#video, circo, pelicula

Cirque du Soleil Kurios

Póster para cine de Kurios. Se muestra con fines informativos.

El 12 de junio comenzó una breve temporada en cines de Cirque du Soleil Kurios, proyectándose un solo día en un solo horario en algunas ciudades. Es la primera vez que un espectáculo del Cirque du Soleil se presenta en cines. Kurios existe en video comercial pero al parecer solo se consigue en la carpa que esté presentando dicho show, por lo que el liberarlo para la pantalla grande es una forma de acercar el espectáculo a más gente.

El hilo conductor es un inventor que ve en el lapso de un minuto todas las cosas que suceden durante el espectáculo, aparentemente todo sucede dentro de su maletín o “gabinete de curiosidades” que es el subtítulo que lleva Kurios.

Ambientado con un estilo victoriano – steampunk el diseño de arte es muy atractivo. La música acelerada con un estilo que ha sido descrita como mezcla de jazz y electro swing. Las acrobacias y números circenses muy buenos.

Los números incluyen percusiones sobre mesas y maletas mientras otros integrantes del elenco hacen malabares. La escena está visualmente llena de estímulos y es tan solo el primer acto. Resalta el que al malabarista lo elevan en un arnés y posteriormente lo bajan sin dejar de trabajar con tres clavas.

Un número de bicicleta aérea es de lo más bello de la función, una acróbata hace su rutina a semejanza de los aros en el aire, pero en este caso el aparato es una bicicleta suspendida.

El número de contorsión es impresionante, el vestuario con bordes palmeados y la manera de moverse en olitas de las ejecutantes hace ver formas acuáticas, ya sea bichitos o algas. Posteriormente hay un acto de equilibrio en sillas con un final inesperado donde se encuentra con un mundo cabeza abajo que también hace equilibrios en su propia perspectiva.

Uno de los números más impresionantes es el rola-bola. Se trata de una disciplina donde se hace equilibrio apilando cilindros horizontales y tablas para luego pararse encima. Pueden ser varias capas de estos elementos. En este caso no solo se hace equilibrio a la usanza tradicional, también se eleva la plataforma sobra la que está apoyado y se balancea como columpio mientras sigue el acróbata equilibrándose encima de todo.

La función también incluye una enorme red sobre la que saltan estilo cama elástica y un número aéreo en cuerdas, así como un dúo en una especie de trapecio fijo. Otro momento fenomenal es el número de yo-yo. Una persona hace figuras a gran velocidad con uno o dos yo-yos, al pensarlo resulta sorprendente que antes no se hubieran visto estos juguetes en las pistas de circo.

El número más cómico es una persona actuando como gato, no solo con sonidos sino corporalmente. Su participación la hace formando una historia con una espectadora. Otro momento cómico que termina siendo el más tierno es un teatro de manos. Utilizando las manos y una pantalla se forman personajes e historias, al final hay una breve interacción con el público que termina sacándole lágrimas al espectador.

Para finalizar se realiza lo que se conoce como “banquine” donde los acróbatas hacen saltos y cargadas quedando uno sobre los hombros de otro formando torres.

Si tengo que describir el espectáculo en una sola palabra sería “frenético” todo sucede a gran velocidad: los malabares, los saltos, el yo-yo, el movimiento de contorsión, hay pocos momentos en que baja la intensidad. La música en general tiene un ritmo que acelera.

El espectáculo es muy bueno, la proyección tuvo una breve introducción de Michel Laprise quien dirigió Kurios. Hace un paseo tras bambalinas y por los talleres de vestuario y maquillaje.

Espero que Kurios continúe su gira por mucho tiempo y algún día haya la oportunidad de verlo en vivo.

Actualización 16/12/24

He tenido ya la oportunidad de ver la grabación comercial que incluye dos actos que no se vieron en el cine: uno de circo invisible (similar a los circos de pulgas) y uno de cintas con tema de siameses.

Kurios ha llegado a la Ciudad de México y después de intentos fallidos de verlo en otras ciudades por fin pude verlo en vivo. En la función que vi no se presentaron la bicileta ni el duo de siameses. En su lugar hubo un acto aéreo con un carrito de hotel para transportar maletas.

Uno de mis espectáculos favoritos de los últimos años. Recomiendo llegar temprano para tomar fotos en los múltiples escenarios de los patrocinadores. La temporada finaliza el 29 de diciembre de 2024.

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#danza, #video, Ballet

Carmen Suite / Petrushka

Carmen Suite y Petrushka. Ballet Bolshoi. Póster se muestra con fines informativos.

