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XVII Encuentro de Circo Joven

El pasado 25 de febrero, el Circo Atayde Hermanos presentó en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris el XVII Encuentro de Circo Joven. Previa convocatoria se seleccionaron los actos que participarían en el evento. Durante la función se invitó al público a votar con mensaje privado en redes sociales por su acto favorito durante los siguientes días. Los tres con más votos pasarán al V Festival Nuevo Circo.

La función fue presentada por Lorena Canseco como maestra de ceremonias. En la primer parte del programa Momo Netza hizo antipodismo, girando pequeños tapetes en los pies, posteriormente también con las manos y una especia de malabares con ellos. Hubo pequeñas fallas pero todo está contemplado y se tiene previsto cómo recuperar rápidamente los tapetes que caigan. A continuación Natalia RamZav realizó aro aéreo con acrobacias en dicho aparato.

El siguiente número fue el payaso Alambrón con una entrada cómica con globo, no fue precisamente lo que a mi me parece cómico. Milo Reygadas continuó con una rutina de diábolo. Trabajo bien pulido, muy dinámico, con pases que por un momento parecían que iban a fallar pero siempre atrapaba el diábolo. Me gustó particularmente que su rutina va bien sincronizada con la música, terminando justo en el acento musical al mismo tiempo que se hizo oscuro. Ya tengo alguien por quién votar.

A continuación Nayeli Ramos presentó un acto de equilibrio sobre manos y evoluciones en un aro. Se notaba dificultad para mantenerse en equilibrio. Al finalizar intentó un lanzamiento de flecha con los pies mientras se apoyaba en las manos. Lo intentó sin éxito tres veces, en cada una se veía más cansada y con más dificultad para sostenerse.

MOA continuó con pole aéreo, un mástil chino que no está apoyado en el piso sino colgando de una cuerda, lo cual hace que se mueva, seguramente aumentando la dificultad. Me gustó, no lo meto a primer lugar pero es un buen número. Casco y Filipo siguieron con una entrada cómica de box, rutina clásica de slapstick. Foster Smith continuó con malabares de rebote. Me sorprendió el control sobre las pelotas, las perdió un par de veces pero hay que considerar que el escenario del Teatro de la Ciudad tiene un declive hacia el frente, ya que las pelotas rebotan en una plataforma, no caen en un piso horizontal y el rebote no será hacia arriba. La plataforma de Smith no se veía que tuviera cuñas para nivelarla, por lo que yo hubiera esperado más dificultad para controlar las pelotas.

Ernesto Ponce concluyó la primer parte con rola bola. Comenzó bien, pero al ir aumentando la dificultad se le fue complicando. Para finalizar trató de mantener el equilibrio sobre el rola bola mientras cargaba a su asistente sobre los hombros ¿de pie? tras varios intentos no lo lograron. Nuevamente creo que el declive del escenario pudo tener un papel crucial en el aumento de la dificultad.

Tras el intermedio Alfonso Meléndez continuó con un acto de blondín (cuerda floja) el aparato me pareció que se balanceaba peligrosamente, no se veía lo suficientemente firme. Eran apreciables las cuñas para nivelar el piso pero se movía y en repetidas ocasiones entraron técnicos a acomodarlas mientras Meléndez trabajaba sobre el aparato, saltando, rebotando y haciendo cabriolas en la cuerda.

Milo continuó con una entrada cómica. Payaso que con ayuda de alguien del publico realizó una serie de situaciones cómicas con un globo y un tiro con arco invisible teniendo una puntería increíble. Tengo otro número compitiendo por mi voto y por la reacción del publico diría que ha sido el favortio de varios.

Luisa Fuentes realizó suspensión capilar. Número aéreo donde es sostenida por el cabello. Erick Medina siguió con malabares con diversos objetos. Al principio sentí flojo el acto y mejoró mucho hacia el final. Siendo los últimos objetos que utilizó su fuerte. En algunos casos combinó objetos al mismo tiempo, lo cual es complicado por requerir diferentes formas de lanzar y atrapar. Allegrissimo mostró un conjunto musical de payasos que tocan una estrofa en formas cada vez más enredadas, al final hacen una cadena donde se van enlazando los instrumentos de cada uno, tocando con una mano el instrumento propio y con la otra el del vecino.

Sebastián Salazar continuó con straps, número aéreo suspendido por cintas. Para finalizar Dúo Mexica realizó un acto en patines. Girando en una plataforma realizaron varios tipos de cargadas. Es una disciplina circense que recuerdo haber visto solo dos veces, ambas en el Teatro de la Ciudad. La vez anterior fue en La Veritá de Finzi Pasca, aunque en una segunda gira omitieron el número. Es también de los actos que me pregunto qué tanto cambia el control con el escenario inclinado.

Mis tres números favoritos: Milo Reygadas (diábolo), Milo (payaso con globo y arco invisible) Dúo Mexica (patines). Al asegurarme de los nombres para votar caigo en cuenta que los números de diábolo y el payaso con el globo y arco son la misma persona.

En redes sociales se dijo que a finales de marzo se darían a conocer los números seleccionados para el Festival Nuevo Circo, pero al escribir esta reseña (un mes después de la función) todavía no se han publicado resultados. Esperemos en los próximos días se haga.

