circo

XVII Encuentro de Circo Joven

El pasado 25 de febrero, el Circo Atayde Hermanos presentó en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris el XVII Encuentro de Circo Joven. Previa convocatoria se seleccionaron los actos que participarían en el evento. Durante la función se invitó al público a votar con mensaje privado en redes sociales por su acto favorito durante los siguientes días. Los tres con más votos pasarán al V Festival Nuevo Circo.

La función fue presentada por Lorena Canseco como maestra de ceremonias. En la primer parte del programa Momo Netza hizo antipodismo, girando pequeños tapetes en los pies, posteriormente también con las manos y una especia de malabares con ellos. Hubo pequeñas fallas pero todo está contemplado y se tiene previsto cómo recuperar rápidamente los tapetes que caigan. A continuación Natalia RamZav realizó aro aéreo con acrobacias en dicho aparato.

El siguiente número fue el payaso Alambrón con una entrada cómica con globo, no fue precisamente lo que a mi me parece cómico. Milo Reygadas continuó con una rutina de diábolo. Trabajo bien pulido, muy dinámico, con pases que por un momento parecían que iban a fallar pero siempre atrapaba el diábolo. Me gustó particularmente que su rutina va bien sincronizada con la música, terminando justo en el acento musical al mismo tiempo que se hizo oscuro. Ya tengo alguien por quién votar.

A continuación Nayeli Ramos presentó un acto de equilibrio sobre manos y evoluciones en un aro. Se notaba dificultad para mantenerse en equilibrio. Al finalizar intentó un lanzamiento de flecha con los pies mientras se apoyaba en las manos. Lo intentó sin éxito tres veces, en cada una se veía más cansada y con más dificultad para sostenerse.

MOA continuó con pole aéreo, un mástil chino que no está apoyado en el piso sino colgando de una cuerda, lo cual hace que se mueva, seguramente aumentando la dificultad. Me gustó, no lo meto a primer lugar pero es un buen número. Casco y Filipo siguieron con una entrada cómica de box, rutina clásica de slapstick. Foster Smith continuó con malabares de rebote. Me sorprendió el control sobre las pelotas, las perdió un par de veces pero hay que considerar que el escenario del Teatro de la Ciudad tiene un declive hacia el frente, ya que las pelotas rebotan en una plataforma, no caen en un piso horizontal y el rebote no será hacia arriba. La plataforma de Smith no se veía que tuviera cuñas para nivelarla, por lo que yo hubiera esperado más dificultad para controlar las pelotas.

Ernesto Ponce concluyó la primer parte con rola bola. Comenzó bien, pero al ir aumentando la dificultad se le fue complicando. Para finalizar trató de mantener el equilibrio sobre el rola bola mientras cargaba a su asistente sobre los hombros ¿de pie? tras varios intentos no lo lograron. Nuevamente creo que el declive del escenario pudo tener un papel crucial en el aumento de la dificultad.

Tras el intermedio Alfonso Meléndez continuó con un acto de blondín (cuerda floja) el aparato me pareció que se balanceaba peligrosamente, no se veía lo suficientemente firme. Eran apreciables las cuñas para nivelar el piso pero se movía y en repetidas ocasiones entraron técnicos a acomodarlas mientras Meléndez trabajaba sobre el aparato, saltando, rebotando y haciendo cabriolas en la cuerda.

Milo continuó con una entrada cómica. Payaso que con ayuda de alguien del publico realizó una serie de situaciones cómicas con un globo y un tiro con arco invisible teniendo una puntería increíble. Tengo otro número compitiendo por mi voto y por la reacción del publico diría que ha sido el favortio de varios.

Luisa Fuentes realizó suspensión capilar. Número aéreo donde es sostenida por el cabello. Erick Medina siguió con malabares con diversos objetos. Al principio sentí flojo el acto y mejoró mucho hacia el final. Siendo los últimos objetos que utilizó su fuerte. En algunos casos combinó objetos al mismo tiempo, lo cual es complicado por requerir diferentes formas de lanzar y atrapar. Allegrissimo mostró un conjunto musical de payasos que tocan una estrofa en formas cada vez más enredadas, al final hacen una cadena donde se van enlazando los instrumentos de cada uno, tocando con una mano el instrumento propio y con la otra el del vecino.

Sebastián Salazar continuó con straps, número aéreo suspendido por cintas. Para finalizar Dúo Mexica realizó un acto en patines. Girando en una plataforma realizaron varios tipos de cargadas. Es una disciplina circense que recuerdo haber visto solo dos veces, ambas en el Teatro de la Ciudad. La vez anterior fue en La Veritá de Finzi Pasca, aunque en una segunda gira omitieron el número. Es también de los actos que me pregunto qué tanto cambia el control con el escenario inclinado.