El pasado 9 de junio finalizó para México la temporada 2018-2019 del Ballet Bolshoi en cines, presentando un programa doble: Suite Carmen y Petrushka, que fueron grabadas en la función del 19 de mayo.

Como siempre, Katerina Novikova, jefe de prensa del Teatro Bolshoi, es la encargada de presentar las obras, dar una pequeña semblanza y hacer entrevistas. No deja de impresionar la fluidez con que habla en ruso, francés e inglés así como su amplia sonrisa y el gusto con que hace las presentaciones, se nota que realmente disfruta su trabajo.

En 1949, el ballet de Roland Petit baila por primera vez  la música de la ópera Carmen de Georges Bizet. En 1964 Maya Plisetskaya pide a Dmitri Shostakóvich que componga una pieza para el ballet que tiene en mente, modificando la partitura de Bizet, a lo que Shostakóvich se niega. Posteriormente hay pláticas con Aram Khachaturian pero no se concreta nada, por lo que Rodion Schedrin, esposo de Plisetskaya, compone la música. Alberto Alonso se encarga de coreografiar y la Suite Carmen se estrena en el Teatro Bolshoi en 1967. Se hace otra versión con el solo de Carmen diferente para que lo baile Alicia Alonso.

La versión de Plisetskaya se usó durante 20 años en el Bolshoi y dejó de presentarse cuando Maya dejó de bailar el papel. La versión que se presenta en esta grabación es la que bailaba Alicia Alonso y se remontó especialmente para que la interprete Svetlana Zakharova quien es la única persona que actualmente la baila.

Se presenta un breve video mostrando a Maya Plisetskaya en el papel. Mandan saludos a Alicia Alonso quien vive en Suiza y tiene 95 años.

La obra dura aproximadamente 50 minutos, lo que es breve en comparación con la original de Bizet. Carmen enamora al militar Don José y al torero Escamillo, teniendo danzas tanto seductoras como despectivas. La escenografía remite a un ruedo. El Destino, que asemeja a un toro, baila entre las parejas. Poco a poco el triángulo amoroso se va complicando, se va notando la tensión y los celos. El destino cobra fuerza. En la escena final Escamillo baila con el toro/destino, lo torea. Al mismo tiempo Don José y Carmen tienen una danza tensa. Don José mata a Carmen y vemos al destino caído pero no parece muerto, simplemente se cumplió su designio y descansa un poco. Literalmente agarraron al toro por los cuernos y para Carmen no tuvo buen desenlace.

La música y la danza son intensas, a pesar de la modificación de la original y la falta de las voces contagia la intensidad. El audio del cine ayuda también. Zakharova es una gran bailarina reconocida por su interpretación y técnica. Sus líneas durante el solo son impresionantes. Es la estrella de la noche, al finalizar, muy al estilo ruso, Zakharova y Denis Rodkin (Don José) son llamados al frente del telón en repetidas ocasiones. Por alguna razón ella se nota tensa durante los agradecimientos.

Durante el intermedio Novikova entrevista a Edward Clug, quien presenta su nueva versión de Petrushka. Con música de Igor Stravisnky, la coreografía original de Mikhail Fokine se estrenó en 1911 teniendo en el papel principal a Vaslav Nijinsky. Para leer más sobre Nijinsky puedes visitar el post Nijinsky (de John Neumeier)

Clug indica que él estaba más asustado que Petrushka. Al hacer la nueva versión no fue tanto el reto como lo estimulante, esta nueva coreografía enfatiza el folclor ruso y los bits de la música. La obra nació en París lejos de casa y ahora renace en Moscú. Añade que Petrushka es un muñeco de madera dispuesto a dar su vida por los sentimientos.

La obra dura aproximadamente 40 minutos. En un poblado ruso hay una fiesta y una feria en la que un mago presenta a sus títeres: Petrushka, la bailarina y un moro. Petrushka está enamorado de la bailarina pero ella lo desprecia y solo tiene ojos para el moro.

En la versión tradicional Petrushka es un muñeco de trapo. En esta ocasión todos son de madera. El mago utiliza unos bastones creando la imagen de estar manipulando a los títeres y creando la situación de amor y desamor. La escenografía son 6 figuras gigantes que al rotar muestran una cara. Por la forma pareciera que se trata de matrushkas. La gente del pueblo utiliza vestuario muy colorido con faldas con pliegues que hacen efecto de acordeón. Los muñecos traen líneas en las articulaciones haciendo alusión a figuras de madera.

