#teatro

La Leyenda de Robin Hood

Detalle del póster de «La Leyenda de Robin Hood» Se muestra con fines ilustrativos.

En marzo del 2020 fue la última reseña que publiqué de una función en vivo. Debido a la pandemia las reseñas se han enfocado más a libros, videos y películas. En esta ocasión, casi dos año y medio después, va la primer reseña de un evento en vivo.

Como parte de la Temporada Académica 2022 de la Escuela Nacional de Arte Teatral, se presenta La Leyenda de Robin Hood, examen de tercer año, grupo 1, de las carreras de Licenciatura en Actuación y Licenciatura en Escenografía. Por primera vez en lo que tengo conocimiento, la puesta en escena se realiza fuera de los espacios de la ENAT y se trasladan a la Plaza de las Artes del mismo Centro Nacional de las Artes.

Me parece muy atinado que se realice al aire libre y sobre todo que se aproveche muy bien el espacio. Comienzan con una procesión donde adentran al espectador al mundo medieval de Robin de Locksley al ritmo del tradicional Saltarello. A lo largo de la obra, el espectador tendrá que mover su asiento para utilizar cuatro frentes diferentes. Este uso de espacio no convencional me gustó mucho, ya que se crean ambientes bien delimitados donde se aprovecha además la arquitectura. Comenzando en una plaza, la procesión avanza flanqueado por columnas hasta su asiento, donde verá al palacio por un lado, el bosque de Sherwood por otro y dos diferentes plazas en otras zonas. La profundidad que crea la escalera de la Biblioteca de las Artes es impresionante y se utiliza muy bien.

Partiendo de la contienda entre si es mejor el trovador de la corte o el juglar callejero, se narra en tono fársico la historia de Robin Hood, llena de personajes ridículos. Vale la pena ver con cuidado el vestuario para no perderse los detalles tan cómicos que incluye.

A lo largo de la historia se intercalan canciones conocidas con la letra modificada en mayor o menor medida para adaptarse a la historia. El acompañamiento musical es en vivo. En ciertos momentos se llega a perder un poco la voz en el espacio abierto y con el ruido ambiental, sin embargo, los coros y canciones grupales resuenan con gran potencia. Sobre el ruido ambiental se aprovechan bien pasos de helicópteros para hacer algún chiste o incluso un cohete que sonó en los alrededores en el momento adecuado quedó perfectamente incluido en la historia.

Las generaciones actuales no la han tenido fácil pues una parte de su carrera fue en línea. Los gremios artísticos y escénicos han sido de los más golpeados. Afortunadamente este grupo ha seguido adelante y con entusiasmo presenta un montaje bien preparado y buenas actuaciones. En particular me gustaron los coros, la música en vivo y la forma en que se utilizó el espacio. Como pensamiento final, la obra está ambientada en una plaza donde nos cuentan la leyenda de Robin. Al estar verdaderamente en un espacio abierto (aunque delimitado y sin acceso tardío) existen ruidos y distractores. Los actores están utilizando a su favor estas distracciones, que es lo que sucedería en un espectáculo real en una plaza, por lo que están adquiriendo tablas en un área que no tendrían en un foro convencional.

El programa de mano debe ser accesible por medio de código QR ¿modernidad o efecto de la pandemia? Sin embargo el enlace no funciona correctamente, por lo que desafortunadamente no podré dar los créditos completos. La temporada finaliza este domingo 13 de agosto. Entrada libre con boleto de control, los boletos se entregan en el pasillo frente a Casa Serra. Aforo 70 personas, uso obligatorio de cubrebocas, se recomienda llegar con anticipación. Para toda la familia. Muy recomendable.

La Leyenda de Robin Hood.
Alumnos de 3-1 de las Licenciaturas de Actuación y Escenografía.
Autores: Mauricio Kartun y Tito Loréfice.
Dirección: Ricardo Ramírez Carnero.
Plaza de las Artes, Centro Nacional de las Artes.
Sábados y domingos 11:00 y 15:00 horas.
Hasta el 14 de agosto.
Duración aproximada: 90 minutos.

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#magia, #teatro

Gala des Gagnants

Gala de Ganadores, Festival de Magia de Quebec y FISM NACM. Se muestra con fines ilustrativos

En la reseña anterior comenté la gala de magia en el marco del Festival de Magia de Quebec y el Campeonato de Magia de Norteamérica rumbo al mundial de magia en 2022. En esta ocasión la reseña corresponde a la Gala de Ganadores del mismo campeonato, realizada el domingo 3 de octubre en el Palais Montcalm en Quebec y transmitida vía web.

La función estuvo conducida por Shawn Farquar y Fredo le Magicien que traducía buena parte al francés. Se comentó que hubo 25 participantes en dos categorías generales: escenario y close-up. La gala estuvo conformada por 6 participantes, 3 de cada rubro. Fueron los mejores puntajes y durante la función compitieron por los premios.

