Daniel Kehlmann escribió en 1997 La noche del Ilusionista, su primer novela, estando todavía en la universidad. Con ese título y la portada mostrando una imagen de una película de Georges Méliès de inmediato llamó mi atención.
La novela lleva una narrativa en primera persona, donde el protagonista cuenta su vida, pasando su interés de las matemáticas a la religión y finalmente a la magia como arte escénico. Sin ser un texto filosófico per se, presenta argumentos de porqué se interesó en estos temas, mostrando que los tres son en realidad lo mismo.
Con humor muy sutil se presenta la historia de Arthur Beerholm, su ascenso y descenso por el mundo de la magia, siendo este un reflejo de la vida.
Me llamó particularmente la atención, y es por lo que se incluye en Por los Teatros, un pasaje en el que Arthur explica su concepción de la magia y por qué los magos de trucos fracasan: saben que lo que hacen es falso; así como la explicación de como superar ese fallo. Esas dos páginas pudieran haber sido escritas por alguno de los grandes teóricos de la magia y aquí están dentro de una historia ficticia, pero no alejada de la realidad.
También me pareció interesante la interpretación de la historia de Merlín y Nimué, dando un giro a la tradición en la que Nimué vence a Merlín.
Me parece un libro interesante, por momentos la historia raya en la fantástico, onírico o alucinaciones. En varios momentos creí detectar cuál es «la noche» a la que remite el título y me había creado un final, el cual fue diferente al proporcionado por el autor. Es otra de las virtudes de la novela: va atrapando al lector quien va creando su propia historia.
La noche del Ilusionista Daniel Kehlmann Nocturna Ediciones España, 2015 186 páginas
Portada de The Instant Illusionists and the Cleveland Bunch. Cortesía de Jim Hagy.
Jim Hagy nos ofrece un libro más con la calidad que lo caracteriza: profusamente ilustrado y muy bien documentado. En este volumen describe la escena mágica en Cleveland durante fines del siglo XIX y las décadas iniciales del XX.
Comienza con una exposición de la escena del Vodevil y los llamados circuitos de Lyceum y Chautauqua. Se mencionan las dificultades, usos y costumbres de cada uno de esos inmuebles, la comparación con el “teatro formal” y los problemas que causaban los monopolios.
Posteriormente ofrece datos biográficos de diferentes magos, amateurs y profesionales, que formaron el grupo conocido como el Cleveland Bunch. Algunos siguieron una carrera profesional toda su vida, otros solo por un tiempo, para dedicarse a otros trabajos más redituables o al menos más estables.
Algunos de los magos más influyentes fueron John Grdina, Karl Germain y Stuart Cramer. Varios de los personajes enumerados en el libro deben su carrera mágica a John Grdina. En el caso de Stuart Cramer, se convirtió en el biógrafo de Karl Germain. No solo se proporcionan biografías de magos de Cleveland, somos testigos de las amistades que se forjaban y de un grupo que apoyaba a sus miembros.
El libro va dedicado «Recordando a John Grdina y a todo el Cleveland Bunch, quienes al final de su vida compartieron su entusiasmo y confiaron sus aparatos a un niño pelirrojo que se convirtió en admirador y ahora es autor de sus relatos» (traducción aproximada). Así es. Jim Hagy fue uno de los magos que recibió el apoyo de John Grdina.
Con 328 páginas, de las cuales 42 cubren las 1350 notas, se trata de un libro perfectamente documentado, el trabajo involucró la consulta de cientos de periódicos, revistas, documentos, cartas, libros y grabaciones personales. Está impreso a todo color, lo que permite apreciar muy bien las múltiples fotografías.
Las publicaciones de Jim Hagy acostumbran ser un cuadradito de 18×18 cm, lo cual me parece un formato diferente y muy atractivo.
La primer edición de The Instant Illusionist and the Cleveland Bunch: Dreams of a Vaudeville Life, fue distribuida en la European Magic History Conference, en Gante, Bélgica, en agosto de 2023, siendo una edición limitada de 200 ejemplares. Incluye separador.
