Romeo y Julieta

Romeo y Julieta es una conocida obra de William Shakespeare que ha sido llevada al ballet en diferentes versiones. La partitura más popular es la de Sergei Prokofiev. El Ballet de la Ópera de París acostumbra bailar la coreografía de Rudolf Nureyev desde 1984.

No deja de sorprenderme toda la actividad que gira alrededor de la Ópera de París: patrocinadores, funciones todos los días prácticamente todo el año (excepto en vacaciones de verano) la variedad de mercancía en su tienda de recuerdos, funciones agotadas con meses de anticipación, y por supuesto, la gran cantidad de audiencia.

Durante la temporada 2025-2026, Romeo y Julieta se presentó en el teatro Ópera Bastilla, con capacidad mayor al recinto histórico del Palais Garnier.

En esta versión, el destino representado por las Parcas, juega a los dados al inicio de la obra, decidiendo así el trágico fin de la historia desde antes de comenzar.

Una función magnífica, los bailarines con técnica impecable, mucha plasticidad y ligereza en los movimientos, pareciera que no es difícil lo que están haciendo, como si no se cansaran. Los saltos prácticamente sin ruido al caer, incluso las zapatillas de punta hacen muy poco ruido.

Las escenas incluyen mucho colorido, movimiento y apoyo en otras disciplinas, como manejo de espadas, combate escénico, malabares, uso de banderas y acrobacia de piso. Visualmente hablando, hay muchos estímulos. Interpretativa y emocionalmente hablando, se logra muy bien la tragedia.

Hay escenas que no recuerdo haber visto en otras versiones y en ésta, me deja más clara la historia. Por ejemplo ¿Por qué Romeo no se enteró del plan de la falsa muerte de Julieta? Porque el mensajero fue interceptado y no llegó a su destino.

Otras escenas generan más peso a la tragedia. Tras la muerte de Tibaldo, primo de Julieta, ella está completamente desgarrada soltando su ira sobre el asesino: Romeo, que también es la persona a la que ama. Otra escena es la premonición de muerte, las dudas de Julieta de si tomar el brebaje o no, se vislumbran incluso pensamientos suicidas.

Es una obra muy bien lograda, integra todos sus elementos creando una velada espectacular. Hace años había visto una grabación en video, pero no es lo mismo verlo y oírlo en vivo.

Rome y Julieta
Coreografía: Rudolf Nureyev.
Música: Sergei Prokofiev.
Función del 4 de mayo, personajes principales interpretados por: Guillaume Diop, Hohyun Kang, Francesco Mura, Isaac Lopes Gomez, Daniel Stokes, Aubane Philbert, Rémi Hairy Araujo, Sarah Kora Dayanova, Mathieu Botto, Sarah Barthez.
Director musical: Robert Haussart.
Duración aproximada: 3:10 horas, incluyanedo dos intermedios.

#teatro, folclor, Nohgaku

Teatro Noh en el Festival Nacional de Máscaras Danzantes

Maestros Miyoko Yoshiya y Hideta Kitazawa

Del 14 al 16 de noviembre, se llevó a cabo la quinta edición del Festival Nacional de Máscaras Danzantes en Coscomatepec de Bravo, Veracruz, el cual se enfoca en las danzas tradicionales del país que utilizan máscaras, como Cúrpites, Santiagos, Diablos, Carnaval de Charros, Parachicos, Tastoanes, entre muchos otros.

En esta ocasión se contó con la presencia de los maestros Richard Emmert, Hideta Kitazawa y Miyoko Yoshiya, quienes ofrecieron ponencias sobre Teatro Noh, máscaras y textiles utilizados en escena, y una demostración del tallado de las máscaras. La presente reseña se centrará en su participación, pues es de quienes estuve más cerca y fueron la razón de mi asistencia al Festival.

El sábado 15, el maestro Richard Emmert, en el Teatro Benito Juárez realizó su presentación donde habló sobre Nohgaku, expresión artística de Japón con más de 600 años de tradición.

Su excelente ponencia fue una cátedra donde habló de la historia de esta forma de teatro, explicó la división entre Noh y Kyogen, de corte serio y cómico, respectivamente. Mostró algunos de los movimientos utilizados en las representaciones, la posición básica del cuerpo, la forma de caminar, instrumentos musicales y parte de los cantos.

En adición a esto, actuó fragmentos de obras en japonés, con y sin uso de máscara.

