#danza, #video, Ballet, libros, pelicula

El Prodigio

Li Cunxin es un bailarín de origen chino que a principios de la década de los 80 desertó de China quedándose en Estados Unidos, posteriormente haciendo su vida en Australia. En 2003 publicó su autobiografía Mao’s Last Dancer (El último bailarín de Mao) que fue adaptada al cine en 2009 (distribuida a partir de 2010, en México debió ser a mediados de 2012) La película conserva el nombre del libro, pero en México se ofreció bajo el título El Prodigio. Esta reseña corresponde a la película.

La historia muestra a Li Cunxin desde niño, cuando es elegido por las autoridades de Mao Zedong para audicionar en la escuela de artes para estudiar ballet. Li es elegido, aunque no entiende para qué.

Tras la muerte de Mao se permite que Ben Stevenson, director del Ballet de Houston visite China e imparta algunas clases tras las cuales solicita un estudiante de intercambio para estudiar 3 meses en Houston. Cunxin es elegido.

En Houston, Li conoce los grandes edificios, los cajeros automáticos, ir de compras por vanalidades y lo que es gastar 500 dólares en un día cuando su padre ganaba 50 al año después de mucho trabajo. Un mundo lleno de libertades donde, entre otras cosas, baila lo que quiere y no lo que el gobierno indica. Al término de su estancia en Estados Unidos se niega a regresar a China. Después de tensas horas dentro del Consulado, el gobierno de Estados Unidos hace los arreglos para que pueda quedarse.

Anteriormente aquí en Por los Teatros comenté las películas White Nights y Bailando en el Desierto. El Prodigio es otra película que se siente como propaganda política, más al estilo de White Nights. En las 3 películas los protagonistas escapan de sus países. Bailando en el Desierto y El Prodigio se basan en historias reales. En White Nights y en El Prodigio se menciona que sus regímenes los obligaban a bailar ciertos temas y en Estados Unidos eran totalmente libres.

El Prodigio es una película bien lograda, la historia atrapa y apuesta totalmente por el sentimiento del espectador. Cuando salió en el cine un amigo dijo que la mitad de la sala estaba llorando y la otra mitad aguantándose las ganas. Y no lo contradigo. Es ese tipo de película.

La forma en que intercala el presente, el pasado, los recuerdos y los sueños crean en el espectador el efecto deseado. Sin embargo, al ofrecerse como historia real y sobre todo como autobiografía la tomo con cierta reserva ya que estos trabajos suelen maquillar la historia.

Algunas frases que se me quedaron desde la primera vez que vi la película son “Que no te molesten los pavos” un texto escrito en una playera con un elefante y pavos encima de él. No significa nada en particular, solo que no dejes que te preocupe lo que no importa. Otra es Li contestando “No quiero caminar, quiero volar” cuando pide polainas muy pesadas y el maestro le dice que con ese peso en las piernas no podrá caminar.

La película puede conseguirse en DVD y Blu-Ray distribuido por Quality Films. El único “pero” que le veo al DVD (no a la película) son los molestos anuncios al principio que no pueden saltarse.

El Prodigio (Mao’s Last Dancer)
Dirección: Bruce Beresford
Actuaciones: Bruce Greenwood, Kyle MacLachlan, Joan Chen, Amanda Schull, Chi Cao
2009
Great Scott Productions
Duración aproximada: 1:57 horas

#teatro, #video, circo

Cirque Éloize: Nomade

Portada del DVD de Nomade. Se muestra con fines ilustrativos.

En 2002, Cirque Éloize junto con Teatro Sunil crean el espectáculo Nomade. La nuit, le ciel est plus grand (Nómada. De noche el cielo es infinito) bajo la dirección de Daniele Finzi Pasca, que sería la primer obra que junto con Rain y Nebbia conforman la llamada Trilogía del Cielo.

La presente reseña es sobre la grabación realizada en 2005, todo parece indicar que en Trois-Riviéres, Canadá.

Tanto el estuche del DVD como el sitio de la Compagnia Finzi Pasca indican que la obra trata sobre ser nómada. Todos somos nómadas, viajamos de un amor a otro, de una pena a otra. El verdadero nómada viaja a través de sus memorias y de sus sueños. Para el que duerme bajo las estrellas el cielo es el infinito (De ahí el subtítulo) Cirque Éloize llevaba por entonces 10 años viajando por el mundo por lo que Nomade era una invitación a compartir momentos con una comunidad itinerante de artistas circenses.