Me pareció una lectura muy interesante donde se refleja la pasión de los integrantes del grupo. Se puede atestiguar el arduo camino que recorrieron para posicionarse dentro del mundo de la magia. Un camino que tuvo altibajos con los teatros, sindicatos, los cambios en el vodevil y la llegada del cine. Sin duda un libro que disfrutarán los amantes de la historia de la magia. Un registro invaluable que acerca al lector al ilusionismo de tiempos pasados.
The Instant Illusionist and the Cleveland Bunch: Dreams of a Vaudeville Life Jim Hagy Reginald Scot Books Estados Unidos, 2023 328 páginas
Libro Ionia, junto a su homónima, mandarina Clementina
Se conocen algunos posters de una maga llamada Ionia que trabajó durante un corto periodo a principios del Siglo XX. Se sabía que su nombre era Clementine de Vere, hija de un mago famoso de la época, Charles de Vere, y que estuvo un mes en el sótano de un hotel en Moscú durante la Revolución Rusa. Poco más se conocía sobre ella.
Charles Greene III, mago corporativo, se interesó en Ionia a mediados de los años 70s al ver un póster sobre ella en el libro 100 Years of Magic Posters. Décadas después descubrió la columna A Rich Cabinet of Magical Curiosities del Dr. Edwin Dawes, quien en 1978 escribió sobre la familia de Vere, dando a conocer a Ionia a los magos. El interés de Greene por esta enigmática maga lo ha llevado a recorrer ciudades por varios países, buscando en diversos archivos. El libro Ionia, Magician Princess, Secrets Unlocked, es la recopilación de su trabajo de investigación, el cual continúa, pues no se ha descubierto aún toda la historia de Clementine de Vere.
Nacida en una familia del mundo del espectáculo, Clementine se casó muy joven con un domador de animales, ella trabajó también con diversas fieras y solía pasear por Londres con un oso. Tras separarse de su esposo, siguió el camino de la magia presentándose como Ionia, teniendo en su haber diversas litografías para publicidad. El autor hace una descripción sobre el proceso litográfico y dimensiona la dificultad y costo que debió tener la producción de la cantidad de posters que se afirma tenía.
Pocos años después Ionia desaparece. Clementine abandona la magia y se convierte en princesa al casarse con un “príncipe” ruso.
Charles Greene III proporciona datos biográficos de diferentes personajes involucrados en la historia de Clementine, proporciona notas de periódico donde se mencionan diversas presentaciones y va desenvolviendo la maraña alrededor del personaje que nos ocupa.
Cambiando frecuentemente de nombre, utilizando pasaportes de diferentes nacionalidades, según convenía en cada momento, Clementine fue domadora de animales, maga, princesa, empresaria de bienes raíces, dueña de una cafetería, exiliada, viajera por el mundo y acaso espía.
Servicios de inteligencia tuvieron interés en ella y surge la duda de dónde provenía siempre el dinero, aunque estuviera en aparente exilio a causa de la guerra.
El libro es un trabajo muy bien documentado, nos presenta a un personaje complejo y enigmático, dejando más preguntas que respuestas. El autor ha hecho un trabajo de investigación muy completo durante varias décadas, revisando archivos, periódicos, colecciones privadas y ampliado su colección particular sobre Ionia en el proceso, con los costos que eso involucra.
Se trata de un libro de tapa dura, impreso en papel brilloso de primera calidad, a todo color. El tomo se siente pesado. Se muestran fotografías y reproducciones de todas las litografías conocidas de Ionia (que son menos de las que ella afirmaba existían)
Un trabajo muy recomendable, escrito para público general, hace las explicaciones necesarias para que todos los lectores entiendan de lo que se está hablando. En capítulos finales se ofrecen un truco de magia y un par de recetas de cocina con temas relacionados a Ionia/Clementine.