La tarde del mismo sábado, el maestro Hideta Kitazawa tuvo una Charla Magistral en el Pabellón de Maestros Mascareros, donde realizó una demostración del tallado de una máscara del personaje Okina. El tiempo limitado permitió ver solo una parte del proceso, pero resultó muy ilustrativo, donde el público pudo observar el trabajo a la usanza tradicional, completamente a mano, sin herramientas eléctricas.

El domingo 16, nuevamente en el Teatro Benito Juárez, los maestros Kitazawa y Yoshiya ofrecieron otra conferencia, en esta ocasión sobre las máscaras y vestuario del teatro Nohgaku. El maestro Kitazawa mostró varias de sus máscaras, hablando de los personajes que representan, mientras que su esposa, la maestra Yoshisha explicó diferentes estampados empleados en el vestuario y su significado.

Kitazawa-san representó un fragmento de una obra Kyogen, utilizando una de sus máscaras.

También se mostró una máscara de diseño moderno con rasgos mexicanos que se hizo especialmente para el montaje en español de la obra tradicional Rio Sumida, que Tusitalas, artes escénicas, prepara bajo la dirección del maestro Emmert.

En el pabellón de mascareros, tuvieron una mesa donde se exhibió parte de su trabajo, así como el de Damon Woodcarving (Gerardo Vázquez) , uno de sus alumnos más avanzados en México. Se podía participar en un taller de estampado con Yoshiya-san o comprar un recuerdo alusivo. Adicionalmente estuvieron disponibles los libros Intercultural Japanese Noh Theatre: Texts and Analyses of English-Language Noh y Noh and Kyogen Masks: Tradition and Modernity in the Art of Kitazawa Hideta.

Durante la feria, la mesa tuvo una constante afluencia de gente, agotando el material de la maestra Yoshiya y teniendo alumnos para el taller incluso en lista de espera.

Los maestros participaron durante las calendas realizadas al final de cada día, siendo la última la más calurosa, con porras de parte del público con menciones especiales para Japón.

En anteriores visitas al país, los maestros han ofrecido diferentes talleres en la Ciudad de México, incluyendo tallado tradicional de máscaras de Noh, diseño textil (Shokkan, Utsukushi, Soshoku y Edo Baggu) prácticas escénicas para montaje de Río Sumida; interpretación, danza y canto para la escena de Teatro Noh y Escritura dramática del Teatro Noh. Durante el Festival Nacional de Máscaras Danzantes, personas que se acercaron a la mesa, mostraron su interés en tener actividades en el futuro en otras partes de la república.

El trabajo en progreso de Rio Sumida se presentará de forma gratuita el lunes 8 de diciembre a las 19:00 horas en el Jardín Escénico del Centro Cultural del Bosque.

Las actividades de los maestros Yoshiya, Kitazawa y Emmert, en México, se han logrado gracias a la gestión de Tusitalas, artes escénicas, con el apoyo de Toshiba International Foundation (TIFO) y para este Festival se contó con el apoyo del Fondo de Amistad México Japón.

#danza, Ballet

Antonija #Silmači

En una reciente visita a Riga, Letonia, pude asistir a la Ópera y Ballet Nacional Letón. Durante el mes de agosto, la compañía ofreció diferentes obras de danza.

El edificio de ópera es pequeño y muy bello. Tiene el estilo antiguo de una sala en forma de herradura. La decoración, butacas, tapizado y candiles son muy bonitos, a la usanza antigua. Un teatro elegante donde uno se siente cerca del escenario y es difícil imaginar un mal lugar en la sala.

Enmarcado en esta atmósfera íntima, tuve la oportunidad de disfrutar Antonija #Silmači. Se trata de un ballet contemporáneo presentado el 24 de agosto que será repetido en el mes de marzo. La puesta en escena está basada en la obra de teatro Los días del sastre en Silmači, del autor letón Rūdolfs Blaumanis.

La obra es muy bonita visualmente. Disfruté la danza y el diseño coreográfico, aunque el argumento me pareció confuso. Son escenas en un poblado donde hay varias parejas. Uno de los personajes me confundía al estar planeando una boda con dos personas diferentes. En varios momentos no estaba seguro de quién era pareja de quién.

Uno de los personajes, un patriarca que se opone a la boda, es escondido en un hueco y una paseante entra fumando, lo que provoca una explosión en el escondite. En el segundo acto la gente del pueblo reprocha a la causante del siniestro.