Al final el moro mata a Petrushka, su fantasma se aparece en el teatro de títeres y queda solo un muñeco de madera desnuda sobre el piso. El mago confundido se encuentra de nuevo con Petrushka quien parece robarle el alma, da la idea de que Petrushka se hiciera humano y el mago quedara como muñeco.

La historia es confusa, si no fuera porque se conoce la misma o por la sinopsis que se da al inicio no quedaría claro lo que sucede. La versión tradicional acaba en que aparece el fantasma pero no se da el cambio de alma, por lo que no se exactamente si es lo que querían transmitir.

Se anuncia la temporada 2019 – 2020 que marca el décimo aniversario del ciclo del Bolshoi en cines, un esfuerzo que se hace con Pathé Live, dando transmisiones en vivo a las zonas horarias adecuadas y distribuyendo posteriormente al resto del mundo. Esperemos que en México sigan presentándolo. Hace unos años lo hacía Cinemex y las últimas 3 o 4 temporadas han sido en Cinépolis.

CARMEN SUITE: Svetlana Zakharova (Carmen), Denis Rodkin (Don José), Mikhail Lobukhin (Escamillo), Olga Marchenkova (Destino)
PETRUSHKA: Denis Savin (Petrushka), Ekaterina Krysanova (La Bailarina), Anton Savichev (El Moro), Vyacheslav Lopatin (El Mago)
Duración total aproximada 2:20 horas incluyendo previo e intermedio.
Para detalles de la próxima temporada visitar Bolshoi Ballet in Cinema

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#magia, #teatro

The Illusionists

Póster de The Illusionists, se muestra con fines ilustrativos.

The Illusionists se presenta por cuarta ocasión en la Ciudad de México, esta vez utilizando el subtítulo “Directo desde Broadway” El espectáculo se ha caracterizado por presentar entre 5 y 8 magos en cada ciudad, pudiendo ser estos diferentes en cada parada de la gira. El espectáculo cambia, los magos presentan su propio material, si un mago no está en una ciudad no se hacen sus trucos, la persona que cubre el lugar hace su propio repertorio. Los artistas siempre son presentados en el póster no por su nombre sino por un título estilo superhéroe y una característica formación en “V”

Los 8 magos son: Florian Sainvet (Francia), Leonardo Bruno (México, radicando en Estados Unidos), Matt Johnson (Canadá), Sabine Van Diemen (Holanda), Aaron Crow (Bélgica), Joaquín Kotkin (México), Mark Kalin (con Jinger Leigh, aunque no se anuncia en el póster. Estados Unidos) y Aryel Altamar (Argentina).

Florian Sainvet “El Manipulador” presenta una versión de su acto de robot con el que ganó en 2018 el primer lugar de manipulación en el mundial de magia. Es una rutina que recuerda a Tron, donde se materializan de la nada cuadros y discos en sus manos, casi como un truco de cine. Hace también un encore que ya es característico en The Illusionists (uno de los pocos actos que se presenta independientemente de los magos que hagan la función) con éste se gana el corazón de los espectadores locales.

Leonardo Bruno “El Alquimista” (erróneamente anunciado como El Escapista) tiene 3 segmentos en los que hace efectos característicos de Kevin James de quien es familiar y también ha estado en el espectáculo. En este caso me hubiera gustado ver algo distinto. Lo que nos presenta tiene momentos poéticos, momentos de sorpresa y espanto así como momentos en que hace regresar a la infancia.

Matt Johnson “El Escapista” (erróneamente anunciado como El Alquimista) presenta su versión de un famoso escape de Houidini. Es su única participación en el show y mantendrá al público conteniendo la respiración literalmente mientras realiza su proeza.

Sabine Van Diemen “La hechicera” hace dos ilusiones que fueron representativas de Los Pendragons en los años 90s. Entrenada por Jonathan Pendragon, posiblemente sea lo más cercano que podamos ver hoy en día a su legendaria presentación. Una excelente oportunidad para ver una de las ilusiones más mostradas y que pocas veces se hace a la perfección. Uniéndolo a su personalidad y el hecho de hablarle al público en español, su participación es de lo que más se recordará.

Aaron Crow “El Guerrero” tiene a la vez uno de los segmentos de más tensión y el más romántico. Con una mirada muy penetrante dirige a los espectadores que le ayudan en el escenario. Muestra destreza con espada, chacos y navaja mientras su vista está evidentemente bloqueada por medios que pocos se atreverían a hacer, todo mientras sus asistentes tiemblan de pies a cabeza. En su segmento final, una pareja vuelve a proponerse después de enfrentar una flecha de Crow. ¿Acaso desempeña el papel de Cupido? Después de todo Cupido y sus flechas no necesariamente deben venir en presentación tierna.