Nomade, como buena parte del trabajo de Finzi Pasca, une historias, acrobacias, música y canto en vivo. Se pueden ver elementos muy característicos de su trabajo, como objetos o personas volando, cosas cayendo desde lo alto del escenario y lluvia. Personajes diciendo textos poéticos en el proscenio, rompiendo la cuarta pared y dándole esos textos directamente al público, frecuentemente iluminados con algún tipo de lámpara de mano.

El espectáculo incluye diversos números como lanzamiento de hachas, mástil chino, solo de trapecio, rueda Cyr (inventada por uno de los fundadores de Cirque Éloize) aro, cuerda y cinta aérea, malabares con clavas y de contacto, contorsión, saltos acrobáticos, banquine (saltos con trampolín semejante a un sube y baja) monociclo, un poco de magia, payasos, mano a mano, música y canciones.

Un programa muy completo y de gran calidad, la música tiene un estilo que transmporta a un ambiente gitano. La misma es interpretada en vivo tanto por músicos como por miembros del elenco de acróbatas.

Me llaman de manera particular el número combinado de rueda Cyr y aro aéreo. Dos disciplinas diferentes conviviendo al mismo tiempo en el escenario, mostrando de manera simultanea dos aros, uno en el piso, el otro en el aire. Sin protagonismos, es un número donde ambos artistas se complementan. No hay estrellas, no es el número del aro o de la rueda Cyr. El acto en si, son ambos. Otro número es el de los payasos bailando tango mientras tocan instrumentos al estar abrazados en la danza. Tienen un estilo de slapstick (causar risa por golpes) que no es de mi total agrado pero el tango es impresionante.

Los malabares en equipo son dignos de verse. Varios miembros del elenco trabajan con clavas en perfecta sincronía. Posteriormente tres mujeres con movimientos muy fluidos hacen una rutina de malabares de contacto con bolas de cristal.

Los números de saltos y mano a mano (cargadas) son impresionantes. Los saltos incluyen barras rusas, trampolines, torres humanas y acrobacias de piso. Entre los saltos, un acto se muestra a modo de competencia donde dos bandos se retan a realizar proezas más y más difíciles, al final con júbilo y compañerismo se ve que todo es un juego y la rivalidad no existe. Los números de mano a mano incluyen uno a modo de tres pistas donde 3 parejas se alternan para las cargadas.

Nomade se trata de un programa lleno de virtuosismo donde los artistas hacen de todo. De manera particular, los payasos (jóvenes) traen la vieja escuela donde realizan de todo y lo dominan. Todos los números traen pequeñas historias que nos transportan a mundos que tal vez solo existen en nuestras cabezas: una boda, hombres en un campamento admirando bajo las estrellas a una chica que se baña, varias parejas, amor, desamor, rechazos, homenajes, fiestas, deseos de opacar o sabotear a otros, pero sobre todo mucho júbilo.

Cumple sin lugar a dudas con el propósito de transportarnos en este viaje nómada, de despertar nuestra imaginación como niño oyendo un cuento antes de ir a dormir.

La compañía canadiense finalizó las presentaciones de Nomade en 2006.

Cirque Éloize: Nomade La nuit, le ciel est plus grand.
Dirección: Daniele Finzi Pasca
Producido en video por Amérimage-spectra Inc, CBC y TV5
Duración aproximada 1:35 horas
Audio en francés

#danza, #video, Ballet

Carmen (de Roland Petit)

Portada del DVD de Carmen con la Ópera de París. Se muestra con fines ilustrativos.

En 1949 por primera vez se hace una versión coreográfica de la ópera Carmen de Bizet. Roland Petit se toma libertades sobre el libreto y la música y en 5 escenas que suman aproximadamente 45 minutos narra la historia.

La acción inicia en una plaza donde Carmen pelea con otra mujer. Don José interviene y es como conoce a Carmen. En esta primer escena me llama la atención que la otra bailarina (personaje sin nombre) hace fouettés à la seconde que son más característicos de hombres y no es tan frecuente que las mujeres hagan.

Posteriormente están en una taberna donde se reúnen los amigos de Carmen, grupos de bandidos y rufianes. Don José se lleva a Carmen y tienen un dueto con mucho romanticismo.

Los amigos de Carmen irrumpen, están planeando un robo y Don José participará con ellos, le entregan un puñal para la tarea. Salen de noche a la calle y a un lado de una enorme carreta Don José mata al mensajero al que le roban la valija.

En la escena final, el torero Escamillo llega al pueblo, todos están muy emocionados por la corrida que comenzará en un momento. Hay coqueteos de Carmen con el torero y Don José se ve celoso. Escamillo, a diferencia de otras versiones no es el guapo Don Juan, mas bien parece un payaso presuntuoso, no solo en actitud sino vestuario y maquillaje me recuerdan a un payaso.

