#magia, #video, documental, pelicula

Dealt

Poster y portada de Dealt. Se muestra con fines ilustrativos.

Ricahrd Turner se describe a sí mismo como un “card mechanic”, una traducción literal sería mecánico de cartas, en Dealt subtitulan el término como “tahúr”, la expresión se refiere a ser experto en el manejo de las cartas, en este caso enfocado a técnicas de trampas en juegos, por lo que “tahúr”, si bien considero no es un término que refleja completamente la idea, si es una palabra bastante aproximada en español. Considero que en español tahúr nos remite a una persona que usa su habilidad para sacar ventaja en los juegos y obtener ganancias. A Turner le interesan estas técnicas como demostración, no para sacar beneficios

Turner es ampliamente conocido en el mundo de la magia, participando en convenciones y espectáculos, sin embargo, él no se considera mago.

Dealt (repartir, haciendo referencia la baraja) es un documental de 2017 sobre la vida de Turner. En la cinta vemos su obsesión por las cartas: clósets llenos de ellas, práctica incesante día y noche, en todo momento naipes en las manos, incluso cuando hace ejercicio. Su hijo recibió el nombre de Asa Spades (suena muy parecido a As de Espadas) a quien le decoró si habitación con motivos de cartas.

Steve Forte, experto en protección de juegos, menciona que es común que un tahúr utilice una o dos técnicas, y no necesariamente de forma limpia. En sus palabras, Turner ha recorrido toda la lista dominando los movimientos.

Turner a temprana edad comenzó a perder la vista, quedando legalmente ciego en una adolescencia temprana. Sin embrago durante años se negó a aceptar el hecho, recibir un trato especial, sentirse limitado o que se hablara de “su condición”. Nunca ha aprendido Braille, frecuentemente se mueve como si pudiera ver, ocultando el hecho de que no. Lo normal cuando uno guía a una persona ciega es que el vidente vaya al frente, en Dealt vemos a Turner siempre tomar la delantera aún cuando es guiado por alguien. Su hijo Asa dice que tardó varios años en descubrir que su padre no veía.

Es experto en artes marciales, es cinta negra, vemos fotografías donde anda en cuerda floja y otras actividades que uno no pensaría para un ciego. Todo en un esfuerzo de demostrar que no estaba “discapacitado”. En videos de programas de televisión donde participó a lo largo de los años, vemos su semblante volverse sombrío cuando el presentador dice “no solo es un experto en cartas, también es ciego”.

Hacia el final del documental, en años recientes, Turner acepta su ceguera y convivir con ella. Sigue buscando hacer cosas por si mismo y no depender de otros, sin embargo, acepta que es una parte de él, y es lo que lo ha hecho la persona que es. En los últimos años se indica, presentó un espectáculo autobiográfico.

Se incluyen entrevistas con familiares y magos, algunas escenas de la vida cotidiana, visitas a museos y paseos donde le están describiendo las escenas y cuando es posible él toca las piezas. Se ven fragmentos de presentaciones y cómo es recibido en convenciones. Nominaciones a premios tanto no ganados como ganados.

Definitivamente es una vida de obsesión. Solo la obsesión puede llevarlo a practicar tanto y lograr la excelencia en sus áreas de interés. Por supuesto, llama más la atención el hecho de que pelee en artes marciales o controle cartas sin vista para ayudarlo. Es algo que no podemos dejar de lado. También podemos imaginar que en su lucha, también obsesiva, por demostrar que es autosuficiente, se ha metido de lleno en lo que se propone. Y si, es posible que de no haber perdido la vista estaría haciendo otras cosas y no por lo que es mundialmente conocido. Aunque no me cabe duda de que también lo habría hecho de forma obsesiva.

El documental ganó el premio de la Audiencia en el SXSW Film Festival 2017, en el cual debutó. Es una cinta bien lograda que transmite emociones y va llevando al espectador por todas ellas. Puede verse en servicios de streaming solo en Estados Unidos o en DVD, disponible solamente en región 1.

Dealt
Dirección: Luke Korem
Duración: 1:26 horas
Sundance Selects, Keep on Running Pictures, Ralph Smith Entertainement.

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#video, circo

41 Festival Mondial du Cirque de Demain

Año con año en París se lleva a cabo el Festival Mondial du Cirque de Demain. La última edición, la 41, se llevó a cabo en 2020. Debido a la pandemia ha habido una pausa y la próxima edición está anunciada para enero de 2022.

