#danza, Ballet, documental, libros

Apollo’s Angels – Conclusiones

Portada de Apollo’s Angels, se muestar con fines ilustrativos

Con esta tercer parte finalizo mis comentarios sobre el libro Apollo’s Angels, a history of ballet, de Jennifer Homans. Las primeras partes pueden consultarse en reseña y crítica.

Homans concluye que el ballet es un arte en decadencia, contaminado por lo contemporáneo y donde no se crea nada nuevo y los coreógrafos se aferran a obras de siglos atrás. Difiero completamente y encuentro contradictorio el no ver con buenos ojos lo contemporáneo y al mismo tiempo quejarse de presentar obras del pasado.

Si algo quedó de manifiesto durante la historia del ballet, es que a pesar de ser “clásico” y de “tradición” donde hay elementos que se han mantenido inamovibles durante siglos, hay otros elementos que han cambiado: Pasos nuevos, el pasar de salones de sociedad a teatros, de ser número entre actos de ópera a ser espectáculo completo, el uso de pantomima, saltos, giros. La introducción de zapatillas de punta. El cambio de los papeles de hombres y mujeres. Todo ha sido una evolución. Hoy en día distinguimos si una obra es clásica o contemporánea, pero es bastante probable que en un momento dado no haya sido tan clara esa línea, o lo que se consideraba contemporáneo, ahora lo vemos como clásico. No se puede separar de la historia de la danza clásica el papel de la moderna, contemporánea, neoclásica y todas las derivaciones.

¿Está bien seguir presentando obras de hace 100 años o más? Si, por algo son clásicas, porque gustan y son parte del legado y vale la pena mantenerlas en repertorio.

Por otro lado, concluyo que el ballet siempre ha sido patrocinado, nunca ha existido de manera independiente, posiblemente a excepción de los Ballets Rusos de Diaghilev, donde él mismo fungía como mecenas. En Francia antigua y moderna, Dinamarca, Rusia zarista y socialista, Inglaterra, Estados Unidos … Siempre ha estado patrocinada por el estado o por particulares, quienes han marcado el tema de las danzas. Frecuentemente se menciona a la URSS como ejemplo del país que imponía temáticas, pero incluso en la Francia revolucionaria, quien tenía el poder temporalmente era quien dictaba los temas. De igual forma en Estados Unidos donde los patrocinios son más bien de particulares y es a quien hay que dejar contentos presentando la temática que les interesa.

Finalmente agregaré que la idea de nombrar a Balanchine como el coreógrafo que finalmente acercó la danza al pueblo, alejándola de temas de nobleza que no son del interés de la gente común y corriente, yo diría que si acaso, ese privilegio le correspondería a Maurice Béjart, quien realizó obras con música del gusto popular como Queen y Edith Piaf, así como la Novena Sinfonía de Beethoven, planeada para presentarse en arenas deportivas. Espectáculos multitudinarios donde acercó al público tanto a la música clásica como a la popular/comercial uniéndola con la danza.

Apollo’s Angels
Jennifer Homans
Random House
Nueva York, 2010
643 pp

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Apollo’s Angels – Crítica

Detalle de Apollo’s Angels. Se muestra con fines ilustrativos.

En la entrada anterior di la reseña general del libro Apollo’s Angels, a history of ballet, de Jennifer Homans. En esta segunda parte daré mi crítica.

En general el libro tiene un estilo muy ligero, en ocasiones se siente incluso en tono de chisme cuando se trata de dar detalles personales de los protagonistas de la historia del ballet. Hay descripciones bastante interesantes de algunas obras, en las que se da un análisis con interpretaciones en las que nunca hubiera pensado. Por momentos me queda la duda de si esa interpretación es de la autora o es la intención que originalmente se le dio a dichas obras.

Los primeros capítulos me parecen muy interesantes pero mi decepción inició con el capítulo de la URSS. Con él comienzo a ver una tendencia y no puedo evitar preguntarme que tan objetiva es Homans y qué tanto se deja llevar por motivaciones personales. Señala que la URSS creó los mejores bailarines pero acabó con el ballet. Agrega que las obras hechas con temas previamente autorizados por el gobierno solo pueden ser del gusto de los soviéticos pero no tienen éxito en occidente. Critica ampliamente a Yuri Grigorovich y sobre todo su Espartaco. Sin embargo hoy en día Grigorovich es una leyenda viviente y Espartaco una obra que sigue presentando el Bolshoi en sus giras mundiales, lo que indica que es del gusto aún fuera de Rusia. Al hablar de Romeo y Julieta dice que es el West Side Story soviético. Comparación extraña ya que el ballet (ruso) precede al musical (neoyorquino) A menos que lo diga para que un americano sin gran conocimiento de ballet tenga un punto de referencia.

