La Maroma es un circo campesino desarrollado principalmente en Puebla y Oaxaca. Bajo el nombre “La Maroma o circo campesino de la región Mixteca” se encuentra dentro del inventario del patrimonio cultural inmaterial de México.
Rey David Sanjuán Zamora, del Grupo Mixteca de mi Corazón, con el apoyo del Programa de Apoyo a las Culturas Municipales y Comunitarias (PACMyC Oaxaca), la Secretaría de Cultura y Artes de Oaxaca y la Secretaría de Cultura (federal) publicó en 2020 el libro Ni circo, ni teatro … Maroma.
Se trata de un libro pequeño de 58 páginas donde se explica a grandes rasgos los antecedentes de la maroma y el desarrollo de la actividad en la Mixteca.
Siendo un circo campesino, los miembros de las compañías tienen su formación y ensayos tras finalizar sus actividades en el campo. Se montan estructuras para trapecios y se hacen funciones en las comunidades o son invitados para presentarse en las fiestas patronales de la zona.
Las generaciones nuevas han perdido interés en la tradición y los ejecutantes se han hecho mayores, por lo que la Maroma está en riesgo al tener cada vez menos practicantes.
Con texto y fotografías de Rey David Sanjuán, el libro plasma no solo de lo que se trata la Maroma, también proporciona entrevistas con los maestros ejecutantes y deja una memoria fotográfica. A su vez, proporciona una breve bibliografía donde se puede conocer más del tema.
Se trata de un librito muy importante por registrar esta tradición. Solo me hubiera gustado que fuera más amplio y profundizara más en el tema.
Esta reseña fue posible gracias a Iván Casasola del Centro de Documentación de Moros y Cristianos quien prestó el ejemplar a Por los Teatros.
Ni circo, ni teatro … Maroma Grupo Mixteca de mi Corazón Texto y fotografí: Rey David Sanjuán Zamora México, 2020 58 páginas
Siguiendo la línea de “La obra que sale mal”, Próspero teatro, bajo acuerdo con Mischief Worldwide, presentan «El manipulador de mentes, una noche de ilusión trágica«.
Daniel Haddad (Mago Dínez – Oficínico), Daniel Ortíz “Super” y Miguel Tercero nos entregan este espectáculo unipersonal de dos personas … o tres … donde un mago mentalista promete manipular la mente de los espectadores mediante ciencias exactas, no meros trucos.
El espectáculo va saliéndose de control generando situaciones cómicas. Las mismas pueden surgir de los clichés del mentalismo, hasta de cosas absurdas.
Sin dar demasiados detalles para no desvelar el misterio, algunos efectos son evidentemente vaciladas mientras que otros si asombrarán al público.
Hay mucha interacción con el público, aunque en algunos casos no es tan claro que se está invitando a los espectadores a hacer algo. En un segmento se revelará lo que miembros de la audiencia escribieron en papeles. Esta parte se alargó innecesariamente por una espectadora que no cooperaba con el mago.
La obra en general lleva buen ritmo, pero me pareció muy larga. Anunciada con duración aproximada de dos horas incluido intermedio, en realidad duró dos horas con veinte minutos. Para mi gusto podía haber finalizado en el intermedio. Esa pausa es necesaria para preparar un efecto con la ayuda de la audiencia.
Al ser una adaptación en español de una obra original en inglés estrenada en el West End, supongo están respetando la estructura original, efectos y por supuesto la duración. Así es el original, no están alargando la función por gusto.
Me gustan particularmente las funciones de magia que llevan un corte más teatral y se apoyan en otras disciplinas para crear un espectáculo más completo. Es el caso de El Manipulador de Mentes.
La obra se presenta actualmente en el Centro Cultural Helénico, finalizando temporada el 29 de marzo. El viernes 27 hay entrada libre por el Día Mundial del Teatro
El manipulador de mentes. Una noche de ilusión trágica Por Henry Lewis, Jonathan Sayer y Henry Shields Con: Daniel Haddad, Daniel Ortíz «Super» y Miguel Tercero Una producción de Próspero Teatro bajo acuerdo con Mischief Worldwide Ltd. Duración aproximada: 2:20 horas con intermedio.
En el marco del centenario del natalicio de Emilio Carballido (1925-2008), se presentó su obra “La danza que sueña la tortuga”. Ha sido un montaje muy exitoso que ha tenido varias extensiones de temporada en el Teatro Orientación, finalizando la más reciente, el pasado 15 de marzo.