La función grabada el 1 de febrero de 2020 puede verse en arte.tv, existen restricciones geográficas, por lo que en algunos países es posible ver el espectáculo completo y en otros la función editada, quedando fuera algunos números que no recibieron premio y cortando otros. La presente reseña corresponde a la versión editada, la cual está disponible en streaming hasta el 22 de junio de 2021.

La función comienza con Johannes Holm y Martin Richard de Dinamarca y Francia quienes presentan un acto en el que uno de ellos se amarra de la cintura mientras sostiene al otro que se balancea, lanza y gira debajo de él. Parecido a un trapecio pero el balanceo lo da la persona que sostiene. El aparato se llama columpio coreano y es de los actos más premiados en el festival.

Benedikt Baumann de Hungría, continúa con un número de aro en el que mezcla danza, acrobacia, cinta aérea y contorsión. Hace pases muy precisos con el aro, lanzándolo y atrapándolo mientras hace alguna acrobacia. Uno de mis números favoritos.

Valeriia Davydenko de Ucrania muestra una rutina de contorsión parada de manos, haciendo nudos impresionantes con el cuerpo así como giros rápidos sobre las manos apoyada en los zancos que se utilizan en esta disciplina.

Guangdong Arts Troupe de China se llevan el Grand Prix con un número de cuerda floja impresionante. Me llama la atención que en la cuerda solo vemos a una persona a pesar de presentarse como Troupe, sin embargo las personas que están abajo en el escenario, aunque no participan activamente en la acrobacia tienen peso en el acto, sin olvidar a  los riggers fuera de escena.

Tom Lacoste de Francia hace una rutina cómica de diábolo. Movimientos muy interesantes que me parecen bastante originales, así como su presentación. Es de los actos que más disfruté. En un momento dado, por un error de continuidad, uno puede darse cuenta que el número fue editado en el video, lo cual me decepciona. Preferiría que no la hubieran cortado.

Francesca Hyde y Laura Strokes de Holanda y Alemania presentan suspensión capilar, número aéreo donde son sostenidas por el cabello. Delphine Cézard de Canadá hace mástil chino aéreo. Anna y Saleh, pareja iraní-ruso-mexicana-alemana participan con cargadas acrobáticas o mano a mano, haciendo posturas poco vistas en este tipo de actos. Kateryna Nikiforova lleva malabares. Célien y Nicolas de Francia, trapecios individuales con un estilo gótico. Ludivine Furmon y Nicolas Besnard de Francia, un ballet acrobático. Théo y Lucas Enriquez  de Francia, juegos icarios sin ayuda de soportes o sillones que es lo tradicional. Holland y Sara de Estados Unidos, número aéreo en cuerda. Compagnie Lapsus de Francia participan con un número muy raro mezcla de performance, uniciclo y sobre todo saltos donde se hacen torres humanas.

Como es tradición Calixte de Nigremont es el maestro de ceremonias. Los participantes como de costumbre, suelen llevar números de gran calidad, lo que no evita que el espectador disfrute más unos que otros. En mi caso me gustaron en particular Benedikt Baumann y Tom Lacoste. Como decía, el pero que le veo al video es la edición. Dejar fuera algunos números que están en la grabación original (pude localizar uno de ellos y francamente no me gustó) y sobre todo detectar que el número de Lacoste haya sido editado.

41 Festival Modial du Cirque de Demain
Duración aproximada 1:26 horas
Año: 2020

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#danza, #video, circo, contemporaneo, pelicula

Sept moments de joie

Siete momentos de algería

Cirque Éloize, compañía de circo con sede en Montreal, ha realizado una nueva producción durante la pandemia. La misma es una película para mostrarse por medio de streaming. Se trata del espectáculo Sept moments de joie (siete momentos de alegría), que une a 7 coreógrafos haciendo igual número de obras que mezclan danza con artes circenses.

La realización corre a cargo de Lilli Marcotte y la puesta en escena es de Benoit Landry. Las obras son:

Fine Ligne, de Virginie Brunelle. Danza contemporánea y danza en bungee. Cuenta con 3 bailarines y un cuarteto de cuerdas interpretando música de Philip Glass. Se explota muy bien el espacio haciendo que por momentos los bailarines y la cámara se muevan entre los músicos.

Slick, de Christian Garmatter. Con la famosa música Sing, sing, sing de Louis Prima en versión de Benny Goodman, es una mezcla de swing, break, pole dance y malabares. El resultado es una obra con mucho frenesí que fácilmente nos traslada a los salones de principios de siglo XX. La iluminación complementa muy bien la escenografía, incluso se producen reflejos en las ventanas que hacen pensar en la existencia de anuncios luminosos en el exterior. Los encuadres no me gustaron del todo, hay acercamientos que dificultan apreciar partes de la obra. En particular me llama mucho la atención el malabarista, sobre todo un movimiento en el que las pelotas pasan describiendo un círculo de atrás hacia adelante.