En la segunda mitad del siglo XX, muy de pasada menciona a Roland Petit. A Maurice Béjart lo nombra con cierto desdén limitándose a un par de párrafos y en una fotografía de Jorge Donn (sin señalar al bailarín) describe a Stimmung de Béjart como “sexo, sudor y pretensión disfrazados de arte”. William Forsythe y John Neumeier son mencionados una sola vez y a pie de página.

Al llegar a los capítulos de Estados Unidos veo aún más una tendencia marcada. Señala a Antony Tudor, Jerome Robbins y George Balanchine como los pilares del ballet americano. Presenta al ballet estadounidense con un discurso de nacionalismo, padres fundadores, igualdad, crear obras con temas importantes, acercar la danza al pueblo, alejarlo de alta sociedad y las cortes francesas. Irónicamente Tudor era británico y se cambió el apellido para sonar más aristocrático. Robbins era neoyorquino descendiente de inmigrantes rusos y cambió su nombre para sonar más americano. Balanchine era ruso y cambió su nombre a algo más occidental.

Incidentalmente menciona a Martha Graham y a Merce Cunninham. A Jirí Kylián lo señala como un “aparente pero falso heredero de Tudor”, pues rechazó tomar sus obras después de su muerte. En general veo rechazo de Homans por todo lo que es danza moderna / contemporánea. Si está escribiendo sobre ballet, tal vez está delimitando el ballet clásico, en cuyo caso hubiera sido interesante indicar que criterios toma. Por ejemplo los Ballets Rusos de Diaghilev y las obras de Nijisnky eran mal vistas en su época y se consideran más modernas que clásicas. Robbins es más conocido por su trabajo en teatro musical a lo que Homans dedica varias páginas para describir con detalle sus obras.

La parte cumbre del libro es Balanchine y su trabajo en Nueva York. Muchas páginas dedicadas a su obra y persona, indicando cómo revolucionó el ballet al introducir estilos que no se usaban ¿no se desvía también de la danza clásica? Señala a su compañía como un ejemplo, pues incluía a bailarines negros (no menciona el trabajo de Alvin Ailey) El libro finaliza con la muerte de Balanchine y las palabras “El legado de Balanchine fue inmenso. Le dio al mundo la mayor obra en la historia de la danza […] Salta al pasado vía Ruisa y Petipa, a Luis XIV y a los antiguos griegos […] Ha restaurado su lugar [de la danza] como entretenimiento fino, arte sensual e ideal olímpico”

Pareciera que las 550 páginas del libro y los 350 años de historia solo existen para llevarnos a la figura de Balanchine en un pedestal en el Monte Olimpo y después de él no hay nada. Incluso el título está influenciado por él, pues acostumbraba llamar “ángeles” a las bailarinas. No es de sorprender que en el índice temático sea la persona que más entradas tiene.

En el epílogo, Homans dice que los ángeles de Balanchine han caído (ya no son de Apolo) y el ballet está en decadencia. Agrega: “la coreografía contemporánea vira sin rumbo entre imitación sin imaginación e innovación estridente” Me parece una triste conclusión para un trabajo que le tomó 10 años. Sin embargo, en la introducción deja entrever el rumbo que tomará.

En la publicación anterior mencioné que en la introducción escribe algunas cosas que a primera vista no puse mucha atención, pero cobran importancia al leer todo el trabajo. Es precisamente su postura ante Balanchine y la opinión de que el ballet es un arte fuera de moda y a la antigua lo que deja ver desde ver el principio. Pareciera que es su tesis inicial y con el epílogo demuestra a lo que quería llegar.

En la tercera y última parte publicaré mis conclusiones.

Apollo’s Angels
Jennifer Homans
Random House
Nueva York, 2010
643 pp

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Apollo’s Angels – Reseña

Portada de Apollo’s Angels. Se muestra con fines ilustrativos.

Jennifer Homans fue bailarina antes de convertirse en crítica de danza (principalmente en publicaciones de Nueva York) y obtener un doctorado en historia de la Europa moderna por la Universidad de Nueva York. En 2010 publicó Apollo’s Angels, a history of ballet, un libro de 643 páginas que cubre la historia del ballet desde sus orígenes en la corte francesa hasta algunos coreógrafos de Estados Unidos a mediados y fines de siglo XX.

