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The Unmasking of Robert-Houdin

Detalle de la portada de The Unmasking of Robert-Houdin. Se muestra con fines ilustrativos.

Jean Eugène Robert-Houdin mago francés (1805-1871) publicó sus memorias en 1858 con el nombre Confidences d’un prestidigatateur: una vie d’artiste (Confidencias de un prestidigitador: una vida de artista). Erik Weisz, escapista mejor conocido como Harry Houdini (1874-1926) en 1908 escribió The Unmasking of Robert-Houdin (El desenmascaramiento de Robert-Houdin) a modo de venganza contra su antiguo ídolo. Para tener un mejor contexto sobre esta reseña, recomiendo leer antes la de las Memorias de Robert-Houdin.

Robert-Houdin es llamado el padre de la magia moderna y Erik Weisz al acuñar su nombre artístico agregó una i al apellido del francés, supuestamente significando “como Houdin”. Se dice que Houdini intentó entrevistarse con la viuda del sobrino de Robert-Houdin y ella se negó. Debido a eso, Houdini decidió vengarse escribiendo un libro donde “desenmascarara” a su ídolo. A veces se dice que Houdini escribía un libro de historia de la magia y decidió enfocarlo a tirar del pedestal a Robert-Houdin.

También se dice que años después mencionó que debería haber escrito un libro de historia. Otras fuentes refieren que lo que dijo es que el título del mismo libro debió haber sido Historia de la Magia, poniendo aún más el dedo en la llaga.

Advertencia: por años he pensado que mientras más se de Harry Houdini peor me cae. Dicho esto pasaré a la reseña, basándome en la versión electrónica del Conjuring Arts Research Center, sobre la primer edición de 1908. Existen varios errores tipográficos resultado de una mala revisión después de digitalizar.

El libro me resulta pesado de leer, lo siento con poca unidad. Está dividido en capítulos dedicados a demostrar que Robert-Houdin no inventó los efectos que menciona en sus memorias, en varios casos Houdini se esmera no solo en probar que no los inventó sino que tampoco construyó lo aparatos ni tenía la habilidad para presentar un espectáculo interesante. Al hablar de cada truco proporciona referencias históricas del efecto con anterioridad a Robert-Houdin e intercala biografías y anécdotas de los magos a los que les atribuye la verdadera invención. La poca unidad radica en que en un momento está soltando calificativos contra Robert-Houdin y al siguiente dando la biografía con lujo de detalle de otro mago. En ocasiones en el texto proporciona referencias bibliográficas de periódicos, incluyendo número de página. Notas al pie hubieran sido mejor para no cortar el flujo del texto.

El libro contiene innumerables ilustraciones y programas, la mayoría con crédito a “colección del autor” “imagen rara” “poco conocida” “única foto existente”, “fotografía expresamente tomada para este libro”, “colección de Harry Houdini” y otras frases que me hacen pensar en que tenía mucho interés en plasmar su nombre (según la búsqueda de Acrobat Reader su nombre aparece 136 veces) Las ilustraciones, programas y posters son una verdadera joya, lo mejor del libro, lástima que muchos no son legibles, no se si en la edición impresa se puedan leer, pero en la digital resulta imposible en la mayoría de los casos.

Frecuentemente increpa a Robert-Houdin acusándolo de ser un ladrón, mentiroso, haber borrado de la historia a las personas que merecían ser recordadas y haber escrito un libro para alimentar su propio ego, entre otras cosas.

Me resulta interesante que Houdini, alaba a otros magos en pasajes como: “Como frecuentemente ha sucedido en la historia de los sabios y estudiantes, corría por la sangre de Pinetti un amor por el misterio con esa peculiar mancha de charlatanismo” “lo que sea que se diga sobre el charlataniso de Pinetti, debe admitirse que dio al arte de la magia un gran ímpetu que se sentirá por muchas generaciones” o “toda Europa había sido despertada a un nuevo interés a la magia por el brillante Cagliostro” (Cagliotro, fue un charlatán sentenciado por la inquisición debido a sus supuestos poderes) Es decir, le molesta que Robert-Houdin fuera un charlatán en sus memorias pero perdona y alaba a otros charlatanes. También es de recordar que Houdini frecuentemente decía que toda la publicidad era buena, hablaran bien o mal de él, lo importante era que escribieran bien su nombre. Aquí parece molestarle que la publicidad fuera de otra persona. Irónicamente, entre el público general suele haber confusiones entre Houdini y Houdin. En el mismo libro, al menos una vez, el nombre aparece como Robert-Houdini. No se si sea otro error de digitalización o así esté el original.

