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Cirque du Soleil: Kooza

Detalle del vestíbulo de la carpa de Kooza

El pasado 8 de enero finalizó la temporada en México de Cirque du Soleil Kooza. Dicha temporada marcó 20 años de la compañía presentándose en México y su regreso tras la pandemia.

La reseña corresponde a la penúltima función de la temporada, es decir la primera del de 8 de enero.

Comenzaré con los precios. Cirque du Soleil nunca ha sido barato, pero esta vez me pareció particularmente caro. No me sorprende que tanto en Guadalajara como en Ciudad de México hayan tenido múltiples promociones y descuentos durante toda la temporada (Cosa que ya sucedía con espectáculos anteriores) Aún así me sorprendió ver lleno total incluso en las localidades sin promoción.

En cuanto a mercancía trajeron menos que en años anteriores y creo que ligeramente a menor precio. Se notó también la ausencia de stands de los patrocinadores. Un amigo una semana antes me dijo que no había programas a la venta, aparentemente reservados para los espectadores VIP. El último día si estaban disponibles para su compra.

Pasemos al espectáculo: La primera parte se compone de los actos charivari (torres humanas), contorsión, telas aéreas, rueda Cyr y cuerda tensa doble. La segunda parte lleva danza de esqueletos, péndulo de la muerte, diábolos, equilibrio en sillas y trampolines. Ambas partes llevan entreactos de payasos.

El número de contorsión me gustó mucho, sobre todo la música. Las telas no son mi acto aéreo favorito ya que frecuentemente se presentan lento con un ritmo somnífero. En este caso lo presentan de manera muy dinámica que le imprime una energía especial. El programa indica que la rueda Cyr es acto en rotación con dúo de monociclo. Hubo movimientos que nunca había visto con rueda Cyr, todo el tiempo muy controlado y preciso. La cuerda tensa doble es impresionante, con los ejecutantes corriendo, bailando, haciendo esgrima y montando bicicleta sobre la cuerda.

La apertura después del intermedio es baile de esqueletos muy al estilo de cabarets, mucha coreografía y vestuario de plumas. Durante el mismo número se prepara el péndulo de la muerte. No deja de impresionarme y no me explico cómo aprenden a usarlo, no me imagino una forma segura para practicar en él. El número de diábolos es muy bueno, nuevamente hay movimientos que nunca había visto. El programa indica que es acto en rotación con manipulación de aros. El equilibrio en sillas es una torre alta de sillas mientras el ejecutante hace …. Equilibrios. El espectáculo finaliza con trampolines, donde planchas cual sube y baja son usadas para saltar y hacer giros en el aire, incluso usando zancos o un solo zanco atado a ambos pies.

Los números son enlazados por payasos que unas veces interactúan con el público y otras hacen pantomima con gran expresión corporal. Para mi gusto los payasos ocupan demasiado tiempo, sin embargo, cabe destacar cómo están coreografiados los momentos en que se arman aparatos a la vista del público como el caso de las cuerdas tensas y el péndulo de la muerte, donde los payasos corren entre la audiencia o los esqueletos hacen lo propio bailando y desfilando por los pasillos.

El slogan es “Cirque en su estado más puro” Según el programa, el escenario es una plaza que evoca a los circos de antaño. La escenografía es muy sobria en comparación con otros espectáculos del Soleil, lo que puede evocar ese “estado puro”.

Como mago aficionado siempre me he preguntado por qué el Cirque du Soleil no incluye magos. La grabación en video que existe de Kooza muestra un acto de magia y pickpocket (carterismo) y un par de desapariciones. Dichos números no se presentan por lo menos desde marzo del 2014, fecha en que vi el espectáculo en Ámsterdam y ya no se realizaban. El programa sigue haciendo referencia a ellos en la sección “accesorios”. Único acto de magia en el Cirque du Soleil y quedó fuera hace años (Posteriormente en Michael Jackson ONE se incluyó magia y tengo entendido que en Mad Apple hay un mago comediante) Pero queda la pregunta ¿Por qué prácticamente no hay magos?

