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Sept moments de joie

Siete momentos de algería

Cirque Éloize, compañía de circo con sede en Montreal, ha realizado una nueva producción durante la pandemia. La misma es una película para mostrarse por medio de streaming. Se trata del espectáculo Sept moments de joie (siete momentos de alegría), que une a 7 coreógrafos haciendo igual número de obras que mezclan danza con artes circenses.

La realización corre a cargo de Lilli Marcotte y la puesta en escena es de Benoit Landry. Las obras son:

Fine Ligne, de Virginie Brunelle. Danza contemporánea y danza en bungee. Cuenta con 3 bailarines y un cuarteto de cuerdas interpretando música de Philip Glass. Se explota muy bien el espacio haciendo que por momentos los bailarines y la cámara se muevan entre los músicos.

Slick, de Christian Garmatter. Con la famosa música Sing, sing, sing de Louis Prima en versión de Benny Goodman, es una mezcla de swing, break, pole dance y malabares. El resultado es una obra con mucho frenesí que fácilmente nos traslada a los salones de principios de siglo XX. La iluminación complementa muy bien la escenografía, incluso se producen reflejos en las ventanas que hacen pensar en la existencia de anuncios luminosos en el exterior. Los encuadres no me gustaron del todo, hay acercamientos que dificultan apreciar partes de la obra. En particular me llama mucho la atención el malabarista, sobre todo un movimiento en el que las pelotas pasan describiendo un círculo de atrás hacia adelante.

Ravissement 42 45 de Claudia Chan Tak presenta una especie de desfile de modas con telas de animales y posteriormente algo que parece una batalla de una pareja sobre mástil chino.

Souffle de Axelle Munezero une danza contemporánea con aros hula. Las mariposas son un tema recurrente. Son parte del vestuario y hay movimientos de brazos que remiten a un aleteo desesperado. El vestuario de la solista es un vestido muy elaborado y en el cabello chino lleva varias mariposas, algo que requirió mucho trabajo de realizar.

Yalapasicik de Ivanie Aubin-Malo. Coreógrafa perteneciente a la nación Malecite de Cacouna, en Quebec, sus obras se enfocan en dar presencia a los grupos originales de Canadá. Yalapasicik involucra pasos de la tribu Pow Wow y mezcla contorsionismo. El vestuario y la escenografía remiten a la indumentaria tradicional. Con música de Kìzis con quien Aubin-Malo ha trabajado antes, la obra logra una atmósfera ritual, incluso alucinógena. La música se siente entre tradicional y electrónica, lo que logra un ritmo hipnótico que ayuda con la sensación alucinada.

Ojas de Edgar Zendejas une danza contemporánea con acrobacia aérea y música en vivo: un guitarrista y cantante español. La voz no es de mi agrado.

Furie de Manuel Roque termina el programa. Une danza y acrobacia. Aprovecha totalmente el espacio del estudio del Cirque Éloize donde se realizó la grabación. La solista se mueve por varios salones. Se utiliza muy bien la iluminación natural y los grandes ventanales del edificio. Es una grabación que se presenta en cámara lenta dando un toque muy especial al frenesí mostrado por la intérprete. Es la única obra en la que en realidad veo alegría. Al final observamos a la bailarina abrir la puerta del estudio y salir a la calle. Acaso el fin de la cuarentena.

La película en general me parece muy buena. Un gran esfuerzo que Cirque Éloize hace en estos momentos para seguir produciendo material. Las obras llevan una breve introducción de los coreógrafos (en francés) y en general se expresa el gusto de estar trabajando juntos. Se pueden ver imágenes de ensayos con cubrebocas. No hay duda, ésta es una creación durante la pandemia.

Se hizo muy buen uso de la cámara dando planos muy interesantes que no se lograrían con público en vivo. Se propusieron hacer un film y se logró, dando escenas en las que la cámara recorre 360 grados y no se ve nada del equipo de producción. El tema es 7 momentos de alegría aunque solo veo alegría en la obra Furie.

Fine Ligne, Slick, Yalapasicik y Furie son las obras que más me gustaron.

El streaming está disponible hasta el 6 de enero en la página de Cirque Éloize. Tiene un precio de 15 dólares canadienses y un boleto es válido por 48 horas a partir del primer acceso. Todos los ingresos se donarán a la Fundación Éloize para contribuir al desarrollo de las artes escénicas.

Sept moments de joie
Cirque Éloize
Realización: Lilli Marcotte
Puesta en escena:Benoit Landry
Coreógrafos: Virginie Brunelle, Christian Garmatter, Claudia Chan Tak, Axelle Munezero, Ivanie Aubin-Malo, Edgar Zendejas y Manuel Roque
Duración aproximada: 1:20 horas

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Apollo’s Angels – Conclusiones

Portada de Apollo’s Angels, se muestar con fines ilustrativos

Con esta tercer parte finalizo mis comentarios sobre el libro Apollo’s Angels, a history of ballet, de Jennifer Homans. Las primeras partes pueden consultarse en reseña y crítica.

Homans concluye que el ballet es un arte en decadencia, contaminado por lo contemporáneo y donde no se crea nada nuevo y los coreógrafos se aferran a obras de siglos atrás. Difiero completamente y encuentro contradictorio el no ver con buenos ojos lo contemporáneo y al mismo tiempo quejarse de presentar obras del pasado.