Una buena función, mucho trabajo para lograr estos números de circo, algunos más pulidos, otros con fallas. Ya que el evento es sobre todo para impulsar nuevos talentos es comprensible que haya errores. En los dos números descritos con problemas más evidentes, admiré el deseo de repetir y repetir hasta que saliera bien, al mismo tiempo que decía ya no lo hagan, en cada intento se ven más cansados y menos va a salir. Parte del aprendizaje es conocer el equilibrio entre no darse por vencido y saber cuándo parar.

Quedamos en espera de noticias de Festival Nuevo Circo.

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Cirque du Soleil: Kooza

Detalle del vestíbulo de la carpa de Kooza

El pasado 8 de enero finalizó la temporada en México de Cirque du Soleil Kooza. Dicha temporada marcó 20 años de la compañía presentándose en México y su regreso tras la pandemia.

La reseña corresponde a la penúltima función de la temporada, es decir la primera del de 8 de enero.

Comenzaré con los precios. Cirque du Soleil nunca ha sido barato, pero esta vez me pareció particularmente caro. No me sorprende que tanto en Guadalajara como en Ciudad de México hayan tenido múltiples promociones y descuentos durante toda la temporada (Cosa que ya sucedía con espectáculos anteriores) Aún así me sorprendió ver lleno total incluso en las localidades sin promoción.

En cuanto a mercancía trajeron menos que en años anteriores y creo que ligeramente a menor precio. Se notó también la ausencia de stands de los patrocinadores. Un amigo una semana antes me dijo que no había programas a la venta, aparentemente reservados para los espectadores VIP. El último día si estaban disponibles para su compra.

Pasemos al espectáculo: La primera parte se compone de los actos charivari (torres humanas), contorsión, telas aéreas, rueda Cyr y cuerda tensa doble. La segunda parte lleva danza de esqueletos, péndulo de la muerte, diábolos, equilibrio en sillas y trampolines. Ambas partes llevan entreactos de payasos.

El número de contorsión me gustó mucho, sobre todo la música. Las telas no son mi acto aéreo favorito ya que frecuentemente se presentan lento con un ritmo somnífero. En este caso lo presentan de manera muy dinámica que le imprime una energía especial. El programa indica que la rueda Cyr es acto en rotación con dúo de monociclo. Hubo movimientos que nunca había visto con rueda Cyr, todo el tiempo muy controlado y preciso. La cuerda tensa doble es impresionante, con los ejecutantes corriendo, bailando, haciendo esgrima y montando bicicleta sobre la cuerda.

La apertura después del intermedio es baile de esqueletos muy al estilo de cabarets, mucha coreografía y vestuario de plumas. Durante el mismo número se prepara el péndulo de la muerte. No deja de impresionarme y no me explico cómo aprenden a usarlo, no me imagino una forma segura para practicar en él. El número de diábolos es muy bueno, nuevamente hay movimientos que nunca había visto. El programa indica que es acto en rotación con manipulación de aros. El equilibrio en sillas es una torre alta de sillas mientras el ejecutante hace …. Equilibrios. El espectáculo finaliza con trampolines, donde planchas cual sube y baja son usadas para saltar y hacer giros en el aire, incluso usando zancos o un solo zanco atado a ambos pies.

Los números son enlazados por payasos que unas veces interactúan con el público y otras hacen pantomima con gran expresión corporal. Para mi gusto los payasos ocupan demasiado tiempo, sin embargo, cabe destacar cómo están coreografiados los momentos en que se arman aparatos a la vista del público como el caso de las cuerdas tensas y el péndulo de la muerte, donde los payasos corren entre la audiencia o los esqueletos hacen lo propio bailando y desfilando por los pasillos.

El slogan es “Cirque en su estado más puro” Según el programa, el escenario es una plaza que evoca a los circos de antaño. La escenografía es muy sobria en comparación con otros espectáculos del Soleil, lo que puede evocar ese “estado puro”.

Como mago aficionado siempre me he preguntado por qué el Cirque du Soleil no incluye magos. La grabación en video que existe de Kooza muestra un acto de magia y pickpocket (carterismo) y un par de desapariciones. Dichos números no se presentan por lo menos desde marzo del 2014, fecha en que vi el espectáculo en Ámsterdam y ya no se realizaban. El programa sigue haciendo referencia a ellos en la sección “accesorios”. Único acto de magia en el Cirque du Soleil y quedó fuera hace años (Posteriormente en Michael Jackson ONE se incluyó magia y tengo entendido que en Mad Apple hay un mago comediante) Pero queda la pregunta ¿Por qué prácticamente no hay magos?

Hago mención de que había visto el espectáculo antes, para un pensamiento final ¿Qué recuerdo de hace 9 años? La cuerda tensa, el baile de los esqueletos y el péndulo. Todo lo demás prácticamente lo había olvidado (telas, rueda Cyr y diábolos deben ser actos nuevos)

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Luna Eva

El pasado 3 de diciembre se presentó en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, el cierre de temporada de Luna Eva, la nueva creación del Cirko De Mente. Estrenado en el Festival Internacional Cervantino el pasado octubre y con una temporada en la Karpa De Mente, el espectáculo cerró con la presentación en el recinto del Centro Histórico.