En magia de cerca compitieron Yannick Lacroix, Erik Tait y Simon Coronel.

Lacroix presentó una rutina donde un salero, la mala suerte que trae la sal, un anillo y una cadena van teniendo situaciones cada vez más enredadas, viajando los elementos a lugares no imaginados. Ganó People’s Chioce y Campeonato Canadiense.

Erik Tait realizó una rutina bastante interesante del three-card monte o encuentra la dama, el juego donde hay dos cartas del mismo valor y una diferente, y tras mezclar hay que localizar la que es distinta, previa apuesta. Su rutina se va desarrollando en varias etapas cada vez más imposibles. Mi favorito a pesar de un pequeño error que adelantó parte del final de una de las etapas. Mi voto en esta categoría fue para él.

Simon Coronel realizó un cambio de valor de billete y una carta rota y recompuesta. La manera en que se recompone es sumamente visual. Ganador del Campeonato de Norteamérica.

En escenario los competidores fueron Nicolas Dutel, Elliott Hunter y Stuart MacDonald

Nicolas Dutel presentó una hermosa rutina que nos remite a la infancia. La historia y la magia van sucediendo al rededor de juguetes, sobre todo un rompecabezas. El concepto es principalmente el rompecabezas. En sus manos van apareciendo piezas, en ocasiones cambiando de color. Una aplicación diferente a la manipulación de cartas. Es el que más me gustó y recibió mi voto. Se llevó el premio de Canadá.

Elliot Hunter hizo magia más tradicional: manipulación de cartas y bastones. Una rutina muy limpia con elementos clásicos.

Stuart MacDonald presentó con comedia un personaje atormentado en una casa embrujada. Un libro que cambia las páginas solo, murciélagos y varitas que aparecen y desaparecen y un espejo que puede replicar mágicamente lo que hay frente a él, tanto para aparecer como para desaparecer cosas. Ganó el Campeonato de Norteamérica y el Premio del Público.

Al finalizar la función, por medio de un enlace web el público pudo emitir su voto, tanto los que estaban en la sala como los que veíamos desde casa. Fue un toque especial que se permitiera la participación también de la audiencia virtual.

Los 6 participantes calificaron para el mundial en 2022. Así mismo Shane Cobalt, Shoot Ogawa y Ed Ripley tienen el pase en close up. En escenario solamente los 3 ya mencionados.

Un gran esfuerzo realizado con la pandemia obstaculizando eventos en vivo. La eliminatoria de Norteamérica se retrasó un año. Poco a poco va tomando forma para el mundial para próximo julio. Una gran función con duración aproximada de una hora 20 minutos.

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#magia, #teatro

Grand Gala de Magie

Póster de la Gala de Magia del Festival de Magie de Quebec. Se muestra con fines ilustrativos.

Cada 3 años la Federación Internacional de Sociedades de Magia (FISM, cuyo nombre original es en francés y las siglas quedan en el mismo orden) organiza el campeonato mundial de magia. Existen eliminatorias regionales para ganar el derecho de competir en el mundial. Debido a la pandemia el Mundial que debía realizarse en verano de 2021 se recorrió a 2022 y la eliminatoria de Norteamérica se realizó del 30 de septiembre al 3 de octubre de 2021, en el marco del Festival de Magia de Quebec, que inició unos días antes.

Como parte de las actividades, en el Palais Montcalm se tuvo un gala de magia la noche del 2 de octubre, la cual pudo verse en el teatro y en transmisión simultanea vía web. La presente reseña es sobre la emisión en línea.

La función duró aproximadamente 2 horas. Abriendo Juliana Chen presentó el acto con el que ganó el mundial en 1997. Un número con máscaras y manipulación de cartas que sigue siendo impresionante de ver.

Luc Langevin contó con varias participaciones a lo largo del programa, tanto en escenario como con magia de cerca.

Aaron Crow, con dos participaciones realizó sus conocidos números de ruleta rusa con cuchillo y tiro con arco al estilo de Guillermo Tell, con dicho acto terminó la gala.

Carisa Hendrix tuvo una breve entrevista para regresar más adelante con su personaje Lucy Darling y hacer magia con botellas.

Billy Kidd con mucha personalidad y gran ánimo cocinó un pastel en un sombrero prestado.

Ted y Marion Outerbridge realizaron grandes ilusiones. Marion levita y al finalizar desaparece de la silla donde se encontraba. Este tipo de magia que requiere aparatos grandes cada vez se ve menos. Tuvieron también un breve espacio para entrevistarlos.

