#danza, #video, Ballet

Bhakti

Escena del tercer acto de Bhakti. Se muestra con fines ilustrativos.

La obra Bhakti fue creada por Maurice Béjart en 1968 y puesta en video en 1969 en formato película, grabada en estudio, no en un teatro con público y con escenas que no son parte de la obra de danza. La música es tradicional de la India, el vestuario es de Germinal Casado quien también bailó. Bhakti es sobre el amor, la adoración, un ritual hacia la divinidad, que de cierta forma es uno mismo. Se presentan 3 divinidades de la India y sus historias de amor.

La presente reseña corresponde a la película de 1969 con el Ballet du XXe Siècle

El primer acto es la historia de Rama y Sita, el amor fiel. Paolo Bortoluzzi interpreta a Rama, mientras que Hitomi Asakawa da vida a Sita. La danza se intercala con escenas en donde la pareja está en un café. La imagen es de una pareja estable, enamorada y contenta. El solo de Bortoluzzi hacia el final de este acto es impresionante.

La segunda parte es Krishna y Rhada, el amor humano y frívolo. Vemos un grupo de amigas platicando, leen sobre los dioses de la India, da la sensación de que se preparan a salir y leen horóscopos. Por otro lado vemos a un solitario joven escuchando música, pensativo, que finalmente se decide a llamar a una de las chicas. Jorge Donn interpreta a Krishna y Tania Bari a Radha. Donn fue de los bailarines más representativos de la época, estrella del Ballet du XXe Siècle y la grabación es una oportunidad para verlo. Resalta el baile en pareja que tiene con Bari. Cada tanto toca una flauta, según el texto introductorio es una especie de hechizo. Vemos a la pareja bien, se ven a gusto, pero parecen caer en la rutina y en el distanciamiento, aunque están frente a frente. Al cierre del acto al tocar la flauta otras bailarinas van saliendo de escena con mirada atenta. Acaso Krishna olvidó a Rhada y busca nueva compañía.

La parte final es Shiva y Shakti, el amor divino. Los intérpretes son Germinal Casado y Maïna Gielgud. Un dueto con mucha fuerza y flexibilidad por parte de los ejecutantes. Béjart indica que Shiva es dios de la destrucción, dios de la danza, su esposa, Shakti, no es otra que su energía vital que emana de él y retorna a él. Justo eso es lo que se ve, fuerza, energía que comparten. Este fragmento ha sido remontado por el Béjart Ballet Lausanne con el nombre Bhakti III.

Los 3 actos me llaman particularmente la atención por la manera en que incluyen movimientos de danza clásica que se modifican para tomar una estética de la India. En varios momentos la repetición y cadencia recuerdan Bolero (música de Ravel y coreografía de Béjart) Las 3 parejas entrelazan sus cuerpos y forman imágenes que claramente recuerdan a las estatuas hindúes, con las manos y brazos en ángulos característicos.

No son de mi gusto las partes adicionales a la danza, las escenas de introducción y cierre donde vemos a los 3 bailarines corriendo por una plaza, repitiendo movimientos, o los cambios de color que hay mientras bailan.

Es raro cómo se intercalan las imágenes de las parejas citadinas con ellos mismos interpretando a los dioses, pero ayuda a entender el concepto de las historias.

Tania Bari, Germinal Casado, Paolo Bortoluzzi y Jorge Donn son nombres muy relacionados al trabajo de Maurice Béjart. Bailarines característicos de sus obras. Bhakti fue hecho para ellos. Los 3 bailarines ya fallecieron, las 3 bailarinas todavía viven siendo de edad avanzada, por lo que esta grabación, a 50 años, es una verdadera joya, una ventana al pasado y a la época de esplendor del Ballet du XXe Siècle así como al trabajo de Béjart interpretado por los ejecutantes originales.

En Por los Teatros está disponible la reseña a la grabación de la Novena Sinfonía, también de Béjart.

Dirigido por Maurice Béjart.
Producción de Artium Summa.
Duración aproximada: 1:20.
Disponible en streaming en Medici.tv

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#danza, #video, Ballet

Le jeune homme et la mort

Portada de Le jeune homme et la mort. Se muestra con fines ilustrativos.

Le jeune homme et la mort (el hombre joven y la muerte) es un ballet creado por Roland Petit en 1946, la trama recuerda en cierta forma a Le rendez-vous, que la antecedió un año. El argumento es de Jean Cocteau, escenografía de Georges Wakhévitch y música de Bach.

El ballet inicia con el hombre joven acostado descuidadamente en su cama en algún ático de París. Hay una pintura colgada en la pared. Consiste solo en líneas, lo que me hace preguntarme si es decoración de su vivienda o si él es el artista que la pintó (época de arte abstracto) Fuma. Se ve perdido en sus pensamientos, no está a gusto, algo lo come desde dentro. Se levanta, corre, hace saltos a velocidades increíbles.

Una joven de amarillo entra a la habitación. Lo seduce pero al mismo tiempo es muy fría con él, parece querer atraerlo pero no tiene realmente interés en él. El hombre joven resiente el desdén. Hay momentos en que pareciera que él no está interesado en ella y hay momentos en que se nota muy lastimado por la frialdad de la muchacha.

