Presentación de Marie-Antoinette. Se muestra con fines ilustrativos.
He visto algunas obras en video de Thierry Malandain y la mayoría me han gustado. Maria Antonieta no es la excepción.
Con música de Haydn y Gluck, Malandain nos lleva al Palacio de Versalles, donde vemos a la corte en fiestas, juegos pueriles y entretenimientos frívolos. También vemos desenvolverse romances entre gente de la corte.
Presenciamos la inauguración de la Opera Real de Versalles, un escenario dentro del palacio. Esta grabación en particular fue realizada en ese preciso escenario.
Se va presentando de igual forma la relación de María Antonieta con Luis XVI. En un principio somos testigos de una pareja amorosa, poco a poco se van separando, la frialdad y rechazo por parte de Luis XVI hacia María Antonieta se van haciendo más y más evidentes.
Hacia el final se escuchan estruendos. Los cañones y disparos que anuncian la revolución. Los dos reyes quedan en el escenario, levantan la cabeza al tiempo que se hace oscuro implicando la caída de la guillotina. Un final impresionante.
Como es frecuente en los trabajos de Malandain, la música y movimiento son alegres, con mucho dinamismo, incluso en escenas lentas. La sincronía de los bailarines con la música y del cuerpo de baile es perfecta. Un trabajo muy bien pulido. La escena final es una imagen con mucha fuerza, sin ser explícitos se insinúa el cadalso y la caída de la cuchilla.
El teatro principal del Palacio de Versalles fue inaugurado en 1770 para celebrar la boda del Delfín (Dauphin, título que se le da al hijo del rey y futuro heredero) con María Antonieta. El hecho de que este ballet sea grabado en ese escenario le da un toque histórico especial.
Una obra recomendable que puede ser vista en medici.tv
Marie-Antoinette Dirección: Thierry Malandain Bailarines: Claire Lonchampt, Mickaël Conte, Irma Hoffren, Frederik Deberdt, Miyuki Kanei, Arnaud Mahouy, Raphaël Canet Música: Joseph Haydn y Christoph Willibald Gluck Disponible en medici.tv con suscripción
Portada de Sueño de una Noche de Verano, se muestra con fines ilustrativos.
John Neumeier en 1977 creó su versión de Sueño de una Noche de Verano, basado en la obra de Shakespeare. Historia llevada a la escena de la danza en numerosas ocasiones, esta versión es diferente a las otras por no llevar solo la música del mismo nombre de Mendelssohn.
La historia es la comedia de errores donde dos parejas se adentran en el bosque, una correspondida y la otra no. El bosque es el dominio de las hadas, donde Titania y Oberón tienen sus propias rencillas. Oberón planea verter un hechizo de amor sobre Titania y así burlarse de ella. Puck le ayuda pero el travieso duende comienza a inmiscuirse con las dos parejas de humanos creando una confusión. Al final todo se resuelve y los humanos se casan con la venia de Hipólita y Teseo, los duques, que también celebran su boda.
En la presente versión con el Hamburg Ballet se alterna música de Félix Mendelssohn, no limitada a la Música Incidental a Sueño de una Noche de Verano, con la de György Ligeti. Otro cambio sustancial es que las parejas de Titania/Oberón e Hipólita/Teseo son interpretadas por los mismos bailarines. De igual forma Puck y Filóstrato, que serían los sirvientes de una y otra pareja, son ejecutados por el mismo bailarín.
Vemos a Hipólita y Teseo no como una pareja feliz, están a punto de casarse, pero a Teseo se le ve distante e interesado en otras mujeres. Puede ser un reflejo de la historia tradicional en que Titania y Oberón están peleando por la custodia de un paje ¿hijo?
Las escenas en el bosque, en el reino de las hadas, llevan música de Ligeti. En general no me gusta, me parece muy disonante. Los pas de deux entre Titania y Oberón son de muchas cargadas casi circenses.
Los bailes grupales están muy bien realizados, las escenas del mundo de los humanos son muy luminosas y las escenas de las hadas son muy abstractas y obscuras.
Las escenas de los comediantes que preparan el divertimento para la boda de Hipólita y Teseo son francamente divertidas. Su representación de la tragedia de Píramo y Tisbe es divertida, bien contada y se le dedica su tiempo. Usualmente es un pasaje que se deja de lado o se representa muy de pasada. En la obra de Shakespeare está establecido que un hombre representa a Tisbe, en esta versión cabe destacar que lo hace en puntas aparentando no saber usarlas.