Shawn Farquhar, ganador en 2009, tuvo una breve entrevista y un spot cómico donde simulaba andar en bicicleta con el presentador Nicolas Jobin. Realizó su rutina ganadora, por primera vez con acompañamiento musical en vivo. Antes de comenzar mencionó que se sentía emocionado y aterrado de tener la orquesta en vivo. Durante la ejecución se notaba totalmente emocionado. Es muy bueno darse cuenta de que a pesar de ser un acto de más 12 años sigue produciendo cosas en el mago y no ha caído en algo rutinario. Es humano y sigue disfrutando y emocionándose con su trabajo.

La gala fue conducida por Valérie Laroche y Nicolas Jobin, con la orquesta de la casa dirigida por Frédéric Brunet. Los presentadores con mucho carisma fueron enlazando los diferentes números. Me llamó la atención que los magos cuando necesitan ayuda de algún espectador, la mayoría de las veces se apoyaron en los presentadores o músicos de la orquesta. Tal vez son cambios que el COVID ha traído: menos contacto con el público.

Se agradece el esfuerzo que hizo el festival de transmitir la gala, espero los boletos en línea les hayan ayudado a equilibrar un poco la poca presencia de público en vivo.

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#magia, #teatro, biografia, circo, libros

Seventy Years a Showman

Anteportada de Seventy Years a Showman. Se muestra con fines ilustrativos.

George Sanger fue un artista circense del siglo XIX. Nació en 1825 y toda su vida la dedicó al circo. Se retiró a los 80 y en 1910, teniendo 85 años, publicó su autobiografía: Seventy Years a Showman (Setenta Años de Showman) Comencemos con la definición de showman. Puede traducirse como empresario, organizador de espectáculos. De manera literal como hombre espectáculo, quien ejerce de manera excelente varias ramas del espectáculo. En este caso, Sanger, era todo ello.

La edición que se utiliza para la reseña es la de J.M Dent & Sons para la colección The Kings Treasuries of Literature (algo así como Las Arcas de Literatura de los Reyes) Es un curioso librito de bolsillo. Midiendo 11×15.5 cm y apenas 1.5 cm de espesor, incluyendo tapas duras, contiene 256 páginas, las cuales a pesar de ser delgadas se sienten de buena calidad. Se trata de una reimpresión de 1967, seguramente pensada literalmente como libro de bolsillo. El formato lo hace ideal para cargarse en un viaje y sus tapas duras reducen el maltrato. Muy diferente a los libros de bolsillo actuales. La tapa de color rojo solo tiene un pequeño bajo relieve del perfil de una mujer. El título está escrito en el lomo únicamente.

George Sanger nació de padres que viajaban en las ferias itinerantes. Como niño ayudó a sus padres con el peep-show que era la atracción que manejaban. Peep significa mirar furtivamente. Peep-show es un cajón que contiene fotografías y los espectadores se asoman por mirillas para ver las imágenes. Según narra Sanger, mostraban secuencias de imágenes mientras contaban alguna historia: la muerte del rey y coronación de la nueva reina o algún asesinato que hiciera mucho ruido en las noticias.

También trabajó con otros compañeros de feria haciendo actos de circo. Con el tiempo se casó con una domadora de leones y se asoció con hermanos para independizarse de sus padres y buscar sus propias aventuras. Posteriormente se separó de sus socios y se convirtió en uno de los empresarios de circo más importantes de Inglaterra. Formó su compañía y tuvo a su cargo la administración de diversos espectáculos tanto en carpas como en teatros.

A lo largo de su libro cuenta diversas experiencias: los peleas entre los circos para asegurar el mejor lugar en las ferias, las vicisitudes al presentar números de magia y mentalismo en la Inglaterra Victoriana donde abundaba la superstición y frecuentemente se creía tenía pactos diabólicos, así como conflictos con la ley que consideraban a las ferias ambulantes como peligrosas. Cuenta también algunos de los engaños que hacía en los espectáculos de fenómenos para mostrar caníbales o al hombre “más alto del mundo”, otros engaños eran la ostra que fuma y los puercos sabios.

Durante muchos años administró un teatro donde presentaba a su compañía o a otras que rentaban el espacio. En algunos espectáculos de teatro, en una época de grandes producciones que apostaban por atractivos visuales muy complejos, se pedía su apoyo para que hubiera grandes felinos en escena. En un par de ocasiones narra como truco publicitario haber soltado a los leones al final de los ensayos. Los trucos publicitarios se le daban a menudo, participó en desfiles en honor a la reina donde el desfile y pequeños enfrentamientos con la policía eran partes de la publicidad.

En un conflicto legal con un contrincante, como burla, se agregó el título de Lord, por lo que frecuentemente es conocido como ‘Lord’ George Sanger. Hay historias apócrifas que dicen que Lord era su nombre de pila. Varias veces se entrevistó con la realeza, contando que los reyes tomaban de forma divertida el auto nombrarse Lord.