Mis tres números favoritos: Milo Reygadas (diábolo), Milo (payaso con globo y arco invisible) Dúo Mexica (patines). Al asegurarme de los nombres para votar caigo en cuenta que los números de diábolo y el payaso con el globo y arco son la misma persona.

En redes sociales se dijo que a finales de marzo se darían a conocer los números seleccionados para el Festival Nuevo Circo, pero al escribir esta reseña (un mes después de la función) todavía no se han publicado resultados. Esperemos en los próximos días se haga.

Una buena función, mucho trabajo para lograr estos números de circo, algunos más pulidos, otros con fallas. Ya que el evento es sobre todo para impulsar nuevos talentos es comprensible que haya errores. En los dos números descritos con problemas más evidentes, admiré el deseo de repetir y repetir hasta que saliera bien, al mismo tiempo que decía ya no lo hagan, en cada intento se ven más cansados y menos va a salir. Parte del aprendizaje es conocer el equilibrio entre no darse por vencido y saber cuándo parar.

Quedamos en espera de noticias de Festival Nuevo Circo.

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#danza, #historia, Ballet

Marie-Antoinette

Presentación de Marie-Antoinette. Se muestra con fines ilustrativos.

He visto algunas obras en video de Thierry Malandain y la mayoría me han gustado. Maria Antonieta no es la excepción.

Con música de Haydn y Gluck, Malandain nos lleva al Palacio de Versalles, donde vemos a la corte en fiestas, juegos pueriles y entretenimientos frívolos. También vemos desenvolverse romances entre gente de la corte.

Presenciamos la inauguración de la Opera Real de Versalles, un escenario dentro del palacio. Esta grabación en particular fue realizada en ese preciso escenario.

Se va presentando de igual forma la relación de María Antonieta con Luis XVI. En un principio somos testigos de una pareja amorosa, poco a poco se van separando, la frialdad y rechazo por parte de Luis XVI hacia María Antonieta se van haciendo más y más evidentes.

Hacia el final se escuchan estruendos. Los cañones y disparos que anuncian la revolución. Los dos reyes quedan en el escenario, levantan la cabeza al tiempo que se hace oscuro implicando la caída de la guillotina. Un final impresionante.

Como es frecuente en los trabajos de Malandain, la música y movimiento son alegres, con mucho dinamismo, incluso en escenas lentas. La sincronía de los bailarines con la música y del cuerpo de baile es perfecta. Un trabajo muy bien pulido. La escena final es una imagen con mucha fuerza, sin ser explícitos se insinúa el cadalso y la caída de la cuchilla.

El teatro principal del Palacio de Versalles fue inaugurado en 1770 para celebrar la boda del Delfín (Dauphin, título que se le da al hijo del rey y futuro heredero) con María Antonieta. El hecho de que este ballet sea grabado en ese escenario le da un toque histórico especial.

Una obra recomendable que puede ser vista en medici.tv

Marie-Antoinette
Dirección: Thierry Malandain
Bailarines: Claire Lonchampt, Mickaël Conte, Irma Hoffren, Frederik Deberdt, Miyuki Kanei, Arnaud Mahouy, Raphaël Canet
Música: Joseph Haydn y Christoph Willibald Gluck
Disponible en medici.tv con suscripción

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#teatro

Lun

Cartel de Lun. Se muestra con fines ilustrativos.

El Centro Cultural del Bosque presenta el ciclo La ENAT en Escena con obras de dicha escuela realizadas durante la temporada académica pasada (exámenes de tercero y cuarto año) Dentro del Teatro El Galeón no hay programas ni códigos QR, en el corredor junto al Teatro de la Danza hay una lona con publicidad del ciclo donde se puede ingresar el QR de toda la temporada. La página no funciona correctamente en celular ya que trata de abrir una ventana nueva y el navegador la cierra. En computadora funciona bien. Nota: La gente que va al teatro y usará el QR lo hará desde un celular, no desde una computadora.

La obra que vi, Lun, es presentada por Pamplinas Teatro. Su participación dentro del ciclo termina el martes 24 de enero. En meses pasados se anunció próxima temporada en el Teatro María Teresa Montoya.

La escenografía muestra una casa de techo de dos aguas. El interior del Teatro El Galeón tiene precisamente la forma de dos aguas, con lo que en este especio en particular se crea una extensión bastante interesante.