En otro punto dice “Henri Decremps […] autor que expuso y se esforzó por arruinar a Pinetti, pero tuvo éxito solo en inmortalizarlo” ¿Houdini no habrá tenido una experiencia similar con su libro?

Houdini dedicó mucho esfuerzo en investigar y amasar una magnífica colección, es una lástima que en vez de escribir un ameno libro de historia, usara su tiempo para una publicación llena de odio donde él trata de erigirse paladín de la justicia. La portada muestra a la justicia, con su balanza, quitando una máscara al busto de Robert-Houdin y el libro termina con “Y el producto de estas investigaciones las pongo frente al único jurado, el gran público lector. Mi trabajo está finalizado” Teatralmente acabando como un abogado o fiscal poniendo las pruebas frente al gran jurado.

Cabe destacar que en varias ocasiones dice que alguien con pocos conocimientos o un mínimo de inteligencia se da cuenta de los errores ¿Cómo es que él no se dio cuenta de inmediato y hasta eligió un nombre inspirado en este hombre? Por cierto, muchos de sus argumentos los basa en lo que Torrini le dijo a Robert-Houdin, personaje que en la década de 1940 se supo es ficticio. Houdini fue engañado.

Como dije en la reseña de las memorias de Robert-Houdin, está probado que hay imprecisiones históricas y personajes ficticios. No dudo que varios de los trucos en realidad sean atribuibles a otras personas, sin embargo como lo mencioné antes, sus memorias resultan una lectura muy amena, prácticamente una novela. Cosa que no sucede con el libro de Houdini, este, al contrario, es pesado de leer y uno termina asqueado preguntándose cual de los dos es el que tiene en verdad un ego enorme.

Mike Caveney en las notas a su Classic Correspondence en la revista Magic de abril 2015, menciona que Dai Vernon (conocido como El profesor y El mago que engañó a Houdini) solía decir que para Houdini no era suficiente triunfar, otros debían fallar.

Murice Sardina en 1947 publicó Les “erreurs” de Harry Houdini (los “errores” de Harry Houdini) traducido al inglés como Where Houdini was wrong (donde Houdini estaba mal) y Jean Hugard en 1957 escribió Houdini’s “Unmasking”: fact vs fiction (El “desenmascaramiento” de Houdini: hechos vs ficción). Ambos libros contradiciendo lo escrito por el escapista. En un futuro espero comentarlos aquí mismo.

The Unmasking of Robert-Houdin
Autor: Harry Houdini
Año: 1908
The Publishing Printing Co.
319 páginas

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El Cuervo Blanco

Imagen del Cuervo Blanco, se muestra con fines ilustrativos.

Película británica de 2018, traducida en ocasiones al español como El Bailarín, muestra ciertos episodios de la vida del bailarín Rudolf Nureyev.

La película se basa en el libro Rudolf Nureyev: The Life de Julie Kavanagh, mencionado por la Fundación Rudolf Nureyev como “la biografía autorizada, con material que no había estado disponible a otros escritores” Esa presentación me haría ver con reserva el libro publicado en 2007.

La historia se centra principalmente en la gira por París del Ballet Kirov, cuando Nureyev deserta de la URSS y pide asilo a Francia.

La película me parece larga y con ritmo un tanto lento. Se van alternando tiempos, entre el momento de la gira en París y el pasado de Nureyev, pasando por su nacimiento, pasajes de su infancia, entrenamiento con Alexander Pushkin y visitas a museos. Hubiera preferido que la historia fuera más lineal, ya que los saltos en el tiempo a la larga me parecieron tediosos. Entiendo que están así para explicar con su pasado algo que le sucedía en el presente.

Con fama de temperamental, en la película se ve a un Nureyev egocéntrico, grosero y engreído.

Durante la gira (así como en el pasado) había roto constantemente las reglas sobre salidas y contacto con otras personas. Siempre se ha tenido la idea que como castigo sería regresado a la URSS, es en ese momento en que pide asilo. También frecuentemente se menciona que su homosexualidad influyó en que fuera vigilado constantemente. Esto se deja de lado en la película.