Joaquín Kotkin “El Surrealista” conocido como El Mago de la Media Barba, cuenta con varias participaciones que a la vez impresionan y hacen reír con sus comentarios. Verdaderamente es surrealista que se trague un par de objetos, regresando uno de ellos de manera inusual con comentarios cómicos como si fuera cualquier cosa. En otro truco que remite al ocultismo, interviene el tarot y un escorpión, sin dejar de lado un poco de humor. Este efecto solo lo verán con Kotkin o con David Copperfield.

Mark Kalin “El Anfitrión” en tres segmentos aparece y desaparece de maneras increíbles a Jinger Leigh. Ya sea rodeando con fuego o con público que vigile que no hay entradas posibles. Si no me equivoco estas ilusiones son presentadas exclusivamente por ellos.

Aryel Altamar “El Mentalista” mas que mentalismo hace hipnotismo. Su segmento me parece demasiado largo. Hipnotizará a alrededor de 30 personas que se ofrezcan voluntarios, metiéndose en sus mentes y jugando un poco con ellos. Nota: nunca me han gustado los espectáculos de hipnosis.

En años anteriores las funciones habían sido en el Auditorio Nacional, lugar que me parece extremadamente grande para espectáculos que son visuales, el espacio siempre me pareció malo pues incluso en planta baja el público terminaba viendo casi todo el tiempo en las pantallas en lugar de en directo. Esta vez cambian el escenario y se presentan en el Teatro Telcel cosa que me pareció muy acertada. El costo promedio del boleto aumentó y también la cantidad de funciones (actualmente 9 por semana) pero al parecer se puede apreciar bien la función casi desde cualquier lugar. Un par de actos siguen requiriendo la asistencia de la pantalla gigante.

El espectáculo es muy bueno, en general fluye con muy buen ritmo haciendo las transiciones entre un mago y otro bastante ágiles. La mayoría son ilusiones que difícilmente se ven en México. Cumplirá las expectativas de toda la familia.

The Illusionists directo desde Broadway
Teatro Telcel
Duración aproximada: 2:15 horas incluye intermedio de 15 minutos (si te ofreces voluntario para ser hipnotizado no tienes intermedio)
Hasta el 30 de junio (el póster dice 23, ya hay boletos publicados hasta el 30)

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#teatro, circo

A Simple Space

Imagen con fines ilustrativos.

La compañía australiana Gravity & Other Myths se presentó en México, primero en el Festival Cultural de Mayo en Guadalajara (del 29 al 31 de mayo) y posteriormente en la Ciudad de México (1 y 2 de junio) La presente reseña es respecto a la Ciudad de México.

El espectáculo A Simple Space muestra a 6 acróbatas: 4 hombres, 2 mujeres más un percusionista que hace la música y en pequeños entreactos participa en escena.

Las funciones fueron en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris. La información en internet señala que A Simple Space es una obra íntima con el pública a escasa distancia de los acróbatas, rodeando el espacio de trabajo por los cuatro lados. En este caso, el formato se tuvo que modificar. Sobre el escenario se montó un pequeño entarimado sobre el que trabajaron. A los lados del escenario unas gradas para aproximadamente 100 espectadores, el resto vimos la función desde las butacas normales.

No se entregaron programas de mano, por lo que no tengo datos de los artistas.

En general las acrobacias son demostraciones de fuerza, hay actos impresionantes nada parecidos a algo que hay avisto antes. Muchos números son cargadas y mano a mano, llegando a puntos en los que hacen split con los pies en las cabezas de sus compañeros, o arcos y perro mirando hacia abajo siendo también cabezas los apoyos. Una competencia de saltos mortales, a ver quién hace más, saltos sobre los pechos de otros acróbatas o saltos de longitud partiendo y cayendo sobre la espada de compañeros acostados boca abajo.

En un momento dado se vuelve un tanto monótono pues hay poca variedad, todo es demostración de fuerza. Cabe destacar que la obra se hace prácticamente sin accesorios. También el hecho de que no se usan cuerdas de seguridad incluso en las cargadas donde hay tres personas una sobre la otra (apoyadas en hombros o en cabeza) El entreacto del percusionista golpeando su cuerpo es muy bueno y logra involucrar a todo el público.

Al finalizar se hace un número donde se balancea a una chica como cuerda para saltar mientras otra persona brinca sobre ella.