Hay pasos con mucha fuerza, casi todo el tiempo el hombre hace saltos y giros a velocidades vertiginosas, se necesita mucha agilidad para esos pasos. Se para sobre los hombros, todo el tiempo atormentado.

La muchacha encuentra la respuesta: gira la cabeza del hombre que se sienta rendido, lo obliga a ver una viga en el ático donde ella acaba de amarrar una cuerda formando una horca. La chica sale corriendo dejando al joven solo. Él se coloca la cuerda y se ahorca.

La habitación se convierte en una azotea, entra la muerte con vestido blanco y máscara de calavera, la cual la pasa al hombre que ha bajado de la horca. Le indica el camino y comienzan a retirarse sobre los tejados. La muerte es la misma mujer que lo seducía.

En la sinopsis se indica que la mujer de quien el hombre está enamorado lo lleva al suicidio por la frialdad con que responde a sus lances mientras él está ardiendo por dentro. Yo veo otra cosa. A mi me parece un joven atormentado que es atraído pero al mismo tiempo hay una resistencia hacia la muerte: Para mi la muchacha todo el tiempo es la muerte, no un humano que lo lleva a la muerte, si no la muerte misma que viene con un claro propósito. Algo así como el Destino de Le rendez-vous.

Se dice que cuando la obra fue estrenada se ensayó con una música y en la función se utilizó otra, de tal forma los bailarines estuvieron con una incomodidad por no saber que pasaba. Así estaba planeado.

Para esta reseña se vio la grabación de la Ópera de París de 2005 con Marie-Agnès Gillot y Nicolas Le Riche (quien baila en la versión de Le rendez-vous revisada aquí la semana pasada) La grabación es de Telemondis y Art Haus. En disco viene junto con Carmen también de Petit, que es la primer versión coreografiada de dicha historia. Está también disponible en streaming en medici.tv

La película White Nights comienza con un extracto de la obra interpretada por Mikhail Baryshnikov y Florence Faure.

Coreografía: Roland Petit
Argumento: Jean Cocteau
Escenografía: Georges Wakhévitch
Música: Bach.
El hombre joven: Nicolas Le Riche
La muerte: Marie-Agnès Gillot
Duración aproximada: 19 minutos

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Le rendez-vous

Escena de Le Rendez-Vous. Imagen tomada de medici.tv con fines ilustrativos.

Le Rendez-Vous (la cita) es un ballet corto hecho por Roland Petit en 1945 en lo que comienza a ser el París de la postguerra.

La música la hizo Joseph Kosma, quien realizara piezas para teatro de Brecht, cine y para poemas de varios autores, entre ellos Jaques Prévert de quien es el argumento de Le Rendez-Vous. El trabajo más conocido de Prévert puede ser Les Enfants du Paradise. Se menciona como la canción más conocida de Kosma, con letra de Prévert, a Les Feuilles Morts (las hojas muertas) El vestuario es de Mayo, quien pintaba y hacía decorados para cabarets y posteriormente vestuario para películas y teatro. La escenografía es de Brassaï, fotógrafo conocido por su trabajo sobre París. La escenografía consiste en grandes fotografías. Finalmente el telón de boca es realización de Pablo Picasso. Una época en la que artistas de varias disciplinas colaboraban en trabajos comunes.

La presente reseña es sobre la grabación del Ballet de la Ópera de París realizada en 2010.

Vemos varias parejas salir de un salón de baile. Se abrazan y bailan por la calle. Un jorobado (Hugo Vigliotti) pasea entre ellos y es víctima de sus bromas y burlas. Una chica de sonrisa maravillosa reparte flores. Pasa una pareja de jóvenes que bailan muy enamorados, son realmente tiernos de ver. Al poco rato llega ensimismado el protagonista de la obra, quien recibe el nombre de el hombre joven (Nicolas Le Riche). Después de ver a la pareja de jóvenes, el nombre parece un chiste. El hombre joven deambula, pasa un borracho repartiendo papeles (el argumento indica que son horóscopos, aunque no es tan claro en la obra) Cuando el hombre joven lee el papel que se le entrega, decae y hace gesto de muerte sobre su cuello.

El jorobado trata de animarlo, se hace una amistad entre ellos. Toda la gente se va y ellos bailan. El hombre joven se ve aliviado hasta que llega el destino (Michael Denard), vistiendo frac y gorguera de payaso. Una especie de payaso macabro que le trae de nuevo la tristeza. Al ser la personificación del destino insiste en la muerte anunciada en el panfleto. El hombre joven parece resistir, pero el destino le deja una navaja en el bolsillo por si acaso.

El hombre joven tiene una cita con el personaje conocido como la chica más bella en el mundo (Isabelle Ciarabola) quien ostenta totalmente la imagen de mujer fatal. Tienen un pas de deux donde Ciarabola muestra sus increíbles líneas de brazos y piernas. Se ve raro una bailarina con zapatos de tacón pero no se pierde la forma del empeine.

Después de bailar, la chica más bella en el mundo toma la navaja del bolsillo del hombre joven y le corta la garganta, cumpliendo lo que anunciaba el horóscopo y el destino.