Teseo me parecía conocido. Caí en cuenta que Edvin Revazov es el mismo bailarín que participa en la grabación de La Dama de las Camelias con el Bolshoi al lado de Svetlana Zakharova. La Dama de las Camelias es también de Neumeier, estrenado con el mismo Hamburg Ballet. Para la presentación con el Bolshoi, Neumeier se llevó especialmente a Revazov.
Otros trabajos de John Neumeier me han gustado mucho. Éste me pareció interesante por los paralelismos entre las parejas, sin embargo, no me gustó lo oscuro y la música para las hadas. La grabación, realizada en 2021 se encuentra disponible en medici.tv y fue hecha especialmente para cámara, no es con público en vivo y permite cambios de personaje más rápidos que si fuera en un escenario en vivo.
A Midsummer Night’s Dream Coreografía: John Neumeier Bailarines: Anna Laidere, Alexandr Trusch, Edvin Revazov, H´lène Bouchet, Madoka Sugai, Karen Azatyan, Jacopo Bellussi, Marc Jubete Dirección: Myriam Hoyer Duración: 2:00 horas
El conocido cuento de Hans Christian Andersen fue publicado por primera vez en 1837, desde entonces se ha mantenido en el gusto del público, teniendo múltiples adaptaciones.
Jan Kodet, con el Ballet Nacional Checo, realiza una coreografía contemporánea del cuento, con música de Zbyněk Matějů.
La obra se divide en dos actos, cada uno aproximadamente de 50 minutos de duración. En el primero vemos a las sirenas en su mundo acuático y a un grupo de jóvenes humanos ¿surfeando? Las sirenas con movimientos hipnóticos atraen a los humanos que naufragan, una sirena intercede por uno de ellos. Las sirenas siempre tienen caras inexpresivas, sobre todo la reina, dura como un palo. El vestuario no me gusta, parecen camisones. Me resulta mas interesante el vestuario del muchacho que habita en el mar con la sirenita ¿un tritón, un pez? ¿amigo, pretendiente? Nunca queda claro su papel.
La sirenita busca a la bruja, quien tiene el personaje más interesante de la obra. Al dirigirse a las profundidades del océano, la sirenita se encuentra con peces abismales, le da un buen toque, sin embargo los secuaces de la bruja no queda claro que son, parecen momias. En algún momento traen a un humano muerto en un ataúd de cristal con un cuchillo en el pecho, hacia el final vuelven a él. No entiendo para nada que tiene que ver con la historia. El primer acto concluye cuando la sirenita hace el trato con la bruja.
Durante el segundo acto la sirenita conoce al príncipe, posteriormente él conoce a otra muchacha con quien se casará. En las profundidades la reina de las sirenas, el amigo y la bruja discuten respecto al muerto y al cuchillo (?) el amigo intercede tomando el cuchillo con lo que se sacrifica (?) en la superficie los novios van en una balsa que está a punto de naufragar y la sirenita tiene la posibilidad de matarlos con el cuchillo. No lo hace. Al final vemos al amigo muerto llevándose el cuerpo de la sirenita.
No me gustó la obra, me parece muy abstracta, muchos momentos son poco claros y apuesta a que la historia es de dominio público (aunque tal vez no sea tan conocido el cuento original, como las películas de animación) La música es disonante, me recuerda a Stravisnky que no me gusta. El vestuario tampoco me gusta.
Tras ver la obra me remití al cuento. El amigo no existe en el mismo, por lo que solo puedo pensar en la jaiba de Disney. Las sirenas del ballet son del tipo que guía a los marinos al naufragio, en el cuento son personajes sin malicia hacia los humanos. Por otro lado, en el ballet me parecen demasiado inexpresivas como para “tentar” a los marinos y un camisón de vestuario no ayuda. El cadáver en poder de la bruja me es totalmente inexplicable y en el cuento tampoco existe. Al ser tan abstracto el final falla en transmitir la redención de la sirenita a su buena acción de no matar al príncipe.
Los momentos más interesantes son las danzas de los varones, tanto los tritones en el fondo del mar como los marinos cuando surfean. Fuera de eso no me gustó.
Disponible en medici.tv
Magdaléna Matějková (La Sirenita) Coreografía: Jan Kodet Música: Zbyněk Matějů Czech National Ballet Producción: Les Films Figures Libres – Česká televize – Mezzo – The National Theatre Prague 2017 Duración: 1:40 horas
Portada de Gala de Ballet Chino. Se muestra con fines ilustrativos.