Todos entran a la plaza. Don José encara a Carmen y tras una escena de pelea montada muy bien con pasos y estética de ballet Don José la apuñala. La música de tambores crea una intensidad única durante la secuencia.

Carmen muere a los pies de Don José mientras salen sombreros de la plaza de toros. El pueblo, ajeno a lo que acaba de suceder, celebra a Escamillo. En la escenografía hay máscaras simulando el público en la plaza de toros. Al momento de la muerte de Carmen las máscaras parecen ser mudos testigos del crimen.

Es un ballet con mucha intensidad que entrelaza estéticas de ballet y de danzas españolas, transmite muy bien el ambiente. Haciendo una inevitable comparación con Carmen Suite, que es más conocida, la versión de Roland Petit es mas luminosa, colorida y terrenal, menos abstracta y las cosas suceden no por intervención del destino, sino porque así se van desarrollando los hechos.

La primera vez que vi esta obra fue aproximadamente hace 12 años, en una grabación de 1981 donde bailan Zizi Jeanmaire y Mikhai Baryshnikov, distribuida por Kultur. Jeanmaire fue quien estrenó la obra en 1949 al lado de Petit. Para la presente reseña vi la grabación con Clairemarie Osta y Nicolas Le Riche, en la Ópera de París, grabada en 2010 y distribuida por Arthaus Musik.

Tanto Osta como Le Riche tienen mucha fuerza en sus personajes. Como he mencionado antes Le Riche es señalado como uno de los bailarines favoritos de Petit en los últimos años de su vida. La bailarina del personaje sin nombre (tradicionalmente pensaría en Frasquita, amiga de Carmen) también me gustó mucho, tanto en su técnica como en interpretación.

Coreografía: Roland Petit
Sobre la historia de: Prosper Merimée
Música: Georges Bizet
Carmen: Clairemarie Osta
Don José: Nicolas Le Riche
Duración aproximada: 45 minutos

#teatro, audio

Séance

Séance es una palabra francesa que significa sesión o reunión. Se utiliza frecuentemente en inglés para referirse a las sesiones espiritistas. El espiritismo nació a mediados del siglo XIX cuando las hermanas Fox en Hydesville, Nueva York, aseguraban que podían comunicarse con los muertos que se manifestaban mediante golpeteos. Años después confesaron que todo era un engaño y los golpeteos eran sus dedos de los pies que podían hacer tronar cundo los movían. Aun con la confesión, el espiritismo había nacido y por todos lados se hacían sesiones.

En 2016 la compañía británica Darkfield creó Séance. Darkfield en su sitio de internet declara que crean experiencias inmersivas en contenedores de embarque, utilizando audio binaural 360, creando trabajo innovador entre teatro y tecnología. Actualmente se presenta en México, frente al Museo Rufino Tamayo en producción con Malanoche.

El audio binaural o 3D es un tipo de audio que por la forma en que se graba y mezcla, al ser escuchado con audífonos crea una sensación de estar entre las fuentes de sonido. Los sonidos suelen tener mucho realismo y se pierde la noción de qué está en la grabación y qué está realmente en el ambiente.

Séance es una ¿obra, performance, experiencia? que se lleva a cabo dentro de un contenedor de carga. Hay una mesa y 30 butacas, se pide que los espectadores se coloquen audífonos y posteriormente en completa obscuridad se realiza la “sesión”. Mediante audio 3D y efectos en que se sacude la mesa se hace la narración de aproximadamente 20 minutos. La publicidad del evento es de gran hipérbole: no es teatro, no da miedo, no se borran los límites de la realidad y la ficción, no se explora la psicología, no es inmersivo. Para mi gusto no es una “experiencia”, palabra tan de moda en los últimos años, para mí es un “simulador” ¿Recuerdan las capsulitas que se sacudían mientras mostraban una animación de montaña rusa?

Con presentaciones cada 30 minutos a lo largo del día, acudí en sábado a las 10:30 am, estuvimos 5 personas y en el horario anterior estuvieron 2. El audio tiene efectos interesantes como puertas abriéndose, gente tosiendo y voces que se escuchan reales distribuidas a ambos lados … si no fuera porque sabes perfectamente la ubicación de las otras 4 personas. Posiblemente con la sala llena se logre un mejor efecto, pero con poca gente se pierde.

En la mesa de la taquilla estaba un incienso apagado y un encendedor. Imagino que debieron ponerlo dentro del contenedor. En la historia hablan de un olor, pero no olía a nada.