Lun es una niña de 4 años. Como es normal en su edad, tiene muchas preguntas, frecuentemente cortadas por un «no se». No sabe leer, pero no es necesario, porque de las páginas de su rompecabezas favorito siempre saca sabiduría, mostrando que no es necesario saber para saber. Lun no sabe contar, pero si multiplicar.

Lun es una obra de teatro de absurdo, donde frases inconexas, sin sentido y contradictorias, se entrelazan dando un significado y la razón a los argumentos presentados. Poco después de comenzar a notarlo la misma Acotación lo mencionó.

La obra acaso es una parodia a las convenciones teatrales, es decir a la vida. La ficción, la realidad, el soñar, el día y la noche se mezclan. En improvisación, algo que ha sido establecido no se puede modificar, a veces es contradictorio con otra cosa establecida y hay que buscar la forma de que conviva en esa realidad ficticia. En nuestra realidad, de igual forma, pasan cosas absurdas, pero si pasaron, están establecidas y no se pueden cambiar.

Lun durante su viaje nos muestra que un niño y un adulto (¿su papá? un papá es una persona que puede ser muchas cosas) pueden ser un Augusto y un Carablanca naturales. También que en la vejez se repiten patrones de la infancia. Su inocencia y curiosidad la llevan a buscar y/o encontrar palabras, números, música, Dios, preguntas, respuestas, personas desaparecidas y el momento en que se duerme una persona amada.

¿En si de qué trata? De muchas cosas (lo que hace complicado entenderla) y de una sola cosa (que lo hace fácil). Hay quien verá chistes de actores, hay quien verá una protesta social, una niña creciendo, una búsqueda filosófica o 90 minutos de sinsentido.

Una obra rara y excéntrica, por lo tanto perfectamente normal que con el silencio invita a expresarse y no quedarse callado. Un sinsentido con mucho sentido. De esos trabajos donde cada espectador tomará de la ficción que ve lo que mejor se adapte a su realidad y experiencia.

Si ha sido confuso, vean la obra, quedará todo claro.

Lun
De Valeria Fabbri
Dirección: Jesús Díaz
Con: Félix Vanessa, Iván Zambrano, Kristshell Vásquez, Diego Santana, Aldo Estrada, Dafne Romero y Mónica Magdiel
Duración aproximada: 90 minutos.

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circo

Cirque du Soleil: Kooza

Detalle del vestíbulo de la carpa de Kooza

El pasado 8 de enero finalizó la temporada en México de Cirque du Soleil Kooza. Dicha temporada marcó 20 años de la compañía presentándose en México y su regreso tras la pandemia.

La reseña corresponde a la penúltima función de la temporada, es decir la primera del de 8 de enero.

Comenzaré con los precios. Cirque du Soleil nunca ha sido barato, pero esta vez me pareció particularmente caro. No me sorprende que tanto en Guadalajara como en Ciudad de México hayan tenido múltiples promociones y descuentos durante toda la temporada (Cosa que ya sucedía con espectáculos anteriores) Aún así me sorprendió ver lleno total incluso en las localidades sin promoción.

En cuanto a mercancía trajeron menos que en años anteriores y creo que ligeramente a menor precio. Se notó también la ausencia de stands de los patrocinadores. Un amigo una semana antes me dijo que no había programas a la venta, aparentemente reservados para los espectadores VIP. El último día si estaban disponibles para su compra.

Pasemos al espectáculo: La primera parte se compone de los actos charivari (torres humanas), contorsión, telas aéreas, rueda Cyr y cuerda tensa doble. La segunda parte lleva danza de esqueletos, péndulo de la muerte, diábolos, equilibrio en sillas y trampolines. Ambas partes llevan entreactos de payasos.

El número de contorsión me gustó mucho, sobre todo la música. Las telas no son mi acto aéreo favorito ya que frecuentemente se presentan lento con un ritmo somnífero. En este caso lo presentan de manera muy dinámica que le imprime una energía especial. El programa indica que la rueda Cyr es acto en rotación con dúo de monociclo. Hubo movimientos que nunca había visto con rueda Cyr, todo el tiempo muy controlado y preciso. La cuerda tensa doble es impresionante, con los ejecutantes corriendo, bailando, haciendo esgrima y montando bicicleta sobre la cuerda.