En el marco del 72 aniversario de la fundación de la República Popular China, el 30 de septiembre de 2021 Canal 22 transmitió La Gala de Ballet Chino, programa auspiciado por el Centro Cultural de China en México y la Embajada.
El programa, formado principalmente por fragmentos de obras, ha sido difundido en otros países.
La gala incluye piezas clásicas como Giselle y una reinterpretación de Cascanueces, en este caso titulado Año nuevo chino. El fragmento presentado es el Vals de las flores que en esta versión se llama Porcelana China. Los tutús de plato realmente parecen platitos de dicho material.
El Pabellón de Peonia combina elementos de cultura china con danza contemporánea y algunos elementos de clásico, lo que lo lleva más hacia lo neoclásico. La ejecución me parece muy buena, con expresiones llenas de sentimiento. Otra obra, Los farolillos rojos colgados en lo alto, une muy bien estética tradicional china con elementos de ballet.
Canto de la Grulla, es una hermosa coreografía de Ma Cong y Zhang Zhenxin. Los bailarines con gran plasticidad emulan muy bien los movimientos de dichas aves. Es de mis favoritas de la gala, al igual que El ciervo de nueve colores, primer ballet chino de cuento de hadas. Fue creado para los alumnos de la Escuela de Danza del Ballet Nacional de China. El extracto presentado muestra a los ciervos en el bosque. Me deja con ganas de conocer la obra completa.
Canon en Re mayor es producto del Taller de Ballet lanzado por la Compañía para promover jóvenes talentos. Con coreografía de Jiri Bubenicek es otra de las obras que más me gustaron por la fluidez del movimiento. Sin embargo se siente muy editada, es la pieza en que más me molestó el trabajo de cámara ya que no se aprecia totalmente la coreografía. Con Carmen de Roland Petit, nuevamente el trabajo de cámara hace sentir que hay cortes, uno evidente es al final donde eliminan un par de segundos pero se nota que Carmen está de pronto más alejada de Don José de la posición en que estaba.
Canción de la vida continúa el programa. Coreografiada por Ying E Ding y Yang Minjian es una obra de danza contemporánea bastante pulida. Es la pieza a la que se le da más tiempo en la gala y se agradece que no esté editada.
Asparas Voladoras de Dunhuang cierra el programa. No me gustó. En el ciclorama se proyectan imágenes en movimiento que distraen de la acción en el escenario.
En general el programa es bueno, muestra una amplia variedad de estilos: clásico, neoclásico, contemporáneo y tradición china. Lo que no me gusta es que varias obras están editadas sin ocultar los cortes. Al resumir la gala en un programa de televisión de una hora quedaron incompletas las obras. Me hubiera gustado un programa más largo o eliminar piezas pero no cortar otras.
Cirque Éloize, compañía de circo con sede en Montreal, ha realizado una nueva producción durante la pandemia. La misma es una película para mostrarse por medio de streaming. Se trata del espectáculo Sept moments de joie (siete momentos de alegría), que une a 7 coreógrafos haciendo igual número de obras que mezclan danza con artes circenses.
La realización corre a cargo de Lilli Marcotte y la puesta en escena es de Benoit Landry. Las obras son:
Fine Ligne, de Virginie Brunelle. Danza contemporánea y danza en bungee. Cuenta con 3 bailarines y un cuarteto de cuerdas interpretando música de Philip Glass. Se explota muy bien el espacio haciendo que por momentos los bailarines y la cámara se muevan entre los músicos.
Slick, de Christian Garmatter. Con la famosa música Sing, sing, sing de Louis Prima en versión de Benny Goodman, es una mezcla de swing, break, pole dance y malabares. El resultado es una obra con mucho frenesí que fácilmente nos traslada a los salones de principios de siglo XX. La iluminación complementa muy bien la escenografía, incluso se producen reflejos en las ventanas que hacen pensar en la existencia de anuncios luminosos en el exterior. Los encuadres no me gustaron del todo, hay acercamientos que dificultan apreciar partes de la obra. En particular me llama mucho la atención el malabarista, sobre todo un movimiento en el que las pelotas pasan describiendo un círculo de atrás hacia adelante.
Ravissement 42 45 de Claudia Chan Tak presenta una especie de desfile de modas con telas de animales y posteriormente algo que parece una batalla de una pareja sobre mástil chino.
Souffle de Axelle Munezero une danza contemporánea con aros hula. Las mariposas son un tema recurrente. Son parte del vestuario y hay movimientos de brazos que remiten a un aleteo desesperado. El vestuario de la solista es un vestido muy elaborado y en el cabello chino lleva varias mariposas, algo que requirió mucho trabajo de realizar.