Si algo quedó de manifiesto durante la historia del ballet, es que a pesar de ser “clásico” y de “tradición” donde hay elementos que se han mantenido inamovibles durante siglos, hay otros elementos que han cambiado: Pasos nuevos, el pasar de salones de sociedad a teatros, de ser número entre actos de ópera a ser espectáculo completo, el uso de pantomima, saltos, giros. La introducción de zapatillas de punta. El cambio de los papeles de hombres y mujeres. Todo ha sido una evolución. Hoy en día distinguimos si una obra es clásica o contemporánea, pero es bastante probable que en un momento dado no haya sido tan clara esa línea, o lo que se consideraba contemporáneo, ahora lo vemos como clásico. No se puede separar de la historia de la danza clásica el papel de la moderna, contemporánea, neoclásica y todas las derivaciones.

¿Está bien seguir presentando obras de hace 100 años o más? Si, por algo son clásicas, porque gustan y son parte del legado y vale la pena mantenerlas en repertorio.

Por otro lado, concluyo que el ballet siempre ha sido patrocinado, nunca ha existido de manera independiente, posiblemente a excepción de los Ballets Rusos de Diaghilev, donde él mismo fungía como mecenas. En Francia antigua y moderna, Dinamarca, Rusia zarista y socialista, Inglaterra, Estados Unidos … Siempre ha estado patrocinada por el estado o por particulares, quienes han marcado el tema de las danzas. Frecuentemente se menciona a la URSS como ejemplo del país que imponía temáticas, pero incluso en la Francia revolucionaria, quien tenía el poder temporalmente era quien dictaba los temas. De igual forma en Estados Unidos donde los patrocinios son más bien de particulares y es a quien hay que dejar contentos presentando la temática que les interesa.

Finalmente agregaré que la idea de nombrar a Balanchine como el coreógrafo que finalmente acercó la danza al pueblo, alejándola de temas de nobleza que no son del interés de la gente común y corriente, yo diría que si acaso, ese privilegio le correspondería a Maurice Béjart, quien realizó obras con música del gusto popular como Queen y Edith Piaf, así como la Novena Sinfonía de Beethoven, planeada para presentarse en arenas deportivas. Espectáculos multitudinarios donde acercó al público tanto a la música clásica como a la popular/comercial uniéndola con la danza.

Apollo’s Angels
Jennifer Homans
Random House
Nueva York, 2010
643 pp

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Apollo’s Angels – Crítica

Detalle de Apollo’s Angels. Se muestra con fines ilustrativos.

En la entrada anterior di la reseña general del libro Apollo’s Angels, a history of ballet, de Jennifer Homans. En esta segunda parte daré mi crítica.

En general el libro tiene un estilo muy ligero, en ocasiones se siente incluso en tono de chisme cuando se trata de dar detalles personales de los protagonistas de la historia del ballet. Hay descripciones bastante interesantes de algunas obras, en las que se da un análisis con interpretaciones en las que nunca hubiera pensado. Por momentos me queda la duda de si esa interpretación es de la autora o es la intención que originalmente se le dio a dichas obras.

Los primeros capítulos me parecen muy interesantes pero mi decepción inició con el capítulo de la URSS. Con él comienzo a ver una tendencia y no puedo evitar preguntarme que tan objetiva es Homans y qué tanto se deja llevar por motivaciones personales. Señala que la URSS creó los mejores bailarines pero acabó con el ballet. Agrega que las obras hechas con temas previamente autorizados por el gobierno solo pueden ser del gusto de los soviéticos pero no tienen éxito en occidente. Critica ampliamente a Yuri Grigorovich y sobre todo su Espartaco. Sin embargo hoy en día Grigorovich es una leyenda viviente y Espartaco una obra que sigue presentando el Bolshoi en sus giras mundiales, lo que indica que es del gusto aún fuera de Rusia. Al hablar de Romeo y Julieta dice que es el West Side Story soviético. Comparación extraña ya que el ballet (ruso) precede al musical (neoyorquino) A menos que lo diga para que un americano sin gran conocimiento de ballet tenga un punto de referencia.

En la segunda mitad del siglo XX, muy de pasada menciona a Roland Petit. A Maurice Béjart lo nombra con cierto desdén limitándose a un par de párrafos y en una fotografía de Jorge Donn (sin señalar al bailarín) describe a Stimmung de Béjart como “sexo, sudor y pretensión disfrazados de arte”. William Forsythe y John Neumeier son mencionados una sola vez y a pie de página.

Al llegar a los capítulos de Estados Unidos veo aún más una tendencia marcada. Señala a Antony Tudor, Jerome Robbins y George Balanchine como los pilares del ballet americano. Presenta al ballet estadounidense con un discurso de nacionalismo, padres fundadores, igualdad, crear obras con temas importantes, acercar la danza al pueblo, alejarlo de alta sociedad y las cortes francesas. Irónicamente Tudor era británico y se cambió el apellido para sonar más aristocrático. Robbins era neoyorquino descendiente de inmigrantes rusos y cambió su nombre para sonar más americano. Balanchine era ruso y cambió su nombre a algo más occidental.

