#magia, #video, documental, pelicula

Dealt

Poster y portada de Dealt. Se muestra con fines ilustrativos.

Ricahrd Turner se describe a sí mismo como un “card mechanic”, una traducción literal sería mecánico de cartas, en Dealt subtitulan el término como “tahúr”, la expresión se refiere a ser experto en el manejo de las cartas, en este caso enfocado a técnicas de trampas en juegos, por lo que “tahúr”, si bien considero no es un término que refleja completamente la idea, si es una palabra bastante aproximada en español. Considero que en español tahúr nos remite a una persona que usa su habilidad para sacar ventaja en los juegos y obtener ganancias. A Turner le interesan estas técnicas como demostración, no para sacar beneficios

Turner es ampliamente conocido en el mundo de la magia, participando en convenciones y espectáculos, sin embargo, él no se considera mago.

Dealt (repartir, haciendo referencia la baraja) es un documental de 2017 sobre la vida de Turner. En la cinta vemos su obsesión por las cartas: clósets llenos de ellas, práctica incesante día y noche, en todo momento naipes en las manos, incluso cuando hace ejercicio. Su hijo recibió el nombre de Asa Spades (suena muy parecido a As de Espadas) a quien le decoró si habitación con motivos de cartas.

Steve Forte, experto en protección de juegos, menciona que es común que un tahúr utilice una o dos técnicas, y no necesariamente de forma limpia. En sus palabras, Turner ha recorrido toda la lista dominando los movimientos.

Turner a temprana edad comenzó a perder la vista, quedando legalmente ciego en una adolescencia temprana. Sin embrago durante años se negó a aceptar el hecho, recibir un trato especial, sentirse limitado o que se hablara de “su condición”. Nunca ha aprendido Braille, frecuentemente se mueve como si pudiera ver, ocultando el hecho de que no. Lo normal cuando uno guía a una persona ciega es que el vidente vaya al frente, en Dealt vemos a Turner siempre tomar la delantera aún cuando es guiado por alguien. Su hijo Asa dice que tardó varios años en descubrir que su padre no veía.

Es experto en artes marciales, es cinta negra, vemos fotografías donde anda en cuerda floja y otras actividades que uno no pensaría para un ciego. Todo en un esfuerzo de demostrar que no estaba “discapacitado”. En videos de programas de televisión donde participó a lo largo de los años, vemos su semblante volverse sombrío cuando el presentador dice “no solo es un experto en cartas, también es ciego”.

Hacia el final del documental, en años recientes, Turner acepta su ceguera y convivir con ella. Sigue buscando hacer cosas por si mismo y no depender de otros, sin embargo, acepta que es una parte de él, y es lo que lo ha hecho la persona que es. En los últimos años se indica, presentó un espectáculo autobiográfico.

Se incluyen entrevistas con familiares y magos, algunas escenas de la vida cotidiana, visitas a museos y paseos donde le están describiendo las escenas y cuando es posible él toca las piezas. Se ven fragmentos de presentaciones y cómo es recibido en convenciones. Nominaciones a premios tanto no ganados como ganados.

Definitivamente es una vida de obsesión. Solo la obsesión puede llevarlo a practicar tanto y lograr la excelencia en sus áreas de interés. Por supuesto, llama más la atención el hecho de que pelee en artes marciales o controle cartas sin vista para ayudarlo. Es algo que no podemos dejar de lado. También podemos imaginar que en su lucha, también obsesiva, por demostrar que es autosuficiente, se ha metido de lleno en lo que se propone. Y si, es posible que de no haber perdido la vista estaría haciendo otras cosas y no por lo que es mundialmente conocido. Aunque no me cabe duda de que también lo habría hecho de forma obsesiva.

El documental ganó el premio de la Audiencia en el SXSW Film Festival 2017, en el cual debutó. Es una cinta bien lograda que transmite emociones y va llevando al espectador por todas ellas. Puede verse en servicios de streaming solo en Estados Unidos o en DVD, disponible solamente en región 1.

Dealt
Dirección: Luke Korem
Duración: 1:26 horas
Sundance Selects, Keep on Running Pictures, Ralph Smith Entertainement.

