador. Ubicado frente al castillo de Blois, al otro lado de la explanada, en una casona, el museo tiene en el frente una estatua de Robert-Houdin. Una hidra asoma sus seis cabezas y una cola, cada cierto tiempo, por las ventanas del edificio.
En el interior, el muso ofrece un breve resumen de la historia de la magia. En exhibición están algunos aparatos de grandes ilusiones, hay efectos con espejos donde el visitante puede tomarse fotos. Una sección sobre Harry Houdini y lo más relevante a mi gusto: un piso dedicado a Robert-Houdin.
En esa sección se puede ver un “reloj misterioso” cuya carátula de cristal transparente muestra manecillas aparentemente aisladas de todo mecanismo (un reloj de éstos se encuentra en el museo José Luis Bello de la ciudad de Puebla) se muestran también artículos personales de Robert-Houdin y muestras de su trabajo en otros campos como la óptica. Así mismo un video explica algunos de sus efectos más famosos.
El boleto de acceso incluye una función de magia en el teatro ubicado en el sótano y de manera opcional, se puede entrar también a otra presentación de magia de cerca. En el ático se ofrecen pequeños talleres de magia para niños.
La tienda está llena de sorpresas para amantes de la magia, incluyendo algunos productos exclusivos.
Aunque digan que el museo se ve en una hora, máximo hora y media, uno puede perderse por más tiempo. A considerar: el museo cierra a medio día para volver a abrir más tarde, por lo que el horario queda dividido en dos bloques de dos horas y media.
Alfred Jarry escribió la obra Ubú Rey, la cual se estrenó en 1896. El Carro de Comedias de la UNAM presenta la puesta en escena Rey Ubú, mostrando que 130 años después, la temática sigue vigente.
Respecto al título, en la función que vi, se manejaba como Rey Ubú, aunque en el programa de mano siempre se menciona Ubú Rey. En lo particular, éste último es el nombre que siempre he escuchado y asumí que para este montaje se decidió invertir ambas palabras.
Jarry es considerado uno de los precursores del surrealismo, dadaísmo y teatro de lo absurdo. La obra tiene momentos grotescos, sobreactuación y nada de naturalidad en los personajes, lo cual refleja lo absurdo y la farsa que se hace de la realidad. Siendo la realidad, también grotesca.
Ubú es un capitán del ejército que inicialmente traicionará al rey, asesinándolo y alzándose en el poder. Mas adelante traiciona a las personas que lo respaldaron. Rápidamente se vuelve tirano que se acobarda en los momentos decisivos y utiliza a todo aquél a su alrededor para salirse con la suya y aferrarse al poder todo el tiempo que sea posible.
Como es lo normal, el Carro de Comedias se presenta en la explanada del Centro Cultural Universitario, a las afueras del Teatro Juan Ruiz de Alarcón.
Rey Ubú De. Alfred Jarry Dirección: Mario Espinosa Con: Santiago Alfaro, Valeria Becerril, Edwin Bool, Víctor Villagrán, Alejandra Piastro y Nahomi Roldán Hasta el 28 de junio Duración aproximada: 70 minutos
Giuseppe Chiarini nació en la actual Italia y se convirtió en un gran empresario de circo del siglo XIX y trabajó en México entre 1864 y 1868.
Sergio López Sánchez, en su libro Circo en llamas: los viajes de Giuseppe Chiarini en México (1864-1868) documenta esta aventura. Dividido en dos tomos, la primer parte cuanta la historia de Chiarini en Cuba, su llegada a México y su empresa durante el imperio de Maximiliano. En la segunda parte, se describe el periodo de la República Restaurada y sus viajes hacia el interior del país, la parte occidental y posterior partida.
Ambos libros están muy documentados, profusamente ilustrados y con notas al pie, de un sinnúmero de publicaciones, archivos y periódicos de donde se va armando la historia. Es imposible separar los hechos del momento histórico en el que ocurrían, por lo que el relato del Circo de Chiarini, se va intercalando con las intrigas políticas y sucesos del momento.
La llegada de Chiarina a México coincide con el anuncio de que Maximiliano aceptó el trono ofrecido por los conservadores. Aparentemente la época de bonanza para el empresario fue entre Puebla y la Ciudad de México justo durante la presencia de Maximiliano. Tras la reinstauración de la República, con Juárez de regreso, se describen épocas más aciagas para el cirquero por lo que prueba suerte hacia otras regiones del país, eventualmente saliendo de él.