En diversos momentos la historia se siente un tanto moralizante. Dando consejos propios o repitiendo los que le daba su padre.

Me llama particularmente la atención cuando narra la plaga de viruela de 1833. Desde la preocupación general por la forma tan rápida de propagarse y lo virulenta de la enfermedad, hasta las maravillas que se lograron por medio de la vacunación. Recomienda ampliamente vacunarse y está seguro de que la razón que como adulto, en todos sus años de empresario, perdiera solo un par de empleados por causa de la viruela es gracias a las vacunas. Aclaración: Dichos empleados no estaban vacunados.

A casi 2 siglos de esa epidemia y a más de 100 años de publicarse por primera vez este libro, el episodio y la recomendación se sienten muy actuales.

Seventy Years a Showman es un libro entretenido, de fácil lectura. Como se indica en la introducción de esta edición, es un libro olvidado que vale la pena rescatarlo.

Seventy Years a Showman.
‘Lord’ George Sanger.
J. M. Dent & Sons Ltd, Londres.
Primera impresión en esta edición 1935, reimpresión 1967.
265 páginas.

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#teatro, #video, circo, musica, oepra, Sin categoría

Einstein on the beach

En 1976 Phillip Glass y Robert Wilson estrenaron en el Festival de Avignon la ópera Einstein on the beach, la cual dura aproximadamente 5 horas sin intermedios y el público puede salir y entrar de la sala según lo necesite.

En 2019 una nueva producción de la obra se hizo en conjunto entre el Grand Théâtre de Genève y la Compagnia Finzi Pasca, con una duración de 4 horas. La ópera estuvo disponible en streaming en el sitio del teatro del 14 al 19 de abril de 2020.

En el programa de mano, que también estuvo disponible en el sitio, el compositor Phillip Glass indica que buscó «la integración de la música rítmica, armónica y cíclica en un sistema coherente» y agrega que transmite «La idea de una energía que no se puede parar».

La música a mi gusto es disonante. El coro canta números y nombres de notas musicales. Escuchar cantar la-re-la-re-la-re por 4 horas no es lo que prefiero para un espectáculo. La música me recordó la de John Cage. Se utilizan diferentes calificativos para describirlos pero frecuentemente para ambos se usa «minimalista» y «experimental».

Los integrantes de la Compagnia Finzi Pasca, que son quienes están en escena, tienen esporádicamente textos inconexos entre ellos. No se siente un argumento. Daniele Finzi Pazca indica que es una obra surrealista y ha plasmado sus sueños. Es una excelente descripción. Bastante surrealista, y como los sueños, no parece tener sentido una escena con la siguiente.

Visualmente hay gente moviendo libros en la oficina de Eisntein, personas jugando en la playa, sirenas flotando en el aire, bicicletas volando, un caballo entre la niebla, espejos, muchas lámparas, juegos de sombras. Por momentos los números me recuerdan a Donka, incluso un vestuario y las referencias a los zapatos de ese vestuario son muy claros de dicha obra.

Precisamente las cosas que no me gustaron son por las que Einstein on the beach es reconocida. Se menciona esta obra como una muestra de lo que cambiante que es la ópera, marca nuevos rumbos. El hecho de no tener un argumento como tal y mostrar «la historia» en la parte visual y no en la letra. Como decía, la letra cantada son números y nombres de notas musicales. Hace referencia a las matemáticas y «esa energía que no puede parar» nos remite a la física de Eisntein.

De vanguardia hace 40 años sigue siendo algo extraño para verse. No es para mí.

Einstein on the beach
Ópera de Phillip Glass y Robert Wilson
Einstein-Ensemble: Orquesta y Coro compuesto por alumnos de la Alta Escuela de Música de Genève
Dirección Musical: Titus Engel
En escena: Compagnia Finzi Pasca
Dirección Escénica: Daniele Finzi Pasca
Duración aproximada: 4:00 horas sin intermedio.

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#teatro, circo, documental, libros

Teatro de la Caricia

Portada de: Teatro de la Caricia, se muestra con fines ilustrativos.

Bajo el título Daniele Finzi Pasca Teatro de la Caricia, Facundo Ponce de León publica conversaciones que a lo largo de los años ha tenido con el clown y director escénico Daniele Finzi Pasca.

El trabajo de Daniele incluye ser co-fundador de las compañías Teatro Sunil (Ícaro) y Compagnia Finzi Pasca (La Veritá, Bianco su Bianco, Donka, Per té), co-producciones con Cirque Eloize (Rain, Nomade, Nebbia), dirección para Cirque du Soleil (Corteo, Luzia), apertura y clausura de juegos olímpicos de invierno, dirección de óperas para English National Opera (L’Amour de Loin), Teatro Mariinsky (Aída, Requiem) y Teatro San Carlos de Nápoles (Pagliacci). Su línea de trabajo siempre ha ido sobre lo que él llama Teatro de la Caricia.