Incidentalmente menciona a Martha Graham y a Merce Cunninham. A Jirí Kylián lo señala como un “aparente pero falso heredero de Tudor”, pues rechazó tomar sus obras después de su muerte. En general veo rechazo de Homans por todo lo que es danza moderna / contemporánea. Si está escribiendo sobre ballet, tal vez está delimitando el ballet clásico, en cuyo caso hubiera sido interesante indicar que criterios toma. Por ejemplo los Ballets Rusos de Diaghilev y las obras de Nijisnky eran mal vistas en su época y se consideran más modernas que clásicas. Robbins es más conocido por su trabajo en teatro musical a lo que Homans dedica varias páginas para describir con detalle sus obras.

La parte cumbre del libro es Balanchine y su trabajo en Nueva York. Muchas páginas dedicadas a su obra y persona, indicando cómo revolucionó el ballet al introducir estilos que no se usaban ¿no se desvía también de la danza clásica? Señala a su compañía como un ejemplo, pues incluía a bailarines negros (no menciona el trabajo de Alvin Ailey) El libro finaliza con la muerte de Balanchine y las palabras “El legado de Balanchine fue inmenso. Le dio al mundo la mayor obra en la historia de la danza […] Salta al pasado vía Ruisa y Petipa, a Luis XIV y a los antiguos griegos […] Ha restaurado su lugar [de la danza] como entretenimiento fino, arte sensual e ideal olímpico”

Pareciera que las 550 páginas del libro y los 350 años de historia solo existen para llevarnos a la figura de Balanchine en un pedestal en el Monte Olimpo y después de él no hay nada. Incluso el título está influenciado por él, pues acostumbraba llamar “ángeles” a las bailarinas. No es de sorprender que en el índice temático sea la persona que más entradas tiene.

En el epílogo, Homans dice que los ángeles de Balanchine han caído (ya no son de Apolo) y el ballet está en decadencia. Agrega: “la coreografía contemporánea vira sin rumbo entre imitación sin imaginación e innovación estridente” Me parece una triste conclusión para un trabajo que le tomó 10 años. Sin embargo, en la introducción deja entrever el rumbo que tomará.

En la publicación anterior mencioné que en la introducción escribe algunas cosas que a primera vista no puse mucha atención, pero cobran importancia al leer todo el trabajo. Es precisamente su postura ante Balanchine y la opinión de que el ballet es un arte fuera de moda y a la antigua lo que deja ver desde ver el principio. Pareciera que es su tesis inicial y con el epílogo demuestra a lo que quería llegar.

En la tercera y última parte publicaré mis conclusiones.

Apollo’s Angels
Jennifer Homans
Random House
Nueva York, 2010
643 pp

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Apollo’s Angels – Reseña

Portada de Apollo’s Angels. Se muestra con fines ilustrativos.

Jennifer Homans fue bailarina antes de convertirse en crítica de danza (principalmente en publicaciones de Nueva York) y obtener un doctorado en historia de la Europa moderna por la Universidad de Nueva York. En 2010 publicó Apollo’s Angels, a history of ballet, un libro de 643 páginas que cubre la historia del ballet desde sus orígenes en la corte francesa hasta algunos coreógrafos de Estados Unidos a mediados y fines de siglo XX.

La obra es un libro muy grande profusamente documentado (550 páginas de texto, 62 de notas y el resto de referencias e índice temático) cubriendo aproximadamente 350 años. Por la extensión he decidido dividir la reseña en partes.

En la introducción da la explicación del título: Apolo, dios griego de la belleza, hermano de Afrodita, relacionado con las artes, jefe de las Musas. Por otro lado los ángeles representando el deseo de los bailarines de volar y ascender hasta Dios. Un título un tanto ambicioso pues implica que los bailarines son los ángeles del dios de la belleza. En la introducción hace mención de algunos conceptos que a primera vista no me llaman tanto la atención, pero después de terminar el libro y regresar a la introducción, marca desde el principio la dirección que tomará (de esto hablaré en la segunda parte)

A lo largo de 12 capítulos distribuidos en dos partes Homans nos va guiando por la historia del ballet, primero en Europa Occidental: Francia, Italia y Dinamarca. Posteriormente en Rusia, Inglaterra y Estados Unidos.

En Francia vemos cómo el ballet pasa de ser un baile de corte surgido para mostrar buenas costumbres a una actividad teatral. El ballet podía ser el boleto de entrada (o salida) de la corte. Después de la Revolución Francesa las obras solo podían hablar del triunfo de la misma y en contra de la monarquía. Con la llegada de Napoleón se instaura el uso de uniformes en la enseñanza de la danza (herencia de la costumbre militar de Napoleón)

En Italia, último estado europeo en consolidarse como país, se agregan elementos de la comedia del arte y comienzan a integrarse pasos mas rebuscados y “circenses”: saltos, giros, posturas poco naturales del cuerpo que en su momento se veía contra las buenas costumbres y hoy se relaciona indiscutiblemente con el ballet. Las guerras en Italia provocan un sentido de nacionalismo en el que el ballet queda relegado y gana más popularidad la ópera.

Frecuentemente no se considera a Dinamarca como un país con tradición de danza, sin embargo tiene importancia dentro de la misma y su tradición ha permanecido prácticamente intacta hasta nuestros días. El escritor Hans Christian Andersen quiso ser bailarín profesional, como sabemos, no sucedió, pero se mantuvo toda su vida muy relacionado con el mundo del ballet.