Porfírio Díaz es otro personaje histórico que aparece a menudo en el relato, siendo responsable de uno de los varios incendios que sufrieron las diversas instalaciones del Circo Chiarini (de ahí el título Circo en llamas)
Hay pasajes donde el autor da vuelo a la imaginación y con licencia poética propone hechos que pudieron o no suceder, se oyen muy bien dentro de la historia, pero no se pueden comprobar dichas sugerencias. Otro punto en contra es que, a mi gusto, ensalza demasiado a Maximiliano y a Díaz.
En general es un libro apasionante, de fácil lectura, aunque perdí un poco el ritmo hacia la última parte del segundo tomo. Un gran trabajo de investigación que tomó varios años hacer y finalmente se ve publicado. Será la delicia de los amantes del circo y de la historia.
Extrañamente, el libro fue presentado en diciembre de 2025 durante la venta de bodega del INBA, un libro nuevo que es lanzado dentro de los remates. A pesar de ser producido por la Secretaría de Cultura, el Instituto Nacional de Bellas Artes y el Instituto Sinaloense de Cultura, no lo he visto aún en las librerías Educal, solo en aquella venta de bodega. Espero la distribución se haga correctamente y el libro pueda llegar a un gran número de lectores.
Circo en llamas: los viajes de Giuseppe Chiarini en México (1864-1868) Tomo I y Tomo II Sergio López Sánchez Secretaría de Cultura. Instituto Nacional de Bellas Artes.Instituto Sinaloense de Cultura México, 2025. 308 pp / 313 pp.
La Maroma es un circo campesino desarrollado principalmente en Puebla y Oaxaca. Bajo el nombre “La Maroma o circo campesino de la región Mixteca” se encuentra dentro del inventario del patrimonio cultural inmaterial de México.
Rey David Sanjuán Zamora, del Grupo Mixteca de mi Corazón, con el apoyo del Programa de Apoyo a las Culturas Municipales y Comunitarias (PACMyC Oaxaca), la Secretaría de Cultura y Artes de Oaxaca y la Secretaría de Cultura (federal) publicó en 2020 el libro Ni circo, ni teatro … Maroma.
Se trata de un libro pequeño de 58 páginas donde se explica a grandes rasgos los antecedentes de la maroma y el desarrollo de la actividad en la Mixteca.
Siendo un circo campesino, los miembros de las compañías tienen su formación y ensayos tras finalizar sus actividades en el campo. Se montan estructuras para trapecios y se hacen funciones en las comunidades o son invitados para presentarse en las fiestas patronales de la zona.
Las generaciones nuevas han perdido interés en la tradición y los ejecutantes se han hecho mayores, por lo que la Maroma está en riesgo al tener cada vez menos practicantes.
Con texto y fotografías de Rey David Sanjuán, el libro plasma no solo de lo que se trata la Maroma, también proporciona entrevistas con los maestros ejecutantes y deja una memoria fotográfica. A su vez, proporciona una breve bibliografía donde se puede conocer más del tema.
Se trata de un librito muy importante por registrar esta tradición. Solo me hubiera gustado que fuera más amplio y profundizara más en el tema.
Esta reseña fue posible gracias a Iván Casasola del Centro de Documentación de Moros y Cristianos quien prestó el ejemplar a Por los Teatros.
Ni circo, ni teatro … Maroma Grupo Mixteca de mi Corazón Texto y fotografí: Rey David Sanjuán Zamora México, 2020 58 páginas
Siguiendo la línea de “La obra que sale mal”, Próspero teatro, bajo acuerdo con Mischief Worldwide, presentan «El manipulador de mentes, una noche de ilusión trágica«.
Daniel Haddad (Mago Dínez – Oficínico), Daniel Ortíz “Super” y Miguel Tercero nos entregan este espectáculo unipersonal de dos personas … o tres … donde un mago mentalista promete manipular la mente de los espectadores mediante ciencias exactas, no meros trucos.
El espectáculo va saliéndose de control generando situaciones cómicas. Las mismas pueden surgir de los clichés del mentalismo, hasta de cosas absurdas.
