Loreena McKennitt Lost Souls Tour

Loreena McKennitt sacó su primer disco en 1985, desde entonces se ha colocado como una cantante representativa de música celta con un estilo que incluye irlandesa, medieval y toques de diferentes partes del mundo. Su repertorio cuenta con canciones tradicionales, de composición propia y re interpretación de temas antiguos.

Durante este año llevó a cabo el Lost Souls Tour para promocionar su último disco de estudio Lost Souls. A principios de año en Sudamérica; Europa durante el verano y el este de Canadá en otoño. Durante la gira canadiense salió al mercado la grabación en vivo en el Albert Hall de Londres realizada unos meses antes. Todos los asistentes de estas últimas fechas recibieron éste disco como parte del boleto.

La presente reseña corresponde al 30 de octubre, en la Sala Wilfrid-Pelletier de Place des Arts en Montreal, segunda fecha de Canadá.

Desde el ingreso del público el escenario contaba con 5 candelabros de 7 brazos cada uno con sus respectivas velas encendidas. En la primer mitad predominó la iluminación morada y verde, en la segunda mitad fue más rojo azul. Las velas y las luces producían una atmósfera especial. Al final de algunas canciones, a modo de remate se apagaban todas las luces quedando solo las velas que iluminaban a los músicos a contraluz, produciendo un efecto impactante.

McKennitt estuvo acompañada por 5 músicos, trabajando con algunos de ellos por aproximadamente 20 años. El programa se compuso por 10 piezas, un intermedio de 20 minutos, una segunda parte de 8 piezas y un encore de 2 canciones más. Cada uno de los músicos, en algún momento, tuvo su momento protagónico, un momento de improvisación o donde su instrumento resalta. En esos instantes el juego de luces se centraba en el intérprete en cuestión.

A pesar de ser una gira promocionando el disco Lost Souls, el concierto no se centró en el nuevo material, lo que a mí en particular me agradó mucho. El repertorio fue diferente al que se encuentra en el disco del Albert Hall, por lo que se concluye que la gira europea cubrió diferentes canciones, en este caso mas enfocadas al material nuevo. Seguramente el objetivo era grabar en vivo lo que no existía previamente en versiones con público.

En Montreal se ofreció un programa variado con canciones de antaño como Bonny Portmore y The Lady of Shalott así como recientes como Lost Souls y Manx Ayre, sin dejar de lado las representativas Marco Polo, The Mummer’s Dance y Santiago. The Mystic’s Dream también ha sido una pieza icónica de McKennitt y fue con la que abrió la velada. Las mas aplaudidas fueron Santiago con la ya esperada improvisación de Hugh Marsh en el violín y The Old Ways. No se interpretaron temas del periodo 1985-1989. Como es su costumbre y se ve en la grabación Nights from the Alhambra, McKennitt da una breve introducción en la mayoría de sus canciones.

Canciones que causan un estremecimiento al oirlas en vivo, otras que conmueven y dan ganas de llorar, como es el caso de Dante’s Prayer con la que cerró la noche (encore final) The Gates of Istambul me trasladó a otro lugar, como viajar despierto, acaso una especie de meditación con música. El sentimiento con que toca Caroline Lavelle el violonchelo es digno de mención.

El público salió contento, después de una noche mágica en una hermosa sala con una acústica impecable. McKennitt agradeció no solo a los músicos sino a todo el staff, la gente tras bambalinas que no vemos y muchas veces uno olvida que están ahí pero sin ellos las presentaciones serían imposibles.

Durante la gira canadiense se anunció que al finalizar las fechas, es decir el 3 de noviembre, Loreena McKennitt pone una pausa por tiempo indefinido en su carreera musical para realizar otras tareas como dedicar tiempo a su familia y trabajar contra el calentemiento global y los efectos nocivos de la tecnología: cómo afecta la salud mental en los niños, cómo se usa la tecnología para erosionar democracias y difundir noticias falsas, cómo compromete nuestra privacidad.

Espero que la pausa no sea tan larga y volvamos a tener música de esta maravillosa intérprete. Todo el éxito en sus nuevas actividades.

Loreena McKennitt Lost Soul Tour (Québec & Ontario Fall 2019)
Músicos: Brian Hughes, Caroline Lavelle, Hugh Marsh, Dudley Phillips, Robert Brian
Duración Aproximada: 2:20 horas incluyendo intermedio de 20 minutos

#danza, celta, folclor, musica

8° Celtia. Festival Celta de México

Poster de Festival Celtia. Se muestra con fines ilustrativos.

El pasado 23 de noviembre se llevó a cabo el 8° Celtia, Festival Celta de México, realizado junto a la Puerta de Leones en el marco del 16° Festival del Bosque de Chapultepec.