Si están en la zona tal vez pueden darle una oportunidad, posiblemente en la tarde, esperando que haya más gente y ayude con la percepción de las cosas. Piensen en un simulador en los centros comerciales, si ya están ahí les llama la atención y entran, pero no harán un viaje, tal vez de horas, especialmente para subirse a él. El precio es otro factor para tomar en cuenta, cuesta lo mismo que un boleto de teatro en la UNAM o en el INBA.

Séance.
Producido por Darkfield y Malanoche.
Explanada del Museo Rufino Tamayo.
Duración aproximada: 20 minutos.

#danza, #video, Ballet

Bhakti

La obra Bhakti fue creada por Maurice Béjart en 1968 y puesta en video en 1969 en formato película, grabada en estudio, no en un teatro con público y con escenas que no son parte de la obra de danza. La música es tradicional de la India, el vestuario es de Germinal Casado quien también bailó. Bhakti es sobre el amor, la adoración, un ritual hacia la divinidad, que de cierta forma es uno mismo. Se presentan 3 divinidades de la India y sus historias de amor.

La presente reseña corresponde a la película de 1969 con el Ballet du XXe Siècle

El primer acto es la historia de Rama y Sita, el amor fiel. Paolo Bortoluzzi interpreta a Rama, mientras que Hitomi Asakawa da vida a Sita. La danza se intercala con escenas en donde la pareja está en un café. La imagen es de una pareja estable, enamorada y contenta. El solo de Bortoluzzi hacia el final de este acto es impresionante.

La segunda parte es Krishna y Rhada, el amor humano y frívolo. Vemos un grupo de amigas platicando, leen sobre los dioses de la India, da la sensación de que se preparan a salir y leen horóscopos. Por otro lado vemos a un solitario joven escuchando música, pensativo, que finalmente se decide a llamar a una de las chicas. Jorge Donn interpreta a Krishna y Tania Bari a Radha. Donn fue de los bailarines más representativos de la época, estrella del Ballet du XXe Siècle y la grabación es una oportunidad para verlo. Resalta el baile en pareja que tiene con Bari. Cada tanto toca una flauta, según el texto introductorio es una especie de hechizo. Vemos a la pareja bien, se ven a gusto, pero parecen caer en la rutina y en el distanciamiento, aunque están frente a frente. Al cierre del acto al tocar la flauta otras bailarinas van saliendo de escena con mirada atenta. Acaso Krishna olvidó a Rhada y busca nueva compañía.

La parte final es Shiva y Shakti, el amor divino. Los intérpretes son Germinal Casado y Maïna Gielgud. Un dueto con mucha fuerza y flexibilidad por parte de los ejecutantes. Béjart indica que Shiva es dios de la destrucción, dios de la danza, su esposa, Shakti, no es otra que su energía vital que emana de él y retorna a él. Justo eso es lo que se ve, fuerza, energía que comparten. Este fragmento ha sido remontado por el Béjart Ballet Lausanne con el nombre Bhakti III.

Los 3 actos me llaman particularmente la atención por la manera en que incluyen movimientos de danza clásica que se modifican para tomar una estética de la India. En varios momentos la repetición y cadencia recuerdan Bolero (música de Ravel y coreografía de Béjart) Las 3 parejas entrelazan sus cuerpos y forman imágenes que claramente recuerdan a las estatuas hindúes, con las manos y brazos en ángulos característicos.

No son de mi gusto las partes adicionales a la danza, las escenas de introducción y cierre donde vemos a los 3 bailarines corriendo por una plaza, repitiendo movimientos, o los cambios de color que hay mientras bailan.

Es raro cómo se intercalan las imágenes de las parejas citadinas con ellos mismos interpretando a los dioses, pero ayuda a entender el concepto de las historias.

Tania Bari, Germinal Casado, Paolo Bortoluzzi y Jorge Donn son nombres muy relacionados al trabajo de Maurice Béjart. Bailarines característicos de sus obras. Bhakti fue hecho para ellos. Los 3 bailarines ya fallecieron, las 3 bailarinas todavía viven siendo de edad avanzada, por lo que esta grabación, a 50 años, es una verdadera joya, una ventana al pasado y a la época de esplendor del Ballet du XXe Siècle así como al trabajo de Béjart interpretado por los ejecutantes originales.

En Por los Teatros está disponible la reseña a la grabación de la Novena Sinfonía, también de Béjart.

Dirigido por Maurice Béjart.
Producción de Artium Summa.
Duración aproximada: 1:20.
Disponible en streaming en Medici.tv

#danza, #video, Ballet

Le jeune homme et la mort

Le jeune homme et la mort (el hombre joven y la muerte) es un ballet creado por Roland Petit en 1946, la trama recuerda en cierta forma a Le rendez-vous, que la antecedió un año. El argumento es de Jean Cocteau, escenografía de Georges Wakhévitch y música de Bach.