La apertura después del intermedio es baile de esqueletos muy al estilo de cabarets, mucha coreografía y vestuario de plumas. Durante el mismo número se prepara el péndulo de la muerte. No deja de impresionarme y no me explico cómo aprenden a usarlo, no me imagino una forma segura para practicar en él. El número de diábolos es muy bueno, nuevamente hay movimientos que nunca había visto. El programa indica que es acto en rotación con manipulación de aros. El equilibrio en sillas es una torre alta de sillas mientras el ejecutante hace …. Equilibrios. El espectáculo finaliza con trampolines, donde planchas cual sube y baja son usadas para saltar y hacer giros en el aire, incluso usando zancos o un solo zanco atado a ambos pies.

Los números son enlazados por payasos que unas veces interactúan con el público y otras hacen pantomima con gran expresión corporal. Para mi gusto los payasos ocupan demasiado tiempo, sin embargo, cabe destacar cómo están coreografiados los momentos en que se arman aparatos a la vista del público como el caso de las cuerdas tensas y el péndulo de la muerte, donde los payasos corren entre la audiencia o los esqueletos hacen lo propio bailando y desfilando por los pasillos.

El slogan es “Cirque en su estado más puro” Según el programa, el escenario es una plaza que evoca a los circos de antaño. La escenografía es muy sobria en comparación con otros espectáculos del Soleil, lo que puede evocar ese “estado puro”.

Como mago aficionado siempre me he preguntado por qué el Cirque du Soleil no incluye magos. La grabación en video que existe de Kooza muestra un acto de magia y pickpocket (carterismo) y un par de desapariciones. Dichos números no se presentan por lo menos desde marzo del 2014, fecha en que vi el espectáculo en Ámsterdam y ya no se realizaban. El programa sigue haciendo referencia a ellos en la sección “accesorios”. Único acto de magia en el Cirque du Soleil y quedó fuera hace años (Posteriormente en Michael Jackson ONE se incluyó magia y tengo entendido que en Mad Apple hay un mago comediante) Pero queda la pregunta ¿Por qué prácticamente no hay magos?

Hago mención de que había visto el espectáculo antes, para un pensamiento final ¿Qué recuerdo de hace 9 años? La cuerda tensa, el baile de los esqueletos y el péndulo. Todo lo demás prácticamente lo había olvidado (telas, rueda Cyr y diábolos deben ser actos nuevos)

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#danza, Ballet

Sueño de una Noche de Verano (Neumeier)

Portada de Sueño de una Noche de Verano, se muestra con fines ilustrativos.

John Neumeier en 1977 creó su versión de Sueño de una Noche de Verano, basado en la obra de Shakespeare. Historia llevada a la escena de la danza en numerosas ocasiones, esta versión es diferente a las otras por no llevar solo la música del mismo nombre de Mendelssohn.

La historia es la comedia de errores donde dos parejas se adentran en el bosque, una correspondida y la otra no. El bosque es el dominio de las hadas, donde Titania y Oberón tienen sus propias rencillas. Oberón planea verter un hechizo de amor sobre Titania y así burlarse de ella. Puck le ayuda pero el travieso duende comienza a inmiscuirse con las dos parejas de humanos creando una confusión. Al final todo se resuelve y los humanos se casan con la venia de Hipólita y Teseo, los duques, que también celebran su boda.

En la presente versión con el Hamburg Ballet se alterna música de Félix Mendelssohn, no limitada a la Música Incidental a Sueño de una Noche de Verano, con la de György Ligeti. Otro cambio sustancial es que las parejas de Titania/Oberón e Hipólita/Teseo son interpretadas por los mismos bailarines. De igual forma Puck y Filóstrato, que serían los sirvientes de una y otra pareja, son ejecutados por el mismo bailarín.

Vemos a Hipólita y Teseo no como una pareja feliz, están a punto de casarse, pero a Teseo se le ve distante e interesado en otras mujeres. Puede ser un reflejo de la historia tradicional en que Titania y Oberón están peleando por la custodia de un paje ¿hijo?

Las escenas en el bosque, en el reino de las hadas, llevan música de Ligeti. En general no me gusta, me parece muy disonante. Los pas de deux entre Titania y Oberón son de muchas cargadas casi circenses.

Los bailes grupales están muy bien realizados, las escenas del mundo de los humanos son muy luminosas y las escenas de las hadas son muy abstractas y obscuras.

Las escenas de los comediantes que preparan el divertimento para la boda de Hipólita y Teseo son francamente divertidas. Su representación de la tragedia de Píramo y Tisbe es divertida, bien contada y se le dedica su tiempo. Usualmente es un pasaje que se deja de lado o se representa muy de pasada. En la obra de Shakespeare está establecido que un hombre representa a Tisbe, en esta versión cabe destacar que lo hace en puntas aparentando no saber usarlas.