Hago mención de que había visto el espectáculo antes, para un pensamiento final ¿Qué recuerdo de hace 9 años? La cuerda tensa, el baile de los esqueletos y el péndulo. Todo lo demás prácticamente lo había olvidado (telas, rueda Cyr y diábolos deben ser actos nuevos)

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Balancing Acts

Portada de Balancing Acts. Se muestra con fines ilustrativos.

Daniel Lamarre ha trabajado con Cirque du Soleil por más de 20 años. Fue director ejecutivo, actualmente vicepresidente. Su formación laboral incluye televisión y relaciones públicas. En enero de 2022 publicó su libro Balancing Acts, donde en la introducción lanza la pregunta ¿por qué debería leer el libro de creatividad y liderazgo de un CEO cuya compañía se declaró en bancarrota? Una forma muy honesta de comenzar.

A lo largo del libro Lamarre narra cómo pasó de un empleo estable en el que era accionista a “huir con el circo” tomando un trabajo que no parecía la mejor idea. Con el paso del tiempo fue acoplándose al nuevo ambiente, viendo que su modelo rígido “de oficinista” no serviría en un ambiente creativo. Todo el libro apuesta mucho por la creatividad e invita al lector a que en su negocio busque las mismas bases, aunque el giro no parezca “creativo” a primera vista.

Narra la utilidad de buenas relaciones públicas, manejo de crisis, tener una ética de trabajo y no desviarse de ella. Cuenta el proceso tras la creación de algunos espectáculos icónicos como LOVE, O y Ka. Analiza lo que los ha hecho funcionar tan bien. No deja de lado los descalabros. Enumera las grandes fallas del Cirque: Zaia, Banana Shpeel, Viva Elvis, R.U.N. y el estira y afloja con BeLIEve y sus múltiples encarnaciones. En cada uno de ellos explica qué no funcionó y por qué era predecible el resultado al desviarse de sus lineamientos y/o no escuchar las necesidades del cliente, incluso desconocer su propia marca.

Indica que normalmente en las empresas no se maneja el “qué queremos” sino el “qué no queremos” no el “qué puedes hacer” sino el “qué no puedes hacer” lo cual deja una visión borrosa del objetivo.

Señala también que es mejor al elegir socios comerciales (o eventualmente compradores de la empresa) hacer tratos con quien comparta valores contigo y tu empresa. En los momentos en que el Cirque se ha puesto en venta no se ha tratado de ganar dinero con la transacción y vender al que ofrezca más, sino al que mantenga los principios y libertad artística requerida por su personal.

Inevitablemente se llega al COVID y cómo la pandemia de un día para otro cerró el telón. De repente no tuvieron ni un centavo de ingreso pero si múltiples gastos. Se tuvo que llenar la banca rota. Un grupo de acreedores es el nuevo propietario. Lo interesante es que en ese momento varias compañías estaban dispuestas a comprar el Cirque, aunque tuviera deudas, aunque no hubiera funciones por tiempo indefinido. Hubo tanto quien esperaba comprar a precio de remate como quien estaba dispuesto a pagar precio completo por ellos. Gracias al trabajo de años Cirque se creó una marca, una imagen, que aun detenida y en quiebra valía muchísimo y le ha permitido ir resurgiendo poco a poco. Es a lo que Lamarre apuesta en Balancing Acts. Ser creativo, hacer de tu negocio algo tan especial que hasta en el peor escenario no pierda valor.

Algunas de las frases que me gustaron:

– Uno de los retos más difíciles de una vida creativa: ¿cómo llenar el hueco entre una idea brillante y su ejecución práctica?

– Ser creativo es hacerte vulnerable.

– Fui contratado por mi experiencia, pero mi experiencia seguía interponiéndose.

– Muchos gerentes no consideran la creatividad una prioridad porque creen que su trabajo es decirle a la gente qué no pueden hacer.

– Ven a mi con tus más locas ideas.

– Conoce tu marca, tus clientes ciertamente lo hacen.