El ballet inicia con el hombre joven acostado descuidadamente en su cama en algún ático de París. Hay una pintura colgada en la pared. Consiste solo en líneas, lo que me hace preguntarme si es decoración de su vivienda o si él es el artista que la pintó (época de arte abstracto) Fuma. Se ve perdido en sus pensamientos, no está a gusto, algo lo come desde dentro. Se levanta, corre, hace saltos a velocidades increíbles.

Una joven de amarillo entra a la habitación. Lo seduce pero al mismo tiempo es muy fría con él, parece querer atraerlo pero no tiene realmente interés en él. El hombre joven resiente el desdén. Hay momentos en que pareciera que él no está interesado en ella y hay momentos en que se nota muy lastimado por la frialdad de la muchacha.

Hay pasos con mucha fuerza, casi todo el tiempo el hombre hace saltos y giros a velocidades vertiginosas, se necesita mucha agilidad para esos pasos. Se para sobre los hombros, todo el tiempo atormentado.

La muchacha encuentra la respuesta: gira la cabeza del hombre que se sienta rendido, lo obliga a ver una viga en el ático donde ella acaba de amarrar una cuerda formando una horca. La chica sale corriendo dejando al joven solo. Él se coloca la cuerda y se ahorca.

La habitación se convierte en una azotea, entra la muerte con vestido blanco y máscara de calavera, la cual la pasa al hombre que ha bajado de la horca. Le indica el camino y comienzan a retirarse sobre los tejados. La muerte es la misma mujer que lo seducía.

En la sinopsis se indica que la mujer de quien el hombre está enamorado lo lleva al suicidio por la frialdad con que responde a sus lances mientras él está ardiendo por dentro. Yo veo otra cosa. A mi me parece un joven atormentado que es atraído pero al mismo tiempo hay una resistencia hacia la muerte: Para mi la muchacha todo el tiempo es la muerte, no un humano que lo lleva a la muerte, si no la muerte misma que viene con un claro propósito. Algo así como el Destino de Le rendez-vous.

Se dice que cuando la obra fue estrenada se ensayó con una música y en la función se utilizó otra, de tal forma los bailarines estuvieron con una incomodidad por no saber que pasaba. Así estaba planeado.

Para esta reseña se vio la grabación de la Ópera de París de 2005 con Marie-Agnès Gillot y Nicolas Le Riche (quien baila en la versión de Le rendez-vous revisada aquí la semana pasada) La grabación es de Telemondis y Art Haus. En disco viene junto con Carmen también de Petit, que es la primer versión coreografiada de dicha historia. Está también disponible en streaming en medici.tv

La película White Nights comienza con un extracto de la obra interpretada por Mikhail Baryshnikov y Florence Faure.

Coreografía: Roland Petit
Argumento: Jean Cocteau
Escenografía: Georges Wakhévitch
Música: Bach.
El hombre joven: Nicolas Le Riche
La muerte: Marie-Agnès Gillot
Duración aproximada: 19 minutos

#danza, #video, Ballet

Le rendez-vous

Le Rendez-Vous (la cita) es un ballet corto hecho por Roland Petit en 1945 en lo que comienza a ser el París de la postguerra.

La música la hizo Joseph Kosma, quien realizara piezas para teatro de Brecht, cine y para poemas de varios autores, entre ellos Jaques Prévert de quien es el argumento de Le Rendez-Vous. El trabajo más conocido de Prévert puede ser Les Enfants du Paradise. Se menciona como la canción más conocida de Kosma, con letra de Prévert, a Les Feuilles Morts (las hojas muertas) El vestuario es de Mayo, quien pintaba y hacía decorados para cabarets y posteriormente vestuario para películas y teatro. La escenografía es de Brassaï, fotógrafo conocido por su trabajo sobre París. La escenografía consiste en grandes fotografías. Finalmente el telón de boca es realización de Pablo Picasso. Una época en la que artistas de varias disciplinas colaboraban en trabajos comunes.

La presente reseña es sobre la grabación del Ballet de la Ópera de París realizada en 2010.

Vemos varias parejas salir de un salón de baile. Se abrazan y bailan por la calle. Un jorobado (Hugo Vigliotti) pasea entre ellos y es víctima de sus bromas y burlas. Una chica de sonrisa maravillosa reparte flores. Pasa una pareja de jóvenes que bailan muy enamorados, son realmente tiernos de ver. Al poco rato llega ensimismado el protagonista de la obra, quien recibe el nombre de el hombre joven (Nicolas Le Riche). Después de ver a la pareja de jóvenes, el nombre parece un chiste. El hombre joven deambula, pasa un borracho repartiendo papeles (el argumento indica que son horóscopos, aunque no es tan claro en la obra) Cuando el hombre joven lee el papel que se le entrega, decae y hace gesto de muerte sobre su cuello.