El final es repentino y cortado. Los acróbatas agradecen y se van dejando al público confundido sin saber si ya acabó o es un intermedio, como no hubo programa tampoco se sabe la duración esperada. Al no haber más avisos entendemos que es todo.

A la salida algunos artistas están en el vestíbulo tomándose fotos con el público, mostrando muy buen humor y entusiasmo que hacen difícil creer que llevan una hora haciendo un trabajo tan demandante físicamente.

No pude evitar pensar ¿qué tan sanas son estas acrobacias? Con otras compañías nunca me había hecho esta pregunta. Una obra totalmente diferente a otras. Duración aproximada 50 minutos.

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#teatro

Príncipe y Príncipe

Imagen con fines ilustrativos. Detalle de publicidad de Príncipe y Príncipe

Obra infantil que cuenta la historia de un reino donde la reina está cansada de tanto trabajo, quiere jubilarse, comprar unos boletos e irse a la playa ¿Quién no sueña con eso? Pero para poder hacerlo necesita que su hijo el príncipe se case y ascienda a rey para dejar en sus manos los asuntos del país y así ella descansar.

Como siempre sucede en estos casos, se hace la convocatoria para que las princesas se presenten en el palacio y el principe elija. Pero pudiera ser que él realmente se interese en un príncipe azul.

La obra se basa en el cuento de ilustraciones Rey y Rey de Linda de Hann y Stern Nijland (Holanda, 2000) disponible en español por Calibroscopio. Casualmente hace un par de semanas en una librería me explicaron que los libros de ilustraciones están enfocados en presentar a los niños, de manera sencilla, una amplia variedad de temas como pueden ser familia, amistad, valores o muerte. O como en este caso el amor y la diversidad de preferencias sexuales.

Este montaje para teatro ya ha tenido temporada en diversos espacios de la Ciudad de México y actualmente se presenta en el Teatro Helénico. El libreto es de Perla Szuchmacher y la dirección de Artús Chávez, quien cuenta con amplia trayectoria de clown por lo que no es de sorprender que la obra tenga siempre toques divertidos y fársicos.

La escenografía y vestuarios son impresionantes así como la multiplicidad de personajes que interpretan algunos actores.

La historia va llevando al espectador de forma amena, presentando el tema principal de manera muy clara y sencilla. Sin rodeos se muestra cómo los dos príncipes se identifican y deciden que son la persona correcta. No solo está esta pareja, también hay una historia de amor entre la doncella y el paje.

Básicamente, se trata de una historia de amor en diferentes facetas, incluido el fraternal y el de padres e hijos.

Príncipe y Príncipe
De: Perla Szuchmacher, basada en el cuento Rey y Rey de Linda de Hann y Stern Nijland
Dir. Artús Chávez
Con: Anahí Allué, Miguel Romero, Cristopher Aguilasocho, Eduardo Siqueiros y Margarita Lozano
Duración aproximada: 60 minutos.
Para mayores de 4 años.
Para mayores de 4 años.
Teatro Helénico, hasta el 9 de junio.

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#teatro

Ejercicios fantásticos del yo

Programa de Ejercicios fantásticos del yo. Se muestra con fines ilustrativos.

Fernando Pessoa fue un ensayista y poeta portugués de principios de siglo XX. En vida solo se publicaron un par de trabajos, siendo presentado de manera póstuma prácticamente todo su trabajo.

Utilizaba varios heterónimos: identidades ficticias, creadas por el autor, a quienes atribuye una biografía y un estilo particular. Es decir, no solo es un nombre inventado, sino que ese nombre tiene biografía y se asocia a un estilo muy particular de escribir, distinto a otro de sus heterónimos.

Ejercicios fantásticos del yo es una obra de Sabina Berman donde se narra un día en la vida de Pessoa. Precisamente ese día tiene que llevar a cabo varias actividades importantes: un anuncio del que depende su trabajo en una agencia de publicidad, pedir la mano de su novia quien está a punto de casarse con otro, conseguir un contrato con una agente literaria que lanzaría su carrera, escribir una obra merecedora del premio del concurso de la Reina Victoria. Todo mientras trabaja o lidia con sus varios heterónimos.

Durante la obra estos heterónimos se muestran como personajes muy reales al interior de Pessoa, un problema de personalidad múltiple. En momentos estas personalidades le dictan lo que debe hacer, en ocasiones dando la acción contraria a lo que Pessoa quiere ¿o es que realmente no quiere?

A partir de estos conflictos internos se hace la exploración del Yo. Yo soy yo,  o soy lo que no es, soy ese personaje ficticio. La gente quiere a quien soy o a alguno de esos otros personajes que soy y que no soy.