Ravissement 42 45 de Claudia Chan Tak presenta una especie de desfile de modas con telas de animales y posteriormente algo que parece una batalla de una pareja sobre mástil chino.

Souffle de Axelle Munezero une danza contemporánea con aros hula. Las mariposas son un tema recurrente. Son parte del vestuario y hay movimientos de brazos que remiten a un aleteo desesperado. El vestuario de la solista es un vestido muy elaborado y en el cabello chino lleva varias mariposas, algo que requirió mucho trabajo de realizar.

Yalapasicik de Ivanie Aubin-Malo. Coreógrafa perteneciente a la nación Malecite de Cacouna, en Quebec, sus obras se enfocan en dar presencia a los grupos originales de Canadá. Yalapasicik involucra pasos de la tribu Pow Wow y mezcla contorsionismo. El vestuario y la escenografía remiten a la indumentaria tradicional. Con música de Kìzis con quien Aubin-Malo ha trabajado antes, la obra logra una atmósfera ritual, incluso alucinógena. La música se siente entre tradicional y electrónica, lo que logra un ritmo hipnótico que ayuda con la sensación alucinada.

Ojas de Edgar Zendejas une danza contemporánea con acrobacia aérea y música en vivo: un guitarrista y cantante español. La voz no es de mi agrado.

Furie de Manuel Roque termina el programa. Une danza y acrobacia. Aprovecha totalmente el espacio del estudio del Cirque Éloize donde se realizó la grabación. La solista se mueve por varios salones. Se utiliza muy bien la iluminación natural y los grandes ventanales del edificio. Es una grabación que se presenta en cámara lenta dando un toque muy especial al frenesí mostrado por la intérprete. Es la única obra en la que en realidad veo alegría. Al final observamos a la bailarina abrir la puerta del estudio y salir a la calle. Acaso el fin de la cuarentena.

La película en general me parece muy buena. Un gran esfuerzo que Cirque Éloize hace en estos momentos para seguir produciendo material. Las obras llevan una breve introducción de los coreógrafos (en francés) y en general se expresa el gusto de estar trabajando juntos. Se pueden ver imágenes de ensayos con cubrebocas. No hay duda, ésta es una creación durante la pandemia.

Se hizo muy buen uso de la cámara dando planos muy interesantes que no se lograrían con público en vivo. Se propusieron hacer un film y se logró, dando escenas en las que la cámara recorre 360 grados y no se ve nada del equipo de producción. El tema es 7 momentos de alegría aunque solo veo alegría en la obra Furie.

Fine Ligne, Slick, Yalapasicik y Furie son las obras que más me gustaron.

El streaming está disponible hasta el 6 de enero en la página de Cirque Éloize. Tiene un precio de 15 dólares canadienses y un boleto es válido por 48 horas a partir del primer acceso. Todos los ingresos se donarán a la Fundación Éloize para contribuir al desarrollo de las artes escénicas.

Sept moments de joie
Cirque Éloize
Realización: Lilli Marcotte
Puesta en escena:Benoit Landry
Coreógrafos: Virginie Brunelle, Christian Garmatter, Claudia Chan Tak, Axelle Munezero, Ivanie Aubin-Malo, Edgar Zendejas y Manuel Roque
Duración aproximada: 1:20 horas

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#video, circo

Séquence 8

Séquence 8. Imagen con fines ilustrativos.

En 2012 la compañía Les 7 doigts de la main creó el espectáculo Séquence 8, que visitó 15 países, contando con más de 400 representaciones. El mismo concluyó en abril de 2015 en Nueva York. Como parte del Freedom Festival Arts Trust (Reino Unido) que este 2020 fue en línea del 4 al 6 de septiembre, se presentó de manera gratuita durante 72 horas una grabación de dicho espectáculo.

Séquence 8 cuenta con 8 acróbatas en escena, no creo que sea coincidencia. Presentan números con movimientos muy fluidos, al igual que otros de sus montajes, por ejemplo Cuisine et confessions, gran parte del espectáculo parece una danza acrobática. Todo fluye y se mueve bailando.