Ionia, Magician Princess, Secrets Unlocked Charles Greene III 2002 305 páginas. Edición del autor, disponible en IoniaSecrets
David Tobias Bamberg (Londres, 1904 – Buenos Aires 1974), mejor conocido como Fu Manchú fue el último eslabón de la dinastía de los Bamberg, magos de origen holandés que por generaciones practicaron dicho arte.
David Bamberg escribió un manuscrito con dos partes muy diferenciadas: una técnica con explicación e historia de sus efectos y otra autobiográfica. En 1973 se publicó The Oriental Magic of Bamberg. Para desilusión de David, solo contiene la parte técnica, además de compartir autoría con Robert Albo y Erick Lewis. Murió unos meses después sin ver la parte biográfica disponible para el público.
Fue hasta 1988 que David Meyer presentó Illusion Show, la autobiografía de David Bamberg, sin embargo, quedaron fuera algunos pasajes del manuscrito original. El libro en inglés ha estado agotado por mucho tiempo.
A principios de 2025 (con copyright de 2024) tras años de gestarse, salió por primera vez la edición en español, bajo el nombre Fu Manchú una vida para la magia, publicada por Bazar de Magia (Argentina) editado por Martín Pacheco y traducido por Enrique Jiménez-Martínez.
Es una edición lujosa, de gran formato, tapas duras, papel lustroso e ilustraciones a todo color. Se incluyen anexos con algunos pasajes omitidos en la edición en inglés, el guion del Bazar de Magia, así como fotografías de vestuario y aparatos.
La lectura es fascinante y entretenida. Fu Manchú (no confundir con el personaje de las novelas de Sax Rohmer, aunque el mago toma su nombre de él) narra sus inicios en la magia, diferencias con su padre Tobias “Theo” Bamberg (Okito) y cómo va evolucionando su personaje y espectáculo. Narra además las múltiples aventuras y vicisitudes que pasó a lo largo de los años con su espectáculo itinerante a través de Estados Unidos, España, Cuba, México y Sudamérica.
Respecto a México, podemos leer sobre sus presentaciones en diferentes teatros y su carrera como actor de cine.
Fu Manchú fue un mago muy influyente en América Latina, al leer la descripción de los efectos que presentaba, podemos ver que muchos de ellos inspiraron a exponentes de la magia en México. Estoy convencido de que Chen Kai respetaba a Fu Manchú y Fu Manchú respetaba a Chen Kai. Dos grandes magos.
Los anexos por momentos se vuelven repetitivos, por ejemplo, el artículo Fu Manchú, su trascendencia en el mundo mágico por Martín Pacheco, da la impresión de ser un texto concebido para publicarse por separado. Al incluirse al final del libro, resulta repetitivo mucho de lo que menciona, es decir, acabamos de leerlo de primera mano, narrado por el propio David Bamberg. De igual forma, las descripciones de las fotos finales usan los mismos calificativos una y otra vez, pareciendo haberse planeado por separado, pero no como unidad.
No me gustó que el editor pareciera querer meter su nombre por todos lados y la lista de agradecimientos está mal escrita, colocando nombres y apellidos separados con comas (Bamberg, Familia, Copperfield, David, Caveney, Mike) esto dificulta la comprensión de los nombres y hace pensar sobre el poco cuidado al agradecer a quien apoyó en el proyecto.
Una vida para la magia es muy buen libro, en él podemos ver cómo la magia internacional, particularmente en América Latina está en deuda con Fu Manchú. Un gran libro para los amantes de la magia y la historia que tras mucho trabajo está disponible en español. Desafortunadamente el alto precio y que solo se consiga en una tienda en Argentina y un par en España, lo pone solo al alcance precisamente de los amantes de la historia de la magia. La autobiografía de Fu Manchú merece ser conocida por más gente. Ya que no se comparten detalles técnicos (los cuales están en el otro libro, prácticamente inconseguible) no veo problema con ponerlo al alcance del público en general.