Con actividades desde las 10:00 am hasta las 6:00 pm el festival congregó diferentes grupos de música y danza Celta como es el caso de la Galaica y la Irlandesa.

Para arrancar estuvo An Bodhrán, grupo de la Ciudad de México de Folk Celta Fusión, su interés es la mezcla de música mexicana y celta. Compartieron con el público tanto piezas tradicionales como propias. Con humor presentaron las canciones, dando breves introducciones a las mismas. Al mismo tiempo, a escasos metros, arrancaba el desfile de una tienda departamental por lo que un helicóptero que sobrevolaba y gente que se acercaba al escenario pero seguía de largo al otro evento servían de distracción. El presentador del grupo aprovechó también estas situaciones para hacer bromas. Al finalizar su presentación el público pedía otra pero no pudieron tocas más para seguir en tiempo con las actividades posteriores. An Bodhrán cuenta con dos producciones discográficas.

El segundo grupo fue Nemhan Danza Irlandesa. Pertenecientes a una academia, presentaron diferentes números donde también hubo fusión de estilos. Con variedad como danza irlandesa sin música donde solo se oye el zapateado, con música, duetos, solos y bailes grupales. También un número con estilo de teatro musical, yo diría que una mezcla con tap, donde hubo movimiento de brazos, cosa que en la danza irlandesa no sucede. Me llamó particularmente la atención una coreografía en la que se ve zapateado mexicano y zapateado irlandés. Al finalizar comentaron que faltó el número de flamenco. Los integrantes fueron tanto los maestros como alumnos adultos y niñas. Durante la semana concursarán en Estados Unidos buscando pase para el mundial de danza irlandesa en Dublín.

Daoine Sidhé fue el siguiente grupo musical en presentarse. Cuentan con el acompañamiento de una bailarina que tanto danza en el escenario como abajo de él, invitando al público a participar. El conjunto está formado por jóvenes con mucho entusiasmo que usan vestuario tan variado como tartanes que remiten a vestimenta escocesa, como túnicas verdes y gorros de pico pareciendo seres mágicos salidos del bosque.

No pude ver más del festival. Continuó a lo largo de la tarde 6 horas más. La gente se estaba congregando y al parecer en la tarde-noche se puso mejor el ambiente. Se anunció que al cierre se unirían todas las bandas participantes y se irían sumando en una improvisación conjunta lo que ha de ser digno de verse. Se comenta que en este tipo de actividades es una tradición.

No conocía el festival, mencionaron que a lo largo de su historia tuvo que cambiar de nombre y el año pasado no fue posible realizarlo. Me da gusto que este año hayan regresado y se les haya tomado en cuenta dentro de un festival más grande como es el del Bosque de Chapultepec.

Habrá que estar atentos al próximo año.

#danza, Ballet, pelicula

Al ritmo del corazón (Yuli)

Poster de Al ritmo del corazón, se muestra con fines ilustrativos

Carlos Acosta es un bailarín cubano de fama mundial reconocido como uno de los mejores de su generación y como el primer bailarín negro en interpretar diversos papeles principales en diferentes ballets. Ha bailado con el Ballet Nacional de Cuba, el Ballet de Houston y el Royal Ballet.

La cinta Yuli es una película basada en la autobiografía escrita por Acosta. La película se estrenó en diciembre del 2018 en el Festival Internacional de Cine de San Sabastian en España y actualemnte se presenta en salas comerciales en México tras su presentación en el Festival Internacional de Cine de Morelia. Originalmente llamada Yuli, en México se proyecta como Al ritmo del corazón (Yuli)

La película narra la historia de Acosta (llamado Yuli por su famillia) desde niño hasta la actualidad, intercalando tiempos, con escenas de su infancia y posterior juventud, alternando con escenas del presente. Se muestra una infancia dificil con un padre que “lo ama a su manera” quien lo obliga a audicionar en la Escuela Nacional de Ballet. Un niño rebelde y mentrioso que no quiere estudiar ballet y escapa de clases cada vez que puede. Maestros y compañeros inconformes con su conducta. También maestros que ven su potencial y lo siguen apoyando. Continúa bailando hasta convertirse en la leyenda que es hoy en día.

La cinta me parece pesada. No soy muy aficionado a las autobiografías ya que tienden a exagerar y modificar los hechos. En este caso me pierden muy al principio de la historia. Vemos a Carlos Acosta actuando en una película sobre su vida y dentro de la película hace una coreografía que trata de su vida. Aparentemente parte de lo que vemos se lo está contando a los bailarines de su obra. En un punto les dice que la escena anterior nunca sucedió, que no sabemos qué parte es realidad y qué parte ficción, a lo que le contestan que para contar su historia vaya con todo ¿es luz verde para la ficción?

