Príncipe y Príncipe

Obra infantil que cuenta la historia de un reino donde la reina está cansada de tanto trabajo, quiere jubilarse, comprar unos boletos e irse a la playa ¿Quién no sueña con eso? Pero para poder hacerlo necesita que su hijo el príncipe se case y ascienda a rey para dejar en sus manos los asuntos del país y así ella descansar.

Como siempre sucede en estos casos, se hace la convocatoria para que las princesas se presenten en el palacio y el principe elija. Pero pudiera ser que él realmente se interese en un príncipe azul.

La obra se basa en el cuento de ilustraciones Rey y Rey de Linda de Hann y Stern Nijland (Holanda, 2000) disponible en español por Calibroscopio. Casualmente hace un par de semanas en una librería me explicaron que los libros de ilustraciones están enfocados en presentar a los niños, de manera sencilla, una amplia variedad de temas como pueden ser familia, amistad, valores o muerte. O como en este caso el amor y la diversidad de preferencias sexuales.

Este montaje para teatro ya ha tenido temporada en diversos espacios de la Ciudad de México y actualmente se presenta en el Teatro Helénico. El libreto es de Perla Szuchmacher y la dirección de Artús Chávez, quien cuenta con amplia trayectoria de clown por lo que no es de sorprender que la obra tenga siempre toques divertidos y fársicos.

La escenografía y vestuarios son impresionantes así como la multiplicidad de personajes que interpretan algunos actores.

La historia va llevando al espectador de forma amena, presentando el tema principal de manera muy clara y sencilla. Sin rodeos se muestra cómo los dos príncipes se identifican y deciden que son la persona correcta. No solo está esta pareja, también hay una historia de amor entre la doncella y el paje.

Básicamente, se trata de una historia de amor en diferentes facetas, incluido el fraternal y el de padres e hijos.

Príncipe y Príncipe
De: Perla Szuchmacher, basada en el cuento Rey y Rey de Linda de Hann y Stern Nijland
Dir. Artús Chávez
Con: Anahí Allué, Miguel Romero, Cristopher Aguilasocho, Eduardo Siqueiros y Margarita Lozano
Duración aproximada: 60 minutos.
Para mayores de 4 años.
Para mayores de 4 años.
Teatro Helénico, hasta el 9 de junio.

#teatro

Ejercicios fantásticos del yo

Fernando Pessoa fue un ensayista y poeta portugués de principios de siglo XX. En vida solo se publicaron un par de trabajos, siendo presentado de manera póstuma prácticamente todo su trabajo.

Utilizaba varios heterónimos: identidades ficticias, creadas por el autor, a quienes atribuye una biografía y un estilo particular. Es decir, no solo es un nombre inventado, sino que ese nombre tiene biografía y se asocia a un estilo muy particular de escribir, distinto a otro de sus heterónimos.

Ejercicios fantásticos del yo es una obra de Sabina Berman donde se narra un día en la vida de Pessoa. Precisamente ese día tiene que llevar a cabo varias actividades importantes: un anuncio del que depende su trabajo en una agencia de publicidad, pedir la mano de su novia quien está a punto de casarse con otro, conseguir un contrato con una agente literaria que lanzaría su carrera, escribir una obra merecedora del premio del concurso de la Reina Victoria. Todo mientras trabaja o lidia con sus varios heterónimos.

Durante la obra estos heterónimos se muestran como personajes muy reales al interior de Pessoa, un problema de personalidad múltiple. En momentos estas personalidades le dictan lo que debe hacer, en ocasiones dando la acción contraria a lo que Pessoa quiere ¿o es que realmente no quiere?

A partir de estos conflictos internos se hace la exploración del Yo. Yo soy yo, o soy lo que no es, soy ese personaje ficticio. La gente quiere a quien soy o a alguno de esos otros personajes que soy y que no soy.

La obra es una comedia intelectual, por decirlo de una manera. No recurre a recursos burdos y hace reír con recovecos del lenguaje que al mismo tiempo invitan a analizar. Por ejemplo se dice: “ ‘Pero’, la palabra más traicionera del lenguaje, la vuelta en ‘u’ de todas las intenciones”.

El texto es interesante y para entender su significado sería necesario ver la obra (o leerla cuando se publique) varias veces.