Fu Manchu una vida para la magia Por David Bamberg Editado por Martín Pacheco Traducción Enrique Jiménez-Martínez Bazar de Magia, Buenos Aires. 2024 407 páginas
Hace unos años vi Un Tranvía Llamado Deseo en el Teatro Helénico. Acababa de leer la obra en inglés y eso me ayudó a tener fresca la historia e identificar frases que en el original están en español, a mi modo de ver, poniendo de manifiesto que los personajes viven en la zona pobre y marginal de la ciudad por ser el área de inmigrantes. Ese montaje fue muy malo. Salí decepcionado, no le creí nada a los actores y trataron de hacer la obra políticamente correcta. No hay manera que el Tranvía sea políticamente correcto. Posteriormente encontré en un periódico de circulación nacional una reseña que parecía nota de sociales hablando del modelo que debutaba como Stanley y su prometida entregándole flores al final de la función. Se notaba que no era actor y la nota cubría el estreno con prensa, familiares y amigos, donde todo es bonito. La función a la que asistí fue la siguiente, es decir la primera con público general. Esa reseña en particular fue una de las razones por las que comencé a incubar la idea de hacer Por los Teatros.
Pasando a 2025, Un Tranvía Llamado Deseo se presenta en su tercera temporada (Teatros Julio Castillo, Salvador Novo y nuevamente Julio Castillo) siendo algo totalmente diferente a lo que vi aquella vez.
El montaje no es muy convencional en el sentido de tener música, canciones y efectos de voces en vivo. Los personajes secundarios interpretan también esa parte sonora. El escenario es un entarimado que se convierte en el departamento de Stanley y Stella, teniendo público en todo el rededor de éste. Al ser un escenario prácticamente en 360 grados, hay momentos en que las luces son incómodas al dirigirse hacia los espectadores.
La obra está muy bien trabajada. A pesar de ser escenografía minimalista, prácticamente inexistente (solo el entarimado con puertas en el piso y un baúl) nos trasladan perfectamente a esa habitación con baño.
En ocasiones la violencia verdaderamente incomoda. Como decía, no hay forma de que la obra sea políticamente correcta. Sin embargo, hay veces en que hay tantos gritos al mismo tiempo que no se entiende lo que se dice. También se pierden algunos diálogos cuando hablan hacia el otro lado de la audiencia.
Cuando la obra se estrenó en 1947 causó furor por la temática y fue censurada. Casi 80 años después sigue siendo muy actual. La escena en que Stella perdona a Stanley, lo disculpa ante Blanche y todo es normal, parte de lo cotidiano, rompe el corazón. Durante el intermedio, las muchachas de atrás dijeron “Stanley está guapo”. Justo es una de las razones por las que Stella disculpa su violencia.
Durante el segundo acto, hubo un momento hacia el final en que se empezó a sentir mucho calor en la sala. Me pregunto si es a causa de la energía contenida del público y la energía desbordada en el escenario.
La actuación final de Mitch borracho no me gustó, me pareció demasiado, casi acrobática.
El público de pronto se ríe en los momentos menos adecuados ¿risa de nervios? Situaciones nada cómicas produjeron varias risas.
La obra es larga, está anunciada de 3 horas. Antes de empezar en el vestíbulo hubo una intervención de poesía con lo que el acceso a la sala y el inicio se la presentación se retrasó. Recomiendo considerar 3 horas y media. Debido a la duración todas funciones, incluso entre semana son a las 6:30.
Un Tranvía llamado Deseo. De Tennessee Williams. Adaptación y dirección: Diego del Río. Con: Mariana de Tavira, Rodrigo Virago, Astrid Mariel Romo, Alejandro Morales, Mónica Jiménez, Andrés Panella, Rodolfo Zarco, Federico Di Lorenzo, Gonzalo de Esesarte, Diego Santana, Patricia Vaca.
Actualmente en el Foro 37 se presenta Oficínico con el Mago Dínez (Daniel Haddad). Se trata de un espectáculo unipersonal que puede describirse como teatro, magia, monólogo con humor para oficinistas.