– La misión artística del Cirque “Invoca la imaginación, provoca los sentidos y evoca las emociones de la gente alrededor del mundo”

El 16 de junio Cirque du Soleil cumplió 38 años. Que mejor forma de celebrarlo que leyendo Balancing Acts.

Balancing Acts
Daniel Lamarre con Paul Keegan
Harper Collins, 2022
244 páginas

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Teatro de la Caricia

Portada de: Teatro de la Caricia, se muestra con fines ilustrativos.

Bajo el título Daniele Finzi Pasca Teatro de la Caricia, Facundo Ponce de León publica conversaciones que a lo largo de los años ha tenido con el clown y director escénico Daniele Finzi Pasca.

El trabajo de Daniele incluye ser co-fundador de las compañías Teatro Sunil (Ícaro) y Compagnia Finzi Pasca (La Veritá, Bianco su Bianco, Donka, Per té), co-producciones con Cirque Eloize (Rain, Nomade, Nebbia), dirección para Cirque du Soleil (Corteo, Luzia), apertura y clausura de juegos olímpicos de invierno, dirección de óperas para English National Opera (L’Amour de Loin), Teatro Mariinsky (Aída, Requiem) y Teatro San Carlos de Nápoles (Pagliacci). Su línea de trabajo siempre ha ido sobre lo que él llama Teatro de la Caricia.

El libro incluye conversaciones que nos llevan a un viaje circular, un viaje de regreso donde conocemos la filosofía de Finzi Pasca y los orígenes del teatro de la caricia.

Siendo un volumen no muy grande (136 páginas) me parece difícil resumirlo. Es un libro lleno de ideas de un importante creador escénico, cada página tiene cosas para tomar nota.

Entre lo que más me llama la atención es la forma en que indica que un clown corteja al público. En una fiesta hay varias formas de ser y cada una de ellas conquista. Así mismo hay varias formas de ser clown y cada una corteja. Si no tienes suerte consiguiendo pareja y buscas consejo de tus amigos, tal vez el consejo sirve, pero conquistaste a tu pareja usando una formula que no es tuya, ese no eres tu: o te condenas a mantener la mentira o viene el rompimiento. Así un clown: si te aconsejan ponerte un nombre en diminutivo y hacer figuras con globos, tal vez sirva, pero puede ser que ese no seas tú ni lo que quieres de ser clown.

En días anteriores publiqué la reseña de Donka, donde menciona que un artista es pescador de ideas y puede pasarse días enteros sentado en un café aparentemente sin hacer nada, en realidad está pescando la idea. Como la pesca, es cuestión de paciencia. En este libro se profundiza sobre el tema.

Habla de que todo el equipo de trabajo está en una embarcación, puede ser pequeña o grande, el barco se maneja diferente pero el propósito es el mismo. Si la producción es para un actor o para miles de artistas, la estrategia es diferente pero siempre se busca el mismo objetivo: llegar al puerto.

Menciona que hay dos tipos de actores: aquellos que sienten las cosas y las hacen sin importar hacia donde van y los que hacen preguntas, los que consultan los mapas y quieren saber para qué es todo esto. Como director Daniele debe comprender rápidamente que tipo de actor es cada uno de sus artistas para no perder el tiempo de su gente. Indica que el tiempo de otros es algo que no se puede malgastar.

Finalmente habla de su viaje de juventud como voluntario a la India. Viaje hacia adentro, de auto descubrimiento. En una India con muchos enfermos de lepra y gente viviendo en la calle, su trabajo era atender a los enfermos, muchos de ellos moribundos. De sus experiencias sale lo que será el teatro de la caricia: aprende a sentir al enfermo (o al público) él puede sentirse bien haciendo su trabajo, pero si no percibe lo que sucede con el enfermo, entonces su trabajo ya es automático. Aprende el valor de una caricia. Hacer saber al enfermo que alguien está ahí a un lado con él. Conoce a Sunil, un muchacho que muere después de 24 días de batalla cuando no esperaban que durara uno. De él toma el nombre para su primer compañía.

Su trabajo escénico se ha enfocado en buscar la conmoción, resonar en el público, ser un clown cuya finalidad principal no es hacer reír. Busca oír, sentir al público. Para él el clown es un actor que cuenta historias, un héroe perdedor que con dignidad pierde casi siempre y al final se desvanece discretamente.