Todos lo bailarines resaltan. Vigliotti como el jorobado desempeña muy bien su papel así como los pasos alterados para la fisonomía del personaje. Le Riche es mencionado como uno de los bailarines favoritos del coreógrafo Petit, quien murió al siguiente año de esta grabación. Le Riche y Ciarabola bailando juntos tienen una fuerza excepcional. La pareja de jóvenes, que no reciben créditos, me llama mucho la atención por la calidad de la interpretación donde en verdad se ve reflejado el amor juvenil.

La música es triste y hermosa a la vez, al principio de la obra se tiene un acordeonista y un cantante en escena paseando por la calle, lo que da un toque más melancólico.

Al ver la obra recuerdo por el tema, la estética y la trama a Le Jeune Homme et la Mort (El Hombre Joven y la Muerte) del mismo Petit. Al investigar las fechas, Le Jeune Homme fue estrenada un año después que Le Rendez-Vous, por lo que pudiera tratarse de una variación sobre el mismo argumento.

La imagen del payaso siniestro / destino que pretende empujar al protagonista a la muerte me hace recordar la obra Libre Albedrío de Briseida Hernández, montada en 2006 para el concurso interno de coreografía del hoy desaparecido Ballet Independiente (México) y remontada en 2007 para la escuela de la misma compañía.

La grabación está disponible en la plataforma de streaming medici.tv, no pude localizar información de la grabación en disco. Por las fechas de presentación, seguramente el programa completo consistió en Le Rendez-vous, Le Loup y Le Jeune Homme et la Mort.

En próxima entrega hablaré de Le Jeune Homme et la Mort.

Le rendez-vous
Coreografía: Roland Petit, 1945
Argumento: Jacques Prévert
Telón: Pablo Picasso
Escenografía: Brassaï
Vestuario: Mayo
Grabación de 2010 por Opéra National de Paris, Telmondis, Euro Media France, Mezzo.
La chica más bella en el mundo: Isabelle Ciaravola
El hombre joven: Nicolas Le Riche
Destino: Michael Denard
Jorobado: Hugo Vigliotti
Cantante: Pascal Aubin
Duración aproximada: 26 minutos

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circo, libros

The Spark

Portada de The Spark. Se muestra con fines ilustrativos.

Cirque du Soleil The Spark: igniting the creative fire that lives within us all (Cirque du Soleil La Chispa: encendiendo el fuego creativo que vive dentro de todos nosotros) es una ventana hacia el mundo creativo del Cirque du Soleil, enmarcado en una historia de ficción.

Existen libros de autoayuda o de cómo ser exitoso en los negocios que colocan sus consejos dentro de una historia a modo de novela, cuento o algo tipo fábula. No son el tipo de libro que prefiero. The Spark hace algo parecido con el tema de la creatividad, inspiración, colaboración y trabajo en equipo. En este caso la historia me atrapa, posiblemente por estar ambientada en algo que me interesa: el circo.

The Spark trata de un agente deportivo que busca nuevo significado a su carrera y a su vida. A modo de pláticas con entrenadores, artistas, oficinistas y gente de producción del Cirque du Soleil se van entregando las ideas. Lyn Heward creó el concepto y John U. Bacon escribió el libro. En los agradecimientos se entiende que el autor vivió algo similar al personaje de la novela y estuvo como invitado en el Cirque para documentar lo que sería el libro, es decir el personaje es ficticio pero las ideas y hechos descritos son reales.

La historia nos va guiando por diferentes oficinas y lugares de entrenamiento donde se narra cómo se superaron obstáculos en diferentes espectáculos, como el vestuario de O, espectáculo acuático que presenta desafíos especiales pues el cloro del agua acaba la tela convencional. Cómo diferentes artistas con formación de gimnastas dejaron el ambiente competitivo del deporte para pasar a uno colaborativo. Cómo las personas que interactúan con el público en los espectáculos invitan a alguien a participar y sentirse cómodo. Cómo buscan nuevos desafíos modificando un aparato o intentando algo nuevo, tomando riesgos pero al mismo tiempo midiéndolos.

En un pasaje se hace la descripción de las oficinas centrales del Cirque du Soleil y se dice que las paredes están decoradas con posters de sus diferentes espectáculos, esto con el fin de no perder de vista cuál es el producto final, todos están trabajando para lograr lo que representan esos carteles. Así como usan la ambientación en su edificio para motivar a los empleados, el ambientar la historia en el Cirque me mantuvo atento a la misma, a diferencia de otros libros del mismo estilo.

Algunas de las frases que resaltan para mi son: “Cada accidente es una oportunidad creativa”, “Es difícil ser creativo en aislamiento. La verdadera creatividad requiere colaboración e incluso conflicto y confrontación”, “Si no entiendes tu papel ¿cómo vas a disfrutar lo que haces?”, “Es sorprendente cómo tememos a lo desconocida, incluso cuando lo desconocido trae la posibilidad de éxito”, “Estamos tan acostumbrados a nuestra zona de confort que aprendemos a vivir con desilusión mientras sea seguro y conocido”, “El trabajo perfecto debe ser una mezcla de nuestros talentos y nuestras pasiones”, “Si realmente quieres que las cosas sucedan debes estar dispuesto a estrellarte”.