Es de especial interés lo que hacen en el mástil chino: imágenes estáticas que cambian tras breves oscuros. El artista que estaba sobre el mástil ahora esta abajo y quien observaba desde abajo de pronto está arriba. En otro momento hacen un concurso de preguntas con el público. Cada vez que el público contesta correctamente (siempre) hacen algo con mayor dificultad en el mástil.

La barra rusa también me llama la atención. Se trata de una barra horizontal sostenida sobre los hombros de dos personas. Sobre ella una mujer salta y hace giros gimnásticos, cayendo siempre sobre la barra. Algo que no recuerdo haber visto antes es la manera en que cae en relevé (de puntitas) en perfecto equilibrio mientras las barra se estabiliza con el peso del salto.

Algo muy interesante es el número de trampolín (tipo sube y baja utilizado para hacer saltos) Yo vi un conflicto entre los ejecutantes, una pelea. Otros artistas susurran al oído de los dos que saltan y regresan al trampolín a saltar. Parece que los están azuzando. Los saltos se hacen cada vez más complicados, pero hacia el final hay un equilibrio. Logran equilibrar el trampolín. Frecuentemente tienen movimientos que me llaman la atención pretendiendo equilibrarse sobre la tabla. Un momento después hablan sobre la creación del número y comienzan a discutir. Dicen que habían acordado hacer movimientos de surf (que son los que veía buscando el equilibrio) y no logran ponerse de acuerdo si el susurro es la presión de la sociedad o un fantasma que les habla. Ya se habían puesto previamente de acuerdo pero ahora cada quien quiere interpretar su propia versión. Es un acercamiento que me parece muy interesante. Es el único número que me mantuvo literalmente al filo del asiento no solo apreciando la acrobacia sino descubriendo un significado, que poco después descubro que puede tener otro significado … o no. Y que fue intencionalmente hecho de esta forma.

Entre las palabras que dicen que me gustan está lo siguiente, dicho al iniciar Séquence 8: “Estuve ensayando esto a solas, pero faltaba algo: ustedes […] Estamos conectados porque están aquí por mi y estoy aquí por ustedes. Todo sucede aquí solo para ustedes” Hoy en día con los espectáculos sucediendo en línea o en algunos casos con poco público, ésto cobra un nuevo significado.

Otros textos, mencionados durante la discusión creativa del trampolín, son: “Hablar de temas más grandes que nosotros, temas que llevan a acciones, temas que le digan algo al público […] Esto es un poco de nosotros para ustedes” Lo cual me parece algo importante en las artes escénicas. Se puede hacer algo para mostrar que se puede hacer, mostrar virtuosismo, o se puede hacer algo para decirle algo al público. Creo que no hay bueno ni malo, los dos caminos son válidos, pero prefiero el segundo.

El video estuvo disponible entre el 6 y el 8 de septiembre.

Séquence 8
7 doigts de la main
Ejecutantes: Eric Bates, Ugo Dario, Colin Davis, Devin Henderson, Alexandra Royer, Maxim Laurin, Camille Legris, Tristan Nielsen
Dirección: Shana Carroll y Sébastien Soldevila
Duración aproximada: 80 minutos.

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#danza, #video, Ballet

Cinderella in-the-round

Cartel de Cinderella in the round. Se muestra con fines ilustrativos.

La “mayor producción a la fecha” del English National Ballet (como se indica en su página de internet) es Cinderella in-the round, que se traduciría algo así como Cenicienta en el ruedo. Se trata de una puesta en escena del ballet con música de Prokofiev, adaptato al Royal Albert Hall, una inmensa sala de conciertos que su parte baja puede utilizarse como un escenario ovalado.

Esta versión de Cenicienta se adapta a este “ruedo” y los retos de tener público en semicírculo como si se tratara de una pista circense.

La obra cambia cosas de la versión más conocida del ballet, así como algunos detalles de la historia y utiliza recursos modernos como efectos de iluminación y proyecciones de video a modo de escenografía. Algunos elementos de escenografía rodante complementan los efectos.

El inicio muestra a Cenicienta y sus padres como una familia feliz hasta que su madre es arrebatada por la muerte. Personas con unitardos negros que cubren la cabeza hacen “volar” a la mamá y con varillas hacen que un velo en su ropa ondee. El efecto pretendido acaso es el de Teatro Negro donde gente vestida de negro mueve las cosas. Un detalle: eso funciona cuando el fondo es negro y hay poca iluminación y el operador no es visto. Francamente resulta absurdo tener gente con trajes especiales negros si la iluminación es azul.