El director Ralph Fiennes interpreta también a Alexander Pushkin, actuación que me gustó mucho. Se ve a una persona mesurada, introvertida, con una forma pausada de andar por la vida. Se ve la mezcla de dolor y comprensión de su parte cuando tiene que explicar al gobierno sobre lo que sabe de la deserción.

La película termina con la deserción y una rápida nota indicando que Nureyev regresó a la URSS a ver a su madre moribunda y que él falleció en 1993. No se dice más sobre su vida. Ya que la cinta está basada en la biografía autorizada, es de esperarse que el libro cubra su vida completa. La decisión de hacer la película sobre su refugio en occidente me hace pensar más en la cuestión dramática – política, que en la intención de hacer un film biográfico. Lo mismo me sucede con películas que ya he comentado como El prodigio, Bailando en el Desierto o Noches Blancas.

Al inicio de los créditos hay breves escenas de Nureyev bailando El Corsario.

The White Crow
Dirección: Ralph Fiennes.
Reparto: Oleg Ivenko, Ralph Fiennes, Adèle Exarchopoulos, entre otros.
Producción: BBC Films, Magnolia Mae Films
Año: 2018
Duración aproximada: 127 minutos

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Apollo’s Angels – Crítica

Detalle de Apollo’s Angels. Se muestra con fines ilustrativos.

En la entrada anterior di la reseña general del libro Apollo’s Angels, a history of ballet, de Jennifer Homans. En esta segunda parte daré mi crítica.

En general el libro tiene un estilo muy ligero, en ocasiones se siente incluso en tono de chisme cuando se trata de dar detalles personales de los protagonistas de la historia del ballet. Hay descripciones bastante interesantes de algunas obras, en las que se da un análisis con interpretaciones en las que nunca hubiera pensado. Por momentos me queda la duda de si esa interpretación es de la autora o es la intención que originalmente se le dio a dichas obras.

Los primeros capítulos me parecen muy interesantes pero mi decepción inició con el capítulo de la URSS. Con él comienzo a ver una tendencia y no puedo evitar preguntarme que tan objetiva es Homans y qué tanto se deja llevar por motivaciones personales. Señala que la URSS creó los mejores bailarines pero acabó con el ballet. Agrega que las obras hechas con temas previamente autorizados por el gobierno solo pueden ser del gusto de los soviéticos pero no tienen éxito en occidente. Critica ampliamente a Yuri Grigorovich y sobre todo su Espartaco. Sin embargo hoy en día Grigorovich es una leyenda viviente y Espartaco una obra que sigue presentando el Bolshoi en sus giras mundiales, lo que indica que es del gusto aún fuera de Rusia. Al hablar de Romeo y Julieta dice que es el West Side Story soviético. Comparación extraña ya que el ballet (ruso) precede al musical (neoyorquino) A menos que lo diga para que un americano sin gran conocimiento de ballet tenga un punto de referencia.

En la segunda mitad del siglo XX, muy de pasada menciona a Roland Petit. A Maurice Béjart lo nombra con cierto desdén limitándose a un par de párrafos y en una fotografía de Jorge Donn (sin señalar al bailarín) describe a Stimmung de Béjart como “sexo, sudor y pretensión disfrazados de arte”. William Forsythe y John Neumeier son mencionados una sola vez y a pie de página.

Al llegar a los capítulos de Estados Unidos veo aún más una tendencia marcada. Señala a Antony Tudor, Jerome Robbins y George Balanchine como los pilares del ballet americano. Presenta al ballet estadounidense con un discurso de nacionalismo, padres fundadores, igualdad, crear obras con temas importantes, acercar la danza al pueblo, alejarlo de alta sociedad y las cortes francesas. Irónicamente Tudor era británico y se cambió el apellido para sonar más aristocrático. Robbins era neoyorquino descendiente de inmigrantes rusos y cambió su nombre para sonar más americano. Balanchine era ruso y cambió su nombre a algo más occidental.