Yalapasicik de Ivanie Aubin-Malo. Coreógrafa perteneciente a la nación Malecite de Cacouna, en Quebec, sus obras se enfocan en dar presencia a los grupos originales de Canadá. Yalapasicik involucra pasos de la tribu Pow Wow y mezcla contorsionismo. El vestuario y la escenografía remiten a la indumentaria tradicional. Con música de Kìzis con quien Aubin-Malo ha trabajado antes, la obra logra una atmósfera ritual, incluso alucinógena. La música se siente entre tradicional y electrónica, lo que logra un ritmo hipnótico que ayuda con la sensación alucinada.
Ojas de Edgar Zendejas une danza contemporánea con acrobacia aérea y música en vivo: un guitarrista y cantante español. La voz no es de mi agrado.
Furie de Manuel Roque termina el programa. Une danza y acrobacia. Aprovecha totalmente el espacio del estudio del Cirque Éloize donde se realizó la grabación. La solista se mueve por varios salones. Se utiliza muy bien la iluminación natural y los grandes ventanales del edificio. Es una grabación que se presenta en cámara lenta dando un toque muy especial al frenesí mostrado por la intérprete. Es la única obra en la que en realidad veo alegría. Al final observamos a la bailarina abrir la puerta del estudio y salir a la calle. Acaso el fin de la cuarentena.
La película en general me parece muy buena. Un gran esfuerzo que Cirque Éloize hace en estos momentos para seguir produciendo material. Las obras llevan una breve introducción de los coreógrafos (en francés) y en general se expresa el gusto de estar trabajando juntos. Se pueden ver imágenes de ensayos con cubrebocas. No hay duda, ésta es una creación durante la pandemia.
Se hizo muy buen uso de la cámara dando planos muy interesantes que no se lograrían con público en vivo. Se propusieron hacer un film y se logró, dando escenas en las que la cámara recorre 360 grados y no se ve nada del equipo de producción. El tema es 7 momentos de alegría aunque solo veo alegría en la obra Furie.
Fine Ligne, Slick, Yalapasicik y Furie son las obras que más me gustaron.
El streaming está disponible hasta el 6 de enero en la página de Cirque Éloize. Tiene un precio de 15 dólares canadienses y un boleto es válido por 48 horas a partir del primer acceso. Todos los ingresos se donarán a la Fundación Éloize para contribuir al desarrollo de las artes escénicas.
Sept moments de joie Cirque Éloize Realización: Lilli Marcotte Puesta en escena:Benoit Landry Coreógrafos: Virginie Brunelle, Christian Garmatter, Claudia Chan Tak, Axelle Munezero, Ivanie Aubin-Malo, Edgar Zendejas y Manuel Roque Duración aproximada: 1:20 horas
Imagen del Cuervo Blanco, se muestra con fines ilustrativos.
Película británica de 2018, traducida en ocasiones al español como El Bailarín, muestra ciertos episodios de la vida del bailarín Rudolf Nureyev.
La película se basa en el libro Rudolf Nureyev: The Life de Julie Kavanagh, mencionado por la Fundación Rudolf Nureyev como “la biografía autorizada, con material que no había estado disponible a otros escritores” Esa presentación me haría ver con reserva el libro publicado en 2007.
La historia se centra principalmente en la gira por París del Ballet Kirov, cuando Nureyev deserta de la URSS y pide asilo a Francia.
La película me parece larga y con ritmo un tanto lento. Se van alternando tiempos, entre el momento de la gira en París y el pasado de Nureyev, pasando por su nacimiento, pasajes de su infancia, entrenamiento con Alexander Pushkin y visitas a museos. Hubiera preferido que la historia fuera más lineal, ya que los saltos en el tiempo a la larga me parecieron tediosos. Entiendo que están así para explicar con su pasado algo que le sucedía en el presente.
Con fama de temperamental, en la película se ve a un Nureyev egocéntrico, grosero y engreído.
Durante la gira (así como en el pasado) había roto constantemente las reglas sobre salidas y contacto con otras personas. Siempre se ha tenido la idea que como castigo sería regresado a la URSS, es en ese momento en que pide asilo. También frecuentemente se menciona que su homosexualidad influyó en que fuera vigilado constantemente. Esto se deja de lado en la película.