Poco a poco se van resolviendo enredos y las parejas terminan felices en bodas simultáneas.

El programa de mano, escrito en letón, inglés y ruso, provee una sinopsis a modo de pequeños cuadros. En realidad, creo que la obra está hecha justamente de cuadros un tanto sueltos. Gracias a él entiendo más como son las relaciones. Efectivamente, hay varias parejas y un personaje engañando a Antonija.

Siempre me ha parecido que en este tipo de teatros los mejores lugares son los ubicados en las logias o “dress circle”, el área que es primer piso o mezzanine. Se tiene una vista en perspectiva ligeramente elevado sin estar muy lejos. Se le suele llamar “dress circle” por ser un semicírculo donde los espectadores acostumbran ir vestidos elegantemente, lo que refuerza mi idea de que es la mejor sección.

Los boletos son relativamente baratos considerando que es un Ballet Nacional y que se trata de Europa. En general, Riga se considera una capital europea económica y su casa de ópera no es la excepción.

Eso y un golpe de suerte me permitieron encontrar el mejor lugar de la casa: el más centrado de la primera fila del “dress circle”.

Las diferencias que pude observar entre Letonia y México son que en Riga la gente efectivamente va elegantemente vestida a las funciones. Los programas de mano se siguen haciendo impresos y no digitales (gracias) sin embargo tienen un costo. A diferencia de otros teatros extranjeros en los que se vende el programa, en este caso es económico y sin mucha producción, solamente un díptico con un inserto con el reparto.

Por el tipo de clima, a pesar de ser agosto, la gente lleva abrigos y el guardarropa tiene filas larguísimas a la salida. Me llamó la atención que en el intermedio el público se vuelca al bar del teatro. Creo que es una costumbre muy arraigada en Europa, viendo algo similar en Bélgica.

Antonija #Silmači.
Ballet Nacional Letón.
Orquesta de la Ópera Nacional Letona.
Música: Juris Karlsons.
Coreografía: Aivars Leimanis.
Basada en la obra Los días del sastre en Silmači, de Rūdolfs Blaumanis.
Duración aproximada: 2:00 horas

circo, contemporaneo

Momo

La Karpa de Mente ofrece la Licenciatura en Artes Circenses Contemporáneas, como trabajo de los alumnos de la Licenciatura, tuvieron la temporada de estreno de Momo o la extraña historia de los ladrones de tiempo, que duró tres semanas en la Karpa.

Acudí al cierre de temporada, atraído por la oferta de «circo, danza, teatro y música», todo bajo la dirección de Iván Mondragón y Edgar Zendejas, éste último ha trabajado con Cirque Eloize de Montreal, por ejemplo Sept moments de joie.

Lo que no me gustó: La impuntualidad. Comenzó 26 minutos tarde. Para una obra de una hora de duración es un retraso sustancial. Otro punto en contra fue el personal de la Karpa que trataba de jalar los aplausos del público, generalmente sin mucho éxito. Esto me llamó la atención, pues al ser fin de temporada había muchos familiares y amigos, sin embargo, se sentía una respuesta un tanto fría.

Por más que quise visualizar la historia de Momo de Michael Ende, no la encontré. Debe ser una interpretación muy abstracta de la novela. El montaje me parece interesante pues une muy bien las disciplinas que promete: circo, danza, teatro, música. Hay músicos en escena, existen secuencias coreografiadas y por supuesto hay circo.

Muy al estilo del circo contemporáneo canadiense, los números suelen ser hasta tres actos simultáneos: simultáneos: puede haber un acto aéreo mientras otra persona hace malabares y un grupo interpreta una coreografía. En ocasiones uno tiene que decidir a cuál de las cosas ponerle atención.

El espectáculo tiene malabares, equilibrio de manos, pulsadas, rueda Cyr, monociclo, números aéreos en trapecio y en plástico, entre otros. Hablando del plástico, hay exploración de materiales y objetos que no suelen usarse en los actos circenses. Eso me pareció muy interesante, aunque no necesariamente el resultado sea placentero.

La obra comienza con un hule enorme, a modo de tela, para acrobacia aérea. Nunca había visto eso, seguro tiene una dificultad particular al ser más rígido que una tela, pegajoso y adherirse con el sudor. No me gustó. Rechina con las evoluciones del artista y no tiene la caída fluida que da una tela.