Se trata de una comedia de enredos, amor y machísimo, dirigida por Nohemí Espinosa, quien con su experiencia en clown hace aún más cómicas las situaciones.
Ambientada en Córdoba de los años 50s, entre todas las risas, el espectador se lleva la historia triste, casi trágica, de una familia guiada por el machismo del jefe de familia que tiene a las hermanas, hijos, sobrinos y demás, a su servicio, sintiéndose con derecho de decidir sobre sus vidas, el negocio que llevan y hasta de la calle donde están establecidos.
Una historia de amor que surge de un malentendido se va complicando. Por momentos los lazos familiares se vuelven confusos. El parentesco de los comprometidos (primos segundos) no es lo que le preocupa al patriarca, él solo quiere imponer su autoridad y mantener a las hermanas a su servicio.
Mujeres de más de 35 – 40 años que se les fue el tren, la niña mimada, el hijo haciendo de poeta (cosa que no es de hombres) no poder adoptar por «el qué dirán», no aprobar el matrimonio porque es de mala familia, porque me cae mejor aquella persona; el estigma del divorcio, hombres mujeriegos y mentirosos. El macho que se las sabe de todas todas y afirma “cuando tú vas yo vengo”.
Conductas, frases y actitudes que 70 años después siguen escuchándose.
La obra refleja una crítica social que sigue vigente después de varias décadas. El montaje y las actuaciones son muy buenas. Los personajes indudablemente hacen pensar en alguien que conocemos. La escenografía nos transporta al pasado donde vemos la tienda de abarrotes con vitroleros, refrigeradores horizontales de refrescos, con su destapador integrado, botes de dulces y venta de otras tantas cosas como fruta y mercería.
Muy recomendable. No había podido verla en las temporadas anteriores y fue casi al final de la última extensión que pude asistir.
La danza que sueña la tortuga. De: Emili Carballido. Dirección: Nohemí Espinosa. Con: Sonia Couoh, Carmen Mastache, Omar B. Betancourt, Jorge Zárate, Erika de la Llave, Berencie Rios}e, Cris Ramos y Yadira Pérez. Duración: 140 minutos.
Río Sumida (Sumidagawa) es una obra clásica de teatro Noh escrita por Kanze Motomasa (1394-1432) El título hace referencia al río que atraviesa Edo, lo que actualmente es el centro de Tokio.
La obra cuenta la historia de una madre en busca de su hijo de 12 años que fue secuestrado por traficantes de esclavos. En su camino, cruzará el Sumida con la ayuda de un barquero y en compañía de un viajero. Ellos tratan de divertirse a su costa y es en el trayecto que se conocerá su historia, su búsqueda y su dolor.
Teatro Noh México ha estado desarrollando diferentes actividades entre las que se encuentra el montaje de Río Sumida, bajo la dirección del maestro Richard Emmert.
Una presentación del trabajo en progreso se realizó el 8 de diciembre en el Pabellón Escénico del Centro Cultural del Bosque, contando con una exposición de algo más de 40 máscaras realizadas por alumnos del maestro Hideta Kitazawa.
Río Sumida es una historia triste, con mucha carga emocional muy contenida. A pesar de conocer la historia y haber visto la obra, hubo varios momentos en los que me dieron ganas de llorar, sintiendo desde huecos en el estómago, hasta los ojos comenzando a hacerse agua.
Para este montaje, se contó por primera vez con una máscara, expresamente realizada por el maestro Kitazawa, combinando el diseño tradicional japonés con rasgos mexicanos. El maestro ha comentado que las máscaras tienen ciertos rasgos para que cambie la expresión según se mueva de frente, de lado o se incline la cabeza. Por primera vez pude ver esto en acción en un escenario y es impresionante cómo la máscara cobra vida. Hay momentos en que uno juraría que la máscara llora o cierra los ojos. Las sombras creadas por la iluminación y las inclinaciones de cabeza cambian totalmente la expresión. Por supuesto, gracias también al movimiento preciso del ejecutante.
Al finalizar, el silencio es aplastante. Una atmósfera muy densa donde todos los participantes salen ceremoniosa y sobriamente. No todos con la misma carga, pero el peso ahí está y se siente. Tristeza y más tristeza, no queda más. El aplauso llega cuando el último miembro del coro sale. A mi parecer, un poco anticipado. Me hubiera gustado prolongar más ese silencio.