Incidentalmente menciona a Martha Graham y a Merce Cunninham. A Jirí Kylián lo señala como un “aparente pero falso heredero de Tudor”, pues rechazó tomar sus obras después de su muerte. En general veo rechazo de Homans por todo lo que es danza moderna / contemporánea. Si está escribiendo sobre ballet, tal vez está delimitando el ballet clásico, en cuyo caso hubiera sido interesante indicar que criterios toma. Por ejemplo los Ballets Rusos de Diaghilev y las obras de Nijisnky eran mal vistas en su época y se consideran más modernas que clásicas. Robbins es más conocido por su trabajo en teatro musical a lo que Homans dedica varias páginas para describir con detalle sus obras.

La parte cumbre del libro es Balanchine y su trabajo en Nueva York. Muchas páginas dedicadas a su obra y persona, indicando cómo revolucionó el ballet al introducir estilos que no se usaban ¿no se desvía también de la danza clásica? Señala a su compañía como un ejemplo, pues incluía a bailarines negros (no menciona el trabajo de Alvin Ailey) El libro finaliza con la muerte de Balanchine y las palabras “El legado de Balanchine fue inmenso. Le dio al mundo la mayor obra en la historia de la danza […] Salta al pasado vía Ruisa y Petipa, a Luis XIV y a los antiguos griegos […] Ha restaurado su lugar [de la danza] como entretenimiento fino, arte sensual e ideal olímpico”

Pareciera que las 550 páginas del libro y los 350 años de historia solo existen para llevarnos a la figura de Balanchine en un pedestal en el Monte Olimpo y después de él no hay nada. Incluso el título está influenciado por él, pues acostumbraba llamar “ángeles” a las bailarinas. No es de sorprender que en el índice temático sea la persona que más entradas tiene.

En el epílogo, Homans dice que los ángeles de Balanchine han caído (ya no son de Apolo) y el ballet está en decadencia. Agrega: “la coreografía contemporánea vira sin rumbo entre imitación sin imaginación e innovación estridente” Me parece una triste conclusión para un trabajo que le tomó 10 años. Sin embargo, en la introducción deja entrever el rumbo que tomará.

En la publicación anterior mencioné que en la introducción escribe algunas cosas que a primera vista no puse mucha atención, pero cobran importancia al leer todo el trabajo. Es precisamente su postura ante Balanchine y la opinión de que el ballet es un arte fuera de moda y a la antigua lo que deja ver desde ver el principio. Pareciera que es su tesis inicial y con el epílogo demuestra a lo que quería llegar.

En la tercera y última parte publicaré mis conclusiones.

Apollo’s Angels
Jennifer Homans
Random House
Nueva York, 2010
643 pp

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Einstein on the beach

En 1976 Phillip Glass y Robert Wilson estrenaron en el Festival de Avignon la ópera Einstein on the beach, la cual dura aproximadamente 5 horas sin intermedios y el público puede salir y entrar de la sala según lo necesite.

En 2019 una nueva producción de la obra se hizo en conjunto entre el Grand Théâtre de Genève y la Compagnia Finzi Pasca, con una duración de 4 horas. La ópera estuvo disponible en streaming en el sitio del teatro del 14 al 19 de abril de 2020.

En el programa de mano, que también estuvo disponible en el sitio, el compositor Phillip Glass indica que buscó “la integración de la música rítmica, armónica y cíclica en un sistema coherente” y agrega que transmite “La idea de una energía que no se puede parar”.

La música a mi gusto es disonante. El coro canta números y nombres de notas musicales. Escuchar cantar la-re-la-re-la-re por 4 horas no es lo que prefiero para un espectáculo. La música me recordó la de John Cage. Se utilizan diferentes calificativos para describirlos pero frecuentemente para ambos se usa “minimalista” y “experimental”.

Los integrantes de la Compagnia Finzi Pasca, que son quienes están en escena, tienen esporádicamente textos inconexos entre ellos. No se siente un argumento. Daniele Finzi Pazca indica que es una obra surrealista y ha plasmado sus sueños. Es una excelente descripción. Bastante surrealista, y como los sueños, no parece tener sentido una escena con la siguiente.

Visualmente hay gente moviendo libros en la oficina de Eisntein, personas jugando en la playa, sirenas flotando en el aire, bicicletas volando, un caballo entre la niebla, espejos, muchas lámparas, juegos de sombras. Por momentos los números me recuerdan a Donka, incluso un vestuario y las referencias a los zapatos de ese vestuario son muy claros de dicha obra.