Sin dar demasiados detalles para no desvelar el misterio, algunos efectos son evidentemente vaciladas mientras que otros si asombrarán al público.
Hay mucha interacción con el público, aunque en algunos casos no es tan claro que se está invitando a los espectadores a hacer algo. En un segmento se revelará lo que miembros de la audiencia escribieron en papeles. Esta parte se alargó innecesariamente por una espectadora que no cooperaba con el mago.
La obra en general lleva buen ritmo, pero me pareció muy larga. Anunciada con duración aproximada de dos horas incluido intermedio, en realidad duró dos horas con veinte minutos. Para mi gusto podía haber finalizado en el intermedio. Esa pausa es necesaria para preparar un efecto con la ayuda de la audiencia.
Al ser una adaptación en español de una obra original en inglés estrenada en el West End, supongo están respetando la estructura original, efectos y por supuesto la duración. Así es el original, no están alargando la función por gusto.
Me gustan particularmente las funciones de magia que llevan un corte más teatral y se apoyan en otras disciplinas para crear un espectáculo más completo. Es el caso de El Manipulador de Mentes.
La obra se presenta actualmente en el Centro Cultural Helénico, finalizando temporada el 29 de marzo. El viernes 27 hay entrada libre por el Día Mundial del Teatro
El manipulador de mentes. Una noche de ilusión trágica Por Henry Lewis, Jonathan Sayer y Henry Shields Con: Daniel Haddad, Daniel Ortíz «Super» y Miguel Tercero Una producción de Próspero Teatro bajo acuerdo con Mischief Worldwide Ltd. Duración aproximada: 2:20 horas con intermedio.
En el marco del centenario del natalicio de Emilio Carballido (1925-2008), se presentó su obra “La danza que sueña la tortuga”. Ha sido un montaje muy exitoso que ha tenido varias extensiones de temporada en el Teatro Orientación, finalizando la más reciente, el pasado 15 de marzo.
Se trata de una comedia de enredos, amor y machísimo, dirigida por Nohemí Espinosa, quien con su experiencia en clown hace aún más cómicas las situaciones.
Ambientada en Córdoba de los años 50s, entre todas las risas, el espectador se lleva la historia triste, casi trágica, de una familia guiada por el machismo del jefe de familia que tiene a las hermanas, hijos, sobrinos y demás, a su servicio, sintiéndose con derecho de decidir sobre sus vidas, el negocio que llevan y hasta de la calle donde están establecidos.
Una historia de amor que surge de un malentendido se va complicando. Por momentos los lazos familiares se vuelven confusos. El parentesco de los comprometidos (primos segundos) no es lo que le preocupa al patriarca, él solo quiere imponer su autoridad y mantener a las hermanas a su servicio.
Mujeres de más de 35 – 40 años que se les fue el tren, la niña mimada, el hijo haciendo de poeta (cosa que no es de hombres) no poder adoptar por «el qué dirán», no aprobar el matrimonio porque es de mala familia, porque me cae mejor aquella persona; el estigma del divorcio, hombres mujeriegos y mentirosos. El macho que se las sabe de todas todas y afirma “cuando tú vas yo vengo”.
Conductas, frases y actitudes que 70 años después siguen escuchándose.
La obra refleja una crítica social que sigue vigente después de varias décadas. El montaje y las actuaciones son muy buenas. Los personajes indudablemente hacen pensar en alguien que conocemos. La escenografía nos transporta al pasado donde vemos la tienda de abarrotes con vitroleros, refrigeradores horizontales de refrescos, con su destapador integrado, botes de dulces y venta de otras tantas cosas como fruta y mercería.
Muy recomendable. No había podido verla en las temporadas anteriores y fue casi al final de la última extensión que pude asistir.
La danza que sueña la tortuga. De: Emili Carballido. Dirección: Nohemí Espinosa. Con: Sonia Couoh, Carmen Mastache, Omar B. Betancourt, Jorge Zárate, Erika de la Llave, Berencie Rios}e, Cris Ramos y Yadira Pérez. Duración: 140 minutos.
Río Sumida (Sumidagawa) es una obra clásica de teatro Noh escrita por Kanze Motomasa (1394-1432) El título hace referencia al río que atraviesa Edo, lo que actualmente es el centro de Tokio.