Daniele Finzi Pasca Teatro de la Caricia
Facundo Ponce de León
Ediciones CFP
Primera Edición Julio 2009, Tercera edición enero 2015 (Uruguay)
Reseña sobre edición en español, también disponible en otros idiomas
136 páginas

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Cirque du Soleil: Alegria in a new light

Nueva imagen de Alegría

En 1994 Cirque du Soleil estrenó el espectáculo Alegría, el que se convertiría hasta la fecha en el más icónico de sus producciones. Su última presentación fue en 2013, año en que se retiró definitivamente de los escenarios. El DVD ha existido comercialmente durante muchos años así como el disco con la música, siendo el tema Alegría la pieza mas escuchada del Cirque.

Este 2019 se estrenó “Alegría in a new light” (en una nueva luz) originalmente anunciado como “el retorno de un clásico” Y así es, regresa un clásico pero en una nueva faceta. El nuevo espectáculo es una reinterpretación del original el cual solo conozco por videos ya que no lo vi en vivo.

Se indica que es una historia de resilencia y esperanza. Alegría siempre ha sido una historia triste, tomando el nombre de la costumbre en Italia de decir «Alegría» cuando todo va mal, una manera de decir «por buena cara, la vida sigue, qué nos queda: ¡alegría!» En el espectáculo se presenta un reino sin rey donde el personaje guía toma la corona y se autoproclama. En el video original esta trama no es clara, en la nueva versión me recuerda mucho el argumento de Kooza, el estilo de los payasos también me recuerda a Kooza. que fue creado en 2007.

La música tiene más tintes de rock que en la versión antigua. El soundtrack fue liberado en plataformas digitales meses atrás, lo oí antes de ver el show y no me gustó. Siento que la música original de René Duperé podía vivir por si sola aun sin ver el espectáculo. La música nueva siento que no funciona así. Al ver el show cobró sentido, va muy bien empatada con la acción en vivo, pero aislada siento que no tiene la misma fuerza. Las piezas que son reinterpretaciones de las originales se oyen raras. Precisamente están modificando clásicos. Las decepciones más grandes para mi fueron los temas Alegría y Vai Vedrai.

La mayoría de los actos se conservan, como los aros hula, el fast track y las barras de altura. Otros presentan modificaciones como las cintas áreas, previamente un solo y ahora un dueto. Hay actos que cambian completamente como la falta de hombre fuerte y el uso de una nueva rueda cruzada. El acto previo a la tormenta de nieve tiene también un cambio mayor: El payaso triste con el perchero, interpretado magníficamente en la grabación por Yuri Medvedev, siempre me da mucha tristeza. La rutina es de Slava Polunin y la usa en su Slava’s Snowshow, la he visto en vivo en dicho espectáculo y no siento lo que transmite Medvedev. En este nuevo Alegría no se presenta dicha rutina, se hace una diferente tratando de transmitir lo mismo pero no llega a igualar la emoción. No se si por cuestión de derechos no se haya incluido como se realizaba anteriormente.

El número que más se me quedó fue el de malabares con fuego, con la canción Cerceaux, la cual tiene vida propia sin el show. El conjunto que forman la cantante de negro, la baterista y el malabarista son increíbles y se complementan perfectamente. Me dio gusto que al finalizar se agradecen entre los 3. Es un trabajo en equipo que sin una de esas partes no funcionaría de la misma manera. Cerceaux originalmente se usaba en el número de aros hula. Es un acierto presentarla con un estilo de rock ahora en el fuego.

También vale la pena destacar el número con ruedas cruzadas, una especie de rueda Cyr con una rueda empotrada dentro de la otra, no se si sea ilusión óptica pero pareciera cambiar el ángulo entre ambas.