La obra es una comedia intelectual, por decirlo de una manera. No recurre a recursos burdos y hace reír con recovecos del lenguaje que al mismo tiempo invitan a analizar. Por ejemplo se dice: “ ‘Pero’, la palabra más traicionera del lenguaje, la vuelta en ‘u’ de todas las intenciones”.

El texto es interesante y para entender su significado sería necesario ver la obra (o leerla cuando se publique) varias veces.

La escenografía de Philippe Amand son paneles blancos que se mueven por el escenario, sobre los que se proyectan imágenes que crean la ambientación deseada. En lo particular no disfruto mucho de la escenografía multimedia, pero (la vuelta en ‘u’) me gustó que al deslizar los paneles se crearan otros espacios y la escena del tren tiene un efecto visual de mucho realismo.

La temporada en el Teatro Helénico duró aproximadamente 2 meses, finalizando el 5 de mayo, desafortunadamente no pude ver la obra sino hasta el último fin de semana, por lo que esta reseña llega cuando ya no está en cartelera. Espero pronto regrese a otro teatro.

Dramaturgia y dirección: Sabina Berman.
Escenografía: Philippe Amand.
Vestuario: Eloise Kazan.
Actuaciones: Moisés Arizmendi, Hernán del Riego, Alfonso Cárcamo, Hamlet Ramírez, Nora Huerta, Fernando Bonilla, Sonia Franco, Jyasú Torruco.
Duración aproximada: 110 minutos.

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#video, Ballet

Novena Sinfonía (Béjart)

Portada del disco de Novena Sinfonía. Se muestra con fines ilustrativos.

La Oda a la Alegría de Friedrich Schiller se publicó por primera vez en 1786. Ludwig van Beethoven le puso música estrenando en 1824 su Sinfonía n.º 9 en re menor, op. 125 «Coral» o popularmente conocida como Himno a la Alegría.

La obra consta de 4 movimientos, siendo el último el que incluye selecciones del poema de Schiller. Es una pieza muy conocida en todo el mundo que ha sido símbolo de libertad y hermandad.

En 1964 Maurice Béjart coreografío la obra completa bajo el título Novena Sinfonía, planeándola como un espectáculo para grandes escenarios como arenas. Originalmente se estrenó con el Ballet du XXe siècle que finaliza sus actividades en 1987. Posteriormente el coreógrafo crea el Béjart Ballet Lausanne. En el sitio de internet de esta compañía, en palabras de Béjart se menciona que la obra no tiene un concepto o tema, solo siguen al compositor del miedo a la alegría, de la sombra a la luz, participando en una obra maestra que pertenece a la humanidad, no solo tocado y cantado, sino también bailado como en las tragedias griegas y ritos religiosos de la antigüedad.

En 2014, 50 años después de su estreno y tras 3 años de preparación se vuelve a presentar en conjunto con el Tokyo Ballet en el NHK Hall de Tokyo, con la participación del coro Ritsuyukai y la Orquesta Filarmónica de Israel. EuroArts y NHK graban por primera vez esta obra, la cual está disponible en DVD, BluRay y streaming en medici.tv

Gil Roman, director del Béjart Ballet Lausanne se encarga de hacer el prólogo en el que narra fragmentos de El nacimiento de la tragedia de Nietzche acompañado de dos percusionistas.

Los 4 movimientos están muy bien logrados, los bailarines tienen soltura y mucha musicalidad, como en su tiempo lo dijo Béjart, parecen solo moverse siguiendo la música. Hay momentos en que se transmite melancolía, en otros alegría y en otros fuerza. Con gracia, soltura e impresionantes saltos se va llevando la obra.

En el cuarto movimiento, cuando interviene el coro y los solistas, se tienen más de 200 artistas en escena entre bailarines, cantantes y músicos. Llegado el momento cumbre de la obra, con el famoso coro, se tiene una imagen muy fuerte en la que todos los bailarines avanzan a paso firme con la mirada en alto tomados de la mano. Bailarines europeos, asiáticos y africanos, se tiene todo tipo de colores de piel, unido a la intensidad de la música la imagen es verdaderamente fuerte, un símbolo de hermandad. Verlo en televisión provoca un estremecimiento y dan ganas de llorar de la emoción. Verlo en vivo debe ser algo que no se puede describir.

La obra finaliza en medio de júbilo, todos los bailarines corriendo en círculos concéntricos, algunas tomas aéreas dan una perspectiva que en el teatro no tendríamos.