Es la época de los ballets fantásticos, cuentos de hadas y seres mitológicos, muchos protagonistas del mundo de la danza en la época se identificaban con los seres fantásticos y las descripciones que hace el libro hace dudar de su sano juicio, pues buscaban en la vida real sus ondinas y sílfides.

El texto tiene algunas fotografías donde me llama de manera especial la atención las zapatillas de punta de María Taglioni (idénticas a las actuales) que son muy parecidas a los zapatos de calle que utilizaban las mujeres, no parecían zapatos especiales como hoy en día, sino calzado regular.

La escena llega a Rusia imperial, en San Petesburgo se trata de imitar París por lo que se llevan coreógrafos y bailarines franceses. Rusia se formaba por feudos, por lo tanto las tierras y siervos eran propiedad del feudal. Mismo caso con los bailarines. Hay un apogeo de teatros que eran patrocinados por el señor de cada tierra. Hay disputas sobre si la danza debe ser afrancesada o rusificada para hacerla algo totalmente nacional.

Llega la Revolución Rusa, los Ballets Rusos de Diaghilev están de gira por Europa (nunca se presentaron en Rusia) muestran una Rusia exótica, que es lo que occidente quería ver, no necesariamente bailes tradicionales, pero revolucionan el ballet al hacerlo un espectáculo de talla internacional. Nuevamente hay cambios de estilos, coreografías de Fokine y Nijinsky haciendo cosas diferentes a lo acostumbrado. Hay a quien le gusta y hay a quien no le gusta.

En la época de la URSS se lleva el centro de poder y cultural a Moscú como un movimiento de quitarle poder a San Petesburgo que representaba a los zares. Siempre tuve curiosidad por el cambio de nombre del Teatro Mariinsky a Kirov y de nuevo a Mariinsky tras la disolución de la URSS. Se menciona que Kirov era el militar a cargo de San Petesburgo (en esa época Leningrado) que fue asesinado por Stalin. En su “honor” Stalin mandó cambiar el nombre del teatro. En esta época se sistematiza la enseñanza de la danza, con lo que actualmente se conoce como la técnica rusa o Vaganova. Se hacen obras a pedido del gobierno con temas autorizados por el gobierno.

Durante la Segunda Guerra Mundial Inglaterra comienza a cobrar fuerza dentro del mundo del ballet y se instaura el Royal Ballet, el cual es relativamente nuevo si se compara con los ballets de Francia y Rusia. En Estados Unidos la escena dancística cobra fuerza sobre todo en Nueva York, se forman teatros privados patrocinados por empresarios que dictan los temas de los bailes. Durante la guerra fría existe también una lucha para probar quien tiene la mejor posición en la escena mundial del ballet.

A grandes rasgos esto es lo que cubre el libro, hablando de la parte histórica. En la siguiente entrega haré mi crítica que se centra sobre todo en el siglo XX.

Apollo’s Angels
Jennifer Homans
Random House
Nueva York, 2010
643 pp

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#danza, Ballet, contemporaneo, documental

BBL en Tour por China

BBL en tour en China. La imagen se muestra con fines ilustrativos.

El Béjart Ballet Lausanne como parte del ciclo BBL at home durante la cuarentena por COVID-19 tiene en streaming del 21 al 24 de mayo el documental The Béjart Ballet Lausanne on China Tour.

Se trata de una remembranza sobre la gira que la compañía tuvo en 2011 por dicho país, presentándose en Pekín, Hangzhou y Shangai. Se muestran detalles de la vida cotidiana durante el tour como la llegada al aeropuerto, traslado en autobuses, trenes, arribo a los teatros. Vistazos más íntimos a los bailarines y al director Gil Román, quienes comentan lo que sienten al trabajar ciertas obras.

Las obras que se cubren son Dionysus, de Maurice Béjart; Là où sont les oiseaux, de Román, y Bolero, de Béjart. No se muestran las obras completas, se ven fragmentos de los ensayos y presentaciones en los teatros de China.

Dionysus me llamó mucho la atención, no conozco la obra, me gustaría verla completa, los fragmentos muestran una danza con mucha energía. Se muestra a técnicos, invitados, gente fuera de escena y público reaccionando con alegría a la obra, gente haciendo señas a la cámara para que gire y vea el escenario. Se muestran unas palabras de Maurice Béjart quien decía “Me gustan las celebraciones, momentos, eventos, explosiones. Mi trabajo es organizar celebraciones”. Con Dionysus vemos una celebración. El mito de Dioniso cobra vida.

La siguiente obra es Là où sont les oiseaux, de Gil Román. En dónde están los pájaros. Román contesta “donde están Maurice Béjart y Marta Pan”. Ambos finados. La obra contiene una escultura de Marta Pan. Este ballet fue creado particularmente para la gira, inspirado por un poema sobre el encanto de la vida.

Gil Román comenta “El trabajo de un coreógrafo, cuando funciona, es sacar la personalidad del bailarín. Desarrollo sobre eso, yo dirijo, pero los sigo a ellos”. Es una obra por estrenarse, tanto el director como los bailarines están a la expectativa.

Finalmente viene Bolero, de Béjart. Posiblemente su obra más famosa. Comentan que todos los bailarines quieren bailarla (Yo diría que todos los entusiastas de la danza deseamos verla) Román menciona que se necesita cierta madurez para interpretar el papel principal, no es para los más jóvenes. Vemos a los bailarines dar sus ideas propias sobre la obra.