La obra cuenta la historia de una madre en busca de su hijo de 12 años que fue secuestrado por traficantes de esclavos. En su camino, cruzará el Sumida con la ayuda de un barquero y en compañía de un viajero. Ellos tratan de divertirse a su costa y es en el trayecto que se conocerá su historia, su búsqueda y su dolor.
Teatro Noh México ha estado desarrollando diferentes actividades entre las que se encuentra el montaje de Río Sumida, bajo la dirección del maestro Richard Emmert.
Una presentación del trabajo en progreso se realizó el 8 de diciembre en el Pabellón Escénico del Centro Cultural del Bosque, contando con una exposición de algo más de 40 máscaras realizadas por alumnos del maestro Hideta Kitazawa.
Río Sumida es una historia triste, con mucha carga emocional muy contenida. A pesar de conocer la historia y haber visto la obra, hubo varios momentos en los que me dieron ganas de llorar, sintiendo desde huecos en el estómago, hasta los ojos comenzando a hacerse agua.
Para este montaje, se contó por primera vez con una máscara, expresamente realizada por el maestro Kitazawa, combinando el diseño tradicional japonés con rasgos mexicanos. El maestro ha comentado que las máscaras tienen ciertos rasgos para que cambie la expresión según se mueva de frente, de lado o se incline la cabeza. Por primera vez pude ver esto en acción en un escenario y es impresionante cómo la máscara cobra vida. Hay momentos en que uno juraría que la máscara llora o cierra los ojos. Las sombras creadas por la iluminación y las inclinaciones de cabeza cambian totalmente la expresión. Por supuesto, gracias también al movimiento preciso del ejecutante.
Al finalizar, el silencio es aplastante. Una atmósfera muy densa donde todos los participantes salen ceremoniosa y sobriamente. No todos con la misma carga, pero el peso ahí está y se siente. Tristeza y más tristeza, no queda más. El aplauso llega cuando el último miembro del coro sale. A mi parecer, un poco anticipado. Me hubiera gustado prolongar más ese silencio.
En medio de esa atmósfera me pregunté ¿Qué acaba de suceder? ¿Qué acabo de ver? Posiblemente seamos los afortunados en ver por primera vez en México una obra Noh, lo más apegada a lo que sería un montaje tradicional, aunque aún sea trabajo en progreso.
Al escribir estas líneas, vuelvo a estremecerme. Río Sumida es un claro ejemplo de que uno va al teatro a sentir algo, no necesariamente a “divertirse” en un sentido de reír o pasar un rato agradable.
Río Sumida. De Kanze Motomasa. Dirección escénica y adaptación musical: Mtro. Richard Emmert. Realización de máscara del Shite: Mtro. Hideta Kitazawa. Adaptación al español de la versión en inglés: Alejandra Castro. Vestuario: Tere Águila / Rafael García. Coro: Griselda Ashari, Ammi Yan Villanueva, Berta María Hernández, Daniel Loyola, Frida de la Torre, Isaid, Pelayo, Isabel Raigosa, Kenia Castillo Mendoza, María Elisa Rojas, Mariana Becerra Núñez, Martha Merina, Nelson Rodriguez. Personajes: Jéssica Gámez, Victor Siáñez Vaca, Alheli Ábrego, Regina Mirón Martínez.
Nahuala nos presenta una historia donde Naya’ni crece en una familia donde se expresa poco el amor y la comunicación está ausente. Poco a poco conocerá el mundo de los Nahuales y las Tonas. Con sus acciones tendrá que decidir si se inclina al bien o al mal, si la ira gana o puede controlarla y si aceptará la guía de los seres que se le presentan.
La historia es musicalizada en vivo y las actrices interpretan a varios personajes. El uso de máscaras, tanto de humanos como de animales, le da un toque muy especial.
Las Tonas tienen un vestuario y máscaras muy coloridos, que remiten precisamente a las Tonas de artesanía de madera (no confundir con Alebrijes, que son estrictamente de cartonería)
En esta reseña estoy tratando de no revelar mucho de la historia, por el título de la obra, creo que no es ningún secreto que existe una nahuala. Las diferentes etapas de transformación son muy interesantes y el animal final es una mezcla de humano y marioneta con movimientos complejos.