La obra es un libro muy grande profusamente documentado (550 páginas de texto, 62 de notas y el resto de referencias e índice temático) cubriendo aproximadamente 350 años. Por la extensión he decidido dividir la reseña en partes.

En la introducción da la explicación del título: Apolo, dios griego de la belleza, hermano de Afrodita, relacionado con las artes, jefe de las Musas. Por otro lado los ángeles representando el deseo de los bailarines de volar y ascender hasta Dios. Un título un tanto ambicioso pues implica que los bailarines son los ángeles del dios de la belleza. En la introducción hace mención de algunos conceptos que a primera vista no me llaman tanto la atención, pero después de terminar el libro y regresar a la introducción, marca desde el principio la dirección que tomará (de esto hablaré en la segunda parte)

A lo largo de 12 capítulos distribuidos en dos partes Homans nos va guiando por la historia del ballet, primero en Europa Occidental: Francia, Italia y Dinamarca. Posteriormente en Rusia, Inglaterra y Estados Unidos.

En Francia vemos cómo el ballet pasa de ser un baile de corte surgido para mostrar buenas costumbres a una actividad teatral. El ballet podía ser el boleto de entrada (o salida) de la corte. Después de la Revolución Francesa las obras solo podían hablar del triunfo de la misma y en contra de la monarquía. Con la llegada de Napoleón se instaura el uso de uniformes en la enseñanza de la danza (herencia de la costumbre militar de Napoleón)

En Italia, último estado europeo en consolidarse como país, se agregan elementos de la comedia del arte y comienzan a integrarse pasos mas rebuscados y “circenses”: saltos, giros, posturas poco naturales del cuerpo que en su momento se veía contra las buenas costumbres y hoy se relaciona indiscutiblemente con el ballet. Las guerras en Italia provocan un sentido de nacionalismo en el que el ballet queda relegado y gana más popularidad la ópera.

Frecuentemente no se considera a Dinamarca como un país con tradición de danza, sin embargo tiene importancia dentro de la misma y su tradición ha permanecido prácticamente intacta hasta nuestros días. El escritor Hans Christian Andersen quiso ser bailarín profesional, como sabemos, no sucedió, pero se mantuvo toda su vida muy relacionado con el mundo del ballet.

Es la época de los ballets fantásticos, cuentos de hadas y seres mitológicos, muchos protagonistas del mundo de la danza en la época se identificaban con los seres fantásticos y las descripciones que hace el libro hace dudar de su sano juicio, pues buscaban en la vida real sus ondinas y sílfides.

El texto tiene algunas fotografías donde me llama de manera especial la atención las zapatillas de punta de María Taglioni (idénticas a las actuales) que son muy parecidas a los zapatos de calle que utilizaban las mujeres, no parecían zapatos especiales como hoy en día, sino calzado regular.

La escena llega a Rusia imperial, en San Petesburgo se trata de imitar París por lo que se llevan coreógrafos y bailarines franceses. Rusia se formaba por feudos, por lo tanto las tierras y siervos eran propiedad del feudal. Mismo caso con los bailarines. Hay un apogeo de teatros que eran patrocinados por el señor de cada tierra. Hay disputas sobre si la danza debe ser afrancesada o rusificada para hacerla algo totalmente nacional.

Llega la Revolución Rusa, los Ballets Rusos de Diaghilev están de gira por Europa (nunca se presentaron en Rusia) muestran una Rusia exótica, que es lo que occidente quería ver, no necesariamente bailes tradicionales, pero revolucionan el ballet al hacerlo un espectáculo de talla internacional. Nuevamente hay cambios de estilos, coreografías de Fokine y Nijinsky haciendo cosas diferentes a lo acostumbrado. Hay a quien le gusta y hay a quien no le gusta.

En la época de la URSS se lleva el centro de poder y cultural a Moscú como un movimiento de quitarle poder a San Petesburgo que representaba a los zares. Siempre tuve curiosidad por el cambio de nombre del Teatro Mariinsky a Kirov y de nuevo a Mariinsky tras la disolución de la URSS. Se menciona que Kirov era el militar a cargo de San Petesburgo (en esa época Leningrado) que fue asesinado por Stalin. En su “honor” Stalin mandó cambiar el nombre del teatro. En esta época se sistematiza la enseñanza de la danza, con lo que actualmente se conoce como la técnica rusa o Vaganova. Se hacen obras a pedido del gobierno con temas autorizados por el gobierno.