Y como las giras no están libres de problemas, también se muestran incidentes sobre el pago de los figurantes, intérpretes de idioma que evidentemente traducen muchísimo menos de lo que se dijo, técnicos locales que se están durmiendo en la función o que miran videos en la computadora mientras se hace el ensayo técnico.

Un excelente documental sobre una de las mejores compañías de danza que he visto. Estará disponible solo un día mas en la página del BBL. También se puede consultar la cartelera de lo que resta del ciclo.

The Béjart Ballet Lausanne on China Tour
Realización: Arantxa Aguirre.
Duración aproximada: 1:02 Horas.
Año: 2012 (sobre Tour 2011)

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#danza, folclor

Mosaico Folclórico

La Coordinación Nacional de Danza organiza cada año el Festival Patria Grande (presentado en el programa de mano como Temporada Patria Grande) con la finalidad de celebrar la danza folclórica de México.

El festival, que se lleva a cabo durante el mes de septiembre en el Teatro de la Danza y en la Plaza Ángel Salas del Centro Cultural del Bosque, incluye diversas compañías y escuelas de diferentes estados.

La función que comentaré corresponde al sábado 21 (y domingo 22) de septiembre y corrió a cargo del Taller de Danza Folklórica de la Universidad Juárez del Estado de Durango que presentaron el programa Mosaico Folclórico (Se ha respetado la ortografía del programa de mano)

Para aclarar: la RAE reconoce las palabras folclor, folclore y folklor, así como folklórico(a) y folclórico(a).

Mosaico Folclórico está formado por aproximadamente 30 bailes representando a los estados de Chiapas, Veracruz, Tamaulipas. Aguascalientes, Jalisco, Zacatecas, Chihuahua, Nuevo León y Durango, éste último presentando las variantes de laguna, polcas y shotis. Cada estado tuvo al rededor de 3 bailes siendo Durango el que que tuvo mayor cobertura con sus 3 estilos.

Es un programa de aproximadamente 1:40 horas que se presenta de corrido, con extremadamente breves espacios de tiempo entre cada estado. Un pequeño intermedio de 5 minutos a la mitad de la función es la pausa más larga. En general toda la función es corrida con todos los cambios de vestuario y el gran esfuerzo físico que representa. Con 21 bailarines, normalmente presentaron números de 6 parejas y duetos de una pareja.

Entiendo que el grupo está formado por comunidad de la institución educativa, supongo que no son profesionales en la materia sin embargo es una función de mucha calidad y muy completa. Se nota el trabajo y las horas de ensayo. Hay detalles de limpieza, por ejemplo, al avanzar en filas verticales no se ve uniforme o hay momentos en que la calidad y fuerza del zapateado se nota diferente entre la gente que comparte el escenario. Otra falla notoria es la falta de experiencia en teatros aforados, al salir del escenario, los bailarines frecuentemente chocaban con las piernas del teatro, provocaban movimientos en el ciclorama o parecían no tener muy claro cuál calle usar.

Esto no demerita el trabajo de los bailarines quienes tuvieron al público muy atento y de buen humor participando con las palmas en ciertos bailes. Al ser un programa con tanta variedad de estados verdaderamente muestra un mosaico de varios bailes típicos, algunos muy conocidos que siempre se presentan en estas funciones y algunos no tan representados. Tras el agradecimiento, subieron a algunos miembros del público al escenario para bailar un número más.

El festival está por concluir este domingo. Las actividades son gratuitas.

Mosaico Folclórico
Taller de Danza Folklórica de la Universidad Juárez del Estado de Durango
Duración: 1:40 horas
Dirección: Armando Peyro Rodarte
Sin crédito para los bailarines.

Festical Patria Grande, hasta el 28 de septiembre. Teatro de la Danza

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Carmen (de Roland Petit)

Portada del DVD de Carmen con la Ópera de París. Se muestra con fines ilustrativos.

En 1949 por primera vez se hace una versión coreográfica de la ópera Carmen de Bizet. Roland Petit se toma libertades sobre el libreto y la música y en 5 escenas que suman aproximadamente 45 minutos narra la historia.

La acción inicia en una plaza donde Carmen pelea con otra mujer. Don José interviene y es como conoce a Carmen. En esta primer escena me llama la atención que la otra bailarina (personaje sin nombre) hace fouettés à la seconde que son más característicos de hombres y no es tan frecuente que las mujeres hagan.

Posteriormente están en una taberna donde se reúnen los amigos de Carmen, grupos de bandidos y rufianes. Don José se lleva a Carmen y tienen un dueto con mucho romanticismo.

Los amigos de Carmen irrumpen, están planeando un robo y Don José participará con ellos, le entregan un puñal para la tarea. Salen de noche a la calle y a un lado de una enorme carreta Don José mata al mensajero al que le roban la valija.

En la escena final, el torero Escamillo llega al pueblo, todos están muy emocionados por la corrida que comenzará en un momento. Hay coqueteos de Carmen con el torero y Don José se ve celoso. Escamillo, a diferencia de otras versiones no es el guapo Don Juan, mas bien parece un payaso presuntuoso, no solo en actitud sino vestuario y maquillaje me recuerdan a un payaso.