The Spark es un libro pequeño, conciso, con un estilo muy fácil de leer. Posiblemente no da consejos nuevos pero me gustó la forma de integrarlos en la historia. Es un producto “con licencia oficial” del Cirque y como tal, se nota que es un trabajo muy cuidado. Lyn Heward recibe créditos como antigua presidente de la división de contenido creativo.

Existe en español bajo el nombre «Cirque du Soleil La Magia. Una historia sobre el poder de la creatividad y la imaginación» en editorial Empresa Activa

The Spark
Lyn Heward y John U. Bacon
Currency Doubleday, 2006
136 páginas
Idioma: inglés.

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#teatro

Esto no es sobre Baal

Detalle del programa de mano. Se muestra con fines ilustrativos.

Baal fue escrita por Bertolt Brecht en 1918 siendo su primer obra de teatro “completa”. En la mitología Baal existe como deidad y falsa deidad en varios pueblos antiguos. Se le relaciona con la fertilidad y en algunas culturas las fiestas en su honor incluían orgías. Dentro de la obra, el personaje Baal es visto como dios por algunos, como demonio por otros y frecuentemente pasa de uno a otro lado.

Esto no es sobre Baal (a partir de Baal, de Brecht) es el examen de alumnos de cuarto año de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT) montaje dirigido por Jesús Diaz. Según se indica en el programa de mano, la obra no es acerca de Baal, es sobre Emily, Johanna y Sophie, personajes que Baal deja hechos jirones.

Al entrar al foro somos sentados en bancos ante una mesa-tablón de taberna, toda la historia se desarrollará a nuestro alrededor o sobre el tablón. Baal constantemente ocupa el sitio de honor de la mesa, es un poeta alcohólico, mujeriego y patán que va por la vida engatusando a la gente, principalmente para llevársela a la cama y posteriormente desecharla regodeándose en su cinismo.

10 actores interpretan alrededor de 52 personajes que están en un mundo decadente, el vestuario, maquillaje y actitudes muestran esa decadencia. Gente vistiendo con retazos, pero no solo la ropa está parchada, también sus cuerpos y almas están en pedazos, con trozos que por ahí sobraron. Personas con 4 piernas, 6 brazos, sin piernas, gastritis y una tos ligera que los deforma. Frecuentan las oscuras tabernas. Nosotros, los espectadores, también estamos sentados ante esa mesa, formando parte de las almas en decadencia que miran los abusos a escasos centímetros sin intervenir.

No es una obra fácil ni para el público ni para los actores. No es “bonita”, es un texto que incomoda. Resulta un poco cansado estar sentado en los bancos pero se van rápido las dos horas y media que dura. Es un montaje bien realizado con una propuesta escenográfica bastante interesante que mete al espectador a ese mundo decadente. Con pocas luces logran crear diversas atmósferas.

La forma de dar las gracias me llamó la atención, es de manera muy personal y con gran acercamiento al público. Muestra mucha humanidad, no se si tomarlo como una forma de bajar la tensión o como una manera verdadera de decir gracias.

Con el personaje de Baal no pude evitar acordarme de gente que conozco: los gestos, la forma de comportarse, el humor vulgar que utiliza. Todos conocemos un Baal. También conocemos una Emily, una Johanna, una Sophie.

Es un montaje muy recomendable que estará hasta el 4 de agosto en el foro Antonio López Mancera de la ENAT en el Centro Nacional de las Artes. Consideraciones: la entrada es libre con cupo limitado, los boletos se entregan una hora antes de cada función, los fines de semana suele llenarse por lo que hay que llegar con bastante anticipación. Normalmente el último día solo es para invitados y no hay boletos para público en general. La mayoría de los asientos son banquitos, en un costado hay sillas preferenciales para personas de la tercera edad o con problemas de espalda. Se permite moverse, levantarse o cambiar de lugar durante la obra.

Esto no es sobre Baal, a partir de Baal de Bertolt Brecht.
Dirección: Jesús Diaz
Foro Antonio López Mancera de la ENAT
Examen de cuarto año de las licenciaturas de actuación y escenografía
Del 21 de Junio al 4 de Agosto
Duración aproximada 2:30 horas sin intermedio
Público mayor de 15 años

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#magia, #teatro

Ilusio: magic on ice

Póster de Ilusio: Magic on Ice. Se muestra con fines ilustrativos.

Del 14 al 23 de junio se presentó en la Arena Ciudad de México el espectáculo Ilusio: magic on ice de Steve Wheeler. Es una producción muy grande que combina magia y patinaje sobre hielo.

La mayor parte de la magia son grandes ilusiones: escapes, desapariciones y apariciones principalmente. El patinaje es tanto en grupo como solistas, sirviendo de entreacto a la magia. ¿Qué tanto es magia y qué tanto patinaje? No sabría decirlo pero lo dejaré en mitad y mitad.

La magia es visualmente muy buena, este tipo de ilusiones se ven poco en México por lo que fue una buena oportunidad para atestiguar esta magia, sin embargo, de cierta forma lo sentí algo monótono ya que en general eran apariciones y desapariciones, por ejemplo, los 4 primeros números fueron Steve apareciendo y su asistente apareciendo 3 veces. De igual manera los 2 últimos números fueron básicamente el mismo efecto.