Durante la Segunda Guerra Mundial Inglaterra comienza a cobrar fuerza dentro del mundo del ballet y se instaura el Royal Ballet, el cual es relativamente nuevo si se compara con los ballets de Francia y Rusia. En Estados Unidos la escena dancística cobra fuerza sobre todo en Nueva York, se forman teatros privados patrocinados por empresarios que dictan los temas de los bailes. Durante la guerra fría existe también una lucha para probar quien tiene la mejor posición en la escena mundial del ballet.

A grandes rasgos esto es lo que cubre el libro, hablando de la parte histórica. En la siguiente entrega haré mi crítica que se centra sobre todo en el siglo XX.

Apollo’s Angels
Jennifer Homans
Random House
Nueva York, 2010
643 pp

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Ballet for Life

Ballet for Life. Imagen con fines ilustrativos.

En noviembre de 1991 Freddie Mercury fallecía. Un año después, en noviembre de 1992, Jorge Donn también moría. Ambos por complicaciones a causa del SIDA. En 1996, Maurice Béjart estrenó Ballet for Life, como un homenaje a la vida y talentos de Mercury y Donn (que fuera bailarín principal en la compañía de Béjart) A finales de junio, como parte del ciclo Béjart Ballet at Home, la compañía tuvo la obra un par de días en streaming junto con un documental de su realización. También se encuentra disponible a la venta en Blu-Ray y DVD.

La obra incluye música de Queen y Mozart. Reconozco que no soy seguidor de Queen, no estoy familiarizado con sus canciones, letras ni videos. Ballet for Life se me hizo un poco pesado para ver, sin embargo, me doy cuenta que al no conocer a Queen me perdí mucho del encanto de la obra. El público se nota muy emocionado y aplaude como si estuvieran viendo a Queen en un concierto. Posteriormente al ver algunos videos de la agrupación, noté que parte de la escenografía, utilería y coreografía hacía referencia a ellos. Incluso el público sabe en que momento de las canciones acompañar con las palmas según es costumbre en ciertos temas.

Durante el documental se menciona que los bailarines interpretan las letras, las sienten y en los movimientos hay algo de ellas. El ballet termina con la canción The show must go on mientras los bailarines van levantándose después de estar acostados cubiertos con sábanas. Durante la canción van agradeciendo.

Uno de los momentos que mas me gustó, no por “bonito”, sino por lo que hace sentir, es cuando se ven dos personas en camillas desplazadas por el escenario. Una escena triste. En el contexto en que fue creada la obra seguramente es referencia a los hospitalizados por SIDA. La música de Mozart, Concierto de piano 21 “Elvira Madigan”, también ha sido usada por José Rivera en la obra Bailemos a Mozart por los ángeles que se han ido, que de igual manera es un homenaje a quienes han muerto de SIDA. Esta escena de las camillas, donde la pareja interactúa en una especie de pas de deux, el día de hoy, en medio de la pandemia de COVID-19, cobra otro significado y a la vez es el mismo que cuando fue creado.

Ballet for Life es una colaboración entre tres grandes instituciones: Béjart Ballet Laussane, Queen y Gianni Versace quien diseñó el vestuario. En el documental se ve además que, si no me equivoco, durante el estreno, al finalizar la obra se levantó el telón de fondo dejando ver a los músicos de Queen interpretando The show must go on con Elton John cantando. Así que logró reunir a cuatro instituciones. Algo de ese tamaño seguro requirió un gran esfuerzo y solo Béjart podía haberlo logrado.

Ballet for life
Coreografía: Maurice Béjart
Música: Queen, Mozart
Vestuario: Gianni Versace
Duración aproximada: 1:20 horas y 58 minutos documental.

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Cinderella in-the-round

Cartel de Cinderella in the round. Se muestra con fines ilustrativos.

La “mayor producción a la fecha” del English National Ballet (como se indica en su página de internet) es Cinderella in-the round, que se traduciría algo así como Cenicienta en el ruedo. Se trata de una puesta en escena del ballet con música de Prokofiev, adaptato al Royal Albert Hall, una inmensa sala de conciertos que su parte baja puede utilizarse como un escenario ovalado.

Esta versión de Cenicienta se adapta a este “ruedo” y los retos de tener público en semicírculo como si se tratara de una pista circense.

La obra cambia cosas de la versión más conocida del ballet, así como algunos detalles de la historia y utiliza recursos modernos como efectos de iluminación y proyecciones de video a modo de escenografía. Algunos elementos de escenografía rodante complementan los efectos.