El jorobado trata de animarlo, se hace una amistad entre ellos. Toda la gente se va y ellos bailan. El hombre joven se ve aliviado hasta que llega el destino (Michael Denard), vistiendo frac y gorguera de payaso. Una especie de payaso macabro que le trae de nuevo la tristeza. Al ser la personificación del destino insiste en la muerte anunciada en el panfleto. El hombre joven parece resistir, pero el destino le deja una navaja en el bolsillo por si acaso.

El hombre joven tiene una cita con el personaje conocido como la chica más bella en el mundo (Isabelle Ciarabola) quien ostenta totalmente la imagen de mujer fatal. Tienen un pas de deux donde Ciarabola muestra sus increíbles líneas de brazos y piernas. Se ve raro una bailarina con zapatos de tacón pero no se pierde la forma del empeine.

Después de bailar, la chica más bella en el mundo toma la navaja del bolsillo del hombre joven y le corta la garganta, cumpliendo lo que anunciaba el horóscopo y el destino.

Todos lo bailarines resaltan. Vigliotti como el jorobado desempeña muy bien su papel así como los pasos alterados para la fisonomía del personaje. Le Riche es mencionado como uno de los bailarines favoritos del coreógrafo Petit, quien murió al siguiente año de esta grabación. Le Riche y Ciarabola bailando juntos tienen una fuerza excepcional. La pareja de jóvenes, que no reciben créditos, me llama mucho la atención por la calidad de la interpretación donde en verdad se ve reflejado el amor juvenil.

La música es triste y hermosa a la vez, al principio de la obra se tiene un acordeonista y un cantante en escena paseando por la calle, lo que da un toque más melancólico.

Al ver la obra recuerdo por el tema, la estética y la trama a Le Jeune Homme et la Mort (El Hombre Joven y la Muerte) del mismo Petit. Al investigar las fechas, Le Jeune Homme fue estrenada un año después que Le Rendez-Vous, por lo que pudiera tratarse de una variación sobre el mismo argumento.

La imagen del payaso siniestro / destino que pretende empujar al protagonista a la muerte me hace recordar la obra Libre Albedrío de Briseida Hernández, montada en 2006 para el concurso interno de coreografía del hoy desaparecido Ballet Independiente (México) y remontada en 2007 para la escuela de la misma compañía.

La grabación está disponible en la plataforma de streaming medici.tv, no pude localizar información de la grabación en disco. Por las fechas de presentación, seguramente el programa completo consistió en Le Rendez-vous, Le Loup y Le Jeune Homme et la Mort.

En próxima entrega hablaré de Le Jeune Homme et la Mort.

Le rendez-vous
Coreografía: Roland Petit, 1945
Argumento: Jacques Prévert
Telón: Pablo Picasso
Escenografía: Brassaï
Vestuario: Mayo
Grabación de 2010 por Opéra National de Paris, Telmondis, Euro Media France, Mezzo.
La chica más bella en el mundo: Isabelle Ciaravola
El hombre joven: Nicolas Le Riche
Destino: Michael Denard
Jorobado: Hugo Vigliotti
Cantante: Pascal Aubin
Duración aproximada: 26 minutos

circo, libros

The Spark

Cirque du Soleil The Spark: igniting the creative fire that lives within us all (Cirque du Soleil La Chispa: encendiendo el fuego creativo que vive dentro de todos nosotros) es una ventana hacia el mundo creativo del Cirque du Soleil, enmarcado en una historia de ficción.

Existen libros de autoayuda o de cómo ser exitoso en los negocios que colocan sus consejos dentro de una historia a modo de novela, cuento o algo tipo fábula. No son el tipo de libro que prefiero. The Spark hace algo parecido con el tema de la creatividad, inspiración, colaboración y trabajo en equipo. En este caso la historia me atrapa, posiblemente por estar ambientada en algo que me interesa: el circo.

The Spark trata de un agente deportivo que busca nuevo significado a su carrera y a su vida. A modo de pláticas con entrenadores, artistas, oficinistas y gente de producción del Cirque du Soleil se van entregando las ideas. Lyn Heward creó el concepto y John U. Bacon escribió el libro. En los agradecimientos se entiende que el autor vivió algo similar al personaje de la novela y estuvo como invitado en el Cirque para documentar lo que sería el libro, es decir el personaje es ficticio pero las ideas y hechos descritos son reales.