Precisamente las cosas que no me gustaron son por las que Einstein on the beach es reconocida. Se menciona esta obra como una muestra de lo que cambiante que es la ópera, marca nuevos rumbos. El hecho de no tener un argumento como tal y mostrar “la historia” en la parte visual y no en la letra. Como decía, la letra cantada son números y nombres de notas musicales. Hace referencia a las matemáticas y “esa energía que no puede parar” nos remite a la física de Eisntein.

De vanguardia hace 40 años sigue siendo algo extraño para verse. No es para mí.

Einstein on the beach
Ópera de Phillip Glass y Robert Wilson
Einstein-Ensemble: Orquesta y Coro compuesto por alumnos de la Alta Escuela de Música de Genève
Dirección Musical: Titus Engel
En escena: Compagnia Finzi Pasca
Dirección Escénica: Daniele Finzi Pasca
Duración aproximada: 4:00 horas sin intermedio.

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THE OFFICIAL BOLSHOI BALLET BOOK OF SWAN LAKE

Portada del libro. Se muestra con fines ilustrativos.

En 1986 fue publicado el libro The Official Bolshoi Ballet Book of Swan Lake por Yuri Grigorovich y Alexander Demidov. Originalemnte en ruso, traducido al inglés por Yuri Shirokov. T.F.H. Publications en 1984 obtuvo los derechos en excluisva para la traducción y distribución fuera de Rusia de la literatura soviética de música y ballet.

El libro cuenta a grandes rasgos cómo es que Tchaikovsky llegó a componer la música de éste ballet. Con más profundidad entra a la historia de la obra. Su desafortunado debut en 1877, los cambios mayores realizados en 1895 con el compositor ya fallecido, otros cambios en 1901 y finaliza con la versión del propio Grigorovich en 1969.

Sobre el estreno en 1877 se menciona que el libreto no era lo suficientemente fuerte ni tenía mucha lógica. El coreógrafo, libretista y compositor apenas trabajaron juntos, lo que desesperaba mucho a Tchaikovsky. La obra fue quedando en el olvido y el compositor murió convencido de que su obra no perduraría. En ese tiempo el ballet no se consideraba un arte que valiera mucho la pena, por lo que componerle música no era muy bien visto entre el gremio. Tchaikovsky tomó el riesgo y a pesar de que otras de sus obras para ballet tuvieron éxito, su primer intetno, El Lago de los Cisnes, no lo tuvo.

En 1895 la partitura es modificada, se le hacen “arreglos”, algunos fragmentos del primer acto se pasan al tercer acto. Hay música adicional de Riccardo Drigo. Marius Petipa hace las coreografías del primero y tercer acto y los actos segundo y cuarto quedan a cargo de Lev Ivanov.

A decir de Petipa, Odette, el cisne blanco, es un personaje soso, con gusto le deja los “actos blancos” a Ivanov, aquellos más tradicionales con cuerpo de baile y violines tristes. Él toma los actos de fiesta y en particular le interesa Odile, el cisne negro, la verdadera heroína para Petipa.

La versión de 1895 es la que catapulta al Lago de los Cisnes a la fama y todas las versiones del sigo XX y hasta la fecha tienen elementos de la de Ivanov-Petipa.

Habla también un poco de la versión de Grigorovich, que ha ido evolucionando poco a poco. Entre los cambios respecto a la versión tradicional es que Rothbard, el hechicero, recibe el nombre de “El Genio Malvado”

El libro finaliza con una sinopsis fotográfica de la obra.

La historia presentada es muy interesante, además del análisis de los personajes y situaciones. La música de Tchaikovsky se cree incluye elementos de su ópera Ondine, que fue destruida por él mismo. Tanto Ondine como El Lago tratan de un ser mágico que pierde la vida al conocer las maldades de la humanidad. Básicamente es la historia de un primer amor (los personajes tienen alrededor de 17 años) que acaba en tragedia debido a las debilidades humanas. Algo como en La Sirenita, Ondine y Romeo y Julieta.