El inicio muestra a Cenicienta y sus padres como una familia feliz hasta que su madre es arrebatada por la muerte. Personas con unitardos negros que cubren la cabeza hacen “volar” a la mamá y con varillas hacen que un velo en su ropa ondee. El efecto pretendido acaso es el de Teatro Negro donde gente vestida de negro mueve las cosas. Un detalle: eso funciona cuando el fondo es negro y hay poca iluminación y el operador no es visto. Francamente resulta absurdo tener gente con trajes especiales negros si la iluminación es azul.

Posteriormente en el palacio el Príncipe juega con otro niño, a mi parecer su hermano, pero recibe créditos como amigo. El tiempo pasa, ya adultos le entregan al príncipe un altero de papeles que interpreto como su tarea, resulta que son las invitaciones para el baile donde elegirá pareja. El príncipe en persona va junto a su amigo a entregarlas, el príncipe se hace pasar por un pordiosero que recibe comida de Cenicienta (normalmente la pordiosera es el hada madrina) y el amigo se disfraza del príncipe. Veo huecos en este argumento.

Cenicienta lánguidamente atiende a su familia, en una ensoñación baila con cuatro personajes que frecuentemente la acompañan invisibles a todos los personajes ¿un sueño, el destino, los ratones del cuento? Al irse la madrastra y las hermanastras a la fiesta, se llena el escenario con bailarines multicolores acompañados por los 4 personajes que con accesorios arman la carroza.

En la fiesta se da el encuentro entre el príncipe y Cenicienta y otro entre una hermanastra y el amigo. El conocido final sigue: Cenicienta pierde la zapatilla y van a buscarla. Otra parte confusa en el argumento: Cenicienta está en su casa bailando con otro par de zapatillas exactamente iguales a la que perdió. Cuando el príncipe pide probarle el zapato, la madrastra lo arroja a la chimenea. Cenicienta saca el compañero de la pieza quemada y esa es la prueba de que es la muchacha del baile. Ya que la zapatilla es idéntica a las que traen todas las bailarinas, el zapato que presenta puede ser cualquier zapato. No prueba nada. Se está apostando a que el público conoce la historia y acepta que se ha probado que es ella.

Las cuatro sombras reciben el crédito de “destinos”. A mi me parecen más un pretexto para que Cenicienta tenga partenaires mientras no baila con el príncipe.

No me gustó la versión, me resultó tediosa. Le puse más atención al romance secundario: la hermanastra y el amigo quienes también se comprometen. No estoy muy familiarizado con el ballet, solo lo había visto antes con la Compañía Nacional de Danza y me pareció una obra ligera para verse (aunque creo que abreviada) La presente obra con el English National Ballet me resulta oscura y me llaman más las proyecciones de video. El tratar de hacer una super producción moderna con efectos de video quita mucho la atención de lo que debería ser lo importante que es la danza.

El video fue grabado el 5 de junio de 2019 y estuvo disponible un par de días en el canal de YouTube de la compañía, como parte del ciclo English National Ballet at Home.

Cinerella in-the-round
English National Ballet
Coreografía: Christopher Wheeldon
Elenco: Alina Cojocaru, Isaac Hernández, Khaniu Kova, Jeffrey Cirio, entre otros.
Duración aproximada 1:55 horas

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#video, circo

Cuisine et Confessions

Cuisine & Confessions. Imagen mostrada con fines ilustrativos.

En 2014 la compañía circense con sede en Montreal, Les 7 doigts de la main grabó el espectáculo Cuisine & Confessions. La compañía indica que como individuos estamos hechos de ingredientes, una receta única de memorias de sangre. Nuestras vidas giran frecuentemente en torno a la cocina, es ahí donde nos reunimos, realizamos recetas familiares, nos sentamos a contarnos secretos mientras tomamos un café. Nuestros recuerdos también suelen remontarse a cuando éramos niños y algún familiar cocinaba algo que solo a él le sale de esa forma. Ciertos olores y sabores vienen a nuestras mentes, incluso lugares.

Con esta idea surge el espectáculo, que como su nombre lo indica, es sobre la cocina y las confesiones. Los acróbatas hacen sus números circenses, cocinan pasta y panqué de plátano mientras nos cuentas algunas cosas reales de su vida.

Los 7 dedos nos dan la bienvenida a su cocina con un número de volteretas tan fluidas que yo diría es una danza. Nos comparten los ingredientes para un omelette perfecto: huevos, cebolla, pimientos y amor, preparando uno en escena para una invitada del público, mientras realizan malabares con los utensilios de cocina.