La historia nos va guiando por diferentes oficinas y lugares de entrenamiento donde se narra cómo se superaron obstáculos en diferentes espectáculos, como el vestuario de O, espectáculo acuático que presenta desafíos especiales pues el cloro del agua acaba la tela convencional. Cómo diferentes artistas con formación de gimnastas dejaron el ambiente competitivo del deporte para pasar a uno colaborativo. Cómo las personas que interactúan con el público en los espectáculos invitan a alguien a participar y sentirse cómodo. Cómo buscan nuevos desafíos modificando un aparato o intentando algo nuevo, tomando riesgos pero al mismo tiempo midiéndolos.

En un pasaje se hace la descripción de las oficinas centrales del Cirque du Soleil y se dice que las paredes están decoradas con posters de sus diferentes espectáculos, esto con el fin de no perder de vista cuál es el producto final, todos están trabajando para lograr lo que representan esos carteles. Así como usan la ambientación en su edificio para motivar a los empleados, el ambientar la historia en el Cirque me mantuvo atento a la misma, a diferencia de otros libros del mismo estilo.

Algunas de las frases que resaltan para mi son: “Cada accidente es una oportunidad creativa”, “Es difícil ser creativo en aislamiento. La verdadera creatividad requiere colaboración e incluso conflicto y confrontación”, “Si no entiendes tu papel ¿cómo vas a disfrutar lo que haces?”, “Es sorprendente cómo tememos a lo desconocida, incluso cuando lo desconocido trae la posibilidad de éxito”, “Estamos tan acostumbrados a nuestra zona de confort que aprendemos a vivir con desilusión mientras sea seguro y conocido”, “El trabajo perfecto debe ser una mezcla de nuestros talentos y nuestras pasiones”, “Si realmente quieres que las cosas sucedan debes estar dispuesto a estrellarte”.

The Spark es un libro pequeño, conciso, con un estilo muy fácil de leer. Posiblemente no da consejos nuevos pero me gustó la forma de integrarlos en la historia. Es un producto “con licencia oficial” del Cirque y como tal, se nota que es un trabajo muy cuidado. Lyn Heward recibe créditos como antigua presidente de la división de contenido creativo.

Existe en español bajo el nombre «Cirque du Soleil La Magia. Una historia sobre el poder de la creatividad y la imaginación» en editorial Empresa Activa

The Spark
Lyn Heward y John U. Bacon
Currency Doubleday, 2006
136 páginas
Idioma: inglés.

#teatro

Esto no es sobre Baal

Detalle del programa de mano. Se muestra con fines ilustrativos.

Baal fue escrita por Bertolt Brecht en 1918 siendo su primer obra de teatro “completa”. En la mitología Baal existe como deidad y falsa deidad en varios pueblos antiguos. Se le relaciona con la fertilidad y en algunas culturas las fiestas en su honor incluían orgías. Dentro de la obra, el personaje Baal es visto como dios por algunos, como demonio por otros y frecuentemente pasa de uno a otro lado.

Esto no es sobre Baal (a partir de Baal, de Brecht) es el examen de alumnos de cuarto año de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT) montaje dirigido por Jesús Diaz. Según se indica en el programa de mano, la obra no es acerca de Baal, es sobre Emily, Johanna y Sophie, personajes que Baal deja hechos jirones.

Al entrar al foro somos sentados en bancos ante una mesa-tablón de taberna, toda la historia se desarrollará a nuestro alrededor o sobre el tablón. Baal constantemente ocupa el sitio de honor de la mesa, es un poeta alcohólico, mujeriego y patán que va por la vida engatusando a la gente, principalmente para llevársela a la cama y posteriormente desecharla regodeándose en su cinismo.

10 actores interpretan alrededor de 52 personajes que están en un mundo decadente, el vestuario, maquillaje y actitudes muestran esa decadencia. Gente vistiendo con retazos, pero no solo la ropa está parchada, también sus cuerpos y almas están en pedazos, con trozos que por ahí sobraron. Personas con 4 piernas, 6 brazos, sin piernas, gastritis y una tos ligera que los deforma. Frecuentan las oscuras tabernas. Nosotros, los espectadores, también estamos sentados ante esa mesa, formando parte de las almas en decadencia que miran los abusos a escasos centímetros sin intervenir.

No es una obra fácil ni para el público ni para los actores. No es “bonita”, es un texto que incomoda. Resulta un poco cansado estar sentado en los bancos pero se van rápido las dos horas y media que dura. Es un montaje bien realizado con una propuesta escenográfica bastante interesante que mete al espectador a ese mundo decadente. Con pocas luces logran crear diversas atmósferas.