Si se narra a un Acosta mentiroso como niño, y como adulto admite que hay ficción en su historia ¿podemos considerarlo realmente biografía? ¿Qué tan creíble es? ¿Licencia dramática?

Hablando de emociones, la cinta muestra la soledad que siente Acosta al estar en el extranjero, con un idioma que apenas conoce, lejos de su familia y tratando de regresar siempre con ellos. La discriminación por ser de color y las burlas de los otros niños que lo llaman marica por estudiar ballet.

Es triste ver que uno de los bailarines mas representativos de los últimos años nunca quiso bailar, incluso como adulto me queda la duda si quería bailar. Tiene una fractura de tobillo y tras su recuperación es renuente a regresar y una vez más son los maestros quienes lo convencen de continuar. Él siempre dice sentir todo el peso de Cuba sobre sus hombros. Pareciera que como niño no quería y lo obligaban los adultos y como adulto lo sigue obligando la costumbre. Afirma que el ballet le robó la vida.

El título que se le da en México: Al ritmo del corazón, no me parece adecuado pues su corazón no pedía ballet. No se si sea solo en México o también en otros países, la cinta se proyecta hablada en español de Cuba con subtítulos en español idéntico al hablado. Me parece innecesario ¿acaso es tan incomprensible un cubano que es necesario ponerle subtítulos?

Finalmente agregaré la pena que da el Cine Diana por el abandono y olor a humedad que tiene la sala, un cine otrora importante merece un mantenimiento.

Al ritmo del Corazón (Yuli)
Dirección: Iciar Bollaín
Productoras: Galápagos Media, Hijo de Ogún, Morena Films, Potboiler Productions, Producciones de la 5ta Avenida
Actuaciones: Carlos Acosta, Santiago Alfonso, Laura de La Uz, Keyvin Martínez, Edison Manuel Olbera
Año: 2018
Duración aproximada: 1:50 minutos

#danza, #video, Ballet, documental

Restless Creature: Wendy Whelan

Wendy Whelan fue bailarina del New York City Ballet (NYCB) por 30 años. Durante ese tiempo llegó a ser principal y constantemente era elegida para interpretar papeles y otros eran creados especialmente para ella. Actualmente es directora artística asociada de la misma compañía. Restless Creature: Wendy Whelan es un documental sobre su última etapa en el NYCB.

Durante la grabación se menciona que Whelan tenía 46-47 años de edad y una lesión en la cadera la llevó a la primer cirugía de su vida. Tras la rehabilitación explora danzas diferentes al ballet y crea con 4 coreógrafos el espectáculo Restless Creature. En 2014, poco después de la cirugía se retira del NYCB como bailarina.

El documental retoma el nombre de ese preoyecto. Es un trabajo que tiene un estilo de reallity show. Ese estilo en el que la cámara capta un encuentro en el parque, cómo se saludan personas que no se han visto en mucho tiempo. Whelan sube a un taxi y se aleja, etcétera. Las tomas resultan planeadas. Por ejemplo, en el taxi la siguiente escena es la cámara al lado de Whelan dentro del coche. O entra a una oficina a una importante junta donde cierran la puerta y la cámara queda afuera para posteriormente estar a un lado en la reunión. Esos detalles me hacen pensar que las reacciones y comentarios no son espontáneos sino guiones planeados. Incluso el que esté grabada la cirugía me da qué pensar.

La cinta se centra en los problemas que Whelan enfrenta tras la cirugía: la decisión de retirarse o no. Frecuentemente entran comentarios donde ella se siente atacada diciendo que en la compañía consideran que ya está afuera, que el director artístico no la ha considerado para la nueva producción argumentando que nadie quiere ver una estrella en decadencia. Hay una escena en la que muy molesta dice que después de un ensayo tuvo que abandonar el estudio porque estaba cojeando y todos la estaban viendo.

Me da sentimientos encontrados. Por un lado se ve la disciplina de una bailarina principal. Todo el trabajo, todo el esfuerzo que ello conlleva y que puede irse en poco tiempo. No es un trabajo de un día, es de años, décadas. Por otro lado siento el documental como una forma de victimizarse y mostrarse como una persona de gran resiliencia. Incluso el título me resulta chocante dentro del contexto (criatura incansable)

El ballet es una disciplina dura que cobra su cuota sobre el cuerpo, muchos bailarines se retiran jóvenes. Whelan al tener su primer lesión seria y cirugía a los 46 años se puede decir que fue bastante afortunada.