De lo que me quejo con más frecuencia es de los programas QR y la impuntualidad. La función inició 32 minutos tarde, no se si se sea lo normal en el 37 con la intención de generar consumo en el bar.
Dínez da la bienvenida al público a una mezcla de conferencia motivacional empresarial con capacitación laboral. Comienza a dar una cátedra sobre la mujer barbuda y prosigue contando su propia historia y cómo desde niño quería ser un oficínico.
A lo largo de la exposición, vemos a Dínez escalar en los puestos de su oficina, mientras tanto, va ilustrando la historia con trucos de magia.
Saldrán a la luz situaciones del día a día de todo «Godín», como engrapadoras, tuppers calentados en el microondas, personal que quiere todos los informes en papel y por supuesto, no pueden faltar las impresoras que fallan en el momento menos oportuno.
Daniel es actor y se nota, pues los textos fluyen de manera natural sin sentirse aprendidos. Las situaciones y chistes harán reír no solo a los oficinistas, aunque seguro se identificarán más.
La magia en su mayor parte es aderezada con humor. Algunos efectos son clásicos y otros son bastante novedosos, de cualquier forma, bien integrados con la historia.
Ofícinico muestra la historia de todo empleado que ha dejado sueños a un lado para subir en la escala Godín. Pero ¿hasta dónde es bueno dejar los sueños?
Muy recomendable y no ahondo más ni en la historia ni en la magia para no revelar lo que les espera en la presentación que estará haciendo el Mago Dínez todos los jueves de abril en el Foro 37 de la Colonia Juárez.
Oficínico Con el Mago Dínez (Daniel Haddad) Duración aproximada 1:30 horas.
La Karpa de Mente ofrece la Licenciatura en Artes Circenses Contemporáneas, como trabajo de los alumnos de la Licenciatura, tuvieron la temporada de estreno de Momo o la extraña historia de los ladrones de tiempo, que duró tres semanas en la Karpa.
Acudí al cierre de temporada, atraído por la oferta de «circo, danza, teatro y música», todo bajo la dirección de Iván Mondragón y Edgar Zendejas, éste último ha trabajado con Cirque Eloize de Montreal, por ejemplo Sept moments de joie.
Lo que no me gustó: La impuntualidad. Comenzó 26 minutos tarde. Para una obra de una hora de duración es un retraso sustancial. Otro punto en contra fue el personal de la Karpa que trataba de jalar los aplausos del público, generalmente sin mucho éxito. Esto me llamó la atención, pues al ser fin de temporada había muchos familiares y amigos, sin embargo, se sentía una respuesta un tanto fría.
Por más que quise visualizar la historia de Momo de Michael Ende, no la encontré. Debe ser una interpretación muy abstracta de la novela. El montaje me parece interesante pues une muy bien las disciplinas que promete: circo, danza, teatro, música. Hay músicos en escena, existen secuencias coreografiadas y por supuesto hay circo.
Muy al estilo del circo contemporáneo canadiense, los números suelen ser hasta tres actos simultáneos: simultáneos: puede haber un acto aéreo mientras otra persona hace malabares y un grupo interpreta una coreografía. En ocasiones uno tiene que decidir a cuál de las cosas ponerle atención.
El espectáculo tiene malabares, equilibrio de manos, pulsadas, rueda Cyr, monociclo, números aéreos en trapecio y en plástico, entre otros. Hablando del plástico, hay exploración de materiales y objetos que no suelen usarse en los actos circenses. Eso me pareció muy interesante, aunque no necesariamente el resultado sea placentero.
La obra comienza con un hule enorme, a modo de tela, para acrobacia aérea. Nunca había visto eso, seguro tiene una dificultad particular al ser más rígido que una tela, pegajoso y adherirse con el sudor. No me gustó. Rechina con las evoluciones del artista y no tiene la caída fluida que da una tela.