Todos entran a la plaza. Don José encara a Carmen y tras una escena de pelea montada muy bien con pasos y estética de ballet Don José la apuñala. La música de tambores crea una intensidad única durante la secuencia.

Carmen muere a los pies de Don José mientras salen sombreros de la plaza de toros. El pueblo, ajeno a lo que acaba de suceder, celebra a Escamillo. En la escenografía hay máscaras simulando el público en la plaza de toros. Al momento de la muerte de Carmen las máscaras parecen ser mudos testigos del crimen.

Es un ballet con mucha intensidad que entrelaza estéticas de ballet y de danzas españolas, transmite muy bien el ambiente. Haciendo una inevitable comparación con Carmen Suite, que es más conocida, la versión de Roland Petit es mas luminosa, colorida y terrenal, menos abstracta y las cosas suceden no por intervención del destino, sino porque así se van desarrollando los hechos.

La primera vez que vi esta obra fue aproximadamente hace 12 años, en una grabación de 1981 donde bailan Zizi Jeanmaire y Mikhai Baryshnikov, distribuida por Kultur. Jeanmaire fue quien estrenó la obra en 1949 al lado de Petit. Para la presente reseña vi la grabación con Clairemarie Osta y Nicolas Le Riche, en la Ópera de París, grabada en 2010 y distribuida por Arthaus Musik.

Tanto Osta como Le Riche tienen mucha fuerza en sus personajes. Como he mencionado antes Le Riche es señalado como uno de los bailarines favoritos de Petit en los últimos años de su vida. La bailarina del personaje sin nombre (tradicionalmente pensaría en Frasquita, amiga de Carmen) también me gustó mucho, tanto en su técnica como en interpretación.

Coreografía: Roland Petit
Sobre la historia de: Prosper Merimée
Música: Georges Bizet
Carmen: Clairemarie Osta
Don José: Nicolas Le Riche
Duración aproximada: 45 minutos

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Bhakti

Escena del tercer acto de Bhakti. Se muestra con fines ilustrativos.

La obra Bhakti fue creada por Maurice Béjart en 1968 y puesta en video en 1969 en formato película, grabada en estudio, no en un teatro con público y con escenas que no son parte de la obra de danza. La música es tradicional de la India, el vestuario es de Germinal Casado quien también bailó. Bhakti es sobre el amor, la adoración, un ritual hacia la divinidad, que de cierta forma es uno mismo. Se presentan 3 divinidades de la India y sus historias de amor.

La presente reseña corresponde a la película de 1969 con el Ballet du XXe Siècle

El primer acto es la historia de Rama y Sita, el amor fiel. Paolo Bortoluzzi interpreta a Rama, mientras que Hitomi Asakawa da vida a Sita. La danza se intercala con escenas en donde la pareja está en un café. La imagen es de una pareja estable, enamorada y contenta. El solo de Bortoluzzi hacia el final de este acto es impresionante.

La segunda parte es Krishna y Rhada, el amor humano y frívolo. Vemos un grupo de amigas platicando, leen sobre los dioses de la India, da la sensación de que se preparan a salir y leen horóscopos. Por otro lado vemos a un solitario joven escuchando música, pensativo, que finalmente se decide a llamar a una de las chicas. Jorge Donn interpreta a Krishna y Tania Bari a Radha. Donn fue de los bailarines más representativos de la época, estrella del Ballet du XXe Siècle y la grabación es una oportunidad para verlo. Resalta el baile en pareja que tiene con Bari. Cada tanto toca una flauta, según el texto introductorio es una especie de hechizo. Vemos a la pareja bien, se ven a gusto, pero parecen caer en la rutina y en el distanciamiento, aunque están frente a frente. Al cierre del acto al tocar la flauta otras bailarinas van saliendo de escena con mirada atenta. Acaso Krishna olvidó a Rhada y busca nueva compañía.

La parte final es Shiva y Shakti, el amor divino. Los intérpretes son Germinal Casado y Maïna Gielgud. Un dueto con mucha fuerza y flexibilidad por parte de los ejecutantes. Béjart indica que Shiva es dios de la destrucción, dios de la danza, su esposa, Shakti, no es otra que su energía vital que emana de él y retorna a él. Justo eso es lo que se ve, fuerza, energía que comparten. Este fragmento ha sido remontado por el Béjart Ballet Lausanne con el nombre Bhakti III.

Los 3 actos me llaman particularmente la atención por la manera en que incluyen movimientos de danza clásica que se modifican para tomar una estética de la India. En varios momentos la repetición y cadencia recuerdan Bolero (música de Ravel y coreografía de Béjart) Las 3 parejas entrelazan sus cuerpos y forman imágenes que claramente recuerdan a las estatuas hindúes, con las manos y brazos en ángulos característicos.

No son de mi gusto las partes adicionales a la danza, las escenas de introducción y cierre donde vemos a los 3 bailarines corriendo por una plaza, repitiendo movimientos, o los cambios de color que hay mientras bailan.

Es raro cómo se intercalan las imágenes de las parejas citadinas con ellos mismos interpretando a los dioses, pero ayuda a entender el concepto de las historias.