Posteriormente en el palacio el Príncipe juega con otro niño, a mi parecer su hermano, pero recibe créditos como amigo. El tiempo pasa, ya adultos le entregan al príncipe un altero de papeles que interpreto como su tarea, resulta que son las invitaciones para el baile donde elegirá pareja. El príncipe en persona va junto a su amigo a entregarlas, el príncipe se hace pasar por un pordiosero que recibe comida de Cenicienta (normalmente la pordiosera es el hada madrina) y el amigo se disfraza del príncipe. Veo huecos en este argumento.

Cenicienta lánguidamente atiende a su familia, en una ensoñación baila con cuatro personajes que frecuentemente la acompañan invisibles a todos los personajes ¿un sueño, el destino, los ratones del cuento? Al irse la madrastra y las hermanastras a la fiesta, se llena el escenario con bailarines multicolores acompañados por los 4 personajes que con accesorios arman la carroza.

En la fiesta se da el encuentro entre el príncipe y Cenicienta y otro entre una hermanastra y el amigo. El conocido final sigue: Cenicienta pierde la zapatilla y van a buscarla. Otra parte confusa en el argumento: Cenicienta está en su casa bailando con otro par de zapatillas exactamente iguales a la que perdió. Cuando el príncipe pide probarle el zapato, la madrastra lo arroja a la chimenea. Cenicienta saca el compañero de la pieza quemada y esa es la prueba de que es la muchacha del baile. Ya que la zapatilla es idéntica a las que traen todas las bailarinas, el zapato que presenta puede ser cualquier zapato. No prueba nada. Se está apostando a que el público conoce la historia y acepta que se ha probado que es ella.

Las cuatro sombras reciben el crédito de “destinos”. A mi me parecen más un pretexto para que Cenicienta tenga partenaires mientras no baila con el príncipe.

No me gustó la versión, me resultó tediosa. Le puse más atención al romance secundario: la hermanastra y el amigo quienes también se comprometen. No estoy muy familiarizado con el ballet, solo lo había visto antes con la Compañía Nacional de Danza y me pareció una obra ligera para verse (aunque creo que abreviada) La presente obra con el English National Ballet me resulta oscura y me llaman más las proyecciones de video. El tratar de hacer una super producción moderna con efectos de video quita mucho la atención de lo que debería ser lo importante que es la danza.

El video fue grabado el 5 de junio de 2019 y estuvo disponible un par de días en el canal de YouTube de la compañía, como parte del ciclo English National Ballet at Home.

Cinerella in-the-round
English National Ballet
Coreografía: Christopher Wheeldon
Elenco: Alina Cojocaru, Isaac Hernández, Khaniu Kova, Jeffrey Cirio, entre otros.
Duración aproximada 1:55 horas

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#video, circo

Cuisine et Confessions

Cuisine & Confessions. Imagen mostrada con fines ilustrativos.

En 2014 la compañía circense con sede en Montreal, Les 7 doigts de la main grabó el espectáculo Cuisine & Confessions. La compañía indica que como individuos estamos hechos de ingredientes, una receta única de memorias de sangre. Nuestras vidas giran frecuentemente en torno a la cocina, es ahí donde nos reunimos, realizamos recetas familiares, nos sentamos a contarnos secretos mientras tomamos un café. Nuestros recuerdos también suelen remontarse a cuando éramos niños y algún familiar cocinaba algo que solo a él le sale de esa forma. Ciertos olores y sabores vienen a nuestras mentes, incluso lugares.

Con esta idea surge el espectáculo, que como su nombre lo indica, es sobre la cocina y las confesiones. Los acróbatas hacen sus números circenses, cocinan pasta y panqué de plátano mientras nos cuentas algunas cosas reales de su vida.

Los 7 dedos nos dan la bienvenida a su cocina con un número de volteretas tan fluidas que yo diría es una danza. Nos comparten los ingredientes para un omelette perfecto: huevos, cebolla, pimientos y amor, preparando uno en escena para una invitada del público, mientras realizan malabares con los utensilios de cocina.

Hay un número de salto de “marcos”, normalmente este tipo de acrobacia se hace saltando aros circulares, en esta caso son marcos cuadrados. Un número aéreo de telas. Una impresionante rutina de diábolo utilizando un aro de cuerda, nunca había visto algo así. Hay también una secuencia donde una acróbata cuenta su historia como gimnasta, momento en que solo comía brócoli crudo. La historia la cuenta con una mezcla de danza y movimientos de gimnasia. A pesar de sentirse como una parodia, la calidad de los movimientos es de admirarse.