En medio de esa atmósfera me pregunté ¿Qué acaba de suceder? ¿Qué acabo de ver? Posiblemente seamos los afortunados en ver por primera vez en México una obra Noh, lo más apegada a lo que sería un montaje tradicional, aunque aún sea trabajo en progreso.
Al escribir estas líneas, vuelvo a estremecerme. Río Sumida es un claro ejemplo de que uno va al teatro a sentir algo, no necesariamente a “divertirse” en un sentido de reír o pasar un rato agradable.
Río Sumida. De Kanze Motomasa. Dirección escénica y adaptación musical: Mtro. Richard Emmert. Realización de máscara del Shite: Mtro. Hideta Kitazawa. Adaptación al español de la versión en inglés: Alejandra Castro. Vestuario: Tere Águila / Rafael García. Coro: Griselda Ashari, Ammi Yan Villanueva, Berta María Hernández, Daniel Loyola, Frida de la Torre, Isaid, Pelayo, Isabel Raigosa, Kenia Castillo Mendoza, María Elisa Rojas, Mariana Becerra Núñez, Martha Merina, Nelson Rodriguez. Personajes: Jéssica Gámez, Victor Siáñez Vaca, Alheli Ábrego, Regina Mirón Martínez.
Nahuala nos presenta una historia donde Naya’ni crece en una familia donde se expresa poco el amor y la comunicación está ausente. Poco a poco conocerá el mundo de los Nahuales y las Tonas. Con sus acciones tendrá que decidir si se inclina al bien o al mal, si la ira gana o puede controlarla y si aceptará la guía de los seres que se le presentan.
La historia es musicalizada en vivo y las actrices interpretan a varios personajes. El uso de máscaras, tanto de humanos como de animales, le da un toque muy especial.
Las Tonas tienen un vestuario y máscaras muy coloridos, que remiten precisamente a las Tonas de artesanía de madera (no confundir con Alebrijes, que son estrictamente de cartonería)
En esta reseña estoy tratando de no revelar mucho de la historia, por el título de la obra, creo que no es ningún secreto que existe una nahuala. Las diferentes etapas de transformación son muy interesantes y el animal final es una mezcla de humano y marioneta con movimientos complejos.
Se trata de una obra interesante que une cosmogonía zapoteca, artesanía de talleres de Oaxaca con un mensaje sobre identidad, amor, ira, comunicación y desplazamiento de la sociedad por grupos de poder. Al finalizar, el elenco sale al vestíbulo a saludar y tomarse fotos con el público.
Nahuala es una obra de Ámonos recio con Los tres pies del gato y se presentará hasta el 14 de diciembre en el teatro El Galeón del Centro Cultural del Bosque.
Nahuala Idea original, dirección general y diseño de máscaras humanas: Elsi Yamel Salgado. Dramaturgia y direccón escénica: Andrómeda Mejía. Con: Jéssica Gámez, Isabel Raigosa, Elsi Yamel Slagado y Rosaura Pérez Sanz. Música en vivo y titiritero: Daniel Loyola. Diseño de máscaras Tonas y Nahuales: María Mendoza co-fundadora del Taller Jacobo y María Ángeles Diseño de títeres: Humberto Galicia. Música original y diseño sonoro: Félix Bailón. Duración aproximada: 75 minutos.
El teatro Noh tiene una tradición de aproximadamente 600 años. En este tiempo se ha interpretado de manera ininterrumpida.
El Nohgaku se compone del Noh, que es una obra seria, y el Kyogen, de carácter cómico, utilizado como intermedio.
El repertorio tradicional se compone de unas 250 obras, creadas entre hace 400 y 600 años. Existen también obras en japonés más recientes. A partir de la apertura de Japón hacia occidente en la segunda mitad del siglo XIX, el Noh comienza a conocerse fuera del país, lo que lleva a las primeras traducciones al inglés a principios del siglo XX y al interés, por parte de autores occidentales, por escribir obras inspiradas en, o basadas en la estructura del Noh.
Esto lleva a cuestionamientos de qué es el Noh ¿tiene que ser una obra clásica, estrictamente en japonés o puede ser un texto moderno en otro idioma?
Richard Emmert y Ashley Thorpe, editores de Intercultural Japanese Noh Theatre, Texts and Analyses of English-language Noh, presentan un análisis al respecto.
En capítulos introductorios, ambos maestros hablan del panorama del teatro Noh, historia, lo que es y lo que no es, elementos artísticos, estructura, métrica, musicalidad, instrumentos musicales, pequeñas muestras de textos y cómo se escriben diferentes indicaciones en ellos.