La escenografía de Philippe Amand son paneles blancos que se mueven por el escenario, sobre los que se proyectan imágenes que crean la ambientación deseada. En lo particular no disfruto mucho de la escenografía multimedia, pero (la vuelta en ‘u’) me gustó que al deslizar los paneles se crearan otros espacios y la escena del tren tiene un efecto visual de mucho realismo.

La temporada en el Teatro Helénico duró aproximadamente 2 meses, finalizando el 5 de mayo, desafortunadamente no pude ver la obra sino hasta el último fin de semana, por lo que esta reseña llega cuando ya no está en cartelera. Espero pronto regrese a otro teatro.

Dramaturgia y dirección: Sabina Berman.
Escenografía: Philippe Amand.
Vestuario: Eloise Kazan.
Actuaciones: Moisés Arizmendi, Hernán del Riego, Alfonso Cárcamo, Hamlet Ramírez, Nora Huerta, Fernando Bonilla, Sonia Franco, Jyasú Torruco.
Duración aproximada: 110 minutos.

#video, Ballet

Novena Sinfonía (Béjart)

Portada del disco de Novena Sinfonía. Se muestra con fines ilustrativos.

La Oda a la Alegría de Friedrich Schiller se publicó por primera vez en 1786. Ludwig van Beethoven le puso música estrenando en 1824 su Sinfonía n.º 9 en re menor, op. 125 «Coral» o popularmente conocida como Himno a la Alegría.

La obra consta de 4 movimientos, siendo el último el que incluye selecciones del poema de Schiller. Es una pieza muy conocida en todo el mundo que ha sido símbolo de libertad y hermandad.

En 1964 Maurice Béjart coreografío la obra completa bajo el título Novena Sinfonía, planeándola como un espectáculo para grandes escenarios como arenas. Originalmente se estrenó con el Ballet du XXe siècle que finaliza sus actividades en 1987. Posteriormente el coreógrafo crea el Béjart Ballet Lausanne. En el sitio de internet de esta compañía, en palabras de Béjart se menciona que la obra no tiene un concepto o tema, solo siguen al compositor del miedo a la alegría, de la sombra a la luz, participando en una obra maestra que pertenece a la humanidad, no solo tocado y cantado, sino también bailado como en las tragedias griegas y ritos religiosos de la antigüedad.

En 2014, 50 años después de su estreno y tras 3 años de preparación se vuelve a presentar en conjunto con el Tokyo Ballet en el NHK Hall de Tokyo, con la participación del coro Ritsuyukai y la Orquesta Filarmónica de Israel. EuroArts y NHK graban por primera vez esta obra, la cual está disponible en DVD, BluRay y streaming en medici.tv

Gil Roman, director del Béjart Ballet Lausanne se encarga de hacer el prólogo en el que narra fragmentos de El nacimiento de la tragedia de Nietzche acompañado de dos percusionistas.

Los 4 movimientos están muy bien logrados, los bailarines tienen soltura y mucha musicalidad, como en su tiempo lo dijo Béjart, parecen solo moverse siguiendo la música. Hay momentos en que se transmite melancolía, en otros alegría y en otros fuerza. Con gracia, soltura e impresionantes saltos se va llevando la obra.

En el cuarto movimiento, cuando interviene el coro y los solistas, se tienen más de 200 artistas en escena entre bailarines, cantantes y músicos. Llegado el momento cumbre de la obra, con el famoso coro, se tiene una imagen muy fuerte en la que todos los bailarines avanzan a paso firme con la mirada en alto tomados de la mano. Bailarines europeos, asiáticos y africanos, se tiene todo tipo de colores de piel, unido a la intensidad de la música la imagen es verdaderamente fuerte, un símbolo de hermandad. Verlo en televisión provoca un estremecimiento y dan ganas de llorar de la emoción. Verlo en vivo debe ser algo que no se puede describir.

La obra finaliza en medio de júbilo, todos los bailarines corriendo en círculos concéntricos, algunas tomas aéreas dan una perspectiva que en el teatro no tendríamos.

He visto la obra transmitida en televisión, en streaming en medici.tv y en BluRay, cada vez que la veo me estremece de la misma forma. Recomiendo más el BluRay pues la alta definición permite ver muchos más detalles de los bailarines: expresión, trabajo muscular, incluso sudor. Al ver estos detalles se siente más la intensidad con que están bailando para dar su mensaje. Oírlo en 5.1 es un extra.