Dicho esto, la función me pareció muy buena, una super producción con 16 personas en escena, luces, música, vestuario, coreografías, flamas y equipo de magia impresionantes. Caí en cuenta que nunca había visto patinaje profesional en vivo. Nuevamente, esto difícilmente se ve en México ya que no somos un lugar donde haya hielo y se acostumbren los deportes invernales.

Para el patinaje normalmente era un ensamble de entre 8 y 10 personas, habiendo algunos solos. Los que me impresionaron más fueron los solos de los hombres con saltos y giros a gran velocidad. El ensamble está muy bien ensayado y sus coreografías se vieron con mucha precisión.

Aunque son números independientes uno de otro, se tenía una constante en la que una patinadora de blanco era “la asistente” en la magia, mientras que otra patinadora de negro (presentada como Fátima, de México, quien se mostró agradecida por presentarse en su país natal) hacía la introducción a los números más misteriosos o con cierto sabor de peligro.

El lugar no me pareció el más adecuado ya que la Arena es inmensamente grande. Calculé una asistencia de aproximadamente 600 personas por lo que lucía vacía, esto durante la función del último sábado por la noche. Aparentemente faltó difusión.

Uno de los números que más me gustó fueron los anillos chinos, el truco clásico donde aros de metal se enlazan y desenlazan. Fue presentado con dos aros de una manera original aprovechando el patinaje. Si mal no recuerdo fue lo único que no entra en la categoría de grandes ilusiones y a mi gusto lució mucho. Otro de mis momentos favoritos fue cuando una persona del público es pasada a la pista y convertido en el mago. Dio un contacto más directo con el público que estaba faltando. En otro instante pasaron a varios niños para pasearlos en cajones al estilo de trineos. En este caso no era ni magia ni hazañas de patinaje, solo un paseo para los niños pero una vez más dio una conexión con el público y una sensación de humanidad, no es un super hombre que escapa del peligro y desaparece, es humano como todos nosotros que vemos desde las butacas.

Con una duración de 1:50 horas incluyendo un intermedio de 20 minutos, me pareció el tiempo adecuado. Comenzó extremadamente puntual lo cual me agradó. Los precios me parecieron accesibles. Fui atraído por la magia y me atrapó el patinaje.

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#video, circo, pelicula

Cirque du Soleil Kurios

Póster para cine de Kurios. Se muestra con fines informativos.

El 12 de junio comenzó una breve temporada en cines de Cirque du Soleil Kurios, proyectándose un solo día en un solo horario en algunas ciudades. Es la primera vez que un espectáculo del Cirque du Soleil se presenta en cines. Kurios existe en video comercial pero al parecer solo se consigue en la carpa que esté presentando dicho show, por lo que el liberarlo para la pantalla grande es una forma de acercar el espectáculo a más gente.

El hilo conductor es un inventor que ve en el lapso de un minuto todas las cosas que suceden durante el espectáculo, aparentemente todo sucede dentro de su maletín o “gabinete de curiosidades” que es el subtítulo que lleva Kurios.

Ambientado con un estilo victoriano – steampunk el diseño de arte es muy atractivo. La música acelerada con un estilo que ha sido descrita como mezcla de jazz y electro swing. Las acrobacias y números circenses muy buenos.

Los números incluyen percusiones sobre mesas y maletas mientras otros integrantes del elenco hacen malabares. La escena está visualmente llena de estímulos y es tan solo el primer acto. Resalta el que al malabarista lo elevan en un arnés y posteriormente lo bajan sin dejar de trabajar con tres clavas.

Un número de bicicleta aérea es de lo más bello de la función, una acróbata hace su rutina a semejanza de los aros en el aire, pero en este caso el aparato es una bicicleta suspendida.

El número de contorsión es impresionante, el vestuario con bordes palmeados y la manera de moverse en olitas de las ejecutantes hace ver formas acuáticas, ya sea bichitos o algas. Posteriormente hay un acto de equilibrio en sillas con un final inesperado donde se encuentra con un mundo cabeza abajo que también hace equilibrios en su propia perspectiva.

Uno de los números más impresionantes es el rola-bola. Se trata de una disciplina donde se hace equilibrio apilando cilindros horizontales y tablas para luego pararse encima. Pueden ser varias capas de estos elementos. En este caso no solo se hace equilibrio a la usanza tradicional, también se eleva la plataforma sobra la que está apoyado y se balancea como columpio mientras sigue el acróbata equilibrándose encima de todo.

La función también incluye una enorme red sobre la que saltan estilo cama elástica y un número aéreo en cuerdas, así como un dúo en una especie de trapecio fijo. Otro momento fenomenal es el número de yo-yo. Una persona hace figuras a gran velocidad con uno o dos yo-yos, al pensarlo resulta sorprendente que antes no se hubieran visto estos juguetes en las pistas de circo.

El número más cómico es una persona actuando como gato, no solo con sonidos sino corporalmente. Su participación la hace formando una historia con una espectadora. Otro momento cómico que termina siendo el más tierno es un teatro de manos. Utilizando las manos y una pantalla se forman personajes e historias, al final hay una breve interacción con el público que termina sacándole lágrimas al espectador.

Para finalizar se realiza lo que se conoce como “banquine” donde los acróbatas hacen saltos y cargadas quedando uno sobre los hombros de otro formando torres.