Se trata de una obra interesante que une cosmogonía zapoteca, artesanía de talleres de Oaxaca con un mensaje sobre identidad, amor, ira, comunicación y desplazamiento de la sociedad por grupos de poder. Al finalizar, el elenco sale al vestíbulo a saludar y tomarse fotos con el público.
Nahuala es una obra de Ámonos recio con Los tres pies del gato y se presentará hasta el 14 de diciembre en el teatro El Galeón del Centro Cultural del Bosque.
Nahuala Idea original, dirección general y diseño de máscaras humanas: Elsi Yamel Salgado. Dramaturgia y direccón escénica: Andrómeda Mejía. Con: Jéssica Gámez, Isabel Raigosa, Elsi Yamel Slagado y Rosaura Pérez Sanz. Música en vivo y titiritero: Daniel Loyola. Diseño de máscaras Tonas y Nahuales: María Mendoza co-fundadora del Taller Jacobo y María Ángeles Diseño de títeres: Humberto Galicia. Música original y diseño sonoro: Félix Bailón. Duración aproximada: 75 minutos.
El teatro Noh tiene una tradición de aproximadamente 600 años. En este tiempo se ha interpretado de manera ininterrumpida.
El Nohgaku se compone del Noh, que es una obra seria, y el Kyogen, de carácter cómico, utilizado como intermedio.
El repertorio tradicional se compone de unas 250 obras, creadas entre hace 400 y 600 años. Existen también obras en japonés más recientes. A partir de la apertura de Japón hacia occidente en la segunda mitad del siglo XIX, el Noh comienza a conocerse fuera del país, lo que lleva a las primeras traducciones al inglés a principios del siglo XX y al interés, por parte de autores occidentales, por escribir obras inspiradas en, o basadas en la estructura del Noh.
Esto lleva a cuestionamientos de qué es el Noh ¿tiene que ser una obra clásica, estrictamente en japonés o puede ser un texto moderno en otro idioma?
Richard Emmert y Ashley Thorpe, editores de Intercultural Japanese Noh Theatre, Texts and Analyses of English-language Noh, presentan un análisis al respecto.
En capítulos introductorios, ambos maestros hablan del panorama del teatro Noh, historia, lo que es y lo que no es, elementos artísticos, estructura, métrica, musicalidad, instrumentos musicales, pequeñas muestras de textos y cómo se escriben diferentes indicaciones en ellos.
Se habla de la multiplicidad del Noh haciendo tablas y diagramas de cómo se relacionan o excluyen obras tradicionales, obras nuevas japonesas, obras nuevas en otros idiomas que respetan la estructura tradicional y obras inspiradas en el Noh, que toman elementos, pero nada más.
El trabajo se centra en obras escritas en idioma inglés que respetan en menor o mayor medida la estructura clásica, pudiendo incluir temática, uso de máscaras y escenografía.
Los capítulos introductorios resultan muy ilustrativos para entender la complejidad y la estética del teatro Noh.
El fuerte del libro son los libretos de siete obras: St. Francis, Eliza, Pine Barrens, Pagoda, Blue Moon Over Memphis, Zahdi Dates and Poppies y Emily, que cubren temas tan diversos como la guerra en Iraq, Emily Wilding Davidson y el sufragio femenino, leyendas de bosques en Estados Unidos, fanáticos visitando la tumba de Elvis o la búsqueda del padre después de emigrar durante la infancia.
Cada obra va acompañada por una introducción del autor y un análisis posterior por otro académico. Todos los textos están plenamente documentados con sus respectivas referencias.
El libro es para lectores muy específicos, particularmente interesados en el teatro Noh, de manera especial en el escrito en idioma inglés. Este sector no se sentirá decepcionado y encontrará análisis detallados que ayudarán a entender este arte ancestral.
El trabajo en progreso de Rio Sumida, obra del repertorio tradicional, se presentará de forma gratuita el lunes 8 de diciembre a las 19:00 horas en el Jardín Escénico del Centro Cultural del Bosque, bajo la dirección de Richard Emmert.
Intercultural Japanese Noh Theatre Editado por Dr. Ashley Thorpe, Prof. Richard Emmert. Con obras de: Arthur Little, Allan Marett, Greg Giovanni, Jannette Cheong, Deborah Brevoort, Carrie J. Preston y Ashley Thorpe. Methuen Drama, 2025. 230 páginas.