Alegría […] Todos los hombres vuelven a ser hermanos donde su ala posa – Schiller

Para más información de la obra y el Béjart Ballet Lausanne https://www.bejart.ch/en/ballet/ixe-symphonie/
Duración: 88 minutos.
Disco con notas impresas en inglés, francés y alemán. Subtítulos del prólogo de Nietzche y del poema de Schiller en inglés, alemán, coreano y japonés. Audio PCM Stereo y DTS 5.1.
Producción EuroArts, NHK, WDR arte.
Grabado en 2014 y comercializado en 2015.

#video, circo, Sin categoría

40 Festival Mondial du Cirque de Demain

Año con año se lleva a cabo en París el Festival Mundial de Circo del Mañana. En 2019 realizó del 31 de enero al 3 de febrero bajo la carpa del Cirque Phénix. La grabación del espectáculo del 2 de febrero está disponible en arte.tv y es sobre la misma que se da la presente reseña.

El espectáculo consiste en aproximadamente 13 actos que incluyen magia, contorsión, malabares, cuerda tensa, telas, trapecio, ente otras cosas. Un espectáculo muy variado y de gran calidad. En el festival se entregan medallas, trofeos y premios especiales, el jurado incluye ganadores de años pasados y directores de casting y programación de Cirque du Soleil, La Tohu (Montreal) y Nikolin Moscow, por lo que el festival es un escaparate para jóvenes talentos.

En la grabación me llamaron principalmente la atención los números de Mikhail Karahan de Alemania que hace rueda Cyr acompañado de elementos de clown y pantomima (ganador del trofeo Annie Fratellini), La Testa Maestra de España y Colombia que hacen malabres usando mucha corporalidad, Winston de Venezuela con magia (manipulación) y expresión corporal (Prix Telmondis) Laurence Tremblay-Vu participando por Canadá/Vietnam presenta cuerda tensa con movimientos de artes marciales y en un momento con los ojos vendados (medalla de plata y Prix Arte), Cie Soralino representando a Francia, Italia y Brasil con excentricidades, una mezcla de malabres con cajas de cartón, clown y cargadas (medalla de bronce, Trophee Raphael Cruz, Trophee Zhang Gongl y Prix du Lido de Paris) y Mizuki Shinagawa de Japón con un número de telas donde su expresión corporal y facial aportan mucho, además su compañera que hace de contrapeso en la tela es un elemento siempre presente en el acto (medalla de bronce, Trophée de Compagnie Altitude y es la imágen del poster para el festival 41)

Los grandes ganadores fueron Scandinavian Boards de Suecia, Finlandia y Paises Bajos. Presentaron planchas coreanas con mucha precisión (trampolines como sube y baja para saltar y hacer giros en el aire) . Ganaron Grand Prix du 40e Festival, Prix du Président de la République, Prix du Public y Trophée du Cirque du Soleil – Performance & Vision Artistique Innovante.

A pesar de la gran dificultad, precisión y limpieza en ejecución de Scandinavian Boards, no fue de mis números favoritos, disfruté más de los mencionados con anterioridad. En particular noté que todos esos números se apoyan en otras disciplinas, mezclan danza, clown, expresión corporal, etcétera para enriquecer la presentación. En lo personal creo totalmente en que la interdisciplina logra cosas más interesantes. Supongo que no es casualidad que esos actos fueran los que me interesaran más.

Para más información sobre el Festival Mondial du Cirque de Demian consultar su página https://www.cirquededemain.paris/ donde se pueden ver fotos, videos, lista de ganadores y entrevistas.
La función está disponible por tiempo limitado y pudiera tener restricciones geográficas en arte.tv/fr o desde el sitio del festival.
Duración 2:19 horas

#danza, pelicula

White Nights

Conocida en español como noches de sol, sol de media noche o noches blancas que es la traducción directa. El título hace referencia a la época del año en que el sol es visible las 24 horas del día en regiones boreales, un fenómeno que se presenta en zonas de Rusia.

La película de 1985 con Mikhail Baryshnikov y Gregory Hines cuenta la historia de un bailarín soviético de ballet (Nikolái Ródchenko) que escapó a Estados Unidos y por un accidente aéreo aterriza en Rusia donde será retenido. Un bailarín y militar estadounidense que desertó y se fue a la Unión Soviética (Raymond Greenwood) será el encargado de custodiarlo y prepararlo con los ensayos necesarios para su regreso a los escenarios en Leningrado. Todo el tiempo vigilados por agentes de la KGB que monitorean toda su actividad y hacen ofertas que no necesariamente están dispuestos a cumplir. Ródchenko y Estados Unidos harán todo lo posible para que regrese a salvo al país que le dio asilo.