Tania Bari, Germinal Casado, Paolo Bortoluzzi y Jorge Donn son nombres muy relacionados al trabajo de Maurice Béjart. Bailarines característicos de sus obras. Bhakti fue hecho para ellos. Los 3 bailarines ya fallecieron, las 3 bailarinas todavía viven siendo de edad avanzada, por lo que esta grabación, a 50 años, es una verdadera joya, una ventana al pasado y a la época de esplendor del Ballet du XXe Siècle así como al trabajo de Béjart interpretado por los ejecutantes originales.

En Por los Teatros está disponible la reseña a la grabación de la Novena Sinfonía, también de Béjart.

Dirigido por Maurice Béjart.
Producción de Artium Summa.
Duración aproximada: 1:20.
Disponible en streaming en Medici.tv

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Carmen Suite / Petrushka

Carmen Suite y Petrushka. Ballet Bolshoi. Póster se muestra con fines informativos.

El pasado 9 de junio finalizó para México la temporada 2018-2019 del Ballet Bolshoi en cines, presentando un programa doble: Suite Carmen y Petrushka, que fueron grabadas en la función del 19 de mayo.

Como siempre, Katerina Novikova, jefe de prensa del Teatro Bolshoi, es la encargada de presentar las obras, dar una pequeña semblanza y hacer entrevistas. No deja de impresionar la fluidez con que habla en ruso, francés e inglés así como su amplia sonrisa y el gusto con que hace las presentaciones, se nota que realmente disfruta su trabajo.

En 1949, el ballet de Roland Petit baila por primera vez  la música de la ópera Carmen de Georges Bizet. En 1964 Maya Plisetskaya pide a Dmitri Shostakóvich que componga una pieza para el ballet que tiene en mente, modificando la partitura de Bizet, a lo que Shostakóvich se niega. Posteriormente hay pláticas con Aram Khachaturian pero no se concreta nada, por lo que Rodion Schedrin, esposo de Plisetskaya, compone la música. Alberto Alonso se encarga de coreografiar y la Suite Carmen se estrena en el Teatro Bolshoi en 1967. Se hace otra versión con el solo de Carmen diferente para que lo baile Alicia Alonso.

La versión de Plisetskaya se usó durante 20 años en el Bolshoi y dejó de presentarse cuando Maya dejó de bailar el papel. La versión que se presenta en esta grabación es la que bailaba Alicia Alonso y se remontó especialmente para que la interprete Svetlana Zakharova quien es la única persona que actualmente la baila.

Se presenta un breve video mostrando a Maya Plisetskaya en el papel. Mandan saludos a Alicia Alonso quien vive en Suiza y tiene 95 años.

La obra dura aproximadamente 50 minutos, lo que es breve en comparación con la original de Bizet. Carmen enamora al militar Don José y al torero Escamillo, teniendo danzas tanto seductoras como despectivas. La escenografía remite a un ruedo. El Destino, que asemeja a un toro, baila entre las parejas. Poco a poco el triángulo amoroso se va complicando, se va notando la tensión y los celos. El destino cobra fuerza. En la escena final Escamillo baila con el toro/destino, lo torea. Al mismo tiempo Don José y Carmen tienen una danza tensa. Don José mata a Carmen y vemos al destino caído pero no parece muerto, simplemente se cumplió su designio y descansa un poco. Literalmente agarraron al toro por los cuernos y para Carmen no tuvo buen desenlace.

La música y la danza son intensas, a pesar de la modificación de la original y la falta de las voces contagia la intensidad. El audio del cine ayuda también. Zakharova es una gran bailarina reconocida por su interpretación y técnica. Sus líneas durante el solo son impresionantes. Es la estrella de la noche, al finalizar, muy al estilo ruso, Zakharova y Denis Rodkin (Don José) son llamados al frente del telón en repetidas ocasiones. Por alguna razón ella se nota tensa durante los agradecimientos.

Durante el intermedio Novikova entrevista a Edward Clug, quien presenta su nueva versión de Petrushka. Con música de Igor Stravisnky, la coreografía original de Mikhail Fokine se estrenó en 1911 teniendo en el papel principal a Vaslav Nijinsky. Para leer más sobre Nijinsky puedes visitar el post Nijinsky (de John Neumeier)

Clug indica que él estaba más asustado que Petrushka. Al hacer la nueva versión no fue tanto el reto como lo estimulante, esta nueva coreografía enfatiza el folclor ruso y los bits de la música. La obra nació en París lejos de casa y ahora renace en Moscú. Añade que Petrushka es un muñeco de madera dispuesto a dar su vida por los sentimientos.

La obra dura aproximadamente 40 minutos. En un poblado ruso hay una fiesta y una feria en la que un mago presenta a sus títeres: Petrushka, la bailarina y un moro. Petrushka está enamorado de la bailarina pero ella lo desprecia y solo tiene ojos para el moro.

En la versión tradicional Petrushka es un muñeco de trapo. En esta ocasión todos son de madera. El mago utiliza unos bastones creando la imagen de estar manipulando a los títeres y creando la situación de amor y desamor. La escenografía son 6 figuras gigantes que al rotar muestran una cara. Por la forma pareciera que se trata de matrushkas. La gente del pueblo utiliza vestuario muy colorido con faldas con pliegues que hacen efecto de acordeón. Los muñecos traen líneas en las articulaciones haciendo alusión a figuras de madera.