Se habla de la multiplicidad del Noh haciendo tablas y diagramas de cómo se relacionan o excluyen obras tradicionales, obras nuevas japonesas, obras nuevas en otros idiomas que respetan la estructura tradicional y obras inspiradas en el Noh, que toman elementos, pero nada más.
El trabajo se centra en obras escritas en idioma inglés que respetan en menor o mayor medida la estructura clásica, pudiendo incluir temática, uso de máscaras y escenografía.
Los capítulos introductorios resultan muy ilustrativos para entender la complejidad y la estética del teatro Noh.
El fuerte del libro son los libretos de siete obras: St. Francis, Eliza, Pine Barrens, Pagoda, Blue Moon Over Memphis, Zahdi Dates and Poppies y Emily, que cubren temas tan diversos como la guerra en Iraq, Emily Wilding Davidson y el sufragio femenino, leyendas de bosques en Estados Unidos, fanáticos visitando la tumba de Elvis o la búsqueda del padre después de emigrar durante la infancia.
Cada obra va acompañada por una introducción del autor y un análisis posterior por otro académico. Todos los textos están plenamente documentados con sus respectivas referencias.
El libro es para lectores muy específicos, particularmente interesados en el teatro Noh, de manera especial en el escrito en idioma inglés. Este sector no se sentirá decepcionado y encontrará análisis detallados que ayudarán a entender este arte ancestral.
El trabajo en progreso de Rio Sumida, obra del repertorio tradicional, se presentará de forma gratuita el lunes 8 de diciembre a las 19:00 horas en el Jardín Escénico del Centro Cultural del Bosque, bajo la dirección de Richard Emmert.
Intercultural Japanese Noh Theatre Editado por Dr. Ashley Thorpe, Prof. Richard Emmert. Con obras de: Arthur Little, Allan Marett, Greg Giovanni, Jannette Cheong, Deborah Brevoort, Carrie J. Preston y Ashley Thorpe. Methuen Drama, 2025. 230 páginas.
Del 14 al 16 de noviembre, se llevó a cabo la quinta edición del Festival Nacional de Máscaras Danzantes en Coscomatepec de Bravo, Veracruz, el cual se enfoca en las danzas tradicionales del país que utilizan máscaras, como Cúrpites, Santiagos, Diablos, Carnaval de Charros, Parachicos, Tastoanes, entre muchos otros.
En esta ocasión se contó con la presencia de los maestros Richard Emmert, Hideta Kitazawa y Miyoko Yoshiya, quienes ofrecieron ponencias sobre Teatro Noh, máscaras y textiles utilizados en escena, y una demostración del tallado de las máscaras. La presente reseña se centrará en su participación, pues es de quienes estuve más cerca y fueron la razón de mi asistencia al Festival.
Maestro Richard Emmert y Víctor Siáñez
El sábado 15, el maestro Richard Emmert, en el Teatro Benito Juárez realizó su presentación donde habló sobre Nohgaku, expresión artística de Japón con más de 600 años de tradición.
Su excelente ponencia fue una cátedra donde habló de la historia de esta forma de teatro, explicó la división entre Noh y Kyogen, de corte serio y cómico, respectivamente. Mostró algunos de los movimientos utilizados en las representaciones, la posición básica del cuerpo, la forma de caminar, instrumentos musicales y parte de los cantos.
En adición a esto, actuó fragmentos de obras en japonés, con y sin uso de máscara.
La tarde del mismo sábado, el maestro Hideta Kitazawa tuvo una Charla Magistral en el Pabellón de Maestros Mascareros, donde realizó una demostración del tallado de una máscara del personaje Okina. El tiempo limitado permitió ver solo una parte del proceso, pero resultó muy ilustrativo, donde el público pudo observar el trabajo a la usanza tradicional, completamente a mano, sin herramientas eléctricas.
Charla magistral del maestro Kitazawa
El domingo 16, nuevamente en el Teatro Benito Juárez, los maestros Kitazawa y Yoshiya ofrecieron otra conferencia, en esta ocasión sobre las máscaras y vestuario del teatro Nohgaku. El maestro Kitazawa mostró varias de sus máscaras, hablando de los personajes que representan, mientras que su esposa, la maestra Yoshisha explicó diferentes estampados empleados en el vestuario y su significado.
Kitazawa-san representó un fragmento de una obra Kyogen, utilizando una de sus máscaras.