Básicamente la cinta muestra el enfrentamiento emocional a tener que parar, dejar de bailar. Ver las señales de que el cuerpo ya no puede hacer ciertas cosas y decir “antes podía hacerlo” o “me preparé decenas de años para hacer este ejercicio bien y ahora no puedo más” También la falta de aceptación, como recibir indicaciones médicas, desobedecerlas y posteriormente quejarse del dolor. La frase “si no bailo prefiero morir”. Tomarse las cosas a modo personal sintiendo que no le dirigen la palabra para obligarla a renunciar. La escena ya mencionada donde se siente humillada: «salí del estudio cojeando, todos me veían cojear, tomé un taxi y le dije ‘solo llévame a casa’ » (línea muy Hollywoodense)

Del proyecto que originó el nombre no se dice mucho más. Se cancela por los dolores que Whelan continúa teniendo y para centrarse en su función de despedida del NYCB. Al finalizar se muestran fotos de periódicos y teatros con el nombre Restless Creature en la marquesina, por lo que entiendo si se presentó posteriormente.

El documental está disponible Netflix

Restless Creature: Wendy Whelan
Dirección: Linda Saffire, Adam Schlesinger
2017
Duración: 1:30 horas

#teatro

Peer Gynt de pacotilla

Henrik Ibsen publicó en 1867 la obra Peer Gynt que más adelante Edvard Grieg le añadiría música incidental. Se dice que es una obra de teatro que fue escrita para leerse pero no para verse en un escenario por las dificultades de los cambios de escenas, sin embargo se ha llevado al teatro en varias ocasiones, seguramente siendo frecuentemente adaptaciones.

El trabajo más reciente de la Sensacional Orquesta Lavadero es precisamente una adaptación titulada Peer Gynt de pacotilla. 6 actores interpretan numerosos personajes y tocan la música incidental de Grieg. Hasta donde sé, ésta es la primera vez que la Sensacional Orquesta Lavadero presenta una obra “completa” en el sentido que no son pequeñas rutinas cómicas y/o musicales que forman el espectáculo.

Peer Gynt se describe como una obra fantástica, la presente adaptación incluye toques cómicos y de clown, especialidad de la compañía.

La historia es sobre el joven Peer Gynt quien ha crecido alimentado por cuentos fantásticos y los suele repetir como si fueran acontecimientos que en realidad le sucedieron y así excusarse cada vez que evade sus responsabilidades. Es ambicioso, quiere poder fácil. Enamora a varias mujeres y luego las abandona, entre ellas una novia a punto de casarse, una chica que conoce en la boda y la hija del rey de los duendes, esta última le interesa de manera particular por ser precisamente una princesa y poder obtener un reino por medio de ella. Con el tiempo irá pasando de una aventura a otra, siempre caracterizándose por ser un bribón. Hacia el final, cuando el fundidor ¿la muerte, el diablo? viene a fundir su alma, él debe probar que siempre fue “él mismo”.

La obra tiene sus momentos filosóficos, esa búsqueda de ser “uno mismo” definir qué es ser uno mismo y si se logra o no, o uno se pierde siendo otro mientras quiere ser uno mismo. ¿Al evadir responsabilidades se huye de uno mismo? ¿O precisamente es uno mismo porque el estilo propio es huir?

La Orquesta Lavadero nos va guiando por la historia, utilizando situaciones tanto de la historia como de la adaptación para crear momentos cómicos, no son forzados, van bien integrados a la obra. Por ejemplo la forma de resolver cómo la mamá de Peer Gynt queda atrapada en la azotea o las referencias a los actores que interpretan a Peer en 3 etapas de su vida. O el hecho de que el mismo actor interprete a la mamá y posteriormente a Peer.

Para dar vida a los diferentes personajes se apoyan en caracterizaciones y máscaras diseñadas por Anabel Ortega. Las máscaras y tocados son muy buenos. Las actuaciones cubren personajes tan variados como el joven con energía, enojo, desesperación, amor, pena. El adulto con sed de venganza, el confiado, los bribones, los burlones, el rey poderoso. Los viejos con angustia, el rey que ha perdido poder ….

Durante la función que vi (la penúltima) hubo un incidente con un celular que insistía en sonar en medio de un emotivo soliloquio de la mamá de Peer. Jesús Díaz, quien le da vida al personaje, supo darle vuelta y aprovecharlo, sin embargo el teléfono seguía sonando y hubo que parar un momento. Y no es culpa del teléfono sino del dueño que hace caso omiso al aviso de «favor de apagar teléfonos». Así que aprovecho este espacio para recalcarlo: Favor de apagar teléfonos, o en su defecto ponerlos en silencio (no en vibrador)

La temporada de 3 semanas que se llevó a cabo en el Foro Antonio López Mancera de la Escuela Nacional de Arte Teatral ha finalizado, pero espero pronto verla en cartelera nuevamente. Por lo pronto en el mismo Centro Nacional de las Artes está el ciclo de clown Sonrisas a la Carta, que incluye otros espectáculos de la Sensacional Orquesta Lavadero.