Teseo me parecía conocido. Caí en cuenta que Edvin Revazov es el mismo bailarín que participa en la grabación de La Dama de las Camelias con el Bolshoi al lado de Svetlana Zakharova. La Dama de las Camelias es también de Neumeier, estrenado con el mismo Hamburg Ballet. Para la presentación con el Bolshoi, Neumeier se llevó especialmente a Revazov.

Otros trabajos de John Neumeier me han gustado mucho. Éste me pareció interesante por los paralelismos entre las parejas, sin embargo, no me gustó lo oscuro y la música para las hadas. La grabación, realizada en 2021 se encuentra disponible en medici.tv y fue hecha especialmente para cámara, no es con público en vivo y permite cambios de personaje más rápidos que si fuera en un escenario en vivo.

A Midsummer Night’s Dream
Coreografía: John Neumeier
Bailarines: Anna Laidere, Alexandr Trusch, Edvin Revazov, H´lène Bouchet, Madoka Sugai, Karen Azatyan, Jacopo Bellussi, Marc Jubete
Dirección: Myriam Hoyer
Duración: 2:00 horas

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circo

Luna Eva

El pasado 3 de diciembre se presentó en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, el cierre de temporada de Luna Eva, la nueva creación del Cirko De Mente. Estrenado en el Festival Internacional Cervantino el pasado octubre y con una temporada en la Karpa De Mente, el espectáculo cerró con la presentación en el recinto del Centro Histórico.

Se crea una atmósfera interesante con la iluminación y me gustó mucho lo que el músico hizo con la voz. Se trató de un músico que con sintetizador, voz, mezclas, en momentos piano y percusiones ambientaba los actos.

El espectáculo en si no me gustó. Sentí muy lentas las transiciones entre un acto y otro, creo que frecuentemente eran cosas abstractas, no precisamente algo que uniera argumentalmente cada acto, por ejemplo pasar con un bloque de hielo, dejarlo suspendido y nunca usarlo, o limpiar con mechudos un suelo limpio a una velocidad a la que evidentemente no se está limpiando. Al principio me parece que son unos náufragos en el mar, después la idea la pierdo completamente. La única transición que me gustó fue la de clown.

Los números consistieron en una pequeña introducción donde se vio un poco de todo lo que venía. Luego hubo mástil chino intercalado con pulsadas, malabares con sombreros, suspensión capilar, rueda Cyr, lanzamiento de cuchillos y nuevamente mástil chino con pulsadas.

La transición hacia el número de rueda Cyr fue la que menos me gustó, no me quedó claro si era una transición o un número completo de acrobacia o break. Al comenzar con la rueda sentí el giro descontrolado y un momento después la ejecutante golpeó parte de la escenografía con el resultado de una luz fundida. En el lanzamiento de cuchillos, en el momento cumbre, el cuchillo cayó en el piano. No creo que esté planeado clavar al piano en cada función. Durante la introducción el lanzador ya había perdido su blanco.

Una niña en el público comenzó preguntando con voz muy curiosa ¿Qué es eso? ¿Qué van a hacer? ¿Qué va a pasar? Hacia el final le preguntaba a sus papás por la Navidad.

Hay buenos actos. La iluminación, la música y la voz las disfruté mucho, pero me pareció lenta, muy abstracta y con errores. Con una duración aproximada de 1:15 la sentí larga.

Nuevamente enfrenté al código QR. El teatro proporciona dos: uno para ver la cartelera y otro para ver el programa de mano. La realidad es que ambos muestran la cartelera, por lo tanto desconozco el equipo que trabajó en Luna Eva. Por el momento he asistido a 3 obras con QR y solo en una de ellas funcionó.

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#magia, #teatro

La Desilusión de la Ilusión

Logo de La Desilusión de la Ilusión. Se muestra con fines ilustrativos.

En su descanso entre dos funciones de magia, un mago nos cuenta su historia. El mago cuenta pasajes de su vida, que proviene de familia de magos (abuelo y ambos padres) cómo su padre trabajaba con su espectáculo callejero, los pregones que hacía, así como la magia que realizaba.

Cómo su hermano rompió la tradición de tres generaciones, pero de todos modos está involucrado en el arte. En algún momento el descubrimiento de la cruda realidad, cómo un recuerdo no era lo que él creía sino un acto de sacrificio.

Durante el monólogo se van realizando varios trucos de magia. Me llama la atención que la mayoría son clásicos de antaño que difícilmente se ven hoy en día. Hay aparición de monedas, vasos de leche que multiplican su volumen (perfectamente aplicadas a la historia familiar) un árbol que crece y produce naranjas reales (un clásico que no había visto presentado de esta forma) una luna flotando, un florero que no pierde su agua y un ganador de la lotería.