Se crea una atmósfera interesante con la iluminación y me gustó mucho lo que el músico hizo con la voz. Se trató de un músico que con sintetizador, voz, mezclas, en momentos piano y percusiones ambientaba los actos.

El espectáculo en si no me gustó. Sentí muy lentas las transiciones entre un acto y otro, creo que frecuentemente eran cosas abstractas, no precisamente algo que uniera argumentalmente cada acto, por ejemplo pasar con un bloque de hielo, dejarlo suspendido y nunca usarlo, o limpiar con mechudos un suelo limpio a una velocidad a la que evidentemente no se está limpiando. Al principio me parece que son unos náufragos en el mar, después la idea la pierdo completamente. La única transición que me gustó fue la de clown.

Los números consistieron en una pequeña introducción donde se vio un poco de todo lo que venía. Luego hubo mástil chino intercalado con pulsadas, malabares con sombreros, suspensión capilar, rueda Cyr, lanzamiento de cuchillos y nuevamente mástil chino con pulsadas.

La transición hacia el número de rueda Cyr fue la que menos me gustó, no me quedó claro si era una transición o un número completo de acrobacia o break. Al comenzar con la rueda sentí el giro descontrolado y un momento después la ejecutante golpeó parte de la escenografía con el resultado de una luz fundida. En el lanzamiento de cuchillos, en el momento cumbre, el cuchillo cayó en el piano. No creo que esté planeado clavar al piano en cada función. Durante la introducción el lanzador ya había perdido su blanco.

Una niña en el público comenzó preguntando con voz muy curiosa ¿Qué es eso? ¿Qué van a hacer? ¿Qué va a pasar? Hacia el final le preguntaba a sus papás por la Navidad.

Hay buenos actos. La iluminación, la música y la voz las disfruté mucho, pero me pareció lenta, muy abstracta y con errores. Con una duración aproximada de 1:15 la sentí larga.

Nuevamente enfrenté al código QR. El teatro proporciona dos: uno para ver la cartelera y otro para ver el programa de mano. La realidad es que ambos muestran la cartelera, por lo tanto desconozco el equipo que trabajó en Luna Eva. Por el momento he asistido a 3 obras con QR y solo en una de ellas funcionó.

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circo, libros

Balancing Acts

Portada de Balancing Acts. Se muestra con fines ilustrativos.

Daniel Lamarre ha trabajado con Cirque du Soleil por más de 20 años. Fue director ejecutivo, actualmente vicepresidente. Su formación laboral incluye televisión y relaciones públicas. En enero de 2022 publicó su libro Balancing Acts, donde en la introducción lanza la pregunta ¿por qué debería leer el libro de creatividad y liderazgo de un CEO cuya compañía se declaró en bancarrota? Una forma muy honesta de comenzar.

A lo largo del libro Lamarre narra cómo pasó de un empleo estable en el que era accionista a “huir con el circo” tomando un trabajo que no parecía la mejor idea. Con el paso del tiempo fue acoplándose al nuevo ambiente, viendo que su modelo rígido “de oficinista” no serviría en un ambiente creativo. Todo el libro apuesta mucho por la creatividad e invita al lector a que en su negocio busque las mismas bases, aunque el giro no parezca “creativo” a primera vista.

Narra la utilidad de buenas relaciones públicas, manejo de crisis, tener una ética de trabajo y no desviarse de ella. Cuenta el proceso tras la creación de algunos espectáculos icónicos como LOVE, O y Ka. Analiza lo que los ha hecho funcionar tan bien. No deja de lado los descalabros. Enumera las grandes fallas del Cirque: Zaia, Banana Shpeel, Viva Elvis, R.U.N. y el estira y afloja con BeLIEve y sus múltiples encarnaciones. En cada uno de ellos explica qué no funcionó y por qué era predecible el resultado al desviarse de sus lineamientos y/o no escuchar las necesidades del cliente, incluso desconocer su propia marca.

Indica que normalmente en las empresas no se maneja el “qué queremos” sino el “qué no queremos” no el “qué puedes hacer” sino el “qué no puedes hacer” lo cual deja una visión borrosa del objetivo.

Señala también que es mejor al elegir socios comerciales (o eventualmente compradores de la empresa) hacer tratos con quien comparta valores contigo y tu empresa. En los momentos en que el Cirque se ha puesto en venta no se ha tratado de ganar dinero con la transacción y vender al que ofrezca más, sino al que mantenga los principios y libertad artística requerida por su personal.

Inevitablemente se llega al COVID y cómo la pandemia de un día para otro cerró el telón. De repente no tuvieron ni un centavo de ingreso pero si múltiples gastos. Se tuvo que llenar la banca rota. Un grupo de acreedores es el nuevo propietario. Lo interesante es que en ese momento varias compañías estaban dispuestas a comprar el Cirque, aunque tuviera deudas, aunque no hubiera funciones por tiempo indefinido. Hubo tanto quien esperaba comprar a precio de remate como quien estaba dispuesto a pagar precio completo por ellos. Gracias al trabajo de años Cirque se creó una marca, una imagen, que aun detenida y en quiebra valía muchísimo y le ha permitido ir resurgiendo poco a poco. Es a lo que Lamarre apuesta en Balancing Acts. Ser creativo, hacer de tu negocio algo tan especial que hasta en el peor escenario no pierda valor.