Si tengo que describir el espectáculo en una sola palabra sería “frenético” todo sucede a gran velocidad: los malabares, los saltos, el yo-yo, el movimiento de contorsión, hay pocos momentos en que baja la intensidad. La música en general tiene un ritmo que acelera.

El espectáculo es muy bueno, la proyección tuvo una breve introducción de Michel Laprise quien dirigió Kurios. Hace un paseo tras bambalinas y por los talleres de vestuario y maquillaje.

Espero que Kurios continúe su gira por mucho tiempo y algún día haya la oportunidad de verlo en vivo.

Actualización 16/12/24

He tenido ya la oportunidad de ver la grabación comercial que incluye dos actos que no se vieron en el cine: uno de circo invisible (similar a los circos de pulgas) y uno de cintas con tema de siameses.

Kurios ha llegado a la Ciudad de México y después de intentos fallidos de verlo en otras ciudades por fin pude verlo en vivo. En la función que vi no se presentaron la bicileta ni el duo de siameses. En su lugar hubo un acto aéreo con un carrito de hotel para transportar maletas.

Uno de mis espectáculos favoritos de los últimos años. Recomiendo llegar temprano para tomar fotos en los múltiples escenarios de los patrocinadores. La temporada finaliza el 29 de diciembre de 2024.

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#danza, #video, Ballet

Carmen Suite / Petrushka

Carmen Suite y Petrushka. Ballet Bolshoi. Póster se muestra con fines informativos.

El pasado 9 de junio finalizó para México la temporada 2018-2019 del Ballet Bolshoi en cines, presentando un programa doble: Suite Carmen y Petrushka, que fueron grabadas en la función del 19 de mayo.

Como siempre, Katerina Novikova, jefe de prensa del Teatro Bolshoi, es la encargada de presentar las obras, dar una pequeña semblanza y hacer entrevistas. No deja de impresionar la fluidez con que habla en ruso, francés e inglés así como su amplia sonrisa y el gusto con que hace las presentaciones, se nota que realmente disfruta su trabajo.

En 1949, el ballet de Roland Petit baila por primera vez  la música de la ópera Carmen de Georges Bizet. En 1964 Maya Plisetskaya pide a Dmitri Shostakóvich que componga una pieza para el ballet que tiene en mente, modificando la partitura de Bizet, a lo que Shostakóvich se niega. Posteriormente hay pláticas con Aram Khachaturian pero no se concreta nada, por lo que Rodion Schedrin, esposo de Plisetskaya, compone la música. Alberto Alonso se encarga de coreografiar y la Suite Carmen se estrena en el Teatro Bolshoi en 1967. Se hace otra versión con el solo de Carmen diferente para que lo baile Alicia Alonso.

La versión de Plisetskaya se usó durante 20 años en el Bolshoi y dejó de presentarse cuando Maya dejó de bailar el papel. La versión que se presenta en esta grabación es la que bailaba Alicia Alonso y se remontó especialmente para que la interprete Svetlana Zakharova quien es la única persona que actualmente la baila.

Se presenta un breve video mostrando a Maya Plisetskaya en el papel. Mandan saludos a Alicia Alonso quien vive en Suiza y tiene 95 años.

La obra dura aproximadamente 50 minutos, lo que es breve en comparación con la original de Bizet. Carmen enamora al militar Don José y al torero Escamillo, teniendo danzas tanto seductoras como despectivas. La escenografía remite a un ruedo. El Destino, que asemeja a un toro, baila entre las parejas. Poco a poco el triángulo amoroso se va complicando, se va notando la tensión y los celos. El destino cobra fuerza. En la escena final Escamillo baila con el toro/destino, lo torea. Al mismo tiempo Don José y Carmen tienen una danza tensa. Don José mata a Carmen y vemos al destino caído pero no parece muerto, simplemente se cumplió su designio y descansa un poco. Literalmente agarraron al toro por los cuernos y para Carmen no tuvo buen desenlace.

La música y la danza son intensas, a pesar de la modificación de la original y la falta de las voces contagia la intensidad. El audio del cine ayuda también. Zakharova es una gran bailarina reconocida por su interpretación y técnica. Sus líneas durante el solo son impresionantes. Es la estrella de la noche, al finalizar, muy al estilo ruso, Zakharova y Denis Rodkin (Don José) son llamados al frente del telón en repetidas ocasiones. Por alguna razón ella se nota tensa durante los agradecimientos.

Durante el intermedio Novikova entrevista a Edward Clug, quien presenta su nueva versión de Petrushka. Con música de Igor Stravisnky, la coreografía original de Mikhail Fokine se estrenó en 1911 teniendo en el papel principal a Vaslav Nijinsky. Para leer más sobre Nijinsky puedes visitar el post Nijinsky (de John Neumeier)

Clug indica que él estaba más asustado que Petrushka. Al hacer la nueva versión no fue tanto el reto como lo estimulante, esta nueva coreografía enfatiza el folclor ruso y los bits de la música. La obra nació en París lejos de casa y ahora renace en Moscú. Añade que Petrushka es un muñeco de madera dispuesto a dar su vida por los sentimientos.