Las reflexiones del mago, que seguramente está solo en su camerino, de pronto rompen la cuarta pared y se involucra abiertamente con el público. La obra se ambienta con música en vivo.

La obra es un tanto autobiográfica pues toma ciertos elementos de la vida e historia familiar de Javier Rendón Tovar quien actúa al igual que lleva la dramaturgia y dirección al lado se su hermano Carlos. Javier es mago (Javy Poker), su abuelo era mago y sus padres son magos. Su hermano no, pero es pintor y cineasta. También hay elementos ficticios. En este tenor autobiográfico me hubiera gustado ver a un actor más maduro y no joven en los 20s.

Una combinación raramente vista en la actualidad de teatro con magia, un toque de musical con canciones e historias que se entretejen con los efectos mágicos. Estrenada hace un año en el Teatro Sergio Magaña, actualmente tiene temporada hasta el 18 de diciembre en el Foro 4 Espacio Alternativo del Centro Cultural Helénico. El cupo es de solo 60 personas. La función se desarrolla en un ambiente íntimo donde el mago y el músico están a muy corta distancia del público. Al finalizar uno puede tomarse fotos con el elenco que sale al vestíbulo a saludar.

Extraño los programas de mano impresos, no me gustan los de código QR, pero supongo tendré que acostumbrarme a ellos. Afortunadamente el código funciona.

La Desilusión de la Ilusión
Actuación: Javier Rendón Tovar
Dramaturgia y dirección. Javier Rendón Tovar y Carlos Rendón Tovar
Música original: Fores Basura y David Amaga
Duración: 75 minutos aproximadamente.
Sábados y domingos 20:00 horas Foro 4 Espacio Alternativo. Hasta el 18 de diciembre.

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#historia, #magia, historia, libros

Fair Tricks

Jim y Sage Hagy escribieron en 2019 el libro Fair Tricks, The Magicians at the Columbian Exposition, Chicago 1893 (Trucos de Feria, Los Magos en la Exposición Colombina, Chicago 1893) En 2021 se emitió la tercera edición que es la que se reseña.

La Feria Mundial de Chicago o Exposición Colombina, se llevó a cabo en dicha ciudad en 1893 para festejar los 400 años de la llegada de Colón a América. La inauguración se retrasó un año por lo que no se realizó en el aniversario en cuestión.

Basándose en un rumor de que Harry Houdini, siendo joven, había participado en la feria, Jim y Sage Hagy comenzaron la investigación, que concluyó en el libro de 121 páginas con ilustraciones a color, una amplia bibliografía y una larga lista de magos en la feria.

En un amplia área de Chicago se levantaron edificios temporales, amplios pabellones y zonas que eran réplicas de tierras lejanas como Egipto, Persia, Túnez, Arabia, China, Algeria, Turquía y un largo etcétera. Es increíble la descripción de las áreas tan grandes dedicadas a representar cada país, con edificios erigidos solo con ese fin (desmantelados al finalizar la feria) y representantes de esos países viviendo dentro de la feria “para que se les viera en su estado natural”

Dentro de cada “villa” había venta de artículos, comida y presentaciones de espectáculos, tanto callejeros como en espacios cerrados. Se dice que frecuentemente uno gastaba mucho más en los espectáculos adicionales que en la entrada en sí a la feria. En algunos casos era el boleto de la feria, más el acceso a cada villa en particular, adicional a eso, los espectáculos que uno quisiera ver. Para recorrer todo se necesitaban muchos días y una amplia cartera.

Howard Thurston, Frank Hewes, Princess Nanna y Harry Houdini son algunos magos que estuvieron relacionados de una u otra forma con la feria. También, fuera de ella, pero aprovechando la ocasión, en Chicago se dieron cita muchos magos y falsos espiritistas, entre ellos Emil Jarrow, Zanzic, William Robinson (Chung Ling Soo), T. Nelson Downs, Alexander y Adelaide Hermann, Harry Blackstone y muchos más.

Tras el cierre de la feria se desmantelaron las estructuras y se desbandaron las compañías artísticas, en varios casos dejando varados a los extranjeros. Los juglares de la India y magos chinos recorren Estados Unidos, comienza una fiebre por la magia con estilo oriental (los llamados juglares de la India se habían presentado desde inicios de siglo XIX en Reino Unido) La magia americana toma muchos elementos de ellos. Harry Houdini asegura haber aprendido de chinos en la feria el truco de tragar agujas y sacarlas de nuevo de la boca enhebradas en un hilo. Magos de occidente imitan mucho a los de oriente, siendo uno de los ejemplos más famosos William Robinson que se hacía pasar por el chino Chung Ling Soo.