Algunas de las frases que me gustaron:

– Uno de los retos más difíciles de una vida creativa: ¿cómo llenar el hueco entre una idea brillante y su ejecución práctica?

– Ser creativo es hacerte vulnerable.

– Fui contratado por mi experiencia, pero mi experiencia seguía interponiéndose.

– Muchos gerentes no consideran la creatividad una prioridad porque creen que su trabajo es decirle a la gente qué no pueden hacer.

– Ven a mi con tus más locas ideas.

– Conoce tu marca, tus clientes ciertamente lo hacen.

– La misión artística del Cirque “Invoca la imaginación, provoca los sentidos y evoca las emociones de la gente alrededor del mundo”

El 16 de junio Cirque du Soleil cumplió 38 años. Que mejor forma de celebrarlo que leyendo Balancing Acts.

Balancing Acts
Daniel Lamarre con Paul Keegan
Harper Collins, 2022
244 páginas

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#magia, #teatro, biografia, circo, libros

Seventy Years a Showman

Anteportada de Seventy Years a Showman. Se muestra con fines ilustrativos.

George Sanger fue un artista circense del siglo XIX. Nació en 1825 y toda su vida la dedicó al circo. Se retiró a los 80 y en 1910, teniendo 85 años, publicó su autobiografía: Seventy Years a Showman (Setenta Años de Showman) Comencemos con la definición de showman. Puede traducirse como empresario, organizador de espectáculos. De manera literal como hombre espectáculo, quien ejerce de manera excelente varias ramas del espectáculo. En este caso, Sanger, era todo ello.

La edición que se utiliza para la reseña es la de J.M Dent & Sons para la colección The Kings Treasuries of Literature (algo así como Las Arcas de Literatura de los Reyes) Es un curioso librito de bolsillo. Midiendo 11×15.5 cm y apenas 1.5 cm de espesor, incluyendo tapas duras, contiene 256 páginas, las cuales a pesar de ser delgadas se sienten de buena calidad. Se trata de una reimpresión de 1967, seguramente pensada literalmente como libro de bolsillo. El formato lo hace ideal para cargarse en un viaje y sus tapas duras reducen el maltrato. Muy diferente a los libros de bolsillo actuales. La tapa de color rojo solo tiene un pequeño bajo relieve del perfil de una mujer. El título está escrito en el lomo únicamente.

George Sanger nació de padres que viajaban en las ferias itinerantes. Como niño ayudó a sus padres con el peep-show que era la atracción que manejaban. Peep significa mirar furtivamente. Peep-show es un cajón que contiene fotografías y los espectadores se asoman por mirillas para ver las imágenes. Según narra Sanger, mostraban secuencias de imágenes mientras contaban alguna historia: la muerte del rey y coronación de la nueva reina o algún asesinato que hiciera mucho ruido en las noticias.

También trabajó con otros compañeros de feria haciendo actos de circo. Con el tiempo se casó con una domadora de leones y se asoció con hermanos para independizarse de sus padres y buscar sus propias aventuras. Posteriormente se separó de sus socios y se convirtió en uno de los empresarios de circo más importantes de Inglaterra. Formó su compañía y tuvo a su cargo la administración de diversos espectáculos tanto en carpas como en teatros.

A lo largo de su libro cuenta diversas experiencias: los peleas entre los circos para asegurar el mejor lugar en las ferias, las vicisitudes al presentar números de magia y mentalismo en la Inglaterra Victoriana donde abundaba la superstición y frecuentemente se creía tenía pactos diabólicos, así como conflictos con la ley que consideraban a las ferias ambulantes como peligrosas. Cuenta también algunos de los engaños que hacía en los espectáculos de fenómenos para mostrar caníbales o al hombre “más alto del mundo”, otros engaños eran la ostra que fuma y los puercos sabios.

Durante muchos años administró un teatro donde presentaba a su compañía o a otras que rentaban el espacio. En algunos espectáculos de teatro, en una época de grandes producciones que apostaban por atractivos visuales muy complejos, se pedía su apoyo para que hubiera grandes felinos en escena. En un par de ocasiones narra como truco publicitario haber soltado a los leones al final de los ensayos. Los trucos publicitarios se le daban a menudo, participó en desfiles en honor a la reina donde el desfile y pequeños enfrentamientos con la policía eran partes de la publicidad.

En un conflicto legal con un contrincante, como burla, se agregó el título de Lord, por lo que frecuentemente es conocido como ‘Lord’ George Sanger. Hay historias apócrifas que dicen que Lord era su nombre de pila. Varias veces se entrevistó con la realeza, contando que los reyes tomaban de forma divertida el auto nombrarse Lord.

En diversos momentos la historia se siente un tanto moralizante. Dando consejos propios o repitiendo los que le daba su padre.

Me llama particularmente la atención cuando narra la plaga de viruela de 1833. Desde la preocupación general por la forma tan rápida de propagarse y lo virulenta de la enfermedad, hasta las maravillas que se lograron por medio de la vacunación. Recomienda ampliamente vacunarse y está seguro de que la razón que como adulto, en todos sus años de empresario, perdiera solo un par de empleados por causa de la viruela es gracias a las vacunas. Aclaración: Dichos empleados no estaban vacunados.