Durante el fast track (camas elásticas puestas en dos líneas largas donde saltan mientras avanzan haciendo múltiples acrobacias) me llamó la atención la forma en que la música guía al público, en la parte en que la música es lenta y melancólica el público no aplaudía aunque los acróbatas hicieran poses agradeciendo. El aplauso regresó cuando la música nuevamente se acelera. En el momento lento la gente sabe que es tiempo de observar, sentir emociones y reservar el aplauso para después.

Normalmente no me gustan las adaptaciones o reinterpretaciones de clásicos, esta no es la excepción, siento que algo quedó a deber. La función que vi fue hacia el final de la temporada en Toronto, segunda ciudad que pisa este montaje. No hubo programas de mano, parece que la respuesta durante toda la temporada fue que llegarían «la próxima semana». Otro punto que me llamó mucho la atención es la forma en que varían los precios de los boletos comprando en el sitio oficial. Pareciera que se le compra a reventa: el mapa de precios varía significativamente de un día a otro, incluso una misma función, un mismo asiento puede cambiar considerablemente dependiendo de que tantos o pocos lugares queden.

Cirque du Soleil: Alegría in a new light
Duración aproximada: 2:15 horas incluyendo intermedio

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Cirque du Soleil: Crystal

Poster de Crystal. Se muestra con fines ilustrativos.

Crystal es el espectáculo número 42 producido por Cirque du Soleil. Por primera vez se hace sobre una pista de hielo y mezcla patinaje con acrobacias circenses. Es una unión bastante interesante pues hay elementos que parecen sacados de patinaje sobre ruedas como el uso de rampas para saltar, pero en este caso es superficie congelada.

Tiene diferencias significativas con otros espectáculos del Cirque, sobre todo en la música. Por un lado no existe grabación comercial de la misma. Por otro, solo hay dos músicos en escena teniendo mucha música pregrabada. Otro punto importante es que utilizan algunos covers a artistas como U2, Beyonce y Sia. Los instrumentos que se ven en vivo son guitarra eléctrica, violín, saxofón y piano. Predomina el violín con tonos irlandeses.

La historia es una joven (Crystal) que no encaja por hacer las cosas de manera diferente. Al escapar de esa realidad cae por un lago congelado a un mundo donde conoce su reflejo, una chica con ropa oscura con un carácter más agresivo. Después de su experiencia en el mundo espejo, donde ve oficinistas cuadrados y gente atrapada en la rutina, decide volver a casa donde la espera su familia. El concepto me recuerda mucho a Quidam del mismo Cirque donde una joven con imaginación activa vive con padres cuadrados que solo tienen tiempo para sus trabajos y actividades de adultos. Conoce a Quidam (persona sin nombre, fulano) con quien vive el mundo de fantasía que presenta el Cirque, para finalmente regresar con su familia.

Al analizar un poco la historia me pregunto: si el mundo espejo es un escape de la realidad y ahí ve oficinistas metidos en la rutina ¿entonces el mundo real no tiene esos oficinistas en la rutina?

Se utiliza videomapping sobre la escenografía y la pista. Crea efectos espectaculares llenos de colorido, sin embargo hay momentos en que el video distrae de los actos, por ejemplo en los malabares. Como suele pasar en el Cirque du Soleil, si prestas atención a algo, te perdiste otra cosa. Son visualmente muy cargados y al hacer todo el escenario una pantalla gigante el efecto de distracción aumenta.

Los actos como siempre son demostraciones impresionantes de destreza. Incluyen mezclas de disciplinas, como los mástiles que se balancean: una mezcla de mástil chino con péndulos. También hay malabares que en el mismo acto intercalan rebote (las pelotas botan en el piso) y lanzadas al aire. De igual forma usan bolas de nieve que se prestan para hacer bromas.

Un número de trapecio individual es verdaderamente impresionante por la plasticidad y precisión. La acróbata todo el tiempo tiene los patines de hielo colocados. El número final, un dúo de trapecio es acompañado por música grabada y violín en vivo. Hay un solo de violín. En ese momento fue mágico notar todo el Palacio de los Deportes completamente en silencio, lo único que se escuchaba era el violín ¿cómo generas ese silencio en un lugar tan grande?

Otros números son equilibrio en sillas, patinaje y salto en rampas, patinaje artístico, cargadas, balancines para saltar.