Uno de los momentos más emotivos es cuando uno de los artistas cuenta la historia de su padre desaparecido por las milicia argentina. Para ilustrarla hace mástil chino. Uno de esos momentos raros en el circo donde no hay música, solo silencio y el ruido que se produce al subir el mástil o tocar el piso, las interjecciones del ejecutante y alguna risa nerviosa del público, un tosido y los “ooooh” de los espectadores.

El último número es una especie de juegos icarios al ritmo de una versión cantada del Bolero de Ravel . Hay momentos donde se ve gente alrededor de la mesa, la cual es una imagen tradicional de dicha pieza en el mundo de la danza.

Al finalizar invitan panqué de plátano a los espectadores. Toda la comida que hemos visto ha sido preparada durante la función.

Es muy buen espectáculo, la música ilustra bien los estados de ánimo que muestra cada uno de los números. La escenografía está integrada a las acrobacias, realmente vemos una cocina donde los artilugios comunes se usarán para las acrobacias. Lo único raro es el tubo (mástil chino) que está por un lado.

La grabación fue realizada en el TOHU de Montreal, un espacio dedicado al circo. El video está disponible solo hasta el 12 de julio. Para recibir el enlace para verlo es necesario suscribirse al boletín gratuito de noticias de la compañía. Puede realizarse en su página web o sus redes sociales.

Cuisine & Confessions
Les 7 doigts de la main
Dirección: Shana Carroll y Sébastien Soldevila
Elenco: Matias Plaul, Émile Pineault, Mishannock Bruno Ferrero, Anna Kichtchenko, Gabriella Parigi, Pablo Pramparo, Melvin Diggs, Sidney Iking Bateman
Duración aproximada:1:24 horas

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#danza, #video, contemporaneo

Anne Teresa De Keersmaeker en la Ópera Nacional de París

Imagen mostrada con fines ilustrativos.

En 2015 el Ballet de la Ópera de París incluyó en su repertorio el programa Anne Teresa De Keersmaeker à l’Opéra national de París con tres obras de dicha coreógrafa belga. Debido al cierre del Palais Garnier por la pandemia de COVID-19, el video realizado por ARTE France está disponible en streaming hasta el 5 de julio en la página de Octave Magazine de la misma Ópera de París.

El programa consiste en Quatuor No. 4 con música de Béla Bartók, La grande fugue con música de Beethoven y La nuit transfigurée de Schönberg.

En Quatuor No. 4 hay en el escenario un cuarteto de cuerdas y cuatro muchachas bailando, en momentos parecen hacer juegos juveniles como pararse de manos o levantarse la falda. Frecuentemente ejecutan saltos donde golpean los talones produciendo sonido perfectamente audible y bastante sincronizado. El tipo de salto también remite a ambiente juvenil. Los relevés son muy buenos y altos, pueden apreciarse muy bien a pesar de calzar botines. Me llama particularmente la atención las sonrisas y miradas cómplices entre las bailarinas, algo que no se ve mucho en los escenarios.

La grande fugue es la obra que mas me gustó, también es la mas corta del programa. No encuentro un argumento, simplemente me gustó. Los movimientos, al igual que en Quatuor No. 4, son repetitivos, se trata de un par de secuencias ejecutadas varias veces, a veces en grupos, a veces individual, en ocasiones en canon. El movimiento es muy fluido con trabajo de caídas y rodadas. La música, ejecutada por un cuarteto en el escenario, da un tono animado.

El programa cierra con La nuit transfigurée. Es la obra que menos me gustó. La Ópera de París indica que “es la evocación casi narrativa de una pareja transfigurada por el don del amor” Yo veo una pareja en el bosque, poco a poco hay más parejas. En algún momento perdí el hilo de la historia y de los personajes, vi varias parejas pero no noté que fuera la misma transfigurándose. Se nota que hay una historia, sin embargo me pareció bastante abstracta y nada clara.

De esta manera la Ópera de París incluye a su repertorio parte del trabajo de Keersmaeker, una de las más reconocidas coreógrafas de Bélgica en danza contemporánea y fundadora y directora artística de la compañía Rosas. Las obras presentadas fueron creadas entre 1986 y 1995.

Anne Teresa de Keersmaeker à l’Opéra national de París
Coreografía: Anne Teresa de Keersmaeker
Música: Béla Bartók, Beethoven, Schönberg
Duración aproximada: 1:30 horas

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#danza, #video, Ballet, contemporaneo

Kyôdaï

Presentación de Kyôdaï. Imagen mostrada con fines ilustrativos.