A casi 2 siglos de esa epidemia y a más de 100 años de publicarse por primera vez este libro, el episodio y la recomendación se sienten muy actuales.

Seventy Years a Showman es un libro entretenido, de fácil lectura. Como se indica en la introducción de esta edición, es un libro olvidado que vale la pena rescatarlo.

Seventy Years a Showman.
‘Lord’ George Sanger.
J. M. Dent & Sons Ltd, Londres.
Primera impresión en esta edición 1935, reimpresión 1967.
265 páginas.

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41 Festival Mondial du Cirque de Demain

Año con año en París se lleva a cabo el Festival Mondial du Cirque de Demain. La última edición, la 41, se llevó a cabo en 2020. Debido a la pandemia ha habido una pausa y la próxima edición está anunciada para enero de 2022.

La función grabada el 1 de febrero de 2020 puede verse en arte.tv, existen restricciones geográficas, por lo que en algunos países es posible ver el espectáculo completo y en otros la función editada, quedando fuera algunos números que no recibieron premio y cortando otros. La presente reseña corresponde a la versión editada, la cual está disponible en streaming hasta el 22 de junio de 2021.

La función comienza con Johannes Holm y Martin Richard de Dinamarca y Francia quienes presentan un acto en el que uno de ellos se amarra de la cintura mientras sostiene al otro que se balancea, lanza y gira debajo de él. Parecido a un trapecio pero el balanceo lo da la persona que sostiene. El aparato se llama columpio coreano y es de los actos más premiados en el festival.

Benedikt Baumann de Hungría, continúa con un número de aro en el que mezcla danza, acrobacia, cinta aérea y contorsión. Hace pases muy precisos con el aro, lanzándolo y atrapándolo mientras hace alguna acrobacia. Uno de mis números favoritos.

Valeriia Davydenko de Ucrania muestra una rutina de contorsión parada de manos, haciendo nudos impresionantes con el cuerpo así como giros rápidos sobre las manos apoyada en los zancos que se utilizan en esta disciplina.

Guangdong Arts Troupe de China se llevan el Grand Prix con un número de cuerda floja impresionante. Me llama la atención que en la cuerda solo vemos a una persona a pesar de presentarse como Troupe, sin embargo las personas que están abajo en el escenario, aunque no participan activamente en la acrobacia tienen peso en el acto, sin olvidar a  los riggers fuera de escena.

Tom Lacoste de Francia hace una rutina cómica de diábolo. Movimientos muy interesantes que me parecen bastante originales, así como su presentación. Es de los actos que más disfruté. En un momento dado, por un error de continuidad, uno puede darse cuenta que el número fue editado en el video, lo cual me decepciona. Preferiría que no la hubieran cortado.

Francesca Hyde y Laura Strokes de Holanda y Alemania presentan suspensión capilar, número aéreo donde son sostenidas por el cabello. Delphine Cézard de Canadá hace mástil chino aéreo. Anna y Saleh, pareja iraní-ruso-mexicana-alemana participan con cargadas acrobáticas o mano a mano, haciendo posturas poco vistas en este tipo de actos. Kateryna Nikiforova lleva malabares. Célien y Nicolas de Francia, trapecios individuales con un estilo gótico. Ludivine Furmon y Nicolas Besnard de Francia, un ballet acrobático. Théo y Lucas Enriquez  de Francia, juegos icarios sin ayuda de soportes o sillones que es lo tradicional. Holland y Sara de Estados Unidos, número aéreo en cuerda. Compagnie Lapsus de Francia participan con un número muy raro mezcla de performance, uniciclo y sobre todo saltos donde se hacen torres humanas.

Como es tradición Calixte de Nigremont es el maestro de ceremonias. Los participantes como de costumbre, suelen llevar números de gran calidad, lo que no evita que el espectador disfrute más unos que otros. En mi caso me gustaron en particular Benedikt Baumann y Tom Lacoste. Como decía, el pero que le veo al video es la edición. Dejar fuera algunos números que están en la grabación original (pude localizar uno de ellos y francamente no me gustó) y sobre todo detectar que el número de Lacoste haya sido editado.

41 Festival Modial du Cirque de Demain
Duración aproximada 1:26 horas
Año: 2020

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#danza, #video, circo, contemporaneo, pelicula

Sept moments de joie

Siete momentos de algería

Cirque Éloize, compañía de circo con sede en Montreal, ha realizado una nueva producción durante la pandemia. La misma es una película para mostrarse por medio de streaming. Se trata del espectáculo Sept moments de joie (siete momentos de alegría), que une a 7 coreógrafos haciendo igual número de obras que mezclan danza con artes circenses.

La realización corre a cargo de Lilli Marcotte y la puesta en escena es de Benoit Landry. Las obras son:

Fine Ligne, de Virginie Brunelle. Danza contemporánea y danza en bungee. Cuenta con 3 bailarines y un cuarteto de cuerdas interpretando música de Philip Glass. Se explota muy bien el espacio haciendo que por momentos los bailarines y la cámara se muevan entre los músicos.