Llama particularmente mi atención el hecho de que no todos los artistas usan patines, hay también gente con zapatos moviéndose sin problemas sobre el hielo. Por supuesto, no son zapatos “normales” deben tener la suela correcta para esa superficie.

Muy buen espectáculo con música vibrante bien integrada a los actos. Los números tienen elementos de varias disciplinas que al ser unidas forman algo que no se había hecho antes.

La presente reseña corresponde a la última función en la Ciudad de México con lo que concluyó la gira por el país.

Cirque du Soleil Crystal
Duración aproximada: 2:20 horas incluyendo intermedio de al rededor de media hora y pre show mientras la gente entra al lugar. La función en si no comienza puntualmente pero el pre show va corriendo.

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The Spark

Portada de The Spark. Se muestra con fines ilustrativos.

Cirque du Soleil The Spark: igniting the creative fire that lives within us all (Cirque du Soleil La Chispa: encendiendo el fuego creativo que vive dentro de todos nosotros) es una ventana hacia el mundo creativo del Cirque du Soleil, enmarcado en una historia de ficción.

Existen libros de autoayuda o de cómo ser exitoso en los negocios que colocan sus consejos dentro de una historia a modo de novela, cuento o algo tipo fábula. No son el tipo de libro que prefiero. The Spark hace algo parecido con el tema de la creatividad, inspiración, colaboración y trabajo en equipo. En este caso la historia me atrapa, posiblemente por estar ambientada en algo que me interesa: el circo.

The Spark trata de un agente deportivo que busca nuevo significado a su carrera y a su vida. A modo de pláticas con entrenadores, artistas, oficinistas y gente de producción del Cirque du Soleil se van entregando las ideas. Lyn Heward creó el concepto y John U. Bacon escribió el libro. En los agradecimientos se entiende que el autor vivió algo similar al personaje de la novela y estuvo como invitado en el Cirque para documentar lo que sería el libro, es decir el personaje es ficticio pero las ideas y hechos descritos son reales.

La historia nos va guiando por diferentes oficinas y lugares de entrenamiento donde se narra cómo se superaron obstáculos en diferentes espectáculos, como el vestuario de O, espectáculo acuático que presenta desafíos especiales pues el cloro del agua acaba la tela convencional. Cómo diferentes artistas con formación de gimnastas dejaron el ambiente competitivo del deporte para pasar a uno colaborativo. Cómo las personas que interactúan con el público en los espectáculos invitan a alguien a participar y sentirse cómodo. Cómo buscan nuevos desafíos modificando un aparato o intentando algo nuevo, tomando riesgos pero al mismo tiempo midiéndolos.

En un pasaje se hace la descripción de las oficinas centrales del Cirque du Soleil y se dice que las paredes están decoradas con posters de sus diferentes espectáculos, esto con el fin de no perder de vista cuál es el producto final, todos están trabajando para lograr lo que representan esos carteles. Así como usan la ambientación en su edificio para motivar a los empleados, el ambientar la historia en el Cirque me mantuvo atento a la misma, a diferencia de otros libros del mismo estilo.

Algunas de las frases que resaltan para mi son: “Cada accidente es una oportunidad creativa”, “Es difícil ser creativo en aislamiento. La verdadera creatividad requiere colaboración e incluso conflicto y confrontación”, “Si no entiendes tu papel ¿cómo vas a disfrutar lo que haces?”, “Es sorprendente cómo tememos a lo desconocida, incluso cuando lo desconocido trae la posibilidad de éxito”, “Estamos tan acostumbrados a nuestra zona de confort que aprendemos a vivir con desilusión mientras sea seguro y conocido”, “El trabajo perfecto debe ser una mezcla de nuestros talentos y nuestras pasiones”, “Si realmente quieres que las cosas sucedan debes estar dispuesto a estrellarte”.

The Spark es un libro pequeño, conciso, con un estilo muy fácil de leer. Posiblemente no da consejos nuevos pero me gustó la forma de integrarlos en la historia. Es un producto “con licencia oficial” del Cirque y como tal, se nota que es un trabajo muy cuidado. Lyn Heward recibe créditos como antigua presidente de la división de contenido creativo.