Peer Gynt de pacotilla
A partitr de la obra de Henrik Ibsen
Dramaturgia y dirección: Jesús Díaz
Sensacional Orquesta Lavadero: Jesús Díaz, Nohemí Espinosa, Roam León, Jhovatan Lozano, Braulio Corona, Miguel Jiménez

circo

Cirque du Soleil: Crystal

Poster de Crystal. Se muestra con fines ilustrativos.

Crystal es el espectáculo número 42 producido por Cirque du Soleil. Por primera vez se hace sobre una pista de hielo y mezcla patinaje con acrobacias circenses. Es una unión bastante interesante pues hay elementos que parecen sacados de patinaje sobre ruedas como el uso de rampas para saltar, pero en este caso es superficie congelada.

Tiene diferencias significativas con otros espectáculos del Cirque, sobre todo en la música. Por un lado no existe grabación comercial de la misma. Por otro, solo hay dos músicos en escena teniendo mucha música pregrabada. Otro punto importante es que utilizan algunos covers a artistas como U2, Beyonce y Sia. Los instrumentos que se ven en vivo son guitarra eléctrica, violín, saxofón y piano. Predomina el violín con tonos irlandeses.

La historia es una joven (Crystal) que no encaja por hacer las cosas de manera diferente. Al escapar de esa realidad cae por un lago congelado a un mundo donde conoce su reflejo, una chica con ropa oscura con un carácter más agresivo. Después de su experiencia en el mundo espejo, donde ve oficinistas cuadrados y gente atrapada en la rutina, decide volver a casa donde la espera su familia. El concepto me recuerda mucho a Quidam del mismo Cirque donde una joven con imaginación activa vive con padres cuadrados que solo tienen tiempo para sus trabajos y actividades de adultos. Conoce a Quidam (persona sin nombre, fulano) con quien vive el mundo de fantasía que presenta el Cirque, para finalmente regresar con su familia.

Al analizar un poco la historia me pregunto: si el mundo espejo es un escape de la realidad y ahí ve oficinistas metidos en la rutina ¿entonces el mundo real no tiene esos oficinistas en la rutina?

Se utiliza videomapping sobre la escenografía y la pista. Crea efectos espectaculares llenos de colorido, sin embargo hay momentos en que el video distrae de los actos, por ejemplo en los malabares. Como suele pasar en el Cirque du Soleil, si prestas atención a algo, te perdiste otra cosa. Son visualmente muy cargados y al hacer todo el escenario una pantalla gigante el efecto de distracción aumenta.

Los actos como siempre son demostraciones impresionantes de destreza. Incluyen mezclas de disciplinas, como los mástiles que se balancean: una mezcla de mástil chino con péndulos. También hay malabares que en el mismo acto intercalan rebote (las pelotas botan en el piso) y lanzadas al aire. De igual forma usan bolas de nieve que se prestan para hacer bromas.

Un número de trapecio individual es verdaderamente impresionante por la plasticidad y precisión. La acróbata todo el tiempo tiene los patines de hielo colocados. El número final, un dúo de trapecio es acompañado por música grabada y violín en vivo. Hay un solo de violín. En ese momento fue mágico notar todo el Palacio de los Deportes completamente en silencio, lo único que se escuchaba era el violín ¿cómo generas ese silencio en un lugar tan grande?

Otros números son equilibrio en sillas, patinaje y salto en rampas, patinaje artístico, cargadas, balancines para saltar.

Llama particularmente mi atención el hecho de que no todos los artistas usan patines, hay también gente con zapatos moviéndose sin problemas sobre el hielo. Por supuesto, no son zapatos “normales” deben tener la suela correcta para esa superficie.

Muy buen espectáculo con música vibrante bien integrada a los actos. Los números tienen elementos de varias disciplinas que al ser unidas forman algo que no se había hecho antes.

La presente reseña corresponde a la última función en la Ciudad de México con lo que concluyó la gira por el país.

Cirque du Soleil Crystal
Duración aproximada: 2:20 horas incluyendo intermedio de al rededor de media hora y pre show mientras la gente entra al lugar. La función en si no comienza puntualmente pero el pre show va corriendo.

#teatro

Camille Claudel … sin Rodin

Foto de Camille Claudel. Imagen mostrada con fines ilustrativos.