Del 14 al 16 de noviembre, se llevó a cabo la quinta edición del Festival Nacional de Máscaras Danzantes en Coscomatepec de Bravo, Veracruz, el cual se enfoca en las danzas tradicionales del país que utilizan máscaras, como Cúrpites, Santiagos, Diablos, Carnaval de Charros, Parachicos, Tastoanes, entre muchos otros.
En esta ocasión se contó con la presencia de los maestros Richard Emmert, Hideta Kitazawa y Miyoko Yoshiya, quienes ofrecieron ponencias sobre Teatro Noh, máscaras y textiles utilizados en escena, y una demostración del tallado de las máscaras. La presente reseña se centrará en su participación, pues es de quienes estuve más cerca y fueron la razón de mi asistencia al Festival.
Maestro Richard Emmert y Víctor Siáñez
El sábado 15, el maestro Richard Emmert, en el Teatro Benito Juárez realizó su presentación donde habló sobre Nohgaku, expresión artística de Japón con más de 600 años de tradición.
Su excelente ponencia fue una cátedra donde habló de la historia de esta forma de teatro, explicó la división entre Noh y Kyogen, de corte serio y cómico, respectivamente. Mostró algunos de los movimientos utilizados en las representaciones, la posición básica del cuerpo, la forma de caminar, instrumentos musicales y parte de los cantos.
En adición a esto, actuó fragmentos de obras en japonés, con y sin uso de máscara.
La tarde del mismo sábado, el maestro Hideta Kitazawa tuvo una Charla Magistral en el Pabellón de Maestros Mascareros, donde realizó una demostración del tallado de una máscara del personaje Okina. El tiempo limitado permitió ver solo una parte del proceso, pero resultó muy ilustrativo, donde el público pudo observar el trabajo a la usanza tradicional, completamente a mano, sin herramientas eléctricas.
Charla magistral del maestro Kitazawa
El domingo 16, nuevamente en el Teatro Benito Juárez, los maestros Kitazawa y Yoshiya ofrecieron otra conferencia, en esta ocasión sobre las máscaras y vestuario del teatro Nohgaku. El maestro Kitazawa mostró varias de sus máscaras, hablando de los personajes que representan, mientras que su esposa, la maestra Yoshisha explicó diferentes estampados empleados en el vestuario y su significado.
Kitazawa-san representó un fragmento de una obra Kyogen, utilizando una de sus máscaras.
También se mostró una máscara de diseño moderno con rasgos mexicanos que se hizo especialmente para el montaje en español de la obra tradicional Rio Sumida, que Tusitalas, artes escénicas, prepara bajo la dirección del maestro Emmert.
En el pabellón de mascareros, tuvieron una mesa donde se exhibió parte de su trabajo, así como el de Damon Woodcarving (Gerardo Vázquez) , uno de sus alumnos más avanzados en México. Se podía participar en un taller de estampado con Yoshiya-san o comprar un recuerdo alusivo. Adicionalmente estuvieron disponibles los libros Intercultural Japanese Noh Theatre: Texts and Analyses of English-Language Noh y Noh and Kyogen Masks: Tradition and Modernity in the Art of Kitazawa Hideta.
Durante la feria, la mesa tuvo una constante afluencia de gente, agotando el material de la maestra Yoshiya y teniendo alumnos para el taller incluso en lista de espera.
Los maestros participaron durante las calendas realizadas al final de cada día, siendo la última la más calurosa, con porras de parte del público con menciones especiales para Japón.
Maestro Kitazawa en una Calenda
En anteriores visitas al país, los maestros han ofrecido diferentes talleres en la Ciudad de México, incluyendo tallado tradicional de máscaras de Noh, diseño textil (Shokkan, Utsukushi, Soshoku y Edo Baggu) prácticas escénicas para montaje de Río Sumida; interpretación, danza y canto para la escena de Teatro Noh y Escritura dramática del Teatro Noh. Durante el Festival Nacional de Máscaras Danzantes, personas que se acercaron a la mesa, mostraron su interés en tener actividades en el futuro en otras partes de la república.
El trabajo en progreso de Rio Sumida se presentará de forma gratuita el lunes 8 de diciembre a las 19:00 horas en el Jardín Escénico del Centro Cultural del Bosque.
Por los Teatros 