Un acto de malabares con cajas de cartón fue interesante pues nunca había visto algo así, con objetos tan grandes, solo que falta fluidez. Los números de malabares en grupo de cuatro personas me gustaron a pesar de haber varias fallas.
La obra en general me pareció interesante. Tiene muchas cosas rescatables. Creo que todavía falta práctica para que se vea fluido. Me encantaría que no quede en esta temporada. Me gustaría que los alumnos sigan trabajando en ella y ver el resultado más adelante.
Respecto a “la respuesta fría del público” en un momento dado creo que entendí la razón. En un punto de la obra, una de las chicas vio hacia el público, pero parecía ver al infinito, no mirar al público sino más allá. Es decir, había cuarta pared, como en el teatro o en la danza. En el circo estamos más acostumbrados a que no exista esa pared y haya una comunicación más estrecha con la audiencia. Posiblemente el público lo sentía y por eso no se sentía invitado a aplaudir, sino hasta el final, como se hace en el teatro. Cabe mencionar que el aplauso final fue atronador.
El espectáculo se presentará el 29 de marzo a las 14:00 horas en el Pabellón Circense del Centro Nacional de Artes en el marco del programa Escenarios Convergentes por el Día Mundial del Teatro.
Momo o la extraña historia de los ladrones de tiempo. Dirección: Iván Tonantzin Mondragón y Edgar Zendejas. Música e interpretación: Hugo Morales Zendejas y Adrián Robledo. Estudiantes LACC: Quetzalli Coyol, Grecia Gómez, Ericka Giovanna Gutiérrez, Juan de Dios Hernández, Luisa Lucía Hernández, Rodrigo Iván Hernández, María del Carmen Hudlet, Alma López, Alejandra Martínez, Xochiquetzalli Montiel, Mauricio Pretelin, Karol Lizeth Villegas. Duración: 1:00 hora
Tras 40 años de presentarse en la isleta del lago menor de Chapultepec, El Lago de los Cisnes dejó de presentarse en dicho lugar en 2016. En su momento se indicó que se trataba de una versión mutilada y se apostaba a montar la versión completa. Además que el clima frecuentemente era un problema. Al ser la temporada en febrero – marzo siempre había cancelaciones por lluvias. Con una duración de apenas una hora y final feliz, era bonita de verse, pero muy alejada de la versión tradicional.
Posteriormente se han realizado temporadas en el Palacio de Bellas Artes, desafortunadamente, como siempre sucede con la Compañía Nacional de Danza, las temporadas son de pocas funciones y al ser Lago una de las obras que más gusta al público, los boletos se agotan en un par de días.
Como anécdota personal: En la segunda mitad de 2017 pude conseguir realmente el último boleto de la temporada. Tras mostrarse en línea totalmente agotado, me apareció un solo boleto en todo el Palacio y en un buen lugar de la Luneta (plata baja) Rápidamente lo compré. El 19 de septiembre un fuerte sismo sacudió a la ciudad y por un par de semanas se cancelaron eventos masivos. La función para la que tenía boleto fue la única afectada. Cancelada sin posibilidad para reprogramar fecha.
Es hasta febrero de 2025 que pude ver por primera vez la obra completa con orquesta. Años atrás la había visto con una compañía rusa en el Metropólitan, pero sin orquesta. Nuevamente, en Chapultepec, era pista y una versión abreviada.
Cambia mucho con orquesta. No se por qué la Compañía lleva algunos años alternando funciones con y sin orquesta. Definitivamente es mejor con música en vivo.
Me gustó. Tiene motivos coreográficos bonitos, patrones que se van repitiendo, creando unidad y continuidad. Los momentos de los cisnes en verdad hacen ver una parvada. El único detalle, que frecuentemente tengo con la CND, es que los hombres suelen oírse pesados al caer de los saltos, haciendo mucho ruido en el piso.