El libro incluye conversaciones que nos llevan a un viaje circular, un viaje de regreso donde conocemos la filosofía de Finzi Pasca y los orígenes del teatro de la caricia.

Siendo un volumen no muy grande (136 páginas) me parece difícil resumirlo. Es un libro lleno de ideas de un importante creador escénico, cada página tiene cosas para tomar nota.

Entre lo que más me llama la atención es la forma en que indica que un clown corteja al público. En una fiesta hay varias formas de ser y cada una de ellas conquista. Así mismo hay varias formas de ser clown y cada una corteja. Si no tienes suerte consiguiendo pareja y buscas consejo de tus amigos, tal vez el consejo sirve, pero conquistaste a tu pareja usando una formula que no es tuya, ese no eres tu: o te condenas a mantener la mentira o viene el rompimiento. Así un clown: si te aconsejan ponerte un nombre en diminutivo y hacer figuras con globos, tal vez sirva, pero puede ser que ese no seas tú ni lo que quieres de ser clown.

En días anteriores publiqué la reseña de Donka, donde menciona que un artista es pescador de ideas y puede pasarse días enteros sentado en un café aparentemente sin hacer nada, en realidad está pescando la idea. Como la pesca, es cuestión de paciencia. En este libro se profundiza sobre el tema.

Habla de que todo el equipo de trabajo está en una embarcación, puede ser pequeña o grande, el barco se maneja diferente pero el propósito es el mismo. Si la producción es para un actor o para miles de artistas, la estrategia es diferente pero siempre se busca el mismo objetivo: llegar al puerto.

Menciona que hay dos tipos de actores: aquellos que sienten las cosas y las hacen sin importar hacia donde van y los que hacen preguntas, los que consultan los mapas y quieren saber para qué es todo esto. Como director Daniele debe comprender rápidamente que tipo de actor es cada uno de sus artistas para no perder el tiempo de su gente. Indica que el tiempo de otros es algo que no se puede malgastar.

Finalmente habla de su viaje de juventud como voluntario a la India. Viaje hacia adentro, de auto descubrimiento. En una India con muchos enfermos de lepra y gente viviendo en la calle, su trabajo era atender a los enfermos, muchos de ellos moribundos. De sus experiencias sale lo que será el teatro de la caricia: aprende a sentir al enfermo (o al público) él puede sentirse bien haciendo su trabajo, pero si no percibe lo que sucede con el enfermo, entonces su trabajo ya es automático. Aprende el valor de una caricia. Hacer saber al enfermo que alguien está ahí a un lado con él. Conoce a Sunil, un muchacho que muere después de 24 días de batalla cuando no esperaban que durara uno. De él toma el nombre para su primer compañía.

Su trabajo escénico se ha enfocado en buscar la conmoción, resonar en el público, ser un clown cuya finalidad principal no es hacer reír. Busca oír, sentir al público. Para él el clown es un actor que cuenta historias, un héroe perdedor que con dignidad pierde casi siempre y al final se desvanece discretamente.

Daniele Finzi Pasca Teatro de la Caricia
Facundo Ponce de León
Ediciones CFP
Primera Edición Julio 2009, Tercera edición enero 2015 (Uruguay)
Reseña sobre edición en español, también disponible en otros idiomas
136 páginas

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#teatro, circo

Donka, una carta a Chéjov

Detalle del póster de Donka. Se muestra con fines ilustrativos.

Este espectáculo de la Compagnia Finzi Pasca estrenado en 2010, abrió en Moscú las celebraciones por el 150 aniversario del natalicio de Anton Chéjov. Desde entonces ha recorrido el mundo visitando 26 países.

Daniele Finzi tomó notas de los diarios y cartas del escritor y médico Anton Chéjov y las unió con «vidas paralelas en el jardín de su casa», el resultado es un espectáculo en el estilo de Finzi Pasca y su Teatro de la Caricia. Un circo teatral donde hay cosas colgando de cables, llueven objetos, camas se mueven por el escenario, los actores dicen pensamientos al público en el proscenio, sin cuarta pared, iluminados por lámparas que ellos llevan. Todos elementos muy definidos en la estética de su director.

Donka se presentó en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris del 12 al 15 de marzo.

Los números circenses incluyen contorsión, malabares, patinaje y zapateado sobre una superficie resbalosa, sombras, comedia, rueda Cyr y muchos pensamientos.