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#danza, #video, circo, contemporaneo, pelicula

Sept moments de joie

Siete momentos de algería

Cirque Éloize, compañía de circo con sede en Montreal, ha realizado una nueva producción durante la pandemia. La misma es una película para mostrarse por medio de streaming. Se trata del espectáculo Sept moments de joie (siete momentos de alegría), que une a 7 coreógrafos haciendo igual número de obras que mezclan danza con artes circenses.

La realización corre a cargo de Lilli Marcotte y la puesta en escena es de Benoit Landry. Las obras son:

Fine Ligne, de Virginie Brunelle. Danza contemporánea y danza en bungee. Cuenta con 3 bailarines y un cuarteto de cuerdas interpretando música de Philip Glass. Se explota muy bien el espacio haciendo que por momentos los bailarines y la cámara se muevan entre los músicos.

Slick, de Christian Garmatter. Con la famosa música Sing, sing, sing de Louis Prima en versión de Benny Goodman, es una mezcla de swing, break, pole dance y malabares. El resultado es una obra con mucho frenesí que fácilmente nos traslada a los salones de principios de siglo XX. La iluminación complementa muy bien la escenografía, incluso se producen reflejos en las ventanas que hacen pensar en la existencia de anuncios luminosos en el exterior. Los encuadres no me gustaron del todo, hay acercamientos que dificultan apreciar partes de la obra. En particular me llama mucho la atención el malabarista, sobre todo un movimiento en el que las pelotas pasan describiendo un círculo de atrás hacia adelante.

Ravissement 42 45 de Claudia Chan Tak presenta una especie de desfile de modas con telas de animales y posteriormente algo que parece una batalla de una pareja sobre mástil chino.

Souffle de Axelle Munezero une danza contemporánea con aros hula. Las mariposas son un tema recurrente. Son parte del vestuario y hay movimientos de brazos que remiten a un aleteo desesperado. El vestuario de la solista es un vestido muy elaborado y en el cabello chino lleva varias mariposas, algo que requirió mucho trabajo de realizar.

Yalapasicik de Ivanie Aubin-Malo. Coreógrafa perteneciente a la nación Malecite de Cacouna, en Quebec, sus obras se enfocan en dar presencia a los grupos originales de Canadá. Yalapasicik involucra pasos de la tribu Pow Wow y mezcla contorsionismo. El vestuario y la escenografía remiten a la indumentaria tradicional. Con música de Kìzis con quien Aubin-Malo ha trabajado antes, la obra logra una atmósfera ritual, incluso alucinógena. La música se siente entre tradicional y electrónica, lo que logra un ritmo hipnótico que ayuda con la sensación alucinada.

Ojas de Edgar Zendejas une danza contemporánea con acrobacia aérea y música en vivo: un guitarrista y cantante español. La voz no es de mi agrado.

Furie de Manuel Roque termina el programa. Une danza y acrobacia. Aprovecha totalmente el espacio del estudio del Cirque Éloize donde se realizó la grabación. La solista se mueve por varios salones. Se utiliza muy bien la iluminación natural y los grandes ventanales del edificio. Es una grabación que se presenta en cámara lenta dando un toque muy especial al frenesí mostrado por la intérprete. Es la única obra en la que en realidad veo alegría. Al final observamos a la bailarina abrir la puerta del estudio y salir a la calle. Acaso el fin de la cuarentena.

La película en general me parece muy buena. Un gran esfuerzo que Cirque Éloize hace en estos momentos para seguir produciendo material. Las obras llevan una breve introducción de los coreógrafos (en francés) y en general se expresa el gusto de estar trabajando juntos. Se pueden ver imágenes de ensayos con cubrebocas. No hay duda, ésta es una creación durante la pandemia.

Se hizo muy buen uso de la cámara dando planos muy interesantes que no se lograrían con público en vivo. Se propusieron hacer un film y se logró, dando escenas en las que la cámara recorre 360 grados y no se ve nada del equipo de producción. El tema es 7 momentos de alegría aunque solo veo alegría en la obra Furie.

Fine Ligne, Slick, Yalapasicik y Furie son las obras que más me gustaron.

El streaming está disponible hasta el 6 de enero en la página de Cirque Éloize. Tiene un precio de 15 dólares canadienses y un boleto es válido por 48 horas a partir del primer acceso. Todos los ingresos se donarán a la Fundación Éloize para contribuir al desarrollo de las artes escénicas.