He visto la obra transmitida en televisión, en streaming en medici.tv y en BluRay, cada vez que la veo me estremece de la misma forma. Recomiendo más el BluRay pues la alta definición permite ver muchos más detalles de los bailarines: expresión, trabajo muscular, incluso sudor. Al ver estos detalles se siente más la intensidad con que están bailando para dar su mensaje. Oírlo en 5.1 es un extra.

Alegría […] Todos los hombres vuelven a ser hermanos donde su ala posa – Schiller

Para más información de la obra y el Béjart Ballet Lausanne https://www.bejart.ch/en/ballet/ixe-symphonie/
Duración: 88 minutos.
Disco con notas impresas en inglés, francés y alemán. Subtítulos del prólogo de Nietzche y del poema de Schiller en inglés, alemán, coreano y japonés. Audio PCM Stereo y DTS 5.1.
Producción EuroArts, NHK, WDR arte.
Grabado en 2014 y comercializado en 2015.

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#video, circo, Sin categoría

40 Festival Mondial du Cirque de Demain

Año con año se lleva a cabo en París el Festival Mundial de Circo del Mañana. En 2019 realizó del 31 de enero al 3 de febrero bajo la carpa del Cirque Phénix. La grabación del espectáculo del 2 de febrero está disponible en arte.tv y es sobre la misma que se da la presente reseña.

El espectáculo consiste en aproximadamente 13 actos que incluyen magia, contorsión, malabares, cuerda tensa, telas, trapecio, ente otras cosas. Un espectáculo muy variado y de gran calidad. En el festival se entregan medallas, trofeos y premios especiales, el jurado incluye ganadores de años pasados y directores de casting y programación de Cirque du Soleil, La Tohu (Montreal) y Nikolin Moscow, por lo que el festival es un escaparate para jóvenes talentos.

En la grabación me llamaron principalmente la atención los números de Mikhail Karahan de Alemania que hace rueda Cyr acompañado de elementos de clown y pantomima (ganador del trofeo Annie Fratellini), La Testa Maestra de España y Colombia que hacen malabres usando mucha corporalidad, Winston de Venezuela con magia (manipulación) y expresión corporal (Prix Telmondis) Laurence Tremblay-Vu participando por Canadá/Vietnam presenta cuerda tensa con movimientos de artes marciales y en un momento con los ojos vendados (medalla de plata y Prix Arte), Cie Soralino representando a Francia, Italia y Brasil con excentricidades, una mezcla de malabres con cajas de cartón, clown y cargadas (medalla de bronce, Trophee Raphael Cruz, Trophee Zhang Gongl y Prix du Lido de Paris) y Mizuki Shinagawa de Japón con un número de telas donde su expresión corporal y facial aportan mucho, además su compañera que hace de contrapeso en la tela es un elemento siempre presente en el acto (medalla de bronce, Trophée de Compagnie Altitude y es la imágen del poster para el festival 41)

Los grandes ganadores fueron Scandinavian Boards de Suecia, Finlandia y Paises Bajos. Presentaron planchas coreanas con mucha precisión (trampolines como sube y baja para saltar y hacer giros en el aire) . Ganaron Grand Prix du 40e Festival, Prix du Président de la République, Prix du Public y Trophée du Cirque du Soleil – Performance & Vision Artistique Innovante.

A pesar de la gran dificultad, precisión y limpieza en ejecución de Scandinavian Boards, no fue de mis números favoritos, disfruté más de los mencionados con anterioridad. En particular noté que todos esos números se apoyan en otras disciplinas, mezclan danza, clown, expresión corporal, etcétera para enriquecer la presentación. En lo personal creo totalmente en que la interdisciplina logra cosas más interesantes. Supongo que no es casualidad que esos actos fueran los que me interesaran más.

Para más información sobre el Festival Mondial du Cirque de Demian consultar su página https://www.cirquededemain.paris/ donde se pueden ver fotos, videos, lista de ganadores y entrevistas.
La función está disponible por tiempo limitado y pudiera tener restricciones geográficas en arte.tv/fr o desde el sitio del festival.
Duración 2:19 horas

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#danza, pelicula

White Nights

Portada del DVD White Nights. Se muestra con fines ilustrativos.

Conocida en español como noches de sol, sol de media noche o noches blancas que es la traducción directa. El título hace referencia a la época del año en que el sol es visible las 24 horas del día en regiones boreales, un fenómeno que se presenta en zonas de Rusia.