Uno de los números de contorsión se mezcla con humor al presentarlo como una inspección médica. Una medicina bastante salvaje. Los malabares incluyen manejo de pelotas entre una y dos personas, así como de contacto. Al final de la primer parte, me resultó sorprendente que después de una rutina de malabares de contacto, la bola es estrellada en el piso donde se hace añicos. Los siguiente minutos continúan estrellando bolas después de trabajar con ellas. En ese momento ya es evidente que no son de acrílico sino hielo, lo cual resulta mas sorprendente.

Hay secuencias de sombras en una pantalla donde los movimientos y proporciones están perfectamente sincronizadas para crear mundos e historias. Una superficie resbalosa es utilizada para un número de zapateado y para patinar. En otro momento, los artistas patinan sobre el escenario transmitiendo que están en hielo. Uno de ellos hace rutinas sobre ruedas fingiendo caerse y no controlar los patines.

Entre los pensamientos que Finzi Pasca entrega en sus espectáculos, en Donka se incluyen los siguientes: En aquella época los médicos buscaban el alma humana y al hacer autopsias cobraban boletos como espectáculo público para que los asistentes atestiguaran el descubrimiento, cosa que nunca sucedió ¿Los clowns dónde tienen el alma? En los zapatos.

Salir a un café y sentarse a no hacer nada. No es a no hacer nada. Los poetas pescan ideas y eso requiere paciencia, hay que sentarse tardes enteras esperando a que una idea pique.

Como los otros trabajos que he visto de esta compañía, se entrega un espectáculo de calidad que une el circo y el teatro, historias rebuscadas, ideas que dejan qué pensar y también momentos en que no se entiende que está pasando. El Teatro de la Caricia se trata de darle una caricia al alma del espectador. Una caricia que en estos tiempos es muy necesaria.

La temporada en la Ciudad de México fue poco común. Programados para dos semanas, comenzaron en medio de la incertidumbre por el avance de COVID-19. El viernes 13, en entrevista para Canal 22, Daniele Finzi mencionó que en esas fechas debía estar haciendo Ícaro en Bérgamo, una de las ciudad más asoladas en Italia. El sábado 14 se anunció que la segunda semana de la temporada se cancelaba, se agregaba un horario más el domingo 15 y todos los que tuvieran boleto de las fechas canceladas podían ir al horario que más les conviniera. Era necesario frenar la temporada para que los artistas pudieran regresar a sus países de origen en Europa. En la Ciudad de México era inminente el cierre de espacios públicos. Unos días después se cerraron todos los teatros.

Resultó extraño durante la obra oír sobre médicos, enfermedades respiratorias y posibles curas (Chéjov padecía tuberculosis)

En Canal 22, Finzi Pasca dijo que el siguiente paso será ir a China y a Corea. No dudo que lo haga, las raíces del Teatro de la Caricia y Teatro Sunil se remontan a Daniele trabajando con enfermos en la India.

Un gran esfuerzo de la Compagnia Finzi Pasca, Teatro de la Ciudad y Arte & Cultura Grupo Salinas que hicieron todo lo posible para tener la temporada. Esperamos el regreso de la Compañía, mientras tanto, quédate en casa.

Donka, Una Carta a Chéjov
Escrito y dirigido por: Daniele Finzi Pasca
Compagnia Finzi Pasca
En escena: Andrée-Anne Gingras-Roy, Beatriz Sayad, David menes, Félix Salas, Francesco Lanciotti, James Kingsford-Smith, Jess Gardolin, Marco Paoletti, Melissa Vettore, Rolando Tarquini y Stépane Gentilini
Duración aproximada: 2:20 horas

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#teatro, circo

El Pagliacho, el gracioso de la calle de Relox

Detalle del cartel de «El Pagliacho» se muestra con fines ilusrativos.

En 1841 surgió el primer circo mexicano bajo la dirección de José Soledad Aycardo, considerado el primer empresario circense mexicano y precursor del estilo de payaso que se usa en nuestro país. Se trató del Circo Olímpico y operó aproximadamente 25 años.

Los Estrouberry Clowns presentan El Pagliacho, el gracioso de la calle de Relox, inspirado en Aycardo y su circo. Según el programa de mano, la obra «nos lleva a viajar en el tiempo para conocer las vicisitudes del primer circo mexicano […] nos invita a disfrutar de aquella época de circo, maroma y teatro»

Un niño del siglo XX es «teletransportado» al siglo XIX dónde conocerá al Circo Olímpico instalado en el patio de una vecindad en la calle de Relox (o la calle del reloj, hoy Argentina) Ahí, el virrey tratará de cerrar el circo a como de lugar con tal de llevarse a los artistas y al público al Teatro Nacional.

Esa es la premisa y básicamente las «vicisitudes» son enfrentar al virrey que adoptará diferentes disfraces para aplicar multas, incautar, cobrar la renta y otras acciones económicas.