Un acto de malabares con cajas de cartón fue interesante pues nunca había visto algo así, con objetos tan grandes, solo que falta fluidez. Los números de malabares en grupo de cuatro personas me gustaron a pesar de haber varias fallas.

La obra en general me pareció interesante. Tiene muchas cosas rescatables. Creo que todavía falta práctica para que se vea fluido. Me encantaría que no quede en esta temporada. Me gustaría que los alumnos sigan trabajando en ella y ver el resultado más adelante.

Respecto a “la respuesta fría del público” en un momento dado creo que entendí la razón. En un punto de la obra, una de las chicas vio hacia el público, pero parecía ver al infinito, no mirar al público sino más allá. Es decir, había cuarta pared, como en el teatro o en la danza. En el circo estamos más acostumbrados a que no exista esa pared y haya una comunicación más estrecha con la audiencia. Posiblemente el público lo sentía y por eso no se sentía invitado a aplaudir, sino hasta el final, como se hace en el teatro. Cabe mencionar que el aplauso final fue atronador.

El espectáculo se presentará el 29 de marzo a las 14:00 horas en el Pabellón Circense del Centro Nacional de Artes en el marco del programa Escenarios Convergentes por el Día Mundial del Teatro.

Momo o la extraña historia de los ladrones de tiempo.
Dirección: Iván Tonantzin Mondragón y Edgar Zendejas.
Música e interpretación: Hugo Morales Zendejas y Adrián Robledo.
Estudiantes LACC: Quetzalli Coyol, Grecia Gómez, Ericka Giovanna Gutiérrez, Juan de Dios Hernández, Luisa Lucía Hernández, Rodrigo Iván Hernández, María del Carmen Hudlet, Alma López, Alejandra Martínez, Xochiquetzalli Montiel, Mauricio Pretelin, Karol Lizeth Villegas.
Duración: 1:00 hora

#danza, Ballet, musica

Lago de los Cisnes (CND)

Tras 40 años de presentarse en la isleta del lago menor de Chapultepec, El Lago de los Cisnes dejó de presentarse en dicho lugar en 2016. En su momento se indicó que se trataba de una versión mutilada y se apostaba a montar la versión completa. Además que el clima frecuentemente era un problema. Al ser la temporada en febrero – marzo siempre había cancelaciones por lluvias. Con una duración de apenas una hora y final feliz, era bonita de verse, pero muy alejada de la versión tradicional.

Posteriormente se han realizado temporadas en el Palacio de Bellas Artes, desafortunadamente, como siempre sucede con la Compañía Nacional de Danza, las temporadas son de pocas funciones y al ser Lago una de las obras que más gusta al público, los boletos se agotan en un par de días.

Como anécdota personal: En la segunda mitad de 2017 pude conseguir realmente el último boleto de la temporada. Tras mostrarse en línea totalmente agotado, me apareció un solo boleto en todo el Palacio y en un buen lugar de la Luneta (plata baja) Rápidamente lo compré. El 19 de septiembre un fuerte sismo sacudió a la ciudad y por un par de semanas se cancelaron eventos masivos. La función para la que tenía boleto fue la única afectada. Cancelada sin posibilidad para reprogramar fecha.

Es hasta febrero de 2025 que pude ver por primera vez la obra completa con orquesta. Años atrás la había visto con una compañía rusa en el Metropólitan, pero sin orquesta. Nuevamente, en Chapultepec, era pista y una versión abreviada.

Cambia mucho con orquesta. No se por qué la Compañía lleva algunos años alternando funciones con y sin orquesta. Definitivamente es mejor con música en vivo.

Me gustó. Tiene motivos coreográficos bonitos, patrones que se van repitiendo, creando unidad y continuidad. Los momentos de los cisnes en verdad hacen ver una parvada. El único detalle, que frecuentemente tengo con la CND, es que los hombres suelen oírse pesados al caer de los saltos, haciendo mucho ruido en el piso.

La obra en vez de dividirse en cuatro actos, la presentan en dos actos de dos cuadros cada uno. Me llamó la atención que no tienen marcadas pausas para agradecer en las variaciones. Los momentos de saludos son entre los personajes, no hacia el público. Esto no impide que el público, como siempre, aplauda en momentos inoportunos. Las pausas, los silencios, están en la partitura por algo, no para que se aplauda en cada silencio presente.