Se da una mezcla, digamos un “mestizaje” de magia. En occidente se conocen formas tradicionales de magia de oriente y se les comienza a adoptar. Al abrirse fronteras también en oriente comienzan a adoptar estilos de occidente. El libro concluye planteando que en la feria de 1893 la magia oriental “apareció” en occidente y al mismo tiempo comenzó a “desaparecer” en sus lugares de origen.

Entra también a flote el tema de la época de probar que la magia occidental era superior a la oriental y la apropiación de la misma. Para más detalles se puede leer The rise of the Indian rope trick.

En este tema se hace el planteamiento de si Robert-Houdin se refería a esto al escribir en 1878 que “un mago no es un malabarista” (juggler o jongleur se puede traducir como juglar o malabarista) Frecuentemente se traduce o entiende en el contexto de malabares ¿pero acaso se deslindaba de los juglares de la India y otras tierras?

Fair Tricks es un libro realizado con una meticulosa investigación. Publicado bajo el sello de Reginald Scot Books (interesante nombre ya que remite al autor de Discoverie of Witchcraft, primer libro en inglés que explica trucos de magia en 1584) en su tercera edición está limitado a 250 ejemplares y se puede conseguir directamente con los autores.

Fair Tricks, The Magicians at the Columbian Exposition, Chicago 1893
Jim y Sage Hagy
2019. Tercera edición 2021.
Reginald Scot Books. 121 páginas.

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#magia

Les Illusionnistes

Orillas del parque Pine Beach, donde se llevaría a cabo el espectáculo.

Les Illusionnistes es un espectáculo de Magie Nouvelle que combina música, clown, magia y teatro, interpretado por Andree-Anne Gingras-Roy y Marc-Alexandre Brûlé en la provincia de Québec. Tras presentarlo un centenar de veces en espacios abiertos debido a la pandemia, se ha anunciado que en la primavera de 2023 pasarán al escenario en espacios cerrados.

Durante el verano participaron en funciones en diferentes parques, llevando al público su “recital de magia bajo los árboles” como lo describe su sitio de Internet.

El 21 de julio tuve la oportunidad de verlos en Dorval, en el área metropolitana de Montreal. Originalmente programados en el parque de Pine Beach, debido al fuerte viento de esa tarde, se cambió a un salón en el Centre Communautaire Sarto-Desnoyers.

La Magie Nouvelle (magia nueva) es un movimiento iniciado en 2002 en Francia por Raphaël Navarro, Valentine Losseau y Clément Debailleul. Robert-Houdin, a mediados del siglo XIX sentó las bases de lo que se conoce como magia moderna, sacar la magia de las calles y llevarla a los teatros donde se convierte en un entretenimiento refinado y burgués. A grandes rasgos, la nueva magia mezcla diferentes disciplinas escénicas para formar un espectáculo de magia que no es magia, no es danza, no es circo, sino algo cargado de emociones.

Fui al espectáculo con grandes expectativas pues la Magie Nouvelle es algo que me interesa particularmente y caí en cuenta que en marzo de 2020, el último espectáculo que vi en vivo cuando se dio el cierre por pandemia, fue Donka, de la Compagnia Finzi Pasca, donde trabajó Andree-Anne Gingras-Roy, de hecho al ver el video promocional, una escena con copas musicales me recordó de inmediato a La Veritá de Finzi Pasca, donde Gingras-Roy también participó. Les Illusionnistes fue el primer espectáculo en vivo al que asistí tras la pausa de la pandemia.

Desafortunadamente no fue lo que esperaba.

Me pareció lleno de clichés, iniciando con Brûlé moviéndose por todos lados fingiendo ser un técnico que está haciendo arreglos de última hora. Se tiene poco diálogo, casi todo el tiempo los intérpretes hacen ruiditos y los pocos textos son inconexos. También los actos me parecieron inconexos. La música la sentí poco integrada al espectáculo. Lo que a mi gusto fue el acto de magia más fuerte no se usó para cerrar, en su lugar se usó un truco muy utilizado por los magos para cerrar espectáculos ¿otro cliché? Al finalizar el público se quedó sin entender, sin moverse de su lugar, los artistas tuvieron que anunciar que ya había finalizado. Me parece un indicador de que la estructura no fue la correcta. En la función en cuestión a la que asistí se había posteriormente una sesión de preguntas y respuestas y una breve explicación sobre la Magie Nouvelle. No se realizaron estas actividades. Es una buena idea, un gran esfuerzo acercar el espectáculo a la gente (el tour por parques fue gratuito para los espectadores) en la página se enlistan varios consejos de artes de Canadá, Montreal y Québec, y participaron en festivales con La TOHU, un importante recinto circense en Montreal. Tiene mucho que dar, pero creo que falta afinar muchos detalles.