Sept moments de joie
Cirque Éloize
Realización: Lilli Marcotte
Puesta en escena:Benoit Landry
Coreógrafos: Virginie Brunelle, Christian Garmatter, Claudia Chan Tak, Axelle Munezero, Ivanie Aubin-Malo, Edgar Zendejas y Manuel Roque
Duración aproximada: 1:20 horas

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#danza, Ballet, pelicula, Sin categoría

El Cuervo Blanco

Imagen del Cuervo Blanco, se muestra con fines ilustrativos.

Película británica de 2018, traducida en ocasiones al español como El Bailarín, muestra ciertos episodios de la vida del bailarín Rudolf Nureyev.

La película se basa en el libro Rudolf Nureyev: The Life de Julie Kavanagh, mencionado por la Fundación Rudolf Nureyev como “la biografía autorizada, con material que no había estado disponible a otros escritores” Esa presentación me haría ver con reserva el libro publicado en 2007.

La historia se centra principalmente en la gira por París del Ballet Kirov, cuando Nureyev deserta de la URSS y pide asilo a Francia.

La película me parece larga y con ritmo un tanto lento. Se van alternando tiempos, entre el momento de la gira en París y el pasado de Nureyev, pasando por su nacimiento, pasajes de su infancia, entrenamiento con Alexander Pushkin y visitas a museos. Hubiera preferido que la historia fuera más lineal, ya que los saltos en el tiempo a la larga me parecieron tediosos. Entiendo que están así para explicar con su pasado algo que le sucedía en el presente.

Con fama de temperamental, en la película se ve a un Nureyev egocéntrico, grosero y engreído.

Durante la gira (así como en el pasado) había roto constantemente las reglas sobre salidas y contacto con otras personas. Siempre se ha tenido la idea que como castigo sería regresado a la URSS, es en ese momento en que pide asilo. También frecuentemente se menciona que su homosexualidad influyó en que fuera vigilado constantemente. Esto se deja de lado en la película.

El director Ralph Fiennes interpreta también a Alexander Pushkin, actuación que me gustó mucho. Se ve a una persona mesurada, introvertida, con una forma pausada de andar por la vida. Se ve la mezcla de dolor y comprensión de su parte cuando tiene que explicar al gobierno sobre lo que sabe de la deserción.

La película termina con la deserción y una rápida nota indicando que Nureyev regresó a la URSS a ver a su madre moribunda y que él falleció en 1993. No se dice más sobre su vida. Ya que la cinta está basada en la biografía autorizada, es de esperarse que el libro cubra su vida completa. La decisión de hacer la película sobre su refugio en occidente me hace pensar más en la cuestión dramática – política, que en la intención de hacer un film biográfico. Lo mismo me sucede con películas que ya he comentado como El prodigio, Bailando en el Desierto o Noches Blancas.

Al inicio de los créditos hay breves escenas de Nureyev bailando El Corsario.

The White Crow
Dirección: Ralph Fiennes.
Reparto: Oleg Ivenko, Ralph Fiennes, Adèle Exarchopoulos, entre otros.
Producción: BBC Films, Magnolia Mae Films
Año: 2018
Duración aproximada: 127 minutos

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#danza, Ballet, documental, pelicula

Los diarios de Vaslav Nijinsky

Portada de Los diarios de Vaslav Nijinsky. Se muestra con fines ilustrativos.

La primer reseña en Por los Teatros fue el ballet Nijinsky de John Neumeier. Hoy se presenta la publicación número 50 dedicada nuevamente a Vaslav Nijinsky.

En 1919 Nijinsky baila por última vez en público y es internado por esquizofrenia. Por aquella época, durante 6 semanas escribe sus diarios que posteriormente publica su esposa Romola en 1936, extremadamente modificados y censurados. Una versión íntegra se publica hasta 1999. En 2001 Paul Cox realiza la película de la que hablaré en la reseña.

La película es una lectura dramatizada de pasajes de los diarios, con la narración de Derek Jacobi. Las imágenes que se ven son paisajes, naturaleza, constantemente se ve un ave volando a contraluz, agua fluyendo. Somos testigos de algunas de las escenas que se narran. Vemos también personajes que bailó Nijinsky, deambulando por ahí. Hay algunos fragmentos de danza inspirados en El Espectro de la Rosa y Tarde de un Fauno (mejor conocido en español como Siesta de un Fauno)

La escena inicial me llamó mucho la atención. Es un cortejo fúnebre, seguramente el muerto es Nijisnky, sus personajes de ballet se acercan a ver pasar el cortejo.