Slick, de Christian Garmatter. Con la famosa música Sing, sing, sing de Louis Prima en versión de Benny Goodman, es una mezcla de swing, break, pole dance y malabares. El resultado es una obra con mucho frenesí que fácilmente nos traslada a los salones de principios de siglo XX. La iluminación complementa muy bien la escenografía, incluso se producen reflejos en las ventanas que hacen pensar en la existencia de anuncios luminosos en el exterior. Los encuadres no me gustaron del todo, hay acercamientos que dificultan apreciar partes de la obra. En particular me llama mucho la atención el malabarista, sobre todo un movimiento en el que las pelotas pasan describiendo un círculo de atrás hacia adelante.

Ravissement 42 45 de Claudia Chan Tak presenta una especie de desfile de modas con telas de animales y posteriormente algo que parece una batalla de una pareja sobre mástil chino.

Souffle de Axelle Munezero une danza contemporánea con aros hula. Las mariposas son un tema recurrente. Son parte del vestuario y hay movimientos de brazos que remiten a un aleteo desesperado. El vestuario de la solista es un vestido muy elaborado y en el cabello chino lleva varias mariposas, algo que requirió mucho trabajo de realizar.

Yalapasicik de Ivanie Aubin-Malo. Coreógrafa perteneciente a la nación Malecite de Cacouna, en Quebec, sus obras se enfocan en dar presencia a los grupos originales de Canadá. Yalapasicik involucra pasos de la tribu Pow Wow y mezcla contorsionismo. El vestuario y la escenografía remiten a la indumentaria tradicional. Con música de Kìzis con quien Aubin-Malo ha trabajado antes, la obra logra una atmósfera ritual, incluso alucinógena. La música se siente entre tradicional y electrónica, lo que logra un ritmo hipnótico que ayuda con la sensación alucinada.

Ojas de Edgar Zendejas une danza contemporánea con acrobacia aérea y música en vivo: un guitarrista y cantante español. La voz no es de mi agrado.

Furie de Manuel Roque termina el programa. Une danza y acrobacia. Aprovecha totalmente el espacio del estudio del Cirque Éloize donde se realizó la grabación. La solista se mueve por varios salones. Se utiliza muy bien la iluminación natural y los grandes ventanales del edificio. Es una grabación que se presenta en cámara lenta dando un toque muy especial al frenesí mostrado por la intérprete. Es la única obra en la que en realidad veo alegría. Al final observamos a la bailarina abrir la puerta del estudio y salir a la calle. Acaso el fin de la cuarentena.

La película en general me parece muy buena. Un gran esfuerzo que Cirque Éloize hace en estos momentos para seguir produciendo material. Las obras llevan una breve introducción de los coreógrafos (en francés) y en general se expresa el gusto de estar trabajando juntos. Se pueden ver imágenes de ensayos con cubrebocas. No hay duda, ésta es una creación durante la pandemia.

Se hizo muy buen uso de la cámara dando planos muy interesantes que no se lograrían con público en vivo. Se propusieron hacer un film y se logró, dando escenas en las que la cámara recorre 360 grados y no se ve nada del equipo de producción. El tema es 7 momentos de alegría aunque solo veo alegría en la obra Furie.

Fine Ligne, Slick, Yalapasicik y Furie son las obras que más me gustaron.

El streaming está disponible hasta el 6 de enero en la página de Cirque Éloize. Tiene un precio de 15 dólares canadienses y un boleto es válido por 48 horas a partir del primer acceso. Todos los ingresos se donarán a la Fundación Éloize para contribuir al desarrollo de las artes escénicas.

Sept moments de joie
Cirque Éloize
Realización: Lilli Marcotte
Puesta en escena:Benoit Landry
Coreógrafos: Virginie Brunelle, Christian Garmatter, Claudia Chan Tak, Axelle Munezero, Ivanie Aubin-Malo, Edgar Zendejas y Manuel Roque
Duración aproximada: 1:20 horas

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Séquence 8

Séquence 8. Imagen con fines ilustrativos.

En 2012 la compañía Les 7 doigts de la main creó el espectáculo Séquence 8, que visitó 15 países, contando con más de 400 representaciones. El mismo concluyó en abril de 2015 en Nueva York. Como parte del Freedom Festival Arts Trust (Reino Unido) que este 2020 fue en línea del 4 al 6 de septiembre, se presentó de manera gratuita durante 72 horas una grabación de dicho espectáculo.

Séquence 8 cuenta con 8 acróbatas en escena, no creo que sea coincidencia. Presentan números con movimientos muy fluidos, al igual que otros de sus montajes, por ejemplo Cuisine et confessions, gran parte del espectáculo parece una danza acrobática. Todo fluye y se mueve bailando.

Es de especial interés lo que hacen en el mástil chino: imágenes estáticas que cambian tras breves oscuros. El artista que estaba sobre el mástil ahora esta abajo y quien observaba desde abajo de pronto está arriba. En otro momento hacen un concurso de preguntas con el público. Cada vez que el público contesta correctamente (siempre) hacen algo con mayor dificultad en el mástil.