Hay un número de salto de “marcos”, normalmente este tipo de acrobacia se hace saltando aros circulares, en esta caso son marcos cuadrados. Un número aéreo de telas. Una impresionante rutina de diábolo utilizando un aro de cuerda, nunca había visto algo así. Hay también una secuencia donde una acróbata cuenta su historia como gimnasta, momento en que solo comía brócoli crudo. La historia la cuenta con una mezcla de danza y movimientos de gimnasia. A pesar de sentirse como una parodia, la calidad de los movimientos es de admirarse.

Uno de los momentos más emotivos es cuando uno de los artistas cuenta la historia de su padre desaparecido por las milicia argentina. Para ilustrarla hace mástil chino. Uno de esos momentos raros en el circo donde no hay música, solo silencio y el ruido que se produce al subir el mástil o tocar el piso, las interjecciones del ejecutante y alguna risa nerviosa del público, un tosido y los “ooooh” de los espectadores.

El último número es una especie de juegos icarios al ritmo de una versión cantada del Bolero de Ravel . Hay momentos donde se ve gente alrededor de la mesa, la cual es una imagen tradicional de dicha pieza en el mundo de la danza.

Al finalizar invitan panqué de plátano a los espectadores. Toda la comida que hemos visto ha sido preparada durante la función.

Es muy buen espectáculo, la música ilustra bien los estados de ánimo que muestra cada uno de los números. La escenografía está integrada a las acrobacias, realmente vemos una cocina donde los artilugios comunes se usarán para las acrobacias. Lo único raro es el tubo (mástil chino) que está por un lado.

La grabación fue realizada en el TOHU de Montreal, un espacio dedicado al circo. El video está disponible solo hasta el 12 de julio. Para recibir el enlace para verlo es necesario suscribirse al boletín gratuito de noticias de la compañía. Puede realizarse en su página web o sus redes sociales.

Cuisine & Confessions
Les 7 doigts de la main
Dirección: Shana Carroll y Sébastien Soldevila
Elenco: Matias Plaul, Émile Pineault, Mishannock Bruno Ferrero, Anna Kichtchenko, Gabriella Parigi, Pablo Pramparo, Melvin Diggs, Sidney Iking Bateman
Duración aproximada:1:24 horas

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Anne Teresa De Keersmaeker en la Ópera Nacional de París

Imagen mostrada con fines ilustrativos.

En 2015 el Ballet de la Ópera de París incluyó en su repertorio el programa Anne Teresa De Keersmaeker à l’Opéra national de París con tres obras de dicha coreógrafa belga. Debido al cierre del Palais Garnier por la pandemia de COVID-19, el video realizado por ARTE France está disponible en streaming hasta el 5 de julio en la página de Octave Magazine de la misma Ópera de París.

El programa consiste en Quatuor No. 4 con música de Béla Bartók, La grande fugue con música de Beethoven y La nuit transfigurée de Schönberg.

En Quatuor No. 4 hay en el escenario un cuarteto de cuerdas y cuatro muchachas bailando, en momentos parecen hacer juegos juveniles como pararse de manos o levantarse la falda. Frecuentemente ejecutan saltos donde golpean los talones produciendo sonido perfectamente audible y bastante sincronizado. El tipo de salto también remite a ambiente juvenil. Los relevés son muy buenos y altos, pueden apreciarse muy bien a pesar de calzar botines. Me llama particularmente la atención las sonrisas y miradas cómplices entre las bailarinas, algo que no se ve mucho en los escenarios.

La grande fugue es la obra que mas me gustó, también es la mas corta del programa. No encuentro un argumento, simplemente me gustó. Los movimientos, al igual que en Quatuor No. 4, son repetitivos, se trata de un par de secuencias ejecutadas varias veces, a veces en grupos, a veces individual, en ocasiones en canon. El movimiento es muy fluido con trabajo de caídas y rodadas. La música, ejecutada por un cuarteto en el escenario, da un tono animado.

El programa cierra con La nuit transfigurée. Es la obra que menos me gustó. La Ópera de París indica que “es la evocación casi narrativa de una pareja transfigurada por el don del amor” Yo veo una pareja en el bosque, poco a poco hay más parejas. En algún momento perdí el hilo de la historia y de los personajes, vi varias parejas pero no noté que fuera la misma transfigurándose. Se nota que hay una historia, sin embargo me pareció bastante abstracta y nada clara.

De esta manera la Ópera de París incluye a su repertorio parte del trabajo de Keersmaeker, una de las más reconocidas coreógrafas de Bélgica en danza contemporánea y fundadora y directora artística de la compañía Rosas. Las obras presentadas fueron creadas entre 1986 y 1995.