Entre los textos que se leen se ve un Nijinsky atormentado, ya padecía esquizofrenia. Constantemente dice ser una persona diferente a las demás “soy bailarín”. La frase “soy bailarín” la repite no solo para definir lo que es, sino para aclarar por qué no es una persona común. Al principio se equipara con Dios, hacia el final dice amar a Dios y su postura es más de servidor.

Menciona amar a Dios y a la gente, a toda la gente (menos a los críticos) y le decepciona y entristece mucho que la gente no lo ame. Se siente traicionado por su esposa pues le creyó a los médicos y no a él cuando dijo que está sano. Se siente traicionado por Stravinsky por no querer cuidar a su hija mientras Vaslav estaba en una gira.

Pasa de sentimientos de grandeza a sentimientos de culpa, sobre todo por prácticas sexuales a las que atribuye su menor desempeño en la danza. Dice que su obra Jeux es una burla hacia Diaghilev.

En general la sensación que me da es de una persona en constante búsqueda de reconocimiento, atormentado por el momento en que no puede bailar, la actividad que justamente le dio el reconocimiento. Parece tener un amor sincero por el mundo y la gente de alrededor aunque también un delirio de grandeza enorme. La cuestión sexual lo incomoda mucho, está marcado por tabúes, posiblemente alimentados por posturas religiosas.

Personalmente no he leído los diarios, pero pienso que la película está basada en la versión censurada de Romola pues se dice que entre las modificaciones que hizo mostró la relación de Nijinsky y Diaghilev como algo forzado por el empresario.

Una breve ventana a los diarios que escribió mientras se hundía más y más en los problemas mentales. Durante la película se muestran fotografías de Nijinsky, lo poco que queda de él, que sepa no existen grabaciones. El personaje Petrushka es el que más se adapta a estos momentos del bailarín. Una marioneta, una especie de arlequín atormentado por la fuerza que lo maneja. En la tumba de Nijinsky está sentada una figura triste de Petrushka.

Los diarios de Vaslav Nijinsky
Dirección: Paul Cox
Narrado por: Derek Jacobi
2001, Australia
Duración aproximada: 1:30 horas

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musica, pelicula

Dos Ciegos

Imagen de Dos Ciegos. Se muestra con fines ilustrativos

Los Dos Ciegos es una bufonería musical al estilo de opereta del compositor Jacques Offenbach, estrenada en 1855. En ella se ve a dos músicos que se hacen pasar por ciegos para pedir dinero. Los problemas (y la obra) se presentan cuando ambos pretenden instalarse en el mismo puente lo que desatará una competencia entre ellos. Competencia por los “clientes”, por quién merece el lugar y quién tiene la historia mas triste sobre cómo perdió la vista.

Offenbach Operetta Studio y Ópera Cinema presentaron el 8 y 9 de febrero en el Teatro de las Artes del Centro Nacional de las Artes el proegrama Dos Ciegos, el cual consistió en dos partes: la primera fue proyección de fragmentos de cine mudo musicalizados en vivo con fragmentos de ópera del mismo nombre (o tema) que la película en cuestión. Las arias fueron presentadas con piano y 4 cantantes. La segunda parte del programa fue la interpretación de Los Dos Ciegos con piano y dos cantantes para hacer las voces de los personajes. Al mismo tiempo se realizó la proyección de la historia al estilo de cine mudo.

En una breve introducción se mencionó que el proyecto tiene la finalidad de acercar la ópera al público y hacerla atractiva al interpretarla junto con escenas de cine.

La primera parte incluyó fragmentos de películas como Viaje a la Luna de Georges Méliès, Barba Azul también de Méliès, Carmen de Chaplin, Nosferatu, Camille, Hamlet con Laurence Olivier (la cual no es muda) entre otras. La música que se les puso fueron fragmentos de óperas del mismo nombre que la película (ópera El Vampiro en el caso de Nosferatu. La Traviata para Camille, obras basadas en La Dama de las Camelias)

En toda la primer parte sentí que la música no empata del todo con las escenas. Es más como mostrar que la música y la película se llaman igual y hablan de la misma historia.