La barra rusa también me llama la atención. Se trata de una barra horizontal sostenida sobre los hombros de dos personas. Sobre ella una mujer salta y hace giros gimnásticos, cayendo siempre sobre la barra. Algo que no recuerdo haber visto antes es la manera en que cae en relevé (de puntitas) en perfecto equilibrio mientras las barra se estabiliza con el peso del salto.

Algo muy interesante es el número de trampolín (tipo sube y baja utilizado para hacer saltos) Yo vi un conflicto entre los ejecutantes, una pelea. Otros artistas susurran al oído de los dos que saltan y regresan al trampolín a saltar. Parece que los están azuzando. Los saltos se hacen cada vez más complicados, pero hacia el final hay un equilibrio. Logran equilibrar el trampolín. Frecuentemente tienen movimientos que me llaman la atención pretendiendo equilibrarse sobre la tabla. Un momento después hablan sobre la creación del número y comienzan a discutir. Dicen que habían acordado hacer movimientos de surf (que son los que veía buscando el equilibrio) y no logran ponerse de acuerdo si el susurro es la presión de la sociedad o un fantasma que les habla. Ya se habían puesto previamente de acuerdo pero ahora cada quien quiere interpretar su propia versión. Es un acercamiento que me parece muy interesante. Es el único número que me mantuvo literalmente al filo del asiento no solo apreciando la acrobacia sino descubriendo un significado, que poco después descubro que puede tener otro significado … o no. Y que fue intencionalmente hecho de esta forma.

Entre las palabras que dicen que me gustan está lo siguiente, dicho al iniciar Séquence 8: «Estuve ensayando esto a solas, pero faltaba algo: ustedes […] Estamos conectados porque están aquí por mi y estoy aquí por ustedes. Todo sucede aquí solo para ustedes» Hoy en día con los espectáculos sucediendo en línea o en algunos casos con poco público, ésto cobra un nuevo significado.

Otros textos, mencionados durante la discusión creativa del trampolín, son: «Hablar de temas más grandes que nosotros, temas que llevan a acciones, temas que le digan algo al público […] Esto es un poco de nosotros para ustedes» Lo cual me parece algo importante en las artes escénicas. Se puede hacer algo para mostrar que se puede hacer, mostrar virtuosismo, o se puede hacer algo para decirle algo al público. Creo que no hay bueno ni malo, los dos caminos son válidos, pero prefiero el segundo.

El video estuvo disponible entre el 6 y el 8 de septiembre.

Séquence 8
7 doigts de la main
Ejecutantes: Eric Bates, Ugo Dario, Colin Davis, Devin Henderson, Alexandra Royer, Maxim Laurin, Camille Legris, Tristan Nielsen
Dirección: Shana Carroll y Sébastien Soldevila
Duración aproximada: 80 minutos.

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Cuisine et Confessions

Cuisine & Confessions. Imagen mostrada con fines ilustrativos.

En 2014 la compañía circense con sede en Montreal, Les 7 doigts de la main grabó el espectáculo Cuisine & Confessions. La compañía indica que como individuos estamos hechos de ingredientes, una receta única de memorias de sangre. Nuestras vidas giran frecuentemente en torno a la cocina, es ahí donde nos reunimos, realizamos recetas familiares, nos sentamos a contarnos secretos mientras tomamos un café. Nuestros recuerdos también suelen remontarse a cuando éramos niños y algún familiar cocinaba algo que solo a él le sale de esa forma. Ciertos olores y sabores vienen a nuestras mentes, incluso lugares.

Con esta idea surge el espectáculo, que como su nombre lo indica, es sobre la cocina y las confesiones. Los acróbatas hacen sus números circenses, cocinan pasta y panqué de plátano mientras nos cuentas algunas cosas reales de su vida.

Los 7 dedos nos dan la bienvenida a su cocina con un número de volteretas tan fluidas que yo diría es una danza. Nos comparten los ingredientes para un omelette perfecto: huevos, cebolla, pimientos y amor, preparando uno en escena para una invitada del público, mientras realizan malabares con los utensilios de cocina.

Hay un número de salto de «marcos», normalmente este tipo de acrobacia se hace saltando aros circulares, en esta caso son marcos cuadrados. Un número aéreo de telas. Una impresionante rutina de diábolo utilizando un aro de cuerda, nunca había visto algo así. Hay también una secuencia donde una acróbata cuenta su historia como gimnasta, momento en que solo comía brócoli crudo. La historia la cuenta con una mezcla de danza y movimientos de gimnasia. A pesar de sentirse como una parodia, la calidad de los movimientos es de admirarse.

Uno de los momentos más emotivos es cuando uno de los artistas cuenta la historia de su padre desaparecido por las milicia argentina. Para ilustrarla hace mástil chino. Uno de esos momentos raros en el circo donde no hay música, solo silencio y el ruido que se produce al subir el mástil o tocar el piso, las interjecciones del ejecutante y alguna risa nerviosa del público, un tosido y los «ooooh» de los espectadores.

El último número es una especie de juegos icarios al ritmo de una versión cantada del Bolero de Ravel . Hay momentos donde se ve gente alrededor de la mesa, la cual es una imagen tradicional de dicha pieza en el mundo de la danza.

Al finalizar invitan panqué de plátano a los espectadores. Toda la comida que hemos visto ha sido preparada durante la función.