Al final el moro mata a Petrushka, su fantasma se aparece en el teatro de títeres y queda solo un muñeco de madera desnuda sobre el piso. El mago confundido se encuentra de nuevo con Petrushka quien parece robarle el alma, da la idea de que Petrushka se hiciera humano y el mago quedara como muñeco.

La historia es confusa, si no fuera porque se conoce la misma o por la sinopsis que se da al inicio no quedaría claro lo que sucede. La versión tradicional acaba en que aparece el fantasma pero no se da el cambio de alma, por lo que no se exactamente si es lo que querían transmitir.

Se anuncia la temporada 2019 – 2020 que marca el décimo aniversario del ciclo del Bolshoi en cines, un esfuerzo que se hace con Pathé Live, dando transmisiones en vivo a las zonas horarias adecuadas y distribuyendo posteriormente al resto del mundo. Esperemos que en México sigan presentándolo. Hace unos años lo hacía Cinemex y las últimas 3 o 4 temporadas han sido en Cinépolis.

CARMEN SUITE: Svetlana Zakharova (Carmen), Denis Rodkin (Don José), Mikhail Lobukhin (Escamillo), Olga Marchenkova (Destino)
PETRUSHKA: Denis Savin (Petrushka), Ekaterina Krysanova (La Bailarina), Anton Savichev (El Moro), Vyacheslav Lopatin (El Mago)
Duración total aproximada 2:20 horas incluyendo previo e intermedio.
Para detalles de la próxima temporada visitar Bolshoi Ballet in Cinema

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Novena Sinfonía (Béjart)

Portada del disco de Novena Sinfonía. Se muestra con fines ilustrativos.

La Oda a la Alegría de Friedrich Schiller se publicó por primera vez en 1786. Ludwig van Beethoven le puso música estrenando en 1824 su Sinfonía n.º 9 en re menor, op. 125 “Coral” o popularmente conocida como Himno a la Alegría.

La obra consta de 4 movimientos, siendo el último el que incluye selecciones del poema de Schiller. Es una pieza muy conocida en todo el mundo que ha sido símbolo de libertad y hermandad.

En 1964 Maurice Béjart coreografío la obra completa bajo el título Novena Sinfonía, planeándola como un espectáculo para grandes escenarios como arenas. Originalmente se estrenó con el Ballet du XXe siècle que finaliza sus actividades en 1987. Posteriormente el coreógrafo crea el Béjart Ballet Lausanne. En el sitio de internet de esta compañía, en palabras de Béjart se menciona que la obra no tiene un concepto o tema, solo siguen al compositor del miedo a la alegría, de la sombra a la luz, participando en una obra maestra que pertenece a la humanidad, no solo tocado y cantado, sino también bailado como en las tragedias griegas y ritos religiosos de la antigüedad.

En 2014, 50 años después de su estreno y tras 3 años de preparación se vuelve a presentar en conjunto con el Tokyo Ballet en el NHK Hall de Tokyo, con la participación del coro Ritsuyukai y la Orquesta Filarmónica de Israel. EuroArts y NHK graban por primera vez esta obra, la cual está disponible en DVD, BluRay y streaming en medici.tv

Gil Roman, director del Béjart Ballet Lausanne se encarga de hacer el prólogo en el que narra fragmentos de El nacimiento de la tragedia de Nietzche acompañado de dos percusionistas.

Los 4 movimientos están muy bien logrados, los bailarines tienen soltura y mucha musicalidad, como en su tiempo lo dijo Béjart, parecen solo moverse siguiendo la música. Hay momentos en que se transmite melancolía, en otros alegría y en otros fuerza. Con gracia, soltura e impresionantes saltos se va llevando la obra.

En el cuarto movimiento, cuando interviene el coro y los solistas, se tienen más de 200 artistas en escena entre bailarines, cantantes y músicos. Llegado el momento cumbre de la obra, con el famoso coro, se tiene una imagen muy fuerte en la que todos los bailarines avanzan a paso firme con la mirada en alto tomados de la mano. Bailarines europeos, asiáticos y africanos, se tiene todo tipo de colores de piel, unido a la intensidad de la música la imagen es verdaderamente fuerte, un símbolo de hermandad. Verlo en televisión provoca un estremecimiento y dan ganas de llorar de la emoción. Verlo en vivo debe ser algo que no se puede describir.

La obra finaliza en medio de júbilo, todos los bailarines corriendo en círculos concéntricos, algunas tomas aéreas dan una perspectiva que en el teatro no tendríamos.

He visto la obra transmitida en televisión, en streaming en medici.tv y en BluRay, cada vez que la veo me estremece de la misma forma. Recomiendo más el BluRay pues la alta definición permite ver muchos más detalles de los bailarines: expresión, trabajo muscular, incluso sudor. Al ver estos detalles se siente más la intensidad con que están bailando para dar su mensaje. Oírlo en 5.1 es un extra.

Alegría […] Todos los hombres vuelven a ser hermanos donde su ala posa – Schiller

Para más información de la obra y el Béjart Ballet Lausanne https://www.bejart.ch/en/ballet/ixe-symphonie/
Duración: 88 minutos.
Disco con notas impresas en inglés, francés y alemán. Subtítulos del prólogo de Nietzche y del poema de Schiller en inglés, alemán, coreano y japonés. Audio PCM Stereo y DTS 5.1.
Producción EuroArts, NHK, WDR arte.
Grabado en 2014 y comercializado en 2015.

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