También se mostró una máscara de diseño moderno con rasgos mexicanos que se hizo especialmente para el montaje en español de la obra tradicional Rio Sumida, que Tusitalas, artes escénicas, prepara bajo la dirección del maestro Emmert.
En el pabellón de mascareros, tuvieron una mesa donde se exhibió parte de su trabajo, así como el de Damon Woodcarving (Gerardo Vázquez) , uno de sus alumnos más avanzados en México. Se podía participar en un taller de estampado con Yoshiya-san o comprar un recuerdo alusivo. Adicionalmente estuvieron disponibles los libros Intercultural Japanese Noh Theatre: Texts and Analyses of English-Language Noh y Noh and Kyogen Masks: Tradition and Modernity in the Art of Kitazawa Hideta.
Durante la feria, la mesa tuvo una constante afluencia de gente, agotando el material de la maestra Yoshiya y teniendo alumnos para el taller incluso en lista de espera.
Los maestros participaron durante las calendas realizadas al final de cada día, siendo la última la más calurosa, con porras de parte del público con menciones especiales para Japón.
Maestro Kitazawa en una Calenda
En anteriores visitas al país, los maestros han ofrecido diferentes talleres en la Ciudad de México, incluyendo tallado tradicional de máscaras de Noh, diseño textil (Shokkan, Utsukushi, Soshoku y Edo Baggu) prácticas escénicas para montaje de Río Sumida; interpretación, danza y canto para la escena de Teatro Noh y Escritura dramática del Teatro Noh. Durante el Festival Nacional de Máscaras Danzantes, personas que se acercaron a la mesa, mostraron su interés en tener actividades en el futuro en otras partes de la república.
El trabajo en progreso de Rio Sumida se presentará de forma gratuita el lunes 8 de diciembre a las 19:00 horas en el Jardín Escénico del Centro Cultural del Bosque.
En una reciente visita a Riga, Letonia, pude asistir a la Ópera y Ballet Nacional Letón. Durante el mes de agosto, la compañía ofreció diferentes obras de danza.
El edificio de ópera es pequeño y muy bello. Tiene el estilo antiguo de una sala en forma de herradura. La decoración, butacas, tapizado y candiles son muy bonitos, a la usanza antigua. Un teatro elegante donde uno se siente cerca del escenario y es difícil imaginar un mal lugar en la sala.
Enmarcado en esta atmósfera íntima, tuve la oportunidad de disfrutar Antonija #Silmači. Se trata de un ballet contemporáneo presentado el 24 de agosto que será repetido en el mes de marzo. La puesta en escena está basada en la obra de teatro Los días del sastre en Silmači, del autor letón Rūdolfs Blaumanis.
La obra es muy bonita visualmente. Disfruté la danza y el diseño coreográfico, aunque el argumento me pareció confuso. Son escenas en un poblado donde hay varias parejas. Uno de los personajes me confundía al estar planeando una boda con dos personas diferentes. En varios momentos no estaba seguro de quién era pareja de quién.
Uno de los personajes, un patriarca que se opone a la boda, es escondido en un hueco y una paseante entra fumando, lo que provoca una explosión en el escondite. En el segundo acto la gente del pueblo reprocha a la causante del siniestro.
Poco a poco se van resolviendo enredos y las parejas terminan felices en bodas simultáneas.
El programa de mano, escrito en letón, inglés y ruso, provee una sinopsis a modo de pequeños cuadros. En realidad, creo que la obra está hecha justamente de cuadros un tanto sueltos. Gracias a él entiendo más como son las relaciones. Efectivamente, hay varias parejas y un personaje engañando a Antonija.
Siempre me ha parecido que en este tipo de teatros los mejores lugares son los ubicados en las logias o “dress circle”, el área que es primer piso o mezzanine. Se tiene una vista en perspectiva ligeramente elevado sin estar muy lejos. Se le suele llamar “dress circle” por ser un semicírculo donde los espectadores acostumbran ir vestidos elegantemente, lo que refuerza mi idea de que es la mejor sección.
Los boletos son relativamente baratos considerando que es un Ballet Nacional y que se trata de Europa. En general, Riga se considera una capital europea económica y su casa de ópera no es la excepción.
Eso y un golpe de suerte me permitieron encontrar el mejor lugar de la casa: el más centrado de la primera fila del “dress circle”.