Es muy buen espectáculo, la música ilustra bien los estados de ánimo que muestra cada uno de los números. La escenografía está integrada a las acrobacias, realmente vemos una cocina donde los artilugios comunes se usarán para las acrobacias. Lo único raro es el tubo (mástil chino) que está por un lado.

La grabación fue realizada en el TOHU de Montreal, un espacio dedicado al circo. El video está disponible solo hasta el 12 de julio. Para recibir el enlace para verlo es necesario suscribirse al boletín gratuito de noticias de la compañía. Puede realizarse en su página web o sus redes sociales.

Cuisine & Confessions
Les 7 doigts de la main
Dirección: Shana Carroll y Sébastien Soldevila
Elenco: Matias Plaul, Émile Pineault, Mishannock Bruno Ferrero, Anna Kichtchenko, Gabriella Parigi, Pablo Pramparo, Melvin Diggs, Sidney Iking Bateman
Duración aproximada:1:24 horas

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#teatro, circo, documental, libros

Teatro de la Caricia

Portada de: Teatro de la Caricia, se muestra con fines ilustrativos.

Bajo el título Daniele Finzi Pasca Teatro de la Caricia, Facundo Ponce de León publica conversaciones que a lo largo de los años ha tenido con el clown y director escénico Daniele Finzi Pasca.

El trabajo de Daniele incluye ser co-fundador de las compañías Teatro Sunil (Ícaro) y Compagnia Finzi Pasca (La Veritá, Bianco su Bianco, Donka, Per té), co-producciones con Cirque Eloize (Rain, Nomade, Nebbia), dirección para Cirque du Soleil (Corteo, Luzia), apertura y clausura de juegos olímpicos de invierno, dirección de óperas para English National Opera (L’Amour de Loin), Teatro Mariinsky (Aída, Requiem) y Teatro San Carlos de Nápoles (Pagliacci). Su línea de trabajo siempre ha ido sobre lo que él llama Teatro de la Caricia.

El libro incluye conversaciones que nos llevan a un viaje circular, un viaje de regreso donde conocemos la filosofía de Finzi Pasca y los orígenes del teatro de la caricia.

Siendo un volumen no muy grande (136 páginas) me parece difícil resumirlo. Es un libro lleno de ideas de un importante creador escénico, cada página tiene cosas para tomar nota.

Entre lo que más me llama la atención es la forma en que indica que un clown corteja al público. En una fiesta hay varias formas de ser y cada una de ellas conquista. Así mismo hay varias formas de ser clown y cada una corteja. Si no tienes suerte consiguiendo pareja y buscas consejo de tus amigos, tal vez el consejo sirve, pero conquistaste a tu pareja usando una formula que no es tuya, ese no eres tu: o te condenas a mantener la mentira o viene el rompimiento. Así un clown: si te aconsejan ponerte un nombre en diminutivo y hacer figuras con globos, tal vez sirva, pero puede ser que ese no seas tú ni lo que quieres de ser clown.

En días anteriores publiqué la reseña de Donka, donde menciona que un artista es pescador de ideas y puede pasarse días enteros sentado en un café aparentemente sin hacer nada, en realidad está pescando la idea. Como la pesca, es cuestión de paciencia. En este libro se profundiza sobre el tema.

Habla de que todo el equipo de trabajo está en una embarcación, puede ser pequeña o grande, el barco se maneja diferente pero el propósito es el mismo. Si la producción es para un actor o para miles de artistas, la estrategia es diferente pero siempre se busca el mismo objetivo: llegar al puerto.

Menciona que hay dos tipos de actores: aquellos que sienten las cosas y las hacen sin importar hacia donde van y los que hacen preguntas, los que consultan los mapas y quieren saber para qué es todo esto. Como director Daniele debe comprender rápidamente que tipo de actor es cada uno de sus artistas para no perder el tiempo de su gente. Indica que el tiempo de otros es algo que no se puede malgastar.

Finalmente habla de su viaje de juventud como voluntario a la India. Viaje hacia adentro, de auto descubrimiento. En una India con muchos enfermos de lepra y gente viviendo en la calle, su trabajo era atender a los enfermos, muchos de ellos moribundos. De sus experiencias sale lo que será el teatro de la caricia: aprende a sentir al enfermo (o al público) él puede sentirse bien haciendo su trabajo, pero si no percibe lo que sucede con el enfermo, entonces su trabajo ya es automático. Aprende el valor de una caricia. Hacer saber al enfermo que alguien está ahí a un lado con él. Conoce a Sunil, un muchacho que muere después de 24 días de batalla cuando no esperaban que durara uno. De él toma el nombre para su primer compañía.

Su trabajo escénico se ha enfocado en buscar la conmoción, resonar en el público, ser un clown cuya finalidad principal no es hacer reír. Busca oír, sentir al público. Para él el clown es un actor que cuenta historias, un héroe perdedor que con dignidad pierde casi siempre y al final se desvanece discretamente.

Daniele Finzi Pasca Teatro de la Caricia
Facundo Ponce de León
Ediciones CFP
Primera Edición Julio 2009, Tercera edición enero 2015 (Uruguay)
Reseña sobre edición en español, también disponible en otros idiomas
136 páginas

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