Anne Teresa de Keersmaeker à l’Opéra national de París
Coreografía: Anne Teresa de Keersmaeker
Música: Béla Bartók, Beethoven, Schönberg
Duración aproximada: 1:30 horas

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BBL en Tour por China

BBL en tour en China. La imagen se muestra con fines ilustrativos.

El Béjart Ballet Lausanne como parte del ciclo BBL at home durante la cuarentena por COVID-19 tiene en streaming del 21 al 24 de mayo el documental The Béjart Ballet Lausanne on China Tour.

Se trata de una remembranza sobre la gira que la compañía tuvo en 2011 por dicho país, presentándose en Pekín, Hangzhou y Shangai. Se muestran detalles de la vida cotidiana durante el tour como la llegada al aeropuerto, traslado en autobuses, trenes, arribo a los teatros. Vistazos más íntimos a los bailarines y al director Gil Román, quienes comentan lo que sienten al trabajar ciertas obras.

Las obras que se cubren son Dionysus, de Maurice Béjart; Là où sont les oiseaux, de Román, y Bolero, de Béjart. No se muestran las obras completas, se ven fragmentos de los ensayos y presentaciones en los teatros de China.

Dionysus me llamó mucho la atención, no conozco la obra, me gustaría verla completa, los fragmentos muestran una danza con mucha energía. Se muestra a técnicos, invitados, gente fuera de escena y público reaccionando con alegría a la obra, gente haciendo señas a la cámara para que gire y vea el escenario. Se muestran unas palabras de Maurice Béjart quien decía “Me gustan las celebraciones, momentos, eventos, explosiones. Mi trabajo es organizar celebraciones”. Con Dionysus vemos una celebración. El mito de Dioniso cobra vida.

La siguiente obra es Là où sont les oiseaux, de Gil Román. En dónde están los pájaros. Román contesta “donde están Maurice Béjart y Marta Pan”. Ambos finados. La obra contiene una escultura de Marta Pan. Este ballet fue creado particularmente para la gira, inspirado por un poema sobre el encanto de la vida.

Gil Román comenta “El trabajo de un coreógrafo, cuando funciona, es sacar la personalidad del bailarín. Desarrollo sobre eso, yo dirijo, pero los sigo a ellos”. Es una obra por estrenarse, tanto el director como los bailarines están a la expectativa.

Finalmente viene Bolero, de Béjart. Posiblemente su obra más famosa. Comentan que todos los bailarines quieren bailarla (Yo diría que todos los entusiastas de la danza deseamos verla) Román menciona que se necesita cierta madurez para interpretar el papel principal, no es para los más jóvenes. Vemos a los bailarines dar sus ideas propias sobre la obra.

Y como las giras no están libres de problemas, también se muestran incidentes sobre el pago de los figurantes, intérpretes de idioma que evidentemente traducen muchísimo menos de lo que se dijo, técnicos locales que se están durmiendo en la función o que miran videos en la computadora mientras se hace el ensayo técnico.

Un excelente documental sobre una de las mejores compañías de danza que he visto. Estará disponible solo un día mas en la página del BBL. También se puede consultar la cartelera de lo que resta del ciclo.

The Béjart Ballet Lausanne on China Tour
Realización: Arantxa Aguirre.
Duración aproximada: 1:02 Horas.
Año: 2012 (sobre Tour 2011)

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Kyôdaï

Presentación de Kyôdaï. Imagen mostrada con fines ilustrativos.

En 2014 Gil Román, al frente del Bejart Ballet Lausanne estrenó su obra Kyôdaï – los dos hermanos, inspirado en la historia corta La Intrusa de Jorge Luis Borges. De alguna forma la historia fue evolucionando hacia un marco japonés.

Kyôdaï es una palabra que remite al “hermano menor”. En la obra vemos una especie de narrador, tal vez el destino (Gabriel Arenas Ruiz) que sale al principio y al final de la obra, con un movimiento de brazos llenos de plasticidad, una desarticulación que la da mucha expresión.

Están dos hermanos acostados en una plataforma mientras tres mujeres bailan, una de ellas toma papel central en la obra. Por turnos comenzará a bailar con uno y otro hermano. Poco a poco se comienza a ver una rivalidad entre los hermanos por conseguir la atención de la muchacha. La rivalidad va creciendo teniendo un final trágico para ella y una reconciliación entre ellos, concluyendo con imágenes donde parecen recordar con gracia todo lo que sucedió. Lo pasado pasado.