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#teatro

La Leyenda de Robin Hood

Detalle del póster de «La Leyenda de Robin Hood» Se muestra con fines ilustrativos.

En marzo del 2020 fue la última reseña que publiqué de una función en vivo. Debido a la pandemia las reseñas se han enfocado más a libros, videos y películas. En esta ocasión, casi dos año y medio después, va la primer reseña de un evento en vivo.

Como parte de la Temporada Académica 2022 de la Escuela Nacional de Arte Teatral, se presenta La Leyenda de Robin Hood, examen de tercer año, grupo 1, de las carreras de Licenciatura en Actuación y Licenciatura en Escenografía. Por primera vez en lo que tengo conocimiento, la puesta en escena se realiza fuera de los espacios de la ENAT y se trasladan a la Plaza de las Artes del mismo Centro Nacional de las Artes.

Me parece muy atinado que se realice al aire libre y sobre todo que se aproveche muy bien el espacio. Comienzan con una procesión donde adentran al espectador al mundo medieval de Robin de Locksley al ritmo del tradicional Saltarello. A lo largo de la obra, el espectador tendrá que mover su asiento para utilizar cuatro frentes diferentes. Este uso de espacio no convencional me gustó mucho, ya que se crean ambientes bien delimitados donde se aprovecha además la arquitectura. Comenzando en una plaza, la procesión avanza flanqueado por columnas hasta su asiento, donde verá al palacio por un lado, el bosque de Sherwood por otro y dos diferentes plazas en otras zonas. La profundidad que crea la escalera de la Biblioteca de las Artes es impresionante y se utiliza muy bien.

Partiendo de la contienda entre si es mejor el trovador de la corte o el juglar callejero, se narra en tono fársico la historia de Robin Hood, llena de personajes ridículos. Vale la pena ver con cuidado el vestuario para no perderse los detalles tan cómicos que incluye.

A lo largo de la historia se intercalan canciones conocidas con la letra modificada en mayor o menor medida para adaptarse a la historia. El acompañamiento musical es en vivo. En ciertos momentos se llega a perder un poco la voz en el espacio abierto y con el ruido ambiental, sin embargo, los coros y canciones grupales resuenan con gran potencia. Sobre el ruido ambiental se aprovechan bien pasos de helicópteros para hacer algún chiste o incluso un cohete que sonó en los alrededores en el momento adecuado quedó perfectamente incluido en la historia.

Las generaciones actuales no la han tenido fácil pues una parte de su carrera fue en línea. Los gremios artísticos y escénicos han sido de los más golpeados. Afortunadamente este grupo ha seguido adelante y con entusiasmo presenta un montaje bien preparado y buenas actuaciones. En particular me gustaron los coros, la música en vivo y la forma en que se utilizó el espacio. Como pensamiento final, la obra está ambientada en una plaza donde nos cuentan la leyenda de Robin. Al estar verdaderamente en un espacio abierto (aunque delimitado y sin acceso tardío) existen ruidos y distractores. Los actores están utilizando a su favor estas distracciones, que es lo que sucedería en un espectáculo real en una plaza, por lo que están adquiriendo tablas en un área que no tendrían en un foro convencional.

El programa de mano debe ser accesible por medio de código QR ¿modernidad o efecto de la pandemia? Sin embargo el enlace no funciona correctamente, por lo que desafortunadamente no podré dar los créditos completos. La temporada finaliza este domingo 13 de agosto. Entrada libre con boleto de control, los boletos se entregan en el pasillo frente a Casa Serra. Aforo 70 personas, uso obligatorio de cubrebocas, se recomienda llegar con anticipación. Para toda la familia. Muy recomendable.

La Leyenda de Robin Hood.
Alumnos de 3-1 de las Licenciaturas de Actuación y Escenografía.
Autores: Mauricio Kartun y Tito Loréfice.
Dirección: Ricardo Ramírez Carnero.
Plaza de las Artes, Centro Nacional de las Artes.
Sábados y domingos 11:00 y 15:00 horas.
Hasta el 14 de agosto.
Duración aproximada: 90 minutos.

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