El Palacio era de los recintos que tenían una política más estricta respecto al uso de cámaras. Desafortunadamente ya no se controla y mucha gente estuvo grabando y tomando fotografías durante la función, siendo notorio que lo hacían en las partes famosas mediáticamente, como en la danza de los cuatros cisnes, no así en el pas de deux de Odile con los 32 fouettés.

Con la salida de Lago en Chapultepec y La Bella Durmiente en el Castillo, solo ha quedado de manera regular El Cascanueces en el Auditorio Nacional, edificio que me parece muy malo para ballet. Me dio mucho gusto finalmente ver Lago de los Cisnes en el Palacio de Bellas Artes. Espero que pronto se considere tener temporada de manera regular en dicho recinto.

Lago de los Cisnes.
Coreografía: Cuauhtémoc Nájera sobre originales de petipa e Ivanov.
Música: Piotr Ilich Chaikovski.
Dirección de orquesta: Gavriel Heine.

#clown, #danza, #magia

Show Clown

Clown Company Art presenta Show Clown en el Foro Mitz, anunciado como comedia, ópera, ballet, malabares y más. Con un cartel que ofrece un espectáculo interdisciplinario inmediatamente quise verlo. Desafortunadamente no me gustó.

El espectáculo parte de la premisa de que un personaje escapa del manicomio y en un diario escribe lo que verá. Nunca vuelvo a ver esa premisa, en realidad son actos sueltos, independientes entre ellos. La danza y ópera son solo un pretexto, se les pudo explotar mucho más para hacer algo realmente multidisciplinario.

La dramaturgia de los actos es pobre, varias veces los siento inconclusos. En repetidas ocasiones tienen que explicar el chiste o decirle con palabras al público lo que no lograron comunicarle con señas. Si el chiste se tuvo que explicar, entonces es malo.

Para mi gusto ponerse una nariz roja, hablar agudo, reírse de todo y correr por el escenario haciendo resonar muchísimo el piso, no es clown.

De lo que puedo opinar más es de magia. Hay un acto de mentalismo que tiene errores en la continuidad y se puede sugerir el método a un ojo observador. Adicionalmente, hay un comentario improvisado, posiblemente tratando de tapar el error, que pone el dedo en la llaga y recalca la pista al método.

Mas adelante, hay un acto en el que se levanta una caja pesada. Mientras se habla con el público se oscurece el escenario, se paran los actores frente a la caja (obstruyendo la vista) y se escucha mucho ruido, seguramente colocando pesos. Toda la gente que pasó al frente, pudo cargar la caja fácilmente. Si la idea era hacer el efecto del cofre ligero-pesado no se logró.

Jesús Díaz, maestro de clown, en sus talleres dice que, si el payaso entra a escena con una guitarra y cada vez que la va a tocar tiene problemas para continuar, solo hay dos finales: o la toca o no la toca. Independientemente del resultado, el ejecutante debe ser capaz de tocar el instrumento. Por alguna razón, el público se da cuenta si la persona sabe o no tocar la guitarra. Si en realidad no lo sabe hacer, eso se nota y la audiencia sabe que al final no la tocará.

Durante el espectáculo hubo algunos momentos en que sentí desde el principio que no iban a hacer lo que ofrecían.

Lo único que me gustó fueron los malabares a cargo de Alfredo Velázquez. Es buen malabarista, trabaja con pelotas, clavas y aros. El techo del foro es bajo para algunas de las rutinas y lo rescató muy bien.

En una entrevista en YouTube, se menciona que los actos partieron de improvisaciones en un taller. Lamentablemente el producto no se siente terminado. Siguen siendo improvisaciones sin pulir.

Los actores tienen buenas credenciales, estudiaron en una buena escuela con los mejores profesores, se ve que tienen entusiasmo, pero falta para que sea un producto terminado. En dicha entrevista, una de las actrices dice que no es necesario estudiar clown muchos años. Aquí el resultado.

Nota: En el poster se muestra al Pájaro Verde de La Nouba de Cirque du Soleil ¿Por qué?

Show Clown
Con: Karla Caos, Eder Tercero, Nicte Palacios, Marisol Martínez, Michelle León, Alfredo Velázquez.

#danza, Ballet, pelicula

Swan Lake IMAX

El pasado mes de noviembre se presentó en una muy breve temporada, El Lago de los Cisnes en salas IMAX, con la Ópera de Paris, en versión de Rudolf Nureyev.