El director Ralph Fiennes interpreta también a Alexander Pushkin, actuación que me gustó mucho. Se ve a una persona mesurada, introvertida, con una forma pausada de andar por la vida. Se ve la mezcla de dolor y comprensión de su parte cuando tiene que explicar al gobierno sobre lo que sabe de la deserción.
La película termina con la deserción y una rápida nota indicando que Nureyev regresó a la URSS a ver a su madre moribunda y que él falleció en 1993. No se dice más sobre su vida. Ya que la cinta está basada en la biografía autorizada, es de esperarse que el libro cubra su vida completa. La decisión de hacer la película sobre su refugio en occidente me hace pensar más en la cuestión dramática – política, que en la intención de hacer un film biográfico. Lo mismo me sucede con películas que ya he comentado como El prodigio, Bailando en el Desierto o Noches Blancas.
Al inicio de los créditos hay breves escenas de Nureyev bailando El Corsario.
The White Crow Dirección: Ralph Fiennes. Reparto: Oleg Ivenko, Ralph Fiennes, Adèle Exarchopoulos, entre otros. Producción: BBC Films, Magnolia Mae Films Año: 2018 Duración aproximada: 127 minutos
Portada de Apollo’s Angels, se muestar con fines ilustrativos
Con esta tercer parte finalizo mis comentarios sobre el libro Apollo’s Angels, a history of ballet, de Jennifer Homans. Las primeras partes pueden consultarse en reseña y crítica.
Homans concluye que el ballet es un arte en decadencia, contaminado por lo contemporáneo y donde no se crea nada nuevo y los coreógrafos se aferran a obras de siglos atrás. Difiero completamente y encuentro contradictorio el no ver con buenos ojos lo contemporáneo y al mismo tiempo quejarse de presentar obras del pasado.
Si algo quedó de manifiesto durante la historia del ballet, es que a pesar de ser «clásico» y de «tradición» donde hay elementos que se han mantenido inamovibles durante siglos, hay otros elementos que han cambiado: Pasos nuevos, el pasar de salones de sociedad a teatros, de ser número entre actos de ópera a ser espectáculo completo, el uso de pantomima, saltos, giros. La introducción de zapatillas de punta. El cambio de los papeles de hombres y mujeres. Todo ha sido una evolución. Hoy en día distinguimos si una obra es clásica o contemporánea, pero es bastante probable que en un momento dado no haya sido tan clara esa línea, o lo que se consideraba contemporáneo, ahora lo vemos como clásico. No se puede separar de la historia de la danza clásica el papel de la moderna, contemporánea, neoclásica y todas las derivaciones.
¿Está bien seguir presentando obras de hace 100 años o más? Si, por algo son clásicas, porque gustan y son parte del legado y vale la pena mantenerlas en repertorio.
Por otro lado, concluyo que el ballet siempre ha sido patrocinado, nunca ha existido de manera independiente, posiblemente a excepción de los Ballets Rusos de Diaghilev, donde él mismo fungía como mecenas. En Francia antigua y moderna, Dinamarca, Rusia zarista y socialista, Inglaterra, Estados Unidos … Siempre ha estado patrocinada por el estado o por particulares, quienes han marcado el tema de las danzas. Frecuentemente se menciona a la URSS como ejemplo del país que imponía temáticas, pero incluso en la Francia revolucionaria, quien tenía el poder temporalmente era quien dictaba los temas. De igual forma en Estados Unidos donde los patrocinios son más bien de particulares y es a quien hay que dejar contentos presentando la temática que les interesa.
Finalmente agregaré que la idea de nombrar a Balanchine como el coreógrafo que finalmente acercó la danza al pueblo, alejándola de temas de nobleza que no son del interés de la gente común y corriente, yo diría que si acaso, ese privilegio le correspondería a Maurice Béjart, quien realizó obras con música del gusto popular como Queen y Edith Piaf, así como la Novena Sinfonía de Beethoven, planeada para presentarse en arenas deportivas. Espectáculos multitudinarios donde acercó al público tanto a la música clásica como a la popular/comercial uniéndola con la danza.
Apollo’s Angels Jennifer Homans Random House Nueva York, 2010 643 pp
Detalle de Apollo’s Angels. Se muestra con fines ilustrativos.
En la entrada anterior di la reseña general del libro Apollo’s Angels, a history of ballet, de Jennifer Homans. En esta segunda parte daré mi crítica.