La obra en vez de dividirse en cuatro actos, la presentan en dos actos de dos cuadros cada uno. Me llamó la atención que no tienen marcadas pausas para agradecer en las variaciones. Los momentos de saludos son entre los personajes, no hacia el público. Esto no impide que el público, como siempre, aplauda en momentos inoportunos. Las pausas, los silencios, están en la partitura por algo, no para que se aplauda en cada silencio presente.
El Palacio era de los recintos que tenían una política más estricta respecto al uso de cámaras. Desafortunadamente ya no se controla y mucha gente estuvo grabando y tomando fotografías durante la función, siendo notorio que lo hacían en las partes famosas mediáticamente, como en la danza de los cuatros cisnes, no así en el pas de deux de Odile con los 32 fouettés.
Con la salida de Lago en Chapultepec y La Bella Durmiente en el Castillo, solo ha quedado de manera regular El Cascanueces en el Auditorio Nacional, edificio que me parece muy malo para ballet. Me dio mucho gusto finalmente ver Lago de los Cisnes en el Palacio de Bellas Artes. Espero que pronto se considere tener temporada de manera regular en dicho recinto.
Lago de los Cisnes. Coreografía: Cuauhtémoc Nájera sobre originales de petipa e Ivanov. Música: Piotr Ilich Chaikovski. Dirección de orquesta: Gavriel Heine.
En 1988, Daniele Finzi Pasca escribió Ícaro, estrenándose en 1991, en la compañía que en ese tiempo era el Teatro Sunil. Facundo Ponce de León en su libro Daniele Finzi Pasca, Teatro de la Caricia señala que la obra es una suerte de manifiesto de la compañía. Es lo que sienta las bases de lo que será el “teatro de la caricia” de Finzi Pasca. Es la obra con la que se da a conocer y le abre las puertas a grandes proyectos. 34 años después, Ícaro sigue presentándose, haciendo reír, emocionando y conmoviendo al público.
Ícaro había estado con anterioridad en la Ciudad de México, sin embargo, en aquellos años no tenía el nombre de Daniele Finzi Pasca en la mira, aunque seguramente había visto algo de él sin saber siquiera quién era el director (Rain de Cirque Eloize se presentó sin programa de mano ni mayor información. Ese fue mi primer acercamiento al trabajo de Daniele) Ahora conociendo su trabajo, no podía perder la oportunidad de ver la obra tan representativa.
Vino a México a un festival en Mérida. Siento que las fechas se anunciaron con poco tiempo, posiblemente aprovechando su presencia en Yucatán para enlazar más ciudades. En el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris se presentó tres días, de miércoles a viernes. Al ser entre semana y con premura, creo que no llegó a toda la gente que pudiera interesarse, aunque vi con gusto que la tercer función estuvo completamente agotada.
La premisa, como lo indica Ponce de León, es sencilla: dos personas que se acaban de conocer (Daniele y un espectador) tratan de escapar volando del hospital donde se encuentran, en una habitación sin puertas ni ventanas.
Es clown en su máxima expresión: situaciones muy simples llevadas a puntos absurdos que causan risa. También es el teatro de la caricia en su estado más puro: tanto hace reír como puede hacer llorar. Vemos dos personas jugando con la imaginación, contando historias de cómo escapar de la realidad en la que están. El espectador poco a poco va entrando en el juego y comienza a proponer cosas.
En el trabajo de Daniele abundan las cosas que vuelan y objetos que caen. En este caso no los hay, aunque el plan de salir volando pudiera ser una primer mirada a ese tema recurrente.
Finzi Pasca de joven trabajó con enfermos de lepra en la India. Sunil fue un muchacho muy enfermo que estuvo a su cuidado, aferrándose a la vida 24 días aunque no esperaban que durara más de 24 horas. Con él, Daniele aprendió lo que sentaría las bases del teatro de la caricia. Al ver Ícaro y oír al personaje hablar de Augusto, su anterior compañero de habitación, solo pude pensar en Sunil y la historia personal de Daniele. Al hojear el libro de Ponce de León encontré precisamente el párrafo en que habla del dolor de Augusto, insertado al final de la relación de la muerte de Sunil. No pude evitar unas lágrimas.