Camille Claudel fue una escultora que vivió entre los siglos XIX y XX, siendo su etapa más productiva a finales de siglo XIX. Fue alumna de Auguste Rodin, comenzó a trabajar en su taller posando para esculturas y trabajando algunas piezas para él, sobre todo manos y pies. Pese a la diferencia de 24 años fueron también amantes. Se dice que Rodin constantemente tenía nuevas amantes y siempre prometía casarse con Claudel, cosa que no pasó. Camille Claudel se fue alejando de los círculos artísticos, encerrándose en su propio mundo dentro de su taller, en alguna época destruyó sus propias obras. En 1905 tuvo su última gran exposición y en 1913 su familia la internó en un hospital psiquiátrico de donde nunca salió. Murió en 1943, olvidada y con un veto de la familia. Solo su hermano, responsable de internarla, la visitó unas pocas veces. Estaba prohibido incluso que recibiera visitas.

Camille Claudel … sin Rodin es descrito en el programa de mano como espectáculo unipersonal. Vemos a Yuriria Fanjul en el papel de Camille. Con una historia nada lineal se narran momentos de la vida de Claudel. Saltando en los tiempos la vemos en el estudio hablando con Rodin, en el hospital psiquiátrico, de nuevo en el estudio, ahora en el suyo recibiendo visitas, de nuevo con Rodin, etcétera.

En varias ocasiones rompe la cuarta pared e interactúa con el público haciéndoles preguntas o contando cosas en tono de alguien que da un chisme entre amigos. La mayoría de estos momentos los siento forzados, como si tratara de hacer comedia stand-up. Dice algunos chascarrillos con las tradicionales malas palabras que buscan humor fácil. Siento una respuesta muy floja del público y alguna risa condescendiente, pero sus chistes no terminan de cuajar. Tampoco la interacción. Al hacer preguntas, el público tarda en responder. Da a alguien unas tarjetas para que las lea. La señora elegida tiene problemas para leerlas ¿será porque está sentada en la oscuridad? Deberían haber prendido luz de sala. En otro momento da una carta para que se la pasen “al señor barbón de allá” la gente no sabía exactamente que hacer, si pasar la carta y a quién.

Canta algunas canciones, dice frases en francés. No se si en aras de hacer un “espectáculo” hay que ponerle de todo un poco, pero lo siento forzado, sobreactuado.

Cuando no habla con el público lo hace con personajes imaginarios como Rodin y otros artistas. Se dirige al vacío y hace pausas como si hubiera otra persona contestando. ¿Acaso es una muestra de su locura?

No me gustó la obra por lo que ya he descrito. Lo que reconozco es que Fanjul tiene una gran expresión facial.

Camille Claudel … sin Rodin estuvo presentándose en la Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque donde terminó temporada el pasado domingo.

Camille Claudel … sin Rodin
De: Gaël Le Cornec
Dirección: Diego Vázquez
Con: Yuriria Fanjul
Duración aproximada: 1:25 horas

#danza, folclor

Mosaico Folclórico

La Coordinación Nacional de Danza organiza cada año el Festival Patria Grande (presentado en el programa de mano como Temporada Patria Grande) con la finalidad de celebrar la danza folclórica de México.

El festival, que se lleva a cabo durante el mes de septiembre en el Teatro de la Danza y en la Plaza Ángel Salas del Centro Cultural del Bosque, incluye diversas compañías y escuelas de diferentes estados.

La función que comentaré corresponde al sábado 21 (y domingo 22) de septiembre y corrió a cargo del Taller de Danza Folklórica de la Universidad Juárez del Estado de Durango que presentaron el programa Mosaico Folclórico (Se ha respetado la ortografía del programa de mano)

Para aclarar: la RAE reconoce las palabras folclor, folclore y folklor, así como folklórico(a) y folclórico(a).

Mosaico Folclórico está formado por aproximadamente 30 bailes representando a los estados de Chiapas, Veracruz, Tamaulipas. Aguascalientes, Jalisco, Zacatecas, Chihuahua, Nuevo León y Durango, éste último presentando las variantes de laguna, polcas y shotis. Cada estado tuvo al rededor de 3 bailes siendo Durango el que que tuvo mayor cobertura con sus 3 estilos.

Es un programa de aproximadamente 1:40 horas que se presenta de corrido, con extremadamente breves espacios de tiempo entre cada estado. Un pequeño intermedio de 5 minutos a la mitad de la función es la pausa más larga. En general toda la función es corrida con todos los cambios de vestuario y el gran esfuerzo físico que representa. Con 21 bailarines, normalmente presentaron números de 6 parejas y duetos de una pareja.