Las diferencias que pude observar entre Letonia y México son que en Riga la gente efectivamente va elegantemente vestida a las funciones. Los programas de mano se siguen haciendo impresos y no digitales (gracias) sin embargo tienen un costo. A diferencia de otros teatros extranjeros en los que se vende el programa, en este caso es económico y sin mucha producción, solamente un díptico con un inserto con el reparto.
Por el tipo de clima, a pesar de ser agosto, la gente lleva abrigos y el guardarropa tiene filas larguísimas a la salida. Me llamó la atención que en el intermedio el público se vuelca al bar del teatro. Creo que es una costumbre muy arraigada en Europa, viendo algo similar en Bélgica.
Antonija #Silmači. Ballet Nacional Letón. Orquesta de la Ópera Nacional Letona. Música: Juris Karlsons. Coreografía: Aivars Leimanis. Basada en la obra Los días del sastre en Silmači, de Rūdolfs Blaumanis. Duración aproximada: 2:00 horas
En el marco del 12° Encuentro Internacional de Clown, Los Banyasos, de Querétaro, presentaron ES FE RARA, Concierto de acorde en sí sosteniendo. Espectáculo de clown excéntrico.
Con elementos de música (principalmente en banjo) magia, acrobacia, malabares y comedia, Alex Pizano y Lars Uribe nos entregan un espectáculo “cómico – mágico – musical”.
Los Banyasos interpretan canciones entre circunstancias cómicas. Algunos números son enriquecidos con malabares, la participación de espectadores e incluso un invitado especial, que resulta ilustrativo en temas musicales.
Se incluyen también números de magia, látigo enmarcado en una ceremonia casi chamánica y pulsadas o mano a mano.
Al finalizar saludaron el público afuera del teatro, sin perder el personaje, sobre todo Lars que es muy expresivo físicamente.
No había visto antes el trabajo de Los Bayasos, había oído decir que es una mancuerna muy bien hecha y así es, es un dúo que funciona muy bien.
El lado negativo, del lado de la organización, es que por error en los boletos pusieron 6:00 pm, cuando la función era a las 7:00, lo que provocó una espera no deseada de una hora adicional para quienes compramos con anticipación, cosa deseable, pues había descuento en preventa.
ES FE RARA nos invita a un acto de fe, que es una cosa rara en sí. Dentro del Encuentro en el Teatro Helénico se presentó solo un día, pero si tienen oportunidad de ver a Los Banyasos no duden en asistir.
ES FE RARA, Concierto de acorde en sí sosteniendo Los Banyasos Autoría, dirección e interpretación: Alex Pizano y Lars Uribe Diseño de iluminación: Jesús Noyola Duración aproximada: 60 minutos
En un taller de tejido, viven cinco abuelitas, una de ellas, Boyena, no teje más por la tristeza de los recuerdos.
El taller en ocasiones parece una maquila o un asilo, un lugar donde las viejecitas fueron relegadas al olvido y a trabajos forzados guiándose por “las reglas” que en realidad nadie ha visto.
El miedo a desenterrar el pasado, crear un futuro y a cuestionar lo que se nos ha dicho están presentes. Tejer el mundo es uno de los temas recurrentes de la obra. Las decisiones y las acciones que tomaremos para tejerlo o no.
Sin dar más detalles para no vender la trama, la obra tiene un mensaje bonito, por momentos es un tanto densa, alejándose de la idea de que una obra infantil debe ser simple.
Las máscaras, títeres y vestuario llevan un concepto muy bien unificado donde todo tiene elementos del estambre de bordado.
Boyena fusiona teatro, trabajo corporal, máscaras, títeres y unos toques de magia para tejer el mundo al que nos invitan a pasar.
Para los niños será una experiencia mágica y para los adultos será un reflejo en los personajes.
Boyena se presenta en el Teatro Orientación del Centro Cultural del Bosque, los sábados y domingos a las 12:30 horas, del 18 de octubre al 14 de diciembre, suspendiendo el 1, 2 de noviembre. Según el programa de mano se suspende también el 8 de noviembre. La página de internet no menciona nada particular sobre ese día e indica reposición el 14 de diciembre a las 10:30 y 12:30. Hay boletos disponibles para el 8 y las dos funciones del 14. A la entrada se entregó un separador de la obra, se agradece mucho hoy en día en tiempos de programas digitales.
Boyena De: Itzel Lara. Dirección: Alejandro Cervantes. Con: Maira Carrillo, Yunuenn Hidalgo, Elba Nallely Maros,Nycolle González, Dano Ramírez, Fabo Verona y Marco Torres. Duración aproximada 70 minutos.
Por los Teatros 