La película salió en plena guerra fría por lo que la historia se siente como propaganda. El papel de Ródchenko es interpretado por Baryshnikov quien es un bailarín soviético que escapó para hacer su vida en Nueva York. De alguna forma la película parece decir “esto le pasaría a Baryshnikov si regresara a la URSS”

La película cae en clichés como personajes que luchan por la libertad y sus contrapartes racistas, sin embargo la historia me parece interesante y me atrapó. Existen además varias escenas de danza muy buenas como el inicio de la película con Le jeune homme et la mort de Roland Petit, una secuencia de improvisación de tap con Gregory Hines, una escena donde Baryshnikov apuesta 11 rublos contra 11 piruetas y otra escena donde los dos protagonistas bailan juntos en el estudio de ensayos. El trabajo coreográfico lo hizo Twyla Tharp.

El director Taylor Hackford la describe como un thriller de danza y política. En sus palabras la idea era hacer algo musical con Baryshnikov y Hines, al buscar una trama salió la historia que conocemos. La danza es parte de la película, no un adorno dentro de la misma.

A diferencia de Bailando en el desierto, White Nights me parece una historia dinámica a pesar de ambas películas tratar temas similares.

En una escena Ródchenko habla con la directora del Ballet Kirov le dice que en la URSS bailan lo que se les pide, no lo que quieren, por lo que se pierde la individualidad del intérprete, en cambio en occidente son libres por bailar realmente lo que quieren. Hace mención que ella sueña con bailar a Balanchine (bailarín y coreógrafo que huyó de Rusia, por lo tanto prohibido en ese país) y él en cambio lo ha podido bailar. Me llamó la atención que se dice que Balanchine pedía a sus bailarines que no interpretaran con un estilo propio, sin un sello personal.

White Nights (noches blancas, sol de media noche o noches de sol, según el país)
Columbia Pictures
1985
136 minutos

#danza, pelicula

Bailando en el desierto

Película de 2014, Desert Dancer (El bailarín del desierto) fue dirigida por Richard Raymond, con las actuaciones de Freida Pinto y Reece Ritchie.

Desde los primeros minutos se ve el tono de la película, comenzando con la leyenda “basada en una increíble historia real” promete apostar por el sentimiento. Desde el inicio queda la trama muy clara: el protagonista será golpeado por la policía moral de Irán por seguir su sueño de bailar.

Afshin Gaffarian quiere ser bailarín y en medio de los problemas políticos de Irán de 2009 decide formar una compañía clandestina de danza con sus amigos. Tendrán que reunirse a escondidas para no ser detenidos por la policía moral pues la actividad está prohibida. Dan una función en el desierto frente una veintena de jóvenes de la universidad, lo que le da título a la película.

Llena de clichés no logra provocar los sentimientos. Melodrama con ritmo lento, personajes planos, diluyendo la trama principal con una historia de amor que tampoco es firme, es predecible hasta el momento del beso.

Investigando sobre Afshin, hay inconsistencias dentro de la película, si bien se ve forzado a abandonar Irán formando su compañía en París (Reformances, no mencionada en la película) difieren ligeramente los años y la manera en que sale de Irán es completamente diferente.

La escena de la danza en el desierto debería ser lo mejor de la cinta, la coreografía la hizo Akram Khan, uno de los más reconocidos coreógrafos de la actualidad en el campo de la danza contemporánea. En ese momento ya estaba cansado de la película y no me interesó lo suficiente la secuencia aunque me llamó la atención que es una especie de danza de contacto sin contacto.

La cinta falla en entregar la historia y para mi gusto es más que nada propaganda política. Curiosamente no es la única película que existe sobre bailarines huyendo de sus gobiernos. Más adelante aquí en Por los Teatros se darán las reseñas.

Desert Dancer (El bailarín del desierto o Bailando en el desierto, según el país hispano)
6Sales, IDC Films, May 13 Films
104 minutos

#danza, libros

Bailando sobre mi tumba

Gelsey Kirkland nació en 1952, entró al New York City Ballet (NYCB) en 1968, fue nombrada solista en 1969 y bailarina principal en 1972. Se va al American Ballet Theatre (ABT) en 1974 y lo deja en 1984. Se hace famosa con el público en general sobre todo por su participación en la versión para televisión de Cascanueces con Mikhail Baryshnikov (1977).