En la segunda parte, se presenta la película Dos Ciegos con Aziz Gual y Perico el Payaso Loco. En vivo al piano David Pérez, En la voces de los ciegos estuvieron Ricardo Castrejón y Emilio Castellanos. La película es al estilo de cine mudo.

El programa en general no me gustó. La primer parte duró aproximadamente 50 minutos y la segunda unos 20, por lo que el plato fuerte anunciado en el cartel era el que ocupaba la menor parte del programa. Varias personas del público esperaban ver a Aziz y Perico en vivo, por lo que creo que la publicidad no es lo suficientemente clara para especificar que se trata de proyecciones.

Es una idea interesante como forma de difusión de ópera, pero como indicaba no me pareció que la música y las escenas estuvieran bien empatadas. Por supuesto, se trata de obras creadas por separado, solo comparten argumento, por lo que hacer que coincida imagen y audio es difícil si no imposible.

Dos Ciegos
Intérpretes: Ricardo Castrejón, tenor; Emilio Castellanos, tenor; Martha Llamas, soprano; ricardo López, barítono; David Pérez, pianista.
Duración aproximada: 70 minutos.

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#danza, Ballet, pelicula

Al ritmo del corazón (Yuli)

Poster de Al ritmo del corazón, se muestra con fines ilustrativos

Carlos Acosta es un bailarín cubano de fama mundial reconocido como uno de los mejores de su generación y como el primer bailarín negro en interpretar diversos papeles principales en diferentes ballets. Ha bailado con el Ballet Nacional de Cuba, el Ballet de Houston y el Royal Ballet.

La cinta Yuli es una película basada en la autobiografía escrita por Acosta. La película se estrenó en diciembre del 2018 en el Festival Internacional de Cine de San Sabastian en España y actualemnte se presenta en salas comerciales en México tras su presentación en el Festival Internacional de Cine de Morelia. Originalmente llamada Yuli, en México se proyecta como Al ritmo del corazón (Yuli)

La película narra la historia de Acosta (llamado Yuli por su famillia) desde niño hasta la actualidad, intercalando tiempos, con escenas de su infancia y posterior juventud, alternando con escenas del presente. Se muestra una infancia dificil con un padre que “lo ama a su manera” quien lo obliga a audicionar en la Escuela Nacional de Ballet. Un niño rebelde y mentrioso que no quiere estudiar ballet y escapa de clases cada vez que puede. Maestros y compañeros inconformes con su conducta. También maestros que ven su potencial y lo siguen apoyando. Continúa bailando hasta convertirse en la leyenda que es hoy en día.

La cinta me parece pesada. No soy muy aficionado a las autobiografías ya que tienden a exagerar y modificar los hechos. En este caso me pierden muy al principio de la historia. Vemos a Carlos Acosta actuando en una película sobre su vida y dentro de la película hace una coreografía que trata de su vida. Aparentemente parte de lo que vemos se lo está contando a los bailarines de su obra. En un punto les dice que la escena anterior nunca sucedió, que no sabemos qué parte es realidad y qué parte ficción, a lo que le contestan que para contar su historia vaya con todo ¿es luz verde para la ficción?

Si se narra a un Acosta mentiroso como niño, y como adulto admite que hay ficción en su historia ¿podemos considerarlo realmente biografía? ¿Qué tan creíble es? ¿Licencia dramática?

Hablando de emociones, la cinta muestra la soledad que siente Acosta al estar en el extranjero, con un idioma que apenas conoce, lejos de su familia y tratando de regresar siempre con ellos. La discriminación por ser de color y las burlas de los otros niños que lo llaman marica por estudiar ballet.

Es triste ver que uno de los bailarines mas representativos de los últimos años nunca quiso bailar, incluso como adulto me queda la duda si quería bailar. Tiene una fractura de tobillo y tras su recuperación es renuente a regresar y una vez más son los maestros quienes lo convencen de continuar. Él siempre dice sentir todo el peso de Cuba sobre sus hombros. Pareciera que como niño no quería y lo obligaban los adultos y como adulto lo sigue obligando la costumbre. Afirma que el ballet le robó la vida.