En general el libro tiene un estilo muy ligero, en ocasiones se siente incluso en tono de chisme cuando se trata de dar detalles personales de los protagonistas de la historia del ballet. Hay descripciones bastante interesantes de algunas obras, en las que se da un análisis con interpretaciones en las que nunca hubiera pensado. Por momentos me queda la duda de si esa interpretación es de la autora o es la intención que originalmente se le dio a dichas obras.
Los primeros capítulos me parecen muy interesantes pero mi decepción inició con el capítulo de la URSS. Con él comienzo a ver una tendencia y no puedo evitar preguntarme que tan objetiva es Homans y qué tanto se deja llevar por motivaciones personales. Señala que la URSS creó los mejores bailarines pero acabó con el ballet. Agrega que las obras hechas con temas previamente autorizados por el gobierno solo pueden ser del gusto de los soviéticos pero no tienen éxito en occidente. Critica ampliamente a Yuri Grigorovich y sobre todo su Espartaco. Sin embargo hoy en día Grigorovich es una leyenda viviente y Espartaco una obra que sigue presentando el Bolshoi en sus giras mundiales, lo que indica que es del gusto aún fuera de Rusia. Al hablar de Romeo y Julieta dice que es el West Side Story soviético. Comparación extraña ya que el ballet (ruso) precede al musical (neoyorquino) A menos que lo diga para que un americano sin gran conocimiento de ballet tenga un punto de referencia.
En la segunda mitad del siglo XX, muy de pasada menciona a Roland Petit. A Maurice Béjart lo nombra con cierto desdén limitándose a un par de párrafos y en una fotografía de Jorge Donn (sin señalar al bailarín) describe a Stimmung de Béjart como «sexo, sudor y pretensión disfrazados de arte». William Forsythe y John Neumeier son mencionados una sola vez y a pie de página.
Al llegar a los capítulos de Estados Unidos veo aún más una tendencia marcada. Señala a Antony Tudor, Jerome Robbins y George Balanchine como los pilares del ballet americano. Presenta al ballet estadounidense con un discurso de nacionalismo, padres fundadores, igualdad, crear obras con temas importantes, acercar la danza al pueblo, alejarlo de alta sociedad y las cortes francesas. Irónicamente Tudor era británico y se cambió el apellido para sonar más aristocrático. Robbins era neoyorquino descendiente de inmigrantes rusos y cambió su nombre para sonar más americano. Balanchine era ruso y cambió su nombre a algo más occidental.
Incidentalmente menciona a Martha Graham y a Merce Cunninham. A Jirí Kylián lo señala como un «aparente pero falso heredero de Tudor», pues rechazó tomar sus obras después de su muerte. En general veo rechazo de Homans por todo lo que es danza moderna / contemporánea. Si está escribiendo sobre ballet, tal vez está delimitando el ballet clásico, en cuyo caso hubiera sido interesante indicar que criterios toma. Por ejemplo los Ballets Rusos de Diaghilev y las obras de Nijisnky eran mal vistas en su época y se consideran más modernas que clásicas. Robbins es más conocido por su trabajo en teatro musical a lo que Homans dedica varias páginas para describir con detalle sus obras.
La parte cumbre del libro es Balanchine y su trabajo en Nueva York. Muchas páginas dedicadas a su obra y persona, indicando cómo revolucionó el ballet al introducir estilos que no se usaban ¿no se desvía también de la danza clásica? Señala a su compañía como un ejemplo, pues incluía a bailarines negros (no menciona el trabajo de Alvin Ailey) El libro finaliza con la muerte de Balanchine y las palabras «El legado de Balanchine fue inmenso. Le dio al mundo la mayor obra en la historia de la danza […] Salta al pasado vía Ruisa y Petipa, a Luis XIV y a los antiguos griegos […] Ha restaurado su lugar [de la danza] como entretenimiento fino, arte sensual e ideal olímpico»
Pareciera que las 550 páginas del libro y los 350 años de historia solo existen para llevarnos a la figura de Balanchine en un pedestal en el Monte Olimpo y después de él no hay nada. Incluso el título está influenciado por él, pues acostumbraba llamar «ángeles» a las bailarinas. No es de sorprender que en el índice temático sea la persona que más entradas tiene.
En el epílogo, Homans dice que los ángeles de Balanchine han caído (ya no son de Apolo) y el ballet está en decadencia. Agrega: «la coreografía contemporánea vira sin rumbo entre imitación sin imaginación e innovación estridente» Me parece una triste conclusión para un trabajo que le tomó 10 años. Sin embargo, en la introducción deja entrever el rumbo que tomará.