La parte histórica me crea conflicto a partir de que el antagonista, figura del gobierno, es presentado como el «Virrey» mientras la historia transcurre en la segunda mitad del siglo XIX, momento en que ya no había virreyes.

Se presentan clichés como la pareja de comediantes borrachos y la rutina de «salúdelos a todos, pero con la boca», sin embargo no me queda claro si son rutinas de la época. Se supone que la obra tiene fines históricos y busca mostrar cómo era el circo en aquellos años pero al usar chistes claramente modernos se pierde noción de qué cosas aparentemente modernas pudieran remontarse en realidad al Circo Olímpico.

Respecto a conceptos y narrativa: «Teletransportar» significa desplazar a distancia y se usa para referirse a que un objeto se mueve instantáneamente de un sitio a otro. Si se viaja al pasado sería una máquina del tiempo. Mas adelante el de la casa de empeño se presenta para incautar pues no han pagado. ¿La casa de empeño incauta? Posteriormente, al finalizar la obra, dicen que todo lo que ha sucedido es para darle una función de circo al niño del siglo XX, la misma está a punto de comenzar y el niño debe regresar a su propia época. Si la función que va a comenzar es para él ¿por qué lo mandan al siglo XX antes de iniciarla?

Casi no se muestran números circenses. Un número que me molestó fue presentar un antipodista (persona que manipula objetos con los pies) haciendo falsamente su disciplina, en lugar de tener una persona realmente especializada en la misma.

La idea no me parece mala, a lo largo de la obra se explican palabras y conceptos que ayudan a comprender al circo de la época, sin embargo, para mi gusto, tiene varios huecos.

La función comienza puntualmente y es ligeramente más larga de lo anunciado en el programa. Al finalizar, el elenco sale al vestíbulo a saludar y posar para fotografías.

Cabe destacar la presencia del Ensamble Jofranka que musicaliza y hace efectos sonoros en vivo.

El Pagliacho se presenta en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque hasta el 26 de abril.

El Pagliacho, el gracioso de la calle del Relox
De Fernando Hondall
Dirección: Raúl Zamora
Con: Jorge A. caballero Vega, Dettmar Yaáñez, María Cappelletti, Adriana Reséndiz, Víctor Siáñez, Lobo Valle, Yrsmin Curiel, Eréndira Morales Rodríguez, Erick Murias, Fernando Hondall, Gustavo Franco, raul Zamora
ensamble Jofranka: Mario Alberto Gallardo y Julio Zapata
Duración aproximada (según programa) 75 minutos (real) 90 minutos.

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#teatro

Humor para imbéciles

Póster de Humor para Imbéciles. Se muestra con fines ilustrativos.

El título Humor para Imbéciles me hace pensar en esos libros “para Dummies” sin embargo es el nombre de un libro de Arkady Avérchenko y según se indica en el programa de mano, el nombre de uno de los cuentos que se incluyen en la obra de teatro.

La obra se realizó a partir de cuentos de Arkady Avérchenko (1881-1925) y Slawomir Mrozek (1930-2013) Ambos son conocidos por su humor satírico a veces calificado como surrealista. El montaje teatral es realizado por alumnos de cuarto año de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT), dirigidos por Jesús Díaz.

Las historias incluyen unos novios que tratan de idear la forma para recordar un número telefónico, sin embargo la mnemotecnia no se les da. Vemos a unos vagabundos filosofando sobre la vida, la muerte, la existencia, lo que hay y lo que no hay. Me recuerda aquello de la pregunta zen “Si un árbol cae en el bosque y nadie está cerca para oírlo ¿hace algún ruido?” Otro de los cuentos muestra a una persona enfrentando errores médicos sobre su persona. Uno más tiene a ladrones como protagonistas, no cualquier ladrón, son personas civilizadas con las que se puede negociar y queda de manifiesto que los verdaderos ladrones son otros, despachando desde lugares seguros. Hay también un escritor de humor ¿acaso uno de los autores? que presenta su libro a un representante cultural y queda claro el por qué existen los programas malos donde aparecen rosas haciendo milagritos. Posteriormente llega un grupo de “músicos” a exigir un pago en adeudo.

Menciono por separado la historia del bombero. Incluye bromas de teatro mencionando situaciones que los alumnos seguro viven a diario. Separo la historia por que fue la más emotiva, no solo hace reír, hace sentir otras cosas, conmueve. Hay participación de alguien del público que le dará sabor diferente a cada función. Al finalizar el cuento, el público hizo expresiones desaprobando el final, no porque sea una mala historia sino porque el bombero se ganó a la audiencia.

El humor es bastante creativo, sumando las actuaciones, el trabajo final es muy bueno. Las pausas, las miradas que hacen los actores están ahí por una razón, ayudan a hacer el chiste, no solo es el texto. Los cuentos son ingeniosos, situaciones que pueden salir de la vida diaria, sin embargo son sumamente absurdas … como pudieran ser en la vida diaria.