En 2014 Gil Román, al frente del Bejart Ballet Lausanne estrenó su obra Kyôdaï – los dos hermanos, inspirado en la historia corta La Intrusa de Jorge Luis Borges. De alguna forma la historia fue evolucionando hacia un marco japonés.

Kyôdaï es una palabra que remite al “hermano menor”. En la obra vemos una especie de narrador, tal vez el destino (Gabriel Arenas Ruiz) que sale al principio y al final de la obra, con un movimiento de brazos llenos de plasticidad, una desarticulación que la da mucha expresión.

Están dos hermanos acostados en una plataforma mientras tres mujeres bailan, una de ellas toma papel central en la obra. Por turnos comenzará a bailar con uno y otro hermano. Poco a poco se comienza a ver una rivalidad entre los hermanos por conseguir la atención de la muchacha. La rivalidad va creciendo teniendo un final trágico para ella y una reconciliación entre ellos, concluyendo con imágenes donde parecen recordar con gracia todo lo que sucedió. Lo pasado pasado.

La música de Erik Satie, Maurice Ravel, Yoshida Brothers y Edith Piaf me parecen muy interesantes, sobre todo la de los hermanos Yoshida de los que nunca había oído nada.

El movimiento de los bailarines es muy bueno, hay momentos donde es movimiento cortado, atacado, y momentos donde es muy fluido. Con ambos estilos la calidad es muy precisa.

El vídeo estuvo disponible del 14 al 17 de mayo en la página del Bejart Ballet Lausanne como parte del ciclo BBL at Home durante el cese de actividades por el COVID-19. Fue grabado el 20, 21 y 22 de mayo de 2014 en el Teatro Beaulieu en Lausanne. Para conocer la programación de otras obras en streaming consultar la página del BBL.

Kyôdaï (Les deux Frères)
Coreografía: Gil Román
Música: Erik Satie, Maurice Ravel, Yoshida Brothers y Edith Piaf
Baialrines: Gabriel Arenas Ruiz, Lisa Cano, Keisuke Nasuno, Masayoshi Onuki, Jasmine Cammarota, Chiara Paperini
Duración aproximada: 29 minutos

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Einstein on the beach

En 1976 Phillip Glass y Robert Wilson estrenaron en el Festival de Avignon la ópera Einstein on the beach, la cual dura aproximadamente 5 horas sin intermedios y el público puede salir y entrar de la sala según lo necesite.

En 2019 una nueva producción de la obra se hizo en conjunto entre el Grand Théâtre de Genève y la Compagnia Finzi Pasca, con una duración de 4 horas. La ópera estuvo disponible en streaming en el sitio del teatro del 14 al 19 de abril de 2020.

En el programa de mano, que también estuvo disponible en el sitio, el compositor Phillip Glass indica que buscó “la integración de la música rítmica, armónica y cíclica en un sistema coherente” y agrega que transmite “La idea de una energía que no se puede parar”.

La música a mi gusto es disonante. El coro canta números y nombres de notas musicales. Escuchar cantar la-re-la-re-la-re por 4 horas no es lo que prefiero para un espectáculo. La música me recordó la de John Cage. Se utilizan diferentes calificativos para describirlos pero frecuentemente para ambos se usa “minimalista” y “experimental”.

Los integrantes de la Compagnia Finzi Pasca, que son quienes están en escena, tienen esporádicamente textos inconexos entre ellos. No se siente un argumento. Daniele Finzi Pazca indica que es una obra surrealista y ha plasmado sus sueños. Es una excelente descripción. Bastante surrealista, y como los sueños, no parece tener sentido una escena con la siguiente.

Visualmente hay gente moviendo libros en la oficina de Eisntein, personas jugando en la playa, sirenas flotando en el aire, bicicletas volando, un caballo entre la niebla, espejos, muchas lámparas, juegos de sombras. Por momentos los números me recuerdan a Donka, incluso un vestuario y las referencias a los zapatos de ese vestuario son muy claros de dicha obra.

Precisamente las cosas que no me gustaron son por las que Einstein on the beach es reconocida. Se menciona esta obra como una muestra de lo que cambiante que es la ópera, marca nuevos rumbos. El hecho de no tener un argumento como tal y mostrar “la historia” en la parte visual y no en la letra. Como decía, la letra cantada son números y nombres de notas musicales. Hace referencia a las matemáticas y “esa energía que no puede parar” nos remite a la física de Eisntein.

De vanguardia hace 40 años sigue siendo algo extraño para verse. No es para mí.