En 1986 publica junto con su esposo, Greg Lawrence, su autobiografía Bailando sobre mi tumba. Un libro muy difícil de leer. Lo dejé varias veces y al retomarlo, tras avanzar unas líneas decía “ya recordé por qué lo había dejado”.

Narra su vida y problemas durante sus años como bailarina en las dos compañías. A lo largo de toda la historia responsabiliza a los demás de lo que le pasaba. Inicialmente a sus padres y hermana, posteriormente a maestros y finalmente a parejas sentimentales.

A Balanchine, su director y mentor en el NYCB, lo responsabiliza de sus lesiones, de iniciarla en las drogas por darle medicamentos para aguantar el dolor (aparentemente anfetaminas) y ser el causante de sus desordenes alimenticios al introducir la estética de bailarinas delgadas. En un pasaje dice que Balanchine cayó de su gracia cuando lo vio salir del baño de hombres “¿cómo podía tener necesidades tan mundanas? Además se rumoraba que era impotente” El comentario me hace pensar que tenía sentimientos especiales hacia él a pesar de la diferencia de 48 años.

En un principio presume que Baryshnikov la eligió para bailar estando ya en América, casi casi que por ella desertó de la Unión Soviética. Posteriormente dedica más de la mitad del libro a hablar mal de él. Una vez más parece que a quien endiosa cae del pedestal.

Habla de otras parejas: bailarines y distribuidores de droga con los que consume cocaína, teniendo múltiples salidas y reingresos al ABT por su falta de compromiso a las funciones y los problemas personales con Baryshnikov.

Constantemente se presenta como la víctima que quería trascender como artista, los demás la frenaban y tenía que entrenarse a escondidas con maestros que la entendían. Con algunos de ellos también termina con problemas.

Muy de pasada menciona con dejos de rencor que trató de seducir a Fernando Bujones y él no se interesó. No lo vuelve a mencionar en el libro y creo que fue lo mejor para él.

Lo rescatable para mí son los comentarios que hace sobre la interpretación o no en la danza.

Básicamente existen dos posturas: Tradicionalmente los ballets son narrativos. Se cuenta una historia y para lograrlo se recurre a la pantomima. La otra postura es que la pantomima contamina la danza y se debe bailar en su estado más puro, sin historias y sin recursos de adorno.

Balanchine fue pasando poco a poco de lo interpretativo a la postura de la danza pura (se puede visitar el post Stravinsky & Balanchine para leer comentarios sobre algunas de sus obras) Kirkland menciona que ella quería interpretar, darle un toque personal a los personajes que bailaba y Balanchine no lo permitía lo que producía bailarines que repetían mecánicamente los pasos y eran totalmente intercambiables o reemplazables pues no había diferencia entre uno y otro. La búsqueda de significado de la danza para Kirkland la llevó a trabajar con otros maestros que le permitían experimentar.

El libro está dedicado “a la memoria de Joseph Duell (1956-1986) Que el grito de ayuda aún pueda escucharse”. Si fue publicado con la intención de reportar la parte mala del ambiente dancístico creo que el mensaje se diluye con el siempre presente papel de víctima y medio libro atacando a una sola persona.

Joseph Duell era bailarín principal del NYCB. Padecía depresión. Se suicidó.

Existen varias ediciones. Para la presente reseña se leyó la versión en español publicada por el CENIDI-Danza José Limón. Título original: Dancing on my grave. 1986.

Bailando sobre mi tumba
Gelsey Kirkland y Greg Lawrence
Traducción María Dolores Ponce G.
CENIDI-Danza José Limón, INBA
México 2013
353 páginas

#magia

Chamber Magic

Steve Cohen, el mago de los millonarios, desde abril del año 2000 ha presentado su espectáculo Chamber Magic. Inicialmente en el Hotel Waldorf Astoria de Nueva York hasta el cierre del inmueble en el año 2017, posteriormente en el Lotte Palace Hotel de la misma ciudad.

Inspirado en la época en que la gente de clase alta ofrecía fiestas en sus casas con entretenimientos diversos tales como músicos, cantantes o magos, Chamber Magic se traduce algo así como Magia de Cámara, siendo de manera similar a la música de cámara un espectáculo pensado para presentarse en un salón.