La obra dura aproximadamente 40 minutos. En un poblado ruso hay una fiesta y una feria en la que un mago presenta a sus títeres: Petrushka, la bailarina y un moro. Petrushka está enamorado de la bailarina pero ella lo desprecia y solo tiene ojos para el moro.

En la versión tradicional Petrushka es un muñeco de trapo. En esta ocasión todos son de madera. El mago utiliza unos bastones creando la imagen de estar manipulando a los títeres y creando la situación de amor y desamor. La escenografía son 6 figuras gigantes que al rotar muestran una cara. Por la forma pareciera que se trata de matrushkas. La gente del pueblo utiliza vestuario muy colorido con faldas con pliegues que hacen efecto de acordeón. Los muñecos traen líneas en las articulaciones haciendo alusión a figuras de madera.

Al final el moro mata a Petrushka, su fantasma se aparece en el teatro de títeres y queda solo un muñeco de madera desnuda sobre el piso. El mago confundido se encuentra de nuevo con Petrushka quien parece robarle el alma, da la idea de que Petrushka se hiciera humano y el mago quedara como muñeco.

La historia es confusa, si no fuera porque se conoce la misma o por la sinopsis que se da al inicio no quedaría claro lo que sucede. La versión tradicional acaba en que aparece el fantasma pero no se da el cambio de alma, por lo que no se exactamente si es lo que querían transmitir.

Se anuncia la temporada 2019 – 2020 que marca el décimo aniversario del ciclo del Bolshoi en cines, un esfuerzo que se hace con Pathé Live, dando transmisiones en vivo a las zonas horarias adecuadas y distribuyendo posteriormente al resto del mundo. Esperemos que en México sigan presentándolo. Hace unos años lo hacía Cinemex y las últimas 3 o 4 temporadas han sido en Cinépolis.

CARMEN SUITE: Svetlana Zakharova (Carmen), Denis Rodkin (Don José), Mikhail Lobukhin (Escamillo), Olga Marchenkova (Destino)
PETRUSHKA: Denis Savin (Petrushka), Ekaterina Krysanova (La Bailarina), Anton Savichev (El Moro), Vyacheslav Lopatin (El Mago)
Duración total aproximada 2:20 horas incluyendo previo e intermedio.
Para detalles de la próxima temporada visitar Bolshoi Ballet in Cinema

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#magia, #teatro

The Illusionists

Póster de The Illusionists, se muestra con fines ilustrativos.

The Illusionists se presenta por cuarta ocasión en la Ciudad de México, esta vez utilizando el subtítulo “Directo desde Broadway” El espectáculo se ha caracterizado por presentar entre 5 y 8 magos en cada ciudad, pudiendo ser estos diferentes en cada parada de la gira. El espectáculo cambia, los magos presentan su propio material, si un mago no está en una ciudad no se hacen sus trucos, la persona que cubre el lugar hace su propio repertorio. Los artistas siempre son presentados en el póster no por su nombre sino por un título estilo superhéroe y una característica formación en “V”

Los 8 magos son: Florian Sainvet (Francia), Leonardo Bruno (México, radicando en Estados Unidos), Matt Johnson (Canadá), Sabine Van Diemen (Holanda), Aaron Crow (Bélgica), Joaquín Kotkin (México), Mark Kalin (con Jinger Leigh, aunque no se anuncia en el póster. Estados Unidos) y Aryel Altamar (Argentina).

Florian Sainvet “El Manipulador” presenta una versión de su acto de robot con el que ganó en 2018 el primer lugar de manipulación en el mundial de magia. Es una rutina que recuerda a Tron, donde se materializan de la nada cuadros y discos en sus manos, casi como un truco de cine. Hace también un encore que ya es característico en The Illusionists (uno de los pocos actos que se presenta independientemente de los magos que hagan la función) con éste se gana el corazón de los espectadores locales.

Leonardo Bruno “El Alquimista” (erróneamente anunciado como El Escapista) tiene 3 segmentos en los que hace efectos característicos de Kevin James de quien es familiar y también ha estado en el espectáculo. En este caso me hubiera gustado ver algo distinto. Lo que nos presenta tiene momentos poéticos, momentos de sorpresa y espanto así como momentos en que hace regresar a la infancia.

Matt Johnson “El Escapista” (erróneamente anunciado como El Alquimista) presenta su versión de un famoso escape de Houidini. Es su única participación en el show y mantendrá al público conteniendo la respiración literalmente mientras realiza su proeza.

Sabine Van Diemen “La hechicera” hace dos ilusiones que fueron representativas de Los Pendragons en los años 90s. Entrenada por Jonathan Pendragon, posiblemente sea lo más cercano que podamos ver hoy en día a su legendaria presentación. Una excelente oportunidad para ver una de las ilusiones más mostradas y que pocas veces se hace a la perfección. Uniéndolo a su personalidad y el hecho de hablarle al público en español, su participación es de lo que más se recordará.

Aaron Crow “El Guerrero” tiene a la vez uno de los segmentos de más tensión y el más romántico. Con una mirada muy penetrante dirige a los espectadores que le ayudan en el escenario. Muestra destreza con espada, chacos y navaja mientras su vista está evidentemente bloqueada por medios que pocos se atreverían a hacer, todo mientras sus asistentes tiemblan de pies a cabeza. En su segmento final, una pareja vuelve a proponerse después de enfrentar una flecha de Crow. ¿Acaso desempeña el papel de Cupido? Después de todo Cupido y sus flechas no necesariamente deben venir en presentación tierna.