La forma de dar las gracias me llamó la atención, es de manera muy personal y con gran acercamiento al público. Muestra mucha humanidad, no se si tomarlo como una forma de bajar la tensión o como una manera verdadera de decir gracias.

Con el personaje de Baal no pude evitar acordarme de gente que conozco: los gestos, la forma de comportarse, el humor vulgar que utiliza. Todos conocemos un Baal. También conocemos una Emily, una Johanna, una Sophie.

Es un montaje muy recomendable que estará hasta el 4 de agosto en el foro Antonio López Mancera de la ENAT en el Centro Nacional de las Artes. Consideraciones: la entrada es libre con cupo limitado, los boletos se entregan una hora antes de cada función, los fines de semana suele llenarse por lo que hay que llegar con bastante anticipación. Normalmente el último día solo es para invitados y no hay boletos para público en general. La mayoría de los asientos son banquitos, en un costado hay sillas preferenciales para personas de la tercera edad o con problemas de espalda. Se permite moverse, levantarse o cambiar de lugar durante la obra.

Esto no es sobre Baal, a partir de Baal de Bertolt Brecht.
Dirección: Jesús Diaz
Foro Antonio López Mancera de la ENAT
Examen de cuarto año de las licenciaturas de actuación y escenografía
Del 21 de Junio al 4 de Agosto
Duración aproximada 2:30 horas sin intermedio
Público mayor de 15 años

#magia, #teatro

Ilusio: magic on ice

Del 14 al 23 de junio se presentó en la Arena Ciudad de México el espectáculo Ilusio: magic on ice de Steve Wheeler. Es una producción muy grande que combina magia y patinaje sobre hielo.

La mayor parte de la magia son grandes ilusiones: escapes, desapariciones y apariciones principalmente. El patinaje es tanto en grupo como solistas, sirviendo de entreacto a la magia. ¿Qué tanto es magia y qué tanto patinaje? No sabría decirlo pero lo dejaré en mitad y mitad.

La magia es visualmente muy buena, este tipo de ilusiones se ven poco en México por lo que fue una buena oportunidad para atestiguar esta magia, sin embargo, de cierta forma lo sentí algo monótono ya que en general eran apariciones y desapariciones, por ejemplo, los 4 primeros números fueron Steve apareciendo y su asistente apareciendo 3 veces. De igual manera los 2 últimos números fueron básicamente el mismo efecto.

Dicho esto, la función me pareció muy buena, una super producción con 16 personas en escena, luces, música, vestuario, coreografías, flamas y equipo de magia impresionantes. Caí en cuenta que nunca había visto patinaje profesional en vivo. Nuevamente, esto difícilmente se ve en México ya que no somos un lugar donde haya hielo y se acostumbren los deportes invernales.

Para el patinaje normalmente era un ensamble de entre 8 y 10 personas, habiendo algunos solos. Los que me impresionaron más fueron los solos de los hombres con saltos y giros a gran velocidad. El ensamble está muy bien ensayado y sus coreografías se vieron con mucha precisión.

Aunque son números independientes uno de otro, se tenía una constante en la que una patinadora de blanco era “la asistente” en la magia, mientras que otra patinadora de negro (presentada como Fátima, de México, quien se mostró agradecida por presentarse en su país natal) hacía la introducción a los números más misteriosos o con cierto sabor de peligro.

El lugar no me pareció el más adecuado ya que la Arena es inmensamente grande. Calculé una asistencia de aproximadamente 600 personas por lo que lucía vacía, esto durante la función del último sábado por la noche. Aparentemente faltó difusión.

Uno de los números que más me gustó fueron los anillos chinos, el truco clásico donde aros de metal se enlazan y desenlazan. Fue presentado con dos aros de una manera original aprovechando el patinaje. Si mal no recuerdo fue lo único que no entra en la categoría de grandes ilusiones y a mi gusto lució mucho. Otro de mis momentos favoritos fue cuando una persona del público es pasada a la pista y convertido en el mago. Dio un contacto más directo con el público que estaba faltando. En otro instante pasaron a varios niños para pasearlos en cajones al estilo de trineos. En este caso no era ni magia ni hazañas de patinaje, solo un paseo para los niños pero una vez más dio una conexión con el público y una sensación de humanidad, no es un super hombre que escapa del peligro y desaparece, es humano como todos nosotros que vemos desde las butacas.

Con una duración de 1:50 horas incluyendo un intermedio de 20 minutos, me pareció el tiempo adecuado. Comenzó extremadamente puntual lo cual me agradó. Los precios me parecieron accesibles. Fui atraído por la magia y me atrapó el patinaje.

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