El Lotte Palace incluye el edificio histórico conocido como Villard Houses que data de 1882. Dentro de esta sección del hotel es donde se lleva a cabo Chamber Magic. La función tiene lugar en un salón ricamente adornado con pinturas que ocupan todas las paredes y candelabros muy elaborados. Se indica que la decoración es la original.

El espectáculo es un ambiente muy íntimo, se reciben 70 espectadores acomodados en 4 filas de asientos. Es requisito cumplir con un código de vestimenta formal: traje y corbata o vestido de noche. Se da la explicación que se trata de recrear la época no solo con la formalidad de la vestimenta sino también con el lujo del lugar. Steve Cohen señala que a su parecer este es el atuendo que se debería usar para ir al teatro.

Dentro de la magia se ha cuestionado que el atuendo tradicional del mago ha quedado en el pasado y el frac y chistera son ahora meros clichés provenientes de una moda antigua. En este caso está perfectamente justificado que el mago use frac.

La magia es muy buena, bien presentada y genera diversas emociones en los espectadores. Se cuida que todos puedan ver bien lo que sucede. Para las filas 3 y 4 (más económicas) habrá momentos en que se pida se coloquen de pie o se acomoden momentáneamente en puntos donde vean mejor. Se agradece totalmente que se tome en cuenta y se aseguren que todos tendrán una buena vista de la magia.

Los trucos incluyen monedas, cartas, un ladrillo, anillos, una tetera de la que se sirven diversas bebidas nombradas por el público. En otra rutina invoca a uno de los constructores de la propiedad. Finaliza con un impresionante acto en el que menciona algo personal de cada uno de los 70 asistentes.

Es un espectáculo en el que cada detalle está minuciosamente planeado y cuidado. Casi 20 años respaldan a Chamber Magic y se nota la experiencia de Steve Cohen que por supuesto abarca más años.

En este concepto del mago de los millonarios, se ha cuidado hasta la calidad del papel del programa de mano y la tarjeta de presentación. Me hizo recordar a Roberto Giobbi en su libro Secret Agenda dando el consejo de no escatimar en la papelería para agradecer a los clientes.

Chamber Magic se presenta 5 veces por semana (2 el viernes y 3 el sábado) y se agota desde 3 semanas antes por lo que hay que reservar con tiempo. Para las últimas funciones de cada día se ofrece de manera adicional un “meet & greet” donde se puede platicar con Steve Cohen, tomarse la foto y recibir un autógrafo. Se tiene mercancía a la venta que incluye una novela gráfica inspirada en su personaje y las barajas Tycoon producidas por Theory 11 las cuales tienen un elegante diseño y fácil manejo.

#magia

El Conejo Blas y su Mago Frank

El mago Frank cumple 50 años de vida artística y lo celebra junto con su inseparable conejo Blas con una breve temporada en teatro.

El mago Frank se ha presentado en numerosos programas de televisión, teatros, centros nocturnos, convenciones y por supuesto en fiestas infantiles. El conejo Blas es un personaje muy representativo que lo ha acompañado durante casi toda su carrera, inspirando su nombre en la canción La Cacería (conejo Blas, a dónde vas)

Bajo el título El Conejo Blas y su Mago Frank, se presenta este espectáculo para toda la familia en el Teatro Wilberto Cantón en la Ciudad de México. Se incluye magia, comedia, ventriloquía, canciones y un homenaje a Cri-Cri.

Con mucha interacción el mago Frank muestra su experiencia manteniendo al público entretenido y a los pequeños gritando por sus ocurrencias y “trampas”. Tal como dice el programa de mano, ha divertido a niños de los siglos XX y XXI.

La magia incluye conejos de madera, cacahuates, un títere y una caja que flota, entre otros.

El momento más esperado es la llegada de Blas quien hace reír con sus ocurrencias. Junto con Frank y el público canta una canción dedicada a los niños más pequeños.

Planeado como un espectáculo familiar, es de humor blanco, con una duración adecuada para los niños. Al finalizar Frank invita a pasar al vestíbulo a tomarse sin costo la foto con él y Blas. Para agilizar su staff utiliza una cámara propia y las fotografías son subidas al día siguiente a Facebook desde donde pueden compartirse.

Hay disponible mercancía: botones, discos con las canciones y muñecos de Blas.