“Finalmente, Odile usa el hechizo mas viejo del mundo. Estas palabras han hecho magia por millones de años …. ‘Te amo’, ella dice. Inmediatamente, el Príncipe la levanta, actuando como si ella fuera la única persona perfecta en el mundo […] Él solo tiene ojos para Odile … ha sido atrapado por el hechizo del amor … amor ciego” – páginas 126 y 127

The Official Bolshoi Ballet Book of Swan Lake
Yuri Grigorovich y Alexander Demidov
Traducido al inglés por Yuri Shirokov T. F. H. Publications Inc
1986
140 páginas

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Loreena McKennitt Lost Souls Tour

Interior de la Sala Wilfrid-Pelletier

Loreena McKennitt sacó su primer disco en 1985, desde entonces se ha colocado como una cantante representativa de música celta con un estilo que incluye irlandesa, medieval y toques de diferentes partes del mundo. Su repertorio cuenta con canciones tradicionales, de composición propia y re interpretación de temas antiguos.

Durante este año llevó a cabo el Lost Souls Tour para promocionar su último disco de estudio Lost Souls. A principios de año en Sudamérica; Europa durante el verano y el este de Canadá en otoño. Durante la gira canadiense salió al mercado la grabación en vivo en el Albert Hall de Londres realizada unos meses antes. Todos los asistentes de estas últimas fechas recibieron éste disco como parte del boleto.

La presente reseña corresponde al 30 de octubre, en la Sala Wilfrid-Pelletier de Place des Arts en Montreal, segunda fecha de Canadá.

Desde el ingreso del público el escenario contaba con 5 candelabros de 7 brazos cada uno con sus respectivas velas encendidas. En la primer mitad predominó la iluminación morada y verde, en la segunda mitad fue más rojo azul. Las velas y las luces producían una atmósfera especial. Al final de algunas canciones, a modo de remate se apagaban todas las luces quedando solo las velas que iluminaban a los músicos a contraluz, produciendo un efecto impactante.

McKennitt estuvo acompañada por 5 músicos, trabajando con algunos de ellos por aproximadamente 20 años. El programa se compuso por 10 piezas, un intermedio de 20 minutos, una segunda parte de 8 piezas y un encore de 2 canciones más. Cada uno de los músicos, en algún momento, tuvo su momento protagónico, un momento de improvisación o donde su instrumento resalta. En esos instantes el juego de luces se centraba en el intérprete en cuestión.

A pesar de ser una gira promocionando el disco Lost Souls, el concierto no se centró en el nuevo material, lo que a mí en particular me agradó mucho. El repertorio fue diferente al que se encuentra en el disco del Albert Hall, por lo que se concluye que la gira europea cubrió diferentes canciones, en este caso mas enfocadas al material nuevo. Seguramente el objetivo era grabar en vivo lo que no existía previamente en versiones con público.

En Montreal se ofreció un programa variado con canciones de antaño como Bonny Portmore y The Lady of Shalott así como recientes como Lost Souls y Manx Ayre, sin dejar de lado las representativas Marco Polo, The Mummer’s Dance y Santiago. The Mystic’s Dream también ha sido una pieza icónica de McKennitt y fue con la que abrió la velada. Las mas aplaudidas fueron Santiago con la ya esperada improvisación de Hugh Marsh en el violín y The Old Ways. No se interpretaron temas del periodo 1985-1989. Como es su costumbre y se ve en la grabación Nights from the Alhambra, McKennitt da una breve introducción en la mayoría de sus canciones.

Canciones que causan un estremecimiento al oirlas en vivo, otras que conmueven y dan ganas de llorar, como es el caso de Dante’s Prayer con la que cerró la noche (encore final) The Gates of Istambul me trasladó a otro lugar, como viajar despierto, acaso una especie de meditación con música. El sentimiento con que toca Caroline Lavelle el violonchelo es digno de mención.

El público salió contento, después de una noche mágica en una hermosa sala con una acústica impecable. McKennitt agradeció no solo a los músicos sino a todo el staff, la gente tras bambalinas que no vemos y muchas veces uno olvida que están ahí pero sin ellos las presentaciones serían imposibles.

Durante la gira canadiense se anunció que al finalizar las fechas, es decir el 3 de noviembre, Loreena McKennitt pone una pausa por tiempo indefinido en su carreera musical para realizar otras tareas como dedicar tiempo a su familia y trabajar contra el calentemiento global y los efectos nocivos de la tecnología: cómo afecta la salud mental en los niños, cómo se usa la tecnología para erosionar democracias y difundir noticias falsas, cómo compromete nuestra privacidad.

Espero que la pausa no sea tan larga y volvamos a tener música de esta maravillosa intérprete. Todo el éxito en sus nuevas actividades.