En la publicación anterior mencioné que en la introducción escribe algunas cosas que a primera vista no puse mucha atención, pero cobran importancia al leer todo el trabajo. Es precisamente su postura ante Balanchine y la opinión de que el ballet es un arte fuera de moda y a la antigua lo que deja ver desde ver el principio. Pareciera que es su tesis inicial y con el epílogo demuestra a lo que quería llegar.
En la tercera y última parte publicaré mis conclusiones.
Apollo’s Angels Jennifer Homans Random House Nueva York, 2010 643 pp
Portada de Apollo’s Angels. Se muestra con fines ilustrativos.
Jennifer Homans fue bailarina antes de convertirse en crítica de danza (principalmente en publicaciones de Nueva York) y obtener un doctorado en historia de la Europa moderna por la Universidad de Nueva York. En 2010 publicó Apollo’s Angels, a history of ballet, un libro de 643 páginas que cubre la historia del ballet desde sus orígenes en la corte francesa hasta algunos coreógrafos de Estados Unidos a mediados y fines de siglo XX.
La obra es un libro muy grande profusamente documentado (550 páginas de texto, 62 de notas y el resto de referencias e índice temático) cubriendo aproximadamente 350 años. Por la extensión he decidido dividir la reseña en partes.
En la introducción da la explicación del título: Apolo, dios griego de la belleza, hermano de Afrodita, relacionado con las artes, jefe de las Musas. Por otro lado los ángeles representando el deseo de los bailarines de volar y ascender hasta Dios. Un título un tanto ambicioso pues implica que los bailarines son los ángeles del dios de la belleza. En la introducción hace mención de algunos conceptos que a primera vista no me llaman tanto la atención, pero después de terminar el libro y regresar a la introducción, marca desde el principio la dirección que tomará (de esto hablaré en la segunda parte)
A lo largo de 12 capítulos distribuidos en dos partes Homans nos va guiando por la historia del ballet, primero en Europa Occidental: Francia, Italia y Dinamarca. Posteriormente en Rusia, Inglaterra y Estados Unidos.
En Francia vemos cómo el ballet pasa de ser un baile de corte surgido para mostrar buenas costumbres a una actividad teatral. El ballet podía ser el boleto de entrada (o salida) de la corte. Después de la Revolución Francesa las obras solo podían hablar del triunfo de la misma y en contra de la monarquía. Con la llegada de Napoleón se instaura el uso de uniformes en la enseñanza de la danza (herencia de la costumbre militar de Napoleón)
En Italia, último estado europeo en consolidarse como país, se agregan elementos de la comedia del arte y comienzan a integrarse pasos mas rebuscados y “circenses”: saltos, giros, posturas poco naturales del cuerpo que en su momento se veía contra las buenas costumbres y hoy se relaciona indiscutiblemente con el ballet. Las guerras en Italia provocan un sentido de nacionalismo en el que el ballet queda relegado y gana más popularidad la ópera.
Frecuentemente no se considera a Dinamarca como un país con tradición de danza, sin embargo tiene importancia dentro de la misma y su tradición ha permanecido prácticamente intacta hasta nuestros días. El escritor Hans Christian Andersen quiso ser bailarín profesional, como sabemos, no sucedió, pero se mantuvo toda su vida muy relacionado con el mundo del ballet.
Es la época de los ballets fantásticos, cuentos de hadas y seres mitológicos, muchos protagonistas del mundo de la danza en la época se identificaban con los seres fantásticos y las descripciones que hace el libro hace dudar de su sano juicio, pues buscaban en la vida real sus ondinas y sílfides.
El texto tiene algunas fotografías donde me llama de manera especial la atención las zapatillas de punta de María Taglioni (idénticas a las actuales) que son muy parecidas a los zapatos de calle que utilizaban las mujeres, no parecían zapatos especiales como hoy en día, sino calzado regular.
La escena llega a Rusia imperial, en San Petesburgo se trata de imitar París por lo que se llevan coreógrafos y bailarines franceses. Rusia se formaba por feudos, por lo tanto las tierras y siervos eran propiedad del feudal. Mismo caso con los bailarines. Hay un apogeo de teatros que eran patrocinados por el señor de cada tierra. Hay disputas sobre si la danza debe ser afrancesada o rusificada para hacerla algo totalmente nacional.
Llega la Revolución Rusa, los Ballets Rusos de Diaghilev están de gira por Europa (nunca se presentaron en Rusia) muestran una Rusia exótica, que es lo que occidente quería ver, no necesariamente bailes tradicionales, pero revolucionan el ballet al hacerlo un espectáculo de talla internacional. Nuevamente hay cambios de estilos, coreografías de Fokine y Nijinsky haciendo cosas diferentes a lo acostumbrado. Hay a quien le gusta y hay a quien no le gusta.