La película de 1985 con Mikhail Baryshnikov y Gregory Hines cuenta la historia de un bailarín soviético de ballet (Nikolái Ródchenko) que escapó a Estados Unidos y por un accidente aéreo aterriza en Rusia donde será retenido. Un bailarín y militar estadounidense que desertó y se fue a la Unión Soviética (Raymond Greenwood) será el encargado de custodiarlo y prepararlo con los ensayos necesarios para su regreso a los escenarios en Leningrado. Todo el tiempo vigilados por agentes de la KGB que monitorean toda su actividad y hacen ofertas que no necesariamente están dispuestos a cumplir. Ródchenko y Estados Unidos harán todo lo posible para que regrese a salvo al país que le dio asilo.

La película salió en plena guerra fría por lo que la historia se siente como propaganda. El papel de Ródchenko es interpretado por Baryshnikov quien es un bailarín soviético que escapó para hacer su vida en Nueva York. De alguna forma la película parece decir “esto le pasaría a Baryshnikov si regresara a la URSS”

La película cae en clichés como personajes que luchan por la libertad y sus contrapartes racistas, sin embargo la historia me parece interesante y me atrapó. Existen además varias escenas de danza muy buenas como el inicio de la película con Le jeune homme et la mort de Roland Petit, una secuencia de improvisación de tap con Gregory Hines, una escena donde Baryshnikov apuesta 11 rublos contra 11 piruetas y otra escena donde los dos protagonistas bailan juntos en el estudio de ensayos. El trabajo coreográfico lo hizo Twyla Tharp.

El director Taylor Hackford la describe como un thriller de danza y política. En sus palabras la idea era hacer algo musical con Baryshnikov y Hines, al buscar una trama salió la historia que conocemos. La danza es parte de la película, no un adorno dentro de la misma.

A diferencia de Bailando en el desierto, White Nights me parece una historia dinámica a pesar de ambas películas tratar temas similares.

En una escena Ródchenko habla con la directora del Ballet Kirov le dice que en la URSS bailan lo que se les pide, no lo que quieren, por lo que se pierde la individualidad del intérprete, en cambio en occidente son libres por bailar realmente lo que quieren. Hace mención que ella sueña con bailar a Balanchine (bailarín y coreógrafo que huyó de Rusia, por lo tanto prohibido en ese país) y él en cambio lo ha podido bailar. Me llamó la atención que se dice que Balanchine pedía a sus bailarines que no interpretaran con un estilo propio, sin un sello personal.

White Nights (noches blancas, sol de media noche o noches de sol, según el país)
Columbia Pictures
1985
136 minutos

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#danza, pelicula

Bailando en el desierto

Portada de Bailando en el desierto. Se muestra con fines ilustrativos.

Película de 2014, Desert Dancer (El bailarín del desierto) fue dirigida por Richard Raymond, con las actuaciones de Freida Pinto y Reece Ritchie.

Desde los primeros minutos se ve el tono de la película, comenzando con la leyenda “basada en una increíble historia real” promete apostar por el sentimiento. Desde el inicio queda la trama muy clara: el protagonista será golpeado por la policía moral de Irán por seguir su sueño de bailar.

Afshin Gaffarian quiere ser bailarín y en medio de los problemas políticos de Irán de 2009 decide formar una compañía clandestina de danza con sus amigos. Tendrán que reunirse a escondidas para no ser detenidos por la policía moral pues la actividad está prohibida. Dan una función en el desierto frente una veintena de jóvenes de la universidad, lo que le da título a la película.

Llena de clichés no logra provocar los sentimientos. Melodrama con ritmo lento, personajes planos, diluyendo la trama principal con una historia de amor que tampoco es firme, es predecible hasta el momento del beso.

Investigando sobre Afshin, hay inconsistencias dentro de la película, si bien se ve forzado a abandonar Irán formando su compañía en París (Reformances, no mencionada en la película) difieren ligeramente los años y la manera en que sale de Irán es completamente diferente.

La escena de la danza en el desierto debería ser lo mejor de la cinta, la coreografía la hizo Akram Khan, uno de los más reconocidos coreógrafos de la actualidad en el campo de la danza contemporánea. En ese momento ya estaba cansado de la película y no me interesó lo suficiente la secuencia aunque me llamó la atención que es una especie de danza de contacto sin contacto.

La cinta falla en entregar la historia y para mi gusto es más que nada propaganda política. Curiosamente no es la única película que existe sobre bailarines huyendo de sus gobiernos. Más adelante aquí en Por los Teatros se darán las reseñas.

Desert Dancer (El bailarín del desierto o Bailando en el desierto, según el país hispano)
6Sales, IDC Films, May 13 Films
104 minutos

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