Los papeles principales fueron desempeñados por Sae Eun Park (Odette/Odile), Paul Marque (Príncipe Sigfrido) y Pablo Legasa (Rothbart)

La publicidad ofrecía por primera vez una experiencia inmersiva como nunca se había visto u oído, disfrutando el ballet en primera fila.

La cámara constantemente se mueve por el escenario, llevando al espectador no solo a la primera fila, sino dentro de la obra. No siempre con los mejores resultados. Pathe Live tiene experiencia con transmisiones en vivo del Ballet Bolshoi, sin embargo, en esta ocasión el trabajo de cámara no termina de gustarme.

Hay tomas muy bonitas con mucha estética donde se aprovecha muy bien la coreografía, pero hay otras donde no se aprecia correctamente. Por ejemplo, siguen en acercamiento a los bailarines principales dejando al cuerpo de baile fuera. Al ser una toma tan cerrada siguiendo a alguien que se desplaza por el espacio, todas las demás personas se ven difusas. En otras ocasiones se juega con el foco, desenfocando a quien baila y centrando la atención en el príncipe que está sentado.

Por otro lado, los acercamientos y la calidad de la imagen es tal, que se pueden ver las filigranas del vestuario como nunca lo habíamos hecho. Incluso algunos detalles que tal vez no debíamos notar, como seguros en la ropa y detalles estéticos.

Respecto a la historia, es un tanto confuso que Rothbart, al principio sale como el consejero del príncipe, quien parece estarlo manipulando ¿acaso establecer una relación sentimental con él? En los créditos Legasa recibe créditos separados, como si fueran dos personajes diferentes, sin embargo, en la fiesta cuando llega Rothbart con Odile, claramente vemos al consejero.

Parece ser una grabación de estudio, no en una presentación en vivo con público. Los detalles coreográficos y técnicos están muy bien cuidados, seguramente fue una ardua labor tener las tomas perfectas. Solo que por el lado de la cinematografía creo que quedaron a deber y no aprovecharon totalmente lo que podían lograr con el IMAX.

#clown, #danza, #teatro, circo, musica

Mictlán

Del 1 al 9 de noviembre, Cielo Azul Circo presenta Mictlán, en el Foro Cultural Coyoacanense Hugo Argüelles. Se trata de una obra de música, danza, circo y teatro que muestra elementos tradicionales de día de muertos y de la mitología que lo rodea, como el xoloitzcuintle, colibríes, las calaveras, ofrendas y cempasúchil.

Con 13 artistas en escena y 5 músicos, la obra muestra el recorrido de una artista aérea que muere en una función, en su paso hacia el Mictlán.

La función incluye diversos actos circenses como números aéreos en telas, aro, estructuras en forma de luna y espiral, cintas, malabares de contacto y tradicionales, pulsadas, acrobacia de piso, equilibrio en manos, contorsión, suspensión capilar, antipodismo, aro hula y rueda Cyr. Las presentaciones son complementadas con elementos de danza y teatro, así como con música en vivo con letras que de una u otra manera se relacionan con el acto realizado.

A lo largo del montaje, el maestro de ceremonias alegra el ambiente con ocurrencias, bailes y acrobacias al ritmo de “yo no soy jaranero, soy un cenzontle, yo soy maromero”. El número de telas se acompaña con letra alusiva al cabello por la espalda, su sonrisa y sus ojos, mientras la ejecutante realza con gestos la letra. De igual forma, el acto en el que un xoloitzcuintle hace acrobacias en la luna, va con una mezcla de “deja que salga la luna” y “luz de luna”. Así mismo, al mencionar “llorona de azul celeste” señalan el respectivo vestuario con ese color. En resumen, las letras estás muy bien elegidas para unirse a los actos realizados.

Los números están muy bien preparados, aunque algunas transiciones las siento un tanto bajas de energía, refiriéndome a la corporalidad.

Hubo actos con elementos o variaciones que nunca había visto, como la rueda Cyr que es usada como aro hula o en conjunto con un espectador. Nunca había visto una suspensión capilar doble y los movimientos de aro aéreo me sorprendieron por la fuerza, relacioné más el tipo de movimientos con trapecio. Por alguna razón las cintas aéreas no son muy de mi agrado, en esta ocasión me gustaron por la fuerza del número y la manera en que hicieron la introducción del acto.