Existe en español bajo el nombre «Cirque du Soleil La Magia. Una historia sobre el poder de la creatividad y la imaginación» en editorial Empresa Activa

The Spark
Lyn Heward y John U. Bacon
Currency Doubleday, 2006
136 páginas
Idioma: inglés.

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Cirque du Soleil Kurios

Póster para cine de Kurios. Se muestra con fines informativos.

El 12 de junio comenzó una breve temporada en cines de Cirque du Soleil Kurios, proyectándose un solo día en un solo horario en algunas ciudades. Es la primera vez que un espectáculo del Cirque du Soleil se presenta en cines. Kurios existe en video comercial pero al parecer solo se consigue en la carpa que esté presentando dicho show, por lo que el liberarlo para la pantalla grande es una forma de acercar el espectáculo a más gente.

El hilo conductor es un inventor que ve en el lapso de un minuto todas las cosas que suceden durante el espectáculo, aparentemente todo sucede dentro de su maletín o “gabinete de curiosidades” que es el subtítulo que lleva Kurios.

Ambientado con un estilo victoriano – steampunk el diseño de arte es muy atractivo. La música acelerada con un estilo que ha sido descrita como mezcla de jazz y electro swing. Las acrobacias y números circenses muy buenos.

Los números incluyen percusiones sobre mesas y maletas mientras otros integrantes del elenco hacen malabares. La escena está visualmente llena de estímulos y es tan solo el primer acto. Resalta el que al malabarista lo elevan en un arnés y posteriormente lo bajan sin dejar de trabajar con tres clavas.

Un número de bicicleta aérea es de lo más bello de la función, una acróbata hace su rutina a semejanza de los aros en el aire, pero en este caso el aparato es una bicicleta suspendida.

El número de contorsión es impresionante, el vestuario con bordes palmeados y la manera de moverse en olitas de las ejecutantes hace ver formas acuáticas, ya sea bichitos o algas. Posteriormente hay un acto de equilibrio en sillas con un final inesperado donde se encuentra con un mundo cabeza abajo que también hace equilibrios en su propia perspectiva.

Uno de los números más impresionantes es el rola-bola. Se trata de una disciplina donde se hace equilibrio apilando cilindros horizontales y tablas para luego pararse encima. Pueden ser varias capas de estos elementos. En este caso no solo se hace equilibrio a la usanza tradicional, también se eleva la plataforma sobra la que está apoyado y se balancea como columpio mientras sigue el acróbata equilibrándose encima de todo.

La función también incluye una enorme red sobre la que saltan estilo cama elástica y un número aéreo en cuerdas, así como un dúo en una especie de trapecio fijo. Otro momento fenomenal es el número de yo-yo. Una persona hace figuras a gran velocidad con uno o dos yo-yos, al pensarlo resulta sorprendente que antes no se hubieran visto estos juguetes en las pistas de circo.

El número más cómico es una persona actuando como gato, no solo con sonidos sino corporalmente. Su participación la hace formando una historia con una espectadora. Otro momento cómico que termina siendo el más tierno es un teatro de manos. Utilizando las manos y una pantalla se forman personajes e historias, al final hay una breve interacción con el público que termina sacándole lágrimas al espectador.

Para finalizar se realiza lo que se conoce como “banquine” donde los acróbatas hacen saltos y cargadas quedando uno sobre los hombros de otro formando torres.

Si tengo que describir el espectáculo en una sola palabra sería “frenético” todo sucede a gran velocidad: los malabares, los saltos, el yo-yo, el movimiento de contorsión, hay pocos momentos en que baja la intensidad. La música en general tiene un ritmo que acelera.

El espectáculo es muy bueno, la proyección tuvo una breve introducción de Michel Laprise quien dirigió Kurios. Hace un paseo tras bambalinas y por los talleres de vestuario y maquillaje.

Espero que Kurios continúe su gira por mucho tiempo y algún día haya la oportunidad de verlo en vivo.

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