Einstein on the beach
Ópera de Phillip Glass y Robert Wilson
Einstein-Ensemble: Orquesta y Coro compuesto por alumnos de la Alta Escuela de Música de Genève
Dirección Musical: Titus Engel
En escena: Compagnia Finzi Pasca
Dirección Escénica: Daniele Finzi Pasca
Duración aproximada: 4:00 horas sin intermedio.

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#danza, #video, Ballet

Marco Spada

Portada del disco de Marco Spada. Se muestra con fines ilustrativos.

Marco Spada o La Hija del Bandido es una obra estrenada originalmente como ópera en 1852 y como ballet en 1857, con música de Daniel François-Esprit Auber, libreto de Eugène Scribe y coreografía de Joseph Mazilier. Pierre Lacotte creó su propia coreografía en 1981 y una nueva versión en 2013 para el Ballet Bolshoi.

Durante varios años el Bolshoi junto con Pathé Live han transmitido ballets en salas de cine alrededor del mundo. Este video fue parte de dicha cartelera por allá del 2013-2014. Actualmente se consigue en DVD y Blu-Ray y se incluye en el ciclo de obras que el Teatro Bolshoi presentará durante un par de semanas de forma gratuita en YouTube durante la cuarentena por el COVID-19.

En el primer acto el Príncipe Frederici está comprometido con la Marquesa Sampietri, mientras que el Conde Pepinelle también está enamorado de ella. Marco Spada aprovecha los festejos en la plaza para robar a la gente. Posteriormente pos azares del destino, buscando refugio, el gobernador con su séquito llegan a la casa de Marco Spada, donde el Príncipe Frederici conoce a Ángela, la hija de Marco, y queda prendado de ella. El Conde Pepinelle alerta que ha visto bandidos entrar a la casa (la banda de Marco Spada)

Durante el segundo acto se desarrolla un elegante baile en casa del gobernador al que es invitado Marco con Ángela. Frederici se declara a Ángela pero lo rechaza y se va con su padre, quien es reconocido por una de sus víctimas. Frederici confirma que se casará con Sampietri. Pepinelle desconsolado busca a la Marquesa para pedir que se case con él y no con Frederici. Llega la banda de Marco Spada y los secuestra.

En el tercer acto, Marco obliga a un sacerdote a casar a Pepinelle y Sampietri. Llega el regimiento, se reencuentran Ángela y Frederici, se oye un disparo, Marco Spada está herido, consiente la boda de su hija con Frederici y muere.

Se trata de un ballet muy vistoso. Los pasos realizados con gran precisión, muchas veces a velocidades rápidas, lo hacen una obra difícil de bailar, que era uno de los comentarios que se hacían en las entrevistas cuando se proyectó en el cine. Saltos, giros, combinaciones impresionantes.

La escenografía es espléndida: pinturas con efectos tridimensionales que lo mismo nos llevan a un gran palacio que a una cueva.

Tuve un problema con la trama: Todo el tiempo entendí que Ángela era pretendida tanto por el Príncipe Frederici como por Marco Spada y que había elegido a Marco después de rechazar a Frederici. Incluso en la guarida del tercer acto entendí en la pantomima: “¿por qué lloras?” “Porque allá dijiste que me amabas y acá no nos hemos casado” “Juro que nos casaremos” Posteriormente al investigar más para la reseña encontré que en realidad eran padre e hija, por lo que la conversación ha de haber sido: “¿por qué lloras?” “Porque a quien amo está allá, yo acá y no nos casaremos” “Juro que se casarán”.

La obra me parece muy buena y no es tan conocida. El cuerpo de baile con movimientos muy precisos. Todas las variaciones tienen aspectos interesantes, resaltan las variaciones de Marco Spada que David Hallberg realiza con gran fluidez. La interpretación de Evgenia Obraztsova me gustó mucho con su cálida sonrisa. El baile del segundo acto aporta poco a la historia pero es particularmente bonito.

El Teatro Bolshoi ofrecerá este martes 7 Boris Godunov y el viernes 10 Cascanueces. Para verlos y más información consultar en YouTube Bolshoi Theatre

Marco Spada
Música: Daniel-François-Esprit Auber
Libreto Original: Eugène Scribe
Coreografía: Pierre Lacotte
Marco Spada: David Hallberg
Ángela: Evgenia Obraztsova
Marquesa Sampietri: Olga Smirnova
Príncipe Frederici: Semion Chudin
Conde Pepinelle: Igor Tsvirko
Producción: Teatro Bolshoi, Bel Aor Media, Mezzo, Pathé Live
Video: 2014. Duración aproximada 2:05 horas

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