Entiendo que el grupo está formado por comunidad de la institución educativa, supongo que no son profesionales en la materia sin embargo es una función de mucha calidad y muy completa. Se nota el trabajo y las horas de ensayo. Hay detalles de limpieza, por ejemplo, al avanzar en filas verticales no se ve uniforme o hay momentos en que la calidad y fuerza del zapateado se nota diferente entre la gente que comparte el escenario. Otra falla notoria es la falta de experiencia en teatros aforados, al salir del escenario, los bailarines frecuentemente chocaban con las piernas del teatro, provocaban movimientos en el ciclorama o parecían no tener muy claro cuál calle usar.

Esto no demerita el trabajo de los bailarines quienes tuvieron al público muy atento y de buen humor participando con las palmas en ciertos bailes. Al ser un programa con tanta variedad de estados verdaderamente muestra un mosaico de varios bailes típicos, algunos muy conocidos que siempre se presentan en estas funciones y algunos no tan representados. Tras el agradecimiento, subieron a algunos miembros del público al escenario para bailar un número más.

El festival está por concluir este domingo. Las actividades son gratuitas.

Mosaico Folclórico
Taller de Danza Folklórica de la Universidad Juárez del Estado de Durango
Duración: 1:40 horas
Dirección: Armando Peyro Rodarte
Sin crédito para los bailarines.

Festical Patria Grande, hasta el 28 de septiembre. Teatro de la Danza

#danza, #video, Ballet, libros, pelicula

El Prodigio

Li Cunxin es un bailarín de origen chino que a principios de la década de los 80 desertó de China quedándose en Estados Unidos, posteriormente haciendo su vida en Australia. En 2003 publicó su autobiografía Mao’s Last Dancer (El último bailarín de Mao) que fue adaptada al cine en 2009 (distribuida a partir de 2010, en México debió ser a mediados de 2012) La película conserva el nombre del libro, pero en México se ofreció bajo el título El Prodigio. Esta reseña corresponde a la película.

La historia muestra a Li Cunxin desde niño, cuando es elegido por las autoridades de Mao Zedong para audicionar en la escuela de artes para estudiar ballet. Li es elegido, aunque no entiende para qué.

Tras la muerte de Mao se permite que Ben Stevenson, director del Ballet de Houston visite China e imparta algunas clases tras las cuales solicita un estudiante de intercambio para estudiar 3 meses en Houston. Cunxin es elegido.

En Houston, Li conoce los grandes edificios, los cajeros automáticos, ir de compras por vanalidades y lo que es gastar 500 dólares en un día cuando su padre ganaba 50 al año después de mucho trabajo. Un mundo lleno de libertades donde, entre otras cosas, baila lo que quiere y no lo que el gobierno indica. Al término de su estancia en Estados Unidos se niega a regresar a China. Después de tensas horas dentro del Consulado, el gobierno de Estados Unidos hace los arreglos para que pueda quedarse.

Anteriormente aquí en Por los Teatros comenté las películas White Nights y Bailando en el Desierto. El Prodigio es otra película que se siente como propaganda política, más al estilo de White Nights. En las 3 películas los protagonistas escapan de sus países. Bailando en el Desierto y El Prodigio se basan en historias reales. En White Nights y en El Prodigio se menciona que sus regímenes los obligaban a bailar ciertos temas y en Estados Unidos eran totalmente libres.

El Prodigio es una película bien lograda, la historia atrapa y apuesta totalmente por el sentimiento del espectador. Cuando salió en el cine un amigo dijo que la mitad de la sala estaba llorando y la otra mitad aguantándose las ganas. Y no lo contradigo. Es ese tipo de película.

La forma en que intercala el presente, el pasado, los recuerdos y los sueños crean en el espectador el efecto deseado. Sin embargo, al ofrecerse como historia real y sobre todo como autobiografía la tomo con cierta reserva ya que estos trabajos suelen maquillar la historia.

Algunas frases que se me quedaron desde la primera vez que vi la película son “Que no te molesten los pavos” un texto escrito en una playera con un elefante y pavos encima de él. No significa nada en particular, solo que no dejes que te preocupe lo que no importa. Otra es Li contestando “No quiero caminar, quiero volar” cuando pide polainas muy pesadas y el maestro le dice que con ese peso en las piernas no podrá caminar.

La película puede conseguirse en DVD y Blu-Ray distribuido por Quality Films. El único “pero” que le veo al DVD (no a la película) son los molestos anuncios al principio que no pueden saltarse.