Al momento de escribir la reseña, Daniele ha agradecido a México por tan bellas funciones y anunció que en 2026 traerán Titizé, la nueva producción de la compañía. Estaremos al pendiente. Mientras, vale la pena leer una vez más Daniele Finzi Pasca, Teatro de la Caricia por Facundo Ponce de León.
La última vez que la Compagnia Finzi Pasca estuvo en México fue en marzo de 2020, cuando todo el mundo comenzaba cierres por la pandemia. La temporada tuvo que cortarse para que los artistas pudieran regresar a casa antes de que se apretaran los cierres de fronteras. Cinco años después, recibimos con gusto esta nueva temporada.
Clown Company Art presenta Show Clown en el Foro Mitz, anunciado como comedia, ópera, ballet, malabares y más. Con un cartel que ofrece un espectáculo interdisciplinario inmediatamente quise verlo. Desafortunadamente no me gustó.
El espectáculo parte de la premisa de que un personaje escapa del manicomio y en un diario escribe lo que verá. Nunca vuelvo a ver esa premisa, en realidad son actos sueltos, independientes entre ellos. La danza y ópera son solo un pretexto, se les pudo explotar mucho más para hacer algo realmente multidisciplinario.
La dramaturgia de los actos es pobre, varias veces los siento inconclusos. En repetidas ocasiones tienen que explicar el chiste o decirle con palabras al público lo que no lograron comunicarle con señas. Si el chiste se tuvo que explicar, entonces es malo.
Para mi gusto ponerse una nariz roja, hablar agudo, reírse de todo y correr por el escenario haciendo resonar muchísimo el piso, no es clown.
De lo que puedo opinar más es de magia. Hay un acto de mentalismo que tiene errores en la continuidad y se puede sugerir el método a un ojo observador. Adicionalmente, hay un comentario improvisado, posiblemente tratando de tapar el error, que pone el dedo en la llaga y recalca la pista al método.
Mas adelante, hay un acto en el que se levanta una caja pesada. Mientras se habla con el público se oscurece el escenario, se paran los actores frente a la caja (obstruyendo la vista) y se escucha mucho ruido, seguramente colocando pesos. Toda la gente que pasó al frente, pudo cargar la caja fácilmente. Si la idea era hacer el efecto del cofre ligero-pesado no se logró.
Jesús Díaz, maestro de clown, en sus talleres dice que, si el payaso entra a escena con una guitarra y cada vez que la va a tocar tiene problemas para continuar, solo hay dos finales: o la toca o no la toca. Independientemente del resultado, el ejecutante debe ser capaz de tocar el instrumento. Por alguna razón, el público se da cuenta si la persona sabe o no tocar la guitarra. Si en realidad no lo sabe hacer, eso se nota y la audiencia sabe que al final no la tocará.
Durante el espectáculo hubo algunos momentos en que sentí desde el principio que no iban a hacer lo que ofrecían.
Lo único que me gustó fueron los malabares a cargo de Alfredo Velázquez. Es buen malabarista, trabaja con pelotas, clavas y aros. El techo del foro es bajo para algunas de las rutinas y lo rescató muy bien.
En una entrevista en YouTube, se menciona que los actos partieron de improvisaciones en un taller. Lamentablemente el producto no se siente terminado. Siguen siendo improvisaciones sin pulir.
Los actores tienen buenas credenciales, estudiaron en una buena escuela con los mejores profesores, se ve que tienen entusiasmo, pero falta para que sea un producto terminado. En dicha entrevista, una de las actrices dice que no es necesario estudiar clown muchos años. Aquí el resultado.
Nota: En el poster se muestra al Pájaro Verde de La Nouba de Cirque du Soleil ¿Por qué?
Show Clown Con: Karla Caos, Eder Tercero, Nicte Palacios, Marisol Martínez, Michelle León, Alfredo Velázquez.
Por los Teatros 