Loreena McKennitt Lost Soul Tour (Québec & Ontario Fall 2019)
Músicos: Brian Hughes, Caroline Lavelle, Hugh Marsh, Dudley Phillips, Robert Brian
Duración Aproximada: 2:20 horas incluyendo intermedio de 20 minutos

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40 Festival Mondial du Cirque de Demain

Año con año se lleva a cabo en París el Festival Mundial de Circo del Mañana. En 2019 realizó del 31 de enero al 3 de febrero bajo la carpa del Cirque Phénix. La grabación del espectáculo del 2 de febrero está disponible en arte.tv y es sobre la misma que se da la presente reseña.

El espectáculo consiste en aproximadamente 13 actos que incluyen magia, contorsión, malabares, cuerda tensa, telas, trapecio, ente otras cosas. Un espectáculo muy variado y de gran calidad. En el festival se entregan medallas, trofeos y premios especiales, el jurado incluye ganadores de años pasados y directores de casting y programación de Cirque du Soleil, La Tohu (Montreal) y Nikolin Moscow, por lo que el festival es un escaparate para jóvenes talentos.

En la grabación me llamaron principalmente la atención los números de Mikhail Karahan de Alemania que hace rueda Cyr acompañado de elementos de clown y pantomima (ganador del trofeo Annie Fratellini), La Testa Maestra de España y Colombia que hacen malabres usando mucha corporalidad, Winston de Venezuela con magia (manipulación) y expresión corporal (Prix Telmondis) Laurence Tremblay-Vu participando por Canadá/Vietnam presenta cuerda tensa con movimientos de artes marciales y en un momento con los ojos vendados (medalla de plata y Prix Arte), Cie Soralino representando a Francia, Italia y Brasil con excentricidades, una mezcla de malabres con cajas de cartón, clown y cargadas (medalla de bronce, Trophee Raphael Cruz, Trophee Zhang Gongl y Prix du Lido de Paris) y Mizuki Shinagawa de Japón con un número de telas donde su expresión corporal y facial aportan mucho, además su compañera que hace de contrapeso en la tela es un elemento siempre presente en el acto (medalla de bronce, Trophée de Compagnie Altitude y es la imágen del poster para el festival 41)

Los grandes ganadores fueron Scandinavian Boards de Suecia, Finlandia y Paises Bajos. Presentaron planchas coreanas con mucha precisión (trampolines como sube y baja para saltar y hacer giros en el aire) . Ganaron Grand Prix du 40e Festival, Prix du Président de la République, Prix du Public y Trophée du Cirque du Soleil – Performance & Vision Artistique Innovante.

A pesar de la gran dificultad, precisión y limpieza en ejecución de Scandinavian Boards, no fue de mis números favoritos, disfruté más de los mencionados con anterioridad. En particular noté que todos esos números se apoyan en otras disciplinas, mezclan danza, clown, expresión corporal, etcétera para enriquecer la presentación. En lo personal creo totalmente en que la interdisciplina logra cosas más interesantes. Supongo que no es casualidad que esos actos fueran los que me interesaran más.

Para más información sobre el Festival Mondial du Cirque de Demian consultar su página https://www.cirquededemain.paris/ donde se pueden ver fotos, videos, lista de ganadores y entrevistas.
La función está disponible por tiempo limitado y pudiera tener restricciones geográficas en arte.tv/fr o desde el sitio del festival.
Duración 2:19 horas

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Bienvenidos

Hace varios meses, posiblemente ya años, un par de familiares y amigos me propusieron que hiciera un blog sobre artes escénicas donde comentara las obras que veo. Tras dejarlo de lado por mucho tiempo finalmente comienza este proyecto.

Por los Teatros será un blog para comentar danza, teatro, magia y circo principalmente. Se darán reseñas tanto de funciones en vivo como de grabaciones, así como de libros relacionados con la materia.

Inicialmente se publicará material nuevo cada dos semanas, pudiendo aumentar la frecuencia posteriormente.

El 19 de enero de 2019 a las 10:00 am se publicó la primer entrada en otra plataforma pero unas semanas después nos mudamos hacia acá.

Muchas gracias a quienes han empujado para que Por los Teatros sea posible y a ustedes, futuros lectores.

Andrés Reynoso

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