El Conejo Blas y su Mago Frank se presenta todos los domingos de marzo a las 13:00 horas en el Teatro SOGEM Wilberto Cantón.

#teatro, #video

El Rey Lear

Desde 2009 el National Theatre de Londres comenzó a proyectar en salas de cine algunas de sus producciones en el ciclo conocido como National Theatre Live (NT Live) Con el tiempo pasó de salas en Reino Unido a cines de todo el mundo y se han incluido producciones de otras compañías.

El Rey Lear de William Shakespeare fue presentada por primera vez a principios del siglo XVII, se habla de varias versiones de la obra y años de estreno, pero pudiera ser 1606.

La historia trata del Rey Lear de Bretaña dividiendo su reino para darlo como herencia en vida a sus tres hijas, con la condición de seguir ejerciendo sus derechos de rey. Goneril y Regal ganan sus partes con adulaciones, pero la menor, Cordelia, es sincera en su discurso y es desheredada siendo su parte entregada a sus hermanas.

Posteriormente Goneril y Regal se alían para despojar de su autoridad a Lear, sumando que las facultades mentales del Rey van mermando. La naturaleza ambiciosa de las dos hermanas, agregando las intrigas de otro conspirador llevarán a la enemistad entre ellas. Todos estos factores se van uniendo, contribuyendo a la tragedia.

Personajes en la edición de Gramercy Books 1990

A finales de 2017, en el teatro Minerva del Chichester Festival Theatre, se presentó El Rey Lear, dirigida por Jonathan Munby, con Sir Ian McKellen como el protagonista.

Esta producción está planeada para teatros pequeños. McKellen inidica “donde los actores puedan ver al espectador a los ojos y los espectadores también puedan hacerlo con los actores”. Agrega que la obra trata de los peligros de la división y puede relacionarse con acontecimientos modernos. “Nosotros la presentamos y el público interpreta”.

El teatro Minerva cuenta con 300 asientos. Para su remontaje en el West End se trasladaron al Duke of York Theatre. Si bien, mas grande, logra conservar la intimidad planteada en el montaje original. Es desde este teatro que en 2018 se graba para el NT Live.

Esta versión está ambientada en tiempos modernos. Normalmente no me gusta cuando adaptan a Shakespeare a otras épocas pero en este caso no tengo inconveniente.

Es un montaje muy bien trabajado, con excelentes actuaciones, muy demandante física y emocionalmente. Violento, sangriento, gráfico. Hay momentos en que hace reír, en que asusta, en que pone tenso al público, en que preocupa por las intrigas que conocemos y los personajes no, momentos en que conmueve, en que dan ganas de llorar. Que una obra logre todas esas emociones es algo que se aprecia.

Ian McKellen es conocido por su larga trayectoria en obras de Shakespeare y demuestra toda su experiencia. El Rey Lear tiene 80 años y McKellen 79, al ser casi de la misma edad, dice, le permite tener otra perspectiva en el personaje y si la interpretación es demandante y requiere especial esfuerzo, él lo hace con gusto. Hacia el final de la obra es impresionante verlo entrar cargando a Cordelia. El público lanzó una expresión de sorpresa.

Otros actores del reparto no son jóvenes y dan unas actuaciones extraordinarias con mucha energía, como Danny Webb en el papel de Gloucester quien es torturado y Sinéad Cusack interpretando a Kent, personaje que normalmente es hombre y en esta versión es mujer.

En la Ciudad de México el NT Live se proyecta en el Lunario. Con dos funciones agotadas todavía quedan boletos para una tercera el 28 de febrero.

Kirsty Bushell, Anthony Howell, Lloyd Hutchinson, Claire Prince, Daniel Rabin y Anita-Joy Uwajeh completan el elenco principal.

Comparado con las proyecciones del Teatro Bolshoi en cines donde no dan programa de mano, en el Lunario si se entregó, lo que se agradece enormemente.

Duración oficial: 3:40 horas incluyendo un intermedio de 20 minutos. Realmente se va prácticamente a 4 horas. Para mayores de 16 años.

Para más información y cartelera del NT Live http://ntlive.nationaltheatre.org.uk/

Videos y entrevistas del Rey Lear en http://ntlive.nationaltheatre.org.uk/productions/ntlout29-king-lear

Por los Teatros

Blog de reseñas de artes escénicas: teatro, danza, magia y circo.

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