Un montaje muy recomendable con una breve temporada de solo dos semanas en el Teatro Salvador Novo de la ENAT, en el Centro Nacional de las Artes. Se presenta hasta el 9 de febrero de miércoles a domingo, teniendo doble función los fines de semana. Se indicó que la función final contará con intérprete de lengua de señas mexicana. La obra no está anunciada en la página del CENART, solo en redes sociales de la ENAT, por lo que los horarios se listan abajo.

Humor para imbéciles
A partir de cuentos de Arkady Avérchenko y Slawomir Mrozek
Dirección: Jesús Díaz.
Reparto: Alberto Bravo Guerrero, Alexia de la Rosa, Alfonso García, Ana Lucía, Gerard Estrada, Jessica Lunet, Jesús Iván García, Juan Pablo Salazar, Julio César Mejía, Magdiel Benard, Miguel Fuentes.
Teatro Salvador Novo, ENAT, CENART
Miércoles a viernes, 20:00; sábado 19:00; domingo 15:00 y 18:00 (no queda muy claro si el sábado también hay a las 15:00)
Entrada libre, cupo limitado, los boletos se entregan aproximadamente una hora antes de la función.
Duración aproximada: 1:40 horas

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#teatro

Enemigo del Pueblo

Henrik Ibsen publicó Un Enemigo del Pueblo en 1882, estrenándose el 13 de enero de siguiente año. Una obra que 137 años después de su presentación sigue estando vigente.

Bajo la dirección de David Gaitan, La Compañía Nacional de Teatro presenta Enemigo del Pueblo, versión de Gaitán de la obra de Ibsen. la temporada en el Teatro Julio Castillo está por concluir el 19 de enero.

En el vestíbulo del teatro y al comenzar la función, el público es instruido a disparar unas pistolas de burbujas siempre que se cumpla una condición en escena. Solo una parte de la audiencia participa activamente en esta dinámica, pero los demás como observadores también se llevan algo de la experiencia. No entraré en más detalles sobre el uso o significado de las burbujas, es una sorpresa que debe tener el espectador.

La historia transcurre en un poblado donde un balneario recién abierto trae riqueza al lugar, sin embargo el doctor Stockmann descubre contaminación en las aguas y pide cerrarlo mientras se remedia la situación. La resistencia será impresionante: el gobierno, la prensa «imparcial» que inclina la balanza de un lado a otro a conveniencia, incluso su familia.

Se verán las trampas del gobierno, la prensa manipulante que se hace llamar «la voz del pueblo», el típico sonsonete de si se hace lo que dices perderás todos tus ahorros. Ese temor que tanto se le mete al pueblo de perderás todo si haces algo que cambie el statu quo.

En la escenografía, a cargo de Alejandro Luna se ve constantemente una mancha de luz en la pared, solo se apaga un momento después de tronar un cohete que apaga unos micrófonos de espionaje. Esa luz pareciera un ojo que lo vigila todo.

Lo privado se hace público, hay micrófonos escuchando al doctor, la correspondencia es interceptada sin reparo, a la gente en la plaza pública se le ordena retirarse o no y leer en el templete papeles personales. En el programa de mano se indica también la «administración de la plataforma pública» Estar observados todo el tiempo con el temor de hacer o decir algo que contradiga a la mayoría. Una línea de la obra dice algo así como que al ser mayoría los idiotas que hay en el mundo, no significa que estén en lo correcto. El que dice la verdad que incomoda a la mayoría puede ser reducido a nada por los que se sienten atacados.

La censura disfrazada de estar siendo ofendido, de ser políticamente correctos, criticar a alguien más escondiéndose en la masa, en el anonimato ¿atrás de una computadora juzgando el mundo en redes sociales? Ser juez y parte: juzgar a otros, en la vida pública conducirse por el camino correcto cuando en privado se tiene el mismo comportamiento o peor incluso que a quien juzgamos.

Al evitar incomodar a otos y seguir la corriente mientras «protegemos nuestros intereses» nos convertimos en marionetas. El changuito que no oye, no ve, no habla. Sin voz propia.

Algo interesante es que aparentemente para el público la violencia contra la mujer es reprobable pero no contra los hombres ¿Es por que la corriente marca eso y no hay que contradecirlo?

Enemigo del Pueblo
De Henrik Ibsen
Compañía Nacional de Teatro Versión y Dirección: David Gaitán
Iluminación y escenografía: Alejandro Luna
Actuaciones: Miguel Cooper, Ana Paola Loaiza, Luis Rábago, Antonio Rojas, Amanda Schmelz, Alan Uribe Villarruel
Duración aproximada: 1:30 horas

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