En la época de la URSS se lleva el centro de poder y cultural a Moscú como un movimiento de quitarle poder a San Petesburgo que representaba a los zares. Siempre tuve curiosidad por el cambio de nombre del Teatro Mariinsky a Kirov y de nuevo a Mariinsky tras la disolución de la URSS. Se menciona que Kirov era el militar a cargo de San Petesburgo (en esa época Leningrado) que fue asesinado por Stalin. En su “honor” Stalin mandó cambiar el nombre del teatro. En esta época se sistematiza la enseñanza de la danza, con lo que actualmente se conoce como la técnica rusa o Vaganova. Se hacen obras a pedido del gobierno con temas autorizados por el gobierno.
Durante la Segunda Guerra Mundial Inglaterra comienza a cobrar fuerza dentro del mundo del ballet y se instaura el Royal Ballet, el cual es relativamente nuevo si se compara con los ballets de Francia y Rusia. En Estados Unidos la escena dancística cobra fuerza sobre todo en Nueva York, se forman teatros privados patrocinados por empresarios que dictan los temas de los bailes. Durante la guerra fría existe también una lucha para probar quien tiene la mejor posición en la escena mundial del ballet.
A grandes rasgos esto es lo que cubre el libro, hablando de la parte histórica. En la siguiente entrega haré mi crítica que se centra sobre todo en el siglo XX.
Apollo’s Angels Jennifer Homans Random House Nueva York, 2010 643 pp
En noviembre de 1991 Freddie Mercury fallecía. Un año después, en noviembre de 1992, Jorge Donn también moría. Ambos por complicaciones a causa del SIDA. En 1996, Maurice Béjart estrenó Ballet for Life, como un homenaje a la vida y talentos de Mercury y Donn (que fuera bailarín principal en la compañía de Béjart) A finales de junio, como parte del ciclo Béjart Ballet at Home, la compañía tuvo la obra un par de días en streaming junto con un documental de su realización. También se encuentra disponible a la venta en Blu-Ray y DVD.
La obra incluye música de Queen y Mozart. Reconozco que no soy seguidor de Queen, no estoy familiarizado con sus canciones, letras ni videos. Ballet for Life se me hizo un poco pesado para ver, sin embargo, me doy cuenta que al no conocer a Queen me perdí mucho del encanto de la obra. El público se nota muy emocionado y aplaude como si estuvieran viendo a Queen en un concierto. Posteriormente al ver algunos videos de la agrupación, noté que parte de la escenografía, utilería y coreografía hacía referencia a ellos. Incluso el público sabe en que momento de las canciones acompañar con las palmas según es costumbre en ciertos temas.
Durante el documental se menciona que los bailarines interpretan las letras, las sienten y en los movimientos hay algo de ellas. El ballet termina con la canción The show must go on mientras los bailarines van levantándose después de estar acostados cubiertos con sábanas. Durante la canción van agradeciendo.
Uno de los momentos que mas me gustó, no por “bonito”, sino por lo que hace sentir, es cuando se ven dos personas en camillas desplazadas por el escenario. Una escena triste. En el contexto en que fue creada la obra seguramente es referencia a los hospitalizados por SIDA. La música de Mozart, Concierto de piano 21 “Elvira Madigan”, también ha sido usada por José Rivera en la obra Bailemos a Mozart por los ángeles que se han ido, que de igual manera es un homenaje a quienes han muerto de SIDA. Esta escena de las camillas, donde la pareja interactúa en una especie de pas de deux, el día de hoy, en medio de la pandemia de COVID-19, cobra otro significado y a la vez es el mismo que cuando fue creado.
Ballet for Life es una colaboración entre tres grandes instituciones: Béjart Ballet Laussane, Queen y Gianni Versace quien diseñó el vestuario. En el documental se ve además que, si no me equivoco, durante el estreno, al finalizar la obra se levantó el telón de fondo dejando ver a los músicos de Queen interpretando The show must go on con Elton John cantando. Así que logró reunir a cuatro instituciones. Algo de ese tamaño seguro requirió un gran esfuerzo y solo Béjart podía haberlo logrado.
Ballet for life Coreografía: Maurice Béjart Música: Queen, Mozart Vestuario: Gianni Versace Duración aproximada: 1:20 horas y 58 minutos documental.
Por los Teatros 