Es un espectáculo que vale mucho la pena, la presentación a la que asistí fue la primera de la temporada, estuvo casi llena la sala. Se están dando dos funciones diarias, lo cual no es cualquier cosa. Muy recomendable. Lo único malo es que no hay programa de mano ni en QR, por lo que no sé los nombres de los artistas.

Mictlán
Cielo Azul Circo
Duración aproximada 1:30 horas

#danza, contemporaneo

Carmina Burana (TCUNAM)

Del 24 al 27 de octubre, el Taller Coreográfico de la UNAM presentó en el Teatro de la Danza, Carmina Burana, de Irina Marcano, actual directora del TCUNAM.

Se trata de una versión minimalista donde la escenografía consiste solo en un piso rojo con apoyo de iluminación que nos lleva a diferentes atmósferas, iluminadas, coloridas y festivas u obscuras y agonizantes.

La coreografía me parece entre contemporánea y neoclásica. Definitivamente no es ballet clásico, tiene elementos contemporáneos y rompimiento de líneas, sin embargo, se baila con zapatillas de media punta y no descalzos como es más frecuente en el contemporáneo. Así mismo son reconocibles elementos clásicos.

Es el tipo de contemporáneo que me gusta: dinámico, sin tanto piso ni acrobático. Hay escenas en las que es muy grato cómo se van agregando poco a poco bailarines al escenario dentro de los compases musicales. En otros momentos, al finalizar alguno de los cantos, con el acento se suma repentinamente un personaje. Es un movimiento preciso. No esta ahí y en el siguiente segundo, igualando la música ya está en su lugar.

Uno de los cuadros que me resultó más interesante fue el del cisne. Un movimiento completamente descoyuntado que remite perfectamente al cisne asado que es devorado y posteriormente olvidado. Un ambiente negro, sombrío con los bailarines que lo comerán acechando. Globalmente no es una escena muy grata a la vista, por lo tanto, está muy bien lograda, con mucha plasticidad transmite el sufrimiento del ave.

23 bailarines dan vida a la obra, de aproximadamente una hora diez minutos con la conocida música de Carl Orff. En algunos momentos el cuerpo de baile se veía un poco disparejo o con diferente energía en los movimientos. Me fue grato que el público aplaudió hasta el final y no en cada escena.

Carmina Burana
Música: Carl Orff.
Coreografía: Irina Marcado.

#danza, Ballet

Don Quijote

Del 17 de mayo al 9 de junio en el Teatro de las Artes del Centro Nacional de las Artes, la Compañía Nacional de Danza presentó la temporada de Don Quijote.

Las últimas presentaciones que recuerdo de dicha obra no han sido en el Palacio de Bellas Artes, sino en el Teatro de la Ciudad o como en esta ocasión, en el Teatro de las Artes, no se cuál sea la razón.

Don Quijote es uno de mis ballets favoritos, tenía aproximadamente 15 años que no lo veía en vivo y tiene menos tiempo, pero también un largo rato, que no lo veo en video. No estoy completamente seguro, pero diría que esta versión modifica algunas partes quitando o agregando secciones, respecto a la coreografía tradicional.

Los espacios que se crean mediante la escenografía son mágicos, sobre todo el sueño de Don Quijote.

Algo que me ha parecido atinado de la presente administración de la compañía, es que se está dejando de centralizar las actividades en el Palacio de Bellas Artes. Si bien, todo sigue en la Ciudad de México, ahora hay temporadas en el Centro Cultural del Bosque y en el Centro Nacional de las Artes. En estos dos recintos se han tenido funciones gratuitas o con precios muy económicos con lo que se puede acercar las actividades de la compañía a más público. Sin embargo, me encantaría ver en algún momento la obra en el Palacio con orquesta, ya que en los otros espacios es música grabada.

La temporada fue más larga que las acostumbradas en el Palacio (normalmente unas 5 funciones) y contó varios días con localidades agotadas, por lo que ha sido un éxito al acercarse al público. En estas semanas, en el mismo teatro, con entrada libre, se presentará La Fille mal Gardée también con la Compañía Nacional de Danza.

Adaptación coreográfica: Cuauhtémoc Nájera, Jacqueline López, Sonia Jiménez, Antón Joroshmanov y Agustina Galizzi sobre la coreografía original de Marius Petipa.
Dirección artística: Elisa Carrillo y Cuauhtémoc Nájera.

Por los Teatros

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