El Prodigio (Mao’s Last Dancer)
Dirección: Bruce Beresford
Actuaciones: Bruce Greenwood, Kyle MacLachlan, Joan Chen, Amanda Schull, Chi Cao
2009
Great Scott Productions
Duración aproximada: 1:57 horas

#teatro, #video, circo

Cirque Éloize: Nomade

Portada del DVD de Nomade. Se muestra con fines ilustrativos.

En 2002, Cirque Éloize junto con Teatro Sunil crean el espectáculo Nomade. La nuit, le ciel est plus grand (Nómada. De noche el cielo es infinito) bajo la dirección de Daniele Finzi Pasca, que sería la primer obra que junto con Rain y Nebbia conforman la llamada Trilogía del Cielo.

La presente reseña es sobre la grabación realizada en 2005, todo parece indicar que en Trois-Riviéres, Canadá.

Tanto el estuche del DVD como el sitio de la Compagnia Finzi Pasca indican que la obra trata sobre ser nómada. Todos somos nómadas, viajamos de un amor a otro, de una pena a otra. El verdadero nómada viaja a través de sus memorias y de sus sueños. Para el que duerme bajo las estrellas el cielo es el infinito (De ahí el subtítulo) Cirque Éloize llevaba por entonces 10 años viajando por el mundo por lo que Nomade era una invitación a compartir momentos con una comunidad itinerante de artistas circenses.

Nomade, como buena parte del trabajo de Finzi Pasca, une historias, acrobacias, música y canto en vivo. Se pueden ver elementos muy característicos de su trabajo, como objetos o personas volando, cosas cayendo desde lo alto del escenario y lluvia. Personajes diciendo textos poéticos en el proscenio, rompiendo la cuarta pared y dándole esos textos directamente al público, frecuentemente iluminados con algún tipo de lámpara de mano.

El espectáculo incluye diversos números como lanzamiento de hachas, mástil chino, solo de trapecio, rueda Cyr (inventada por uno de los fundadores de Cirque Éloize) aro, cuerda y cinta aérea, malabares con clavas y de contacto, contorsión, saltos acrobáticos, banquine (saltos con trampolín semejante a un sube y baja) monociclo, un poco de magia, payasos, mano a mano, música y canciones.

Un programa muy completo y de gran calidad, la música tiene un estilo que transmporta a un ambiente gitano. La misma es interpretada en vivo tanto por músicos como por miembros del elenco de acróbatas.

Me llaman de manera particular el número combinado de rueda Cyr y aro aéreo. Dos disciplinas diferentes conviviendo al mismo tiempo en el escenario, mostrando de manera simultanea dos aros, uno en el piso, el otro en el aire. Sin protagonismos, es un número donde ambos artistas se complementan. No hay estrellas, no es el número del aro o de la rueda Cyr. El acto en si, son ambos. Otro número es el de los payasos bailando tango mientras tocan instrumentos al estar abrazados en la danza. Tienen un estilo de slapstick (causar risa por golpes) que no es de mi total agrado pero el tango es impresionante.

Los malabares en equipo son dignos de verse. Varios miembros del elenco trabajan con clavas en perfecta sincronía. Posteriormente tres mujeres con movimientos muy fluidos hacen una rutina de malabares de contacto con bolas de cristal.

Los números de saltos y mano a mano (cargadas) son impresionantes. Los saltos incluyen barras rusas, trampolines, torres humanas y acrobacias de piso. Entre los saltos, un acto se muestra a modo de competencia donde dos bandos se retan a realizar proezas más y más difíciles, al final con júbilo y compañerismo se ve que todo es un juego y la rivalidad no existe. Los números de mano a mano incluyen uno a modo de tres pistas donde 3 parejas se alternan para las cargadas.

Nomade se trata de un programa lleno de virtuosismo donde los artistas hacen de todo. De manera particular, los payasos (jóvenes) traen la vieja escuela donde realizan de todo y lo dominan. Todos los números traen pequeñas historias que nos transportan a mundos que tal vez solo existen en nuestras cabezas: una boda, hombres en un campamento admirando bajo las estrellas a una chica que se baña, varias parejas, amor, desamor, rechazos, homenajes, fiestas, deseos de opacar o sabotear a otros, pero sobre todo mucho júbilo.

Cumple sin lugar a dudas con el propósito de transportarnos en este viaje nómada, de despertar nuestra imaginación como niño oyendo un cuento antes de ir a dormir.

La compañía canadiense finalizó las presentaciones de Nomade en 2006.

Cirque Éloize: Nomade La nuit, le ciel est plus grand.
Dirección: Daniele Finzi Pasca
Producido en video por Amérimage-spectra Inc, CBC y TV5
Duración aproximada 1:35 horas
Audio en francés

Por los Teatros

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