El título que se le da en México: Al ritmo del corazón, no me parece adecuado pues su corazón no pedía ballet. No se si sea solo en México o también en otros países, la cinta se proyecta hablada en español de Cuba con subtítulos en español idéntico al hablado. Me parece innecesario ¿acaso es tan incomprensible un cubano que es necesario ponerle subtítulos?

Finalmente agregaré la pena que da el Cine Diana por el abandono y olor a humedad que tiene la sala, un cine otrora importante merece un mantenimiento.

Al ritmo del Corazón (Yuli)
Dirección: Iciar Bollaín
Productoras: Galápagos Media, Hijo de Ogún, Morena Films, Potboiler Productions, Producciones de la 5ta Avenida
Actuaciones: Carlos Acosta, Santiago Alfonso, Laura de La Uz, Keyvin Martínez, Edison Manuel Olbera
Año: 2018
Duración aproximada: 1:50 minutos

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#danza, #video, Ballet, libros, pelicula

El Prodigio

Portada de El Prodigio. Se muestra con fines ilustrativos.

Li Cunxin es un bailarín de origen chino que a principios de la década de los 80 desertó de China quedándose en Estados Unidos, posteriormente haciendo su vida en Australia. En 2003 publicó su autobiografía Mao’s Last Dancer (El último bailarín de Mao) que fue adaptada al cine en 2009 (distribuida a partir de 2010, en México debió ser a mediados de 2012) La película conserva el nombre del libro, pero en México se ofreció bajo el título El Prodigio. Esta reseña corresponde a la película.

La historia muestra a Li Cunxin desde niño, cuando es elegido por las autoridades de Mao Zedong para audicionar en la escuela de artes para estudiar ballet. Li es elegido, aunque no entiende para qué.

Tras la muerte de Mao se permite que Ben Stevenson, director del Ballet de Houston visite China e imparta algunas clases tras las cuales solicita un estudiante de intercambio para estudiar 3 meses en Houston. Cunxin es elegido.

En Houston, Li conoce los grandes edificios, los cajeros automáticos, ir de compras por vanalidades y lo que es gastar 500 dólares en un día cuando su padre ganaba 50 al año después de mucho trabajo. Un mundo lleno de libertades donde, entre otras cosas, baila lo que quiere y no lo que el gobierno indica. Al término de su estancia en Estados Unidos se niega a regresar a China. Después de tensas horas dentro del Consulado, el gobierno de Estados Unidos hace los arreglos para que pueda quedarse.

Anteriormente aquí en Por los Teatros comenté las películas White Nights y Bailando en el Desierto. El Prodigio es otra película que se siente como propaganda política, más al estilo de White Nights. En las 3 películas los protagonistas escapan de sus países. Bailando en el Desierto y El Prodigio se basan en historias reales. En White Nights y en El Prodigio se menciona que sus regímenes los obligaban a bailar ciertos temas y en Estados Unidos eran totalmente libres.

El Prodigio es una película bien lograda, la historia atrapa y apuesta totalmente por el sentimiento del espectador. Cuando salió en el cine un amigo dijo que la mitad de la sala estaba llorando y la otra mitad aguantándose las ganas. Y no lo contradigo. Es ese tipo de película.

La forma en que intercala el presente, el pasado, los recuerdos y los sueños crean en el espectador el efecto deseado. Sin embargo, al ofrecerse como historia real y sobre todo como autobiografía la tomo con cierta reserva ya que estos trabajos suelen maquillar la historia.

Algunas frases que se me quedaron desde la primera vez que vi la película son “Que no te molesten los pavos” un texto escrito en una playera con un elefante y pavos encima de él. No significa nada en particular, solo que no dejes que te preocupe lo que no importa. Otra es Li contestando “No quiero caminar, quiero volar” cuando pide polainas muy pesadas y el maestro le dice que con ese peso en las piernas no podrá caminar.

La película puede conseguirse en DVD y Blu-Ray distribuido por Quality Films. El único “pero” que le veo al DVD (no a la película) son los molestos anuncios al principio que no pueden saltarse.

El Prodigio (Mao’s Last Dancer)
Dirección: Bruce Beresford
Actuaciones: Bruce Greenwood, Kyle MacLachlan, Joan Chen, Amanda Schull, Chi Cao
2009
Great Scott Productions
Duración aproximada: 1:57 horas

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#video, circo, pelicula

Cirque du Soleil Kurios

Póster para cine de Kurios. Se muestra con fines informativos.