Joaquín Kotkin “El Surrealista” conocido como El Mago de la Media Barba, cuenta con varias participaciones que a la vez impresionan y hacen reír con sus comentarios. Verdaderamente es surrealista que se trague un par de objetos, regresando uno de ellos de manera inusual con comentarios cómicos como si fuera cualquier cosa. En otro truco que remite al ocultismo, interviene el tarot y un escorpión, sin dejar de lado un poco de humor. Este efecto solo lo verán con Kotkin o con David Copperfield.

Mark Kalin “El Anfitrión” en tres segmentos aparece y desaparece de maneras increíbles a Jinger Leigh. Ya sea rodeando con fuego o con público que vigile que no hay entradas posibles. Si no me equivoco estas ilusiones son presentadas exclusivamente por ellos.

Aryel Altamar “El Mentalista” mas que mentalismo hace hipnotismo. Su segmento me parece demasiado largo. Hipnotizará a alrededor de 30 personas que se ofrezcan voluntarios, metiéndose en sus mentes y jugando un poco con ellos. Nota: nunca me han gustado los espectáculos de hipnosis.

En años anteriores las funciones habían sido en el Auditorio Nacional, lugar que me parece extremadamente grande para espectáculos que son visuales, el espacio siempre me pareció malo pues incluso en planta baja el público terminaba viendo casi todo el tiempo en las pantallas en lugar de en directo. Esta vez cambian el escenario y se presentan en el Teatro Telcel cosa que me pareció muy acertada. El costo promedio del boleto aumentó y también la cantidad de funciones (actualmente 9 por semana) pero al parecer se puede apreciar bien la función casi desde cualquier lugar. Un par de actos siguen requiriendo la asistencia de la pantalla gigante.

El espectáculo es muy bueno, en general fluye con muy buen ritmo haciendo las transiciones entre un mago y otro bastante ágiles. La mayoría son ilusiones que difícilmente se ven en México. Cumplirá las expectativas de toda la familia.

The Illusionists directo desde Broadway
Teatro Telcel
Duración aproximada: 2:15 horas incluye intermedio de 15 minutos (si te ofreces voluntario para ser hipnotizado no tienes intermedio)
Hasta el 30 de junio (el póster dice 23, ya hay boletos publicados hasta el 30)

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#teatro, circo

A Simple Space

Imagen con fines ilustrativos.

La compañía australiana Gravity & Other Myths se presentó en México, primero en el Festival Cultural de Mayo en Guadalajara (del 29 al 31 de mayo) y posteriormente en la Ciudad de México (1 y 2 de junio) La presente reseña es respecto a la Ciudad de México.

El espectáculo A Simple Space muestra a 6 acróbatas: 4 hombres, 2 mujeres más un percusionista que hace la música y en pequeños entreactos participa en escena.

Las funciones fueron en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris. La información en internet señala que A Simple Space es una obra íntima con el pública a escasa distancia de los acróbatas, rodeando el espacio de trabajo por los cuatro lados. En este caso, el formato se tuvo que modificar. Sobre el escenario se montó un pequeño entarimado sobre el que trabajaron. A los lados del escenario unas gradas para aproximadamente 100 espectadores, el resto vimos la función desde las butacas normales.

No se entregaron programas de mano, por lo que no tengo datos de los artistas.

En general las acrobacias son demostraciones de fuerza, hay actos impresionantes nada parecidos a algo que hay avisto antes. Muchos números son cargadas y mano a mano, llegando a puntos en los que hacen split con los pies en las cabezas de sus compañeros, o arcos y perro mirando hacia abajo siendo también cabezas los apoyos. Una competencia de saltos mortales, a ver quién hace más, saltos sobre los pechos de otros acróbatas o saltos de longitud partiendo y cayendo sobre la espada de compañeros acostados boca abajo.

En un momento dado se vuelve un tanto monótono pues hay poca variedad, todo es demostración de fuerza. Cabe destacar que la obra se hace prácticamente sin accesorios. También el hecho de que no se usan cuerdas de seguridad incluso en las cargadas donde hay tres personas una sobre la otra (apoyadas en hombros o en cabeza) El entreacto del percusionista golpeando su cuerpo es muy bueno y logra involucrar a todo el público.

Al finalizar se hace un número donde se balancea a una chica como cuerda para saltar mientras otra persona brinca sobre ella.

El final es repentino y cortado. Los acróbatas agradecen y se van dejando al público confundido sin saber si ya acabó o es un intermedio, como no hubo programa tampoco se sabe la duración esperada. Al no haber más avisos entendemos que es todo.

A la salida algunos artistas están en el vestíbulo tomándose fotos con el público, mostrando muy buen humor y entusiasmo que hacen difícil creer que llevan una hora haciendo un trabajo tan demandante físicamente.

No pude evitar pensar ¿qué tan sanas son estas acrobacias? Con otras compañías nunca me había hecho esta pregunta. Una obra totalmente diferente a otras. Duración aproximada 50 minutos.

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