La música de Erik Satie, Maurice Ravel, Yoshida Brothers y Edith Piaf me parecen muy interesantes, sobre todo la de los hermanos Yoshida de los que nunca había oído nada.

El movimiento de los bailarines es muy bueno, hay momentos donde es movimiento cortado, atacado, y momentos donde es muy fluido. Con ambos estilos la calidad es muy precisa.

El vídeo estuvo disponible del 14 al 17 de mayo en la página del Bejart Ballet Lausanne como parte del ciclo BBL at Home durante el cese de actividades por el COVID-19. Fue grabado el 20, 21 y 22 de mayo de 2014 en el Teatro Beaulieu en Lausanne. Para conocer la programación de otras obras en streaming consultar la página del BBL.

Kyôdaï (Les deux Frères)
Coreografía: Gil Román
Música: Erik Satie, Maurice Ravel, Yoshida Brothers y Edith Piaf
Baialrines: Gabriel Arenas Ruiz, Lisa Cano, Keisuke Nasuno, Masayoshi Onuki, Jasmine Cammarota, Chiara Paperini
Duración aproximada: 29 minutos

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Los diarios de Vaslav Nijinsky

Portada de Los diarios de Vaslav Nijinsky. Se muestra con fines ilustrativos.

La primer reseña en Por los Teatros fue el ballet Nijinsky de John Neumeier. Hoy se presenta la publicación número 50 dedicada nuevamente a Vaslav Nijinsky.

En 1919 Nijinsky baila por última vez en público y es internado por esquizofrenia. Por aquella época, durante 6 semanas escribe sus diarios que posteriormente publica su esposa Romola en 1936, extremadamente modificados y censurados. Una versión íntegra se publica hasta 1999. En 2001 Paul Cox realiza la película de la que hablaré en la reseña.

La película es una lectura dramatizada de pasajes de los diarios, con la narración de Derek Jacobi. Las imágenes que se ven son paisajes, naturaleza, constantemente se ve un ave volando a contraluz, agua fluyendo. Somos testigos de algunas de las escenas que se narran. Vemos también personajes que bailó Nijinsky, deambulando por ahí. Hay algunos fragmentos de danza inspirados en El Espectro de la Rosa y Tarde de un Fauno (mejor conocido en español como Siesta de un Fauno)

La escena inicial me llamó mucho la atención. Es un cortejo fúnebre, seguramente el muerto es Nijisnky, sus personajes de ballet se acercan a ver pasar el cortejo.

Entre los textos que se leen se ve un Nijinsky atormentado, ya padecía esquizofrenia. Constantemente dice ser una persona diferente a las demás “soy bailarín”. La frase “soy bailarín” la repite no solo para definir lo que es, sino para aclarar por qué no es una persona común. Al principio se equipara con Dios, hacia el final dice amar a Dios y su postura es más de servidor.

Menciona amar a Dios y a la gente, a toda la gente (menos a los críticos) y le decepciona y entristece mucho que la gente no lo ame. Se siente traicionado por su esposa pues le creyó a los médicos y no a él cuando dijo que está sano. Se siente traicionado por Stravinsky por no querer cuidar a su hija mientras Vaslav estaba en una gira.

Pasa de sentimientos de grandeza a sentimientos de culpa, sobre todo por prácticas sexuales a las que atribuye su menor desempeño en la danza. Dice que su obra Jeux es una burla hacia Diaghilev.

En general la sensación que me da es de una persona en constante búsqueda de reconocimiento, atormentado por el momento en que no puede bailar, la actividad que justamente le dio el reconocimiento. Parece tener un amor sincero por el mundo y la gente de alrededor aunque también un delirio de grandeza enorme. La cuestión sexual lo incomoda mucho, está marcado por tabúes, posiblemente alimentados por posturas religiosas.

Personalmente no he leído los diarios, pero pienso que la película está basada en la versión censurada de Romola pues se dice que entre las modificaciones que hizo mostró la relación de Nijinsky y Diaghilev como algo forzado por el empresario.

Una breve ventana a los diarios que escribió mientras se hundía más y más en los problemas mentales. Durante la película se muestran fotografías de Nijinsky, lo poco que queda de él, que sepa no existen grabaciones. El personaje Petrushka es el que más se adapta a estos momentos del bailarín. Una marioneta, una especie de arlequín atormentado por la fuerza que lo maneja. En la tumba de Nijinsky está sentada una figura triste de Petrushka.

Los diarios de Vaslav Nijinsky
Dirección: Paul Cox
Narrado por: Derek Jacobi
2001, Australia
Duración aproximada: 1:30 horas

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