El 12 de junio comenzó una breve temporada en cines de Cirque du Soleil Kurios, proyectándose un solo día en un solo horario en algunas ciudades. Es la primera vez que un espectáculo del Cirque du Soleil se presenta en cines. Kurios existe en video comercial pero al parecer solo se consigue en la carpa que esté presentando dicho show, por lo que el liberarlo para la pantalla grande es una forma de acercar el espectáculo a más gente.

El hilo conductor es un inventor que ve en el lapso de un minuto todas las cosas que suceden durante el espectáculo, aparentemente todo sucede dentro de su maletín o “gabinete de curiosidades” que es el subtítulo que lleva Kurios.

Ambientado con un estilo victoriano – steampunk el diseño de arte es muy atractivo. La música acelerada con un estilo que ha sido descrita como mezcla de jazz y electro swing. Las acrobacias y números circenses muy buenos.

Los números incluyen percusiones sobre mesas y maletas mientras otros integrantes del elenco hacen malabares. La escena está visualmente llena de estímulos y es tan solo el primer acto. Resalta el que al malabarista lo elevan en un arnés y posteriormente lo bajan sin dejar de trabajar con tres clavas.

Un número de bicicleta aérea es de lo más bello de la función, una acróbata hace su rutina a semejanza de los aros en el aire, pero en este caso el aparato es una bicicleta suspendida.

El número de contorsión es impresionante, el vestuario con bordes palmeados y la manera de moverse en olitas de las ejecutantes hace ver formas acuáticas, ya sea bichitos o algas. Posteriormente hay un acto de equilibrio en sillas con un final inesperado donde se encuentra con un mundo cabeza abajo que también hace equilibrios en su propia perspectiva.

Uno de los números más impresionantes es el rola-bola. Se trata de una disciplina donde se hace equilibrio apilando cilindros horizontales y tablas para luego pararse encima. Pueden ser varias capas de estos elementos. En este caso no solo se hace equilibrio a la usanza tradicional, también se eleva la plataforma sobra la que está apoyado y se balancea como columpio mientras sigue el acróbata equilibrándose encima de todo.

La función también incluye una enorme red sobre la que saltan estilo cama elástica y un número aéreo en cuerdas, así como un dúo en una especie de trapecio fijo. Otro momento fenomenal es el número de yo-yo. Una persona hace figuras a gran velocidad con uno o dos yo-yos, al pensarlo resulta sorprendente que antes no se hubieran visto estos juguetes en las pistas de circo.

El número más cómico es una persona actuando como gato, no solo con sonidos sino corporalmente. Su participación la hace formando una historia con una espectadora. Otro momento cómico que termina siendo el más tierno es un teatro de manos. Utilizando las manos y una pantalla se forman personajes e historias, al final hay una breve interacción con el público que termina sacándole lágrimas al espectador.

Para finalizar se realiza lo que se conoce como “banquine” donde los acróbatas hacen saltos y cargadas quedando uno sobre los hombros de otro formando torres.

Si tengo que describir el espectáculo en una sola palabra sería “frenético” todo sucede a gran velocidad: los malabares, los saltos, el yo-yo, el movimiento de contorsión, hay pocos momentos en que baja la intensidad. La música en general tiene un ritmo que acelera.

El espectáculo es muy bueno, la proyección tuvo una breve introducción de Michel Laprise quien dirigió Kurios. Hace un paseo tras bambalinas y por los talleres de vestuario y maquillaje.

Espero que Kurios continúe su gira por mucho tiempo y algún día haya la oportunidad de verlo en vivo.

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#danza, pelicula

White Nights

Portada del DVD White Nights. Se muestra con fines ilustrativos.

Conocida en español como noches de sol, sol de media noche o noches blancas que es la traducción directa. El título hace referencia a la época del año en que el sol es visible las 24 horas del día en regiones boreales, un fenómeno que se presenta en zonas de Rusia.

La película de 1985 con Mikhail Baryshnikov y Gregory Hines cuenta la historia de un bailarín soviético de ballet (Nikolái Ródchenko) que escapó a Estados Unidos y por un accidente aéreo aterriza en Rusia donde será retenido. Un bailarín y militar estadounidense que desertó y se fue a la Unión Soviética (Raymond Greenwood) será el encargado de custodiarlo y prepararlo con los ensayos necesarios para su regreso a los escenarios en Leningrado. Todo el tiempo vigilados por agentes de la KGB que monitorean toda su actividad y hacen ofertas que no necesariamente están dispuestos a cumplir. Ródchenko y Estados Unidos harán todo lo posible para que regrese a salvo al país que le dio asilo.

La película salió en plena guerra fría por lo que la historia se siente como propaganda. El papel de Ródchenko es interpretado por Baryshnikov quien es un bailarín soviético que escapó para hacer su vida en Nueva York. De alguna forma la película parece decir “esto le pasaría a Baryshnikov si regresara a la URSS”

La película cae en clichés como personajes que luchan por la libertad y sus contrapartes racistas, sin embargo la historia me parece interesante y me atrapó. Existen además varias escenas de danza muy buenas como el inicio de la película con Le jeune homme et la mort de Roland Petit, una secuencia de improvisación de tap con Gregory Hines, una escena donde Baryshnikov apuesta 11 rublos contra 11 piruetas y otra escena donde los dos protagonistas bailan juntos en el estudio de ensayos. El trabajo coreográfico lo hizo Twyla Tharp.

El director Taylor Hackford la describe como un thriller de danza y política. En sus palabras la idea era hacer algo musical con Baryshnikov y Hines, al buscar una trama salió la historia que conocemos. La danza es parte de la película, no un adorno dentro de la misma.

A diferencia de Bailando en el desierto, White Nights me parece una historia dinámica a pesar de ambas películas tratar temas similares.

En una escena Ródchenko habla con la directora del Ballet Kirov le dice que en la URSS bailan lo que se les pide, no lo que quieren, por lo que se pierde la individualidad del intérprete, en cambio en occidente son libres por bailar realmente lo que quieren. Hace mención que ella sueña con bailar a Balanchine (bailarín y coreógrafo que huyó de Rusia, por lo tanto prohibido en ese país) y él en cambio lo ha podido bailar. Me llamó la atención que se dice que Balanchine pedía a sus bailarines que no interpretaran con un estilo propio, sin un sello personal.

White Nights (noches blancas, sol de media noche o noches de sol, según el país)
Columbia Pictures
1985
136 minutos

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#danza, pelicula

Bailando en el desierto

Portada de Bailando en el desierto. Se muestra con fines ilustrativos.

Película de 2014, Desert Dancer (El bailarín del desierto) fue dirigida por Richard Raymond, con las actuaciones de Freida Pinto y Reece Ritchie.

Desde los primeros minutos se ve el tono de la película, comenzando con la leyenda “basada en una increíble historia real” promete apostar por el sentimiento. Desde el inicio queda la trama muy clara: el protagonista será golpeado por la policía moral de Irán por seguir su sueño de bailar.

Afshin Gaffarian quiere ser bailarín y en medio de los problemas políticos de Irán de 2009 decide formar una compañía clandestina de danza con sus amigos. Tendrán que reunirse a escondidas para no ser detenidos por la policía moral pues la actividad está prohibida. Dan una función en el desierto frente una veintena de jóvenes de la universidad, lo que le da título a la película.

Llena de clichés no logra provocar los sentimientos. Melodrama con ritmo lento, personajes planos, diluyendo la trama principal con una historia de amor que tampoco es firme, es predecible hasta el momento del beso.

Investigando sobre Afshin, hay inconsistencias dentro de la película, si bien se ve forzado a abandonar Irán formando su compañía en París (Reformances, no mencionada en la película) difieren ligeramente los años y la manera en que sale de Irán es completamente diferente.

La escena de la danza en el desierto debería ser lo mejor de la cinta, la coreografía la hizo Akram Khan, uno de los más reconocidos coreógrafos de la actualidad en el campo de la danza contemporánea. En ese momento ya estaba cansado de la película y no me interesó lo suficiente la secuencia aunque me llamó la atención que es una especie de danza de contacto sin contacto.

La cinta falla en entregar la historia y para mi gusto es más que nada propaganda política. Curiosamente no es la única película que existe sobre bailarines huyendo de sus gobiernos. Más adelante aquí en Por los Teatros se darán las reseñas.

Desert Dancer (El bailarín del desierto o Bailando en el desierto, según el país hispano)
6Sales, IDC Films, May 13 Films
104 minutos

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