Marco Spada

Marco Spada o La Hija del Bandido es una obra estrenada originalmente como ópera en 1852 y como ballet en 1857, con música de Daniel François-Esprit Auber, libreto de Eugène Scribe y coreografía de Joseph Mazilier. Pierre Lacotte creó su propia coreografía en 1981 y una nueva versión en 2013 para el Ballet Bolshoi.

Durante varios años el Bolshoi junto con Pathé Live han transmitido ballets en salas de cine alrededor del mundo. Este video fue parte de dicha cartelera por allá del 2013-2014. Actualmente se consigue en DVD y Blu-Ray y se incluye en el ciclo de obras que el Teatro Bolshoi presentará durante un par de semanas de forma gratuita en YouTube durante la cuarentena por el COVID-19.

En el primer acto el Príncipe Frederici está comprometido con la Marquesa Sampietri, mientras que el Conde Pepinelle también está enamorado de ella. Marco Spada aprovecha los festejos en la plaza para robar a la gente. Posteriormente pos azares del destino, buscando refugio, el gobernador con su séquito llegan a la casa de Marco Spada, donde el Príncipe Frederici conoce a Ángela, la hija de Marco, y queda prendado de ella. El Conde Pepinelle alerta que ha visto bandidos entrar a la casa (la banda de Marco Spada)

Durante el segundo acto se desarrolla un elegante baile en casa del gobernador al que es invitado Marco con Ángela. Frederici se declara a Ángela pero lo rechaza y se va con su padre, quien es reconocido por una de sus víctimas. Frederici confirma que se casará con Sampietri. Pepinelle desconsolado busca a la Marquesa para pedir que se case con él y no con Frederici. Llega la banda de Marco Spada y los secuestra.

En el tercer acto, Marco obliga a un sacerdote a casar a Pepinelle y Sampietri. Llega el regimiento, se reencuentran Ángela y Frederici, se oye un disparo, Marco Spada está herido, consiente la boda de su hija con Frederici y muere.

Se trata de un ballet muy vistoso. Los pasos realizados con gran precisión, muchas veces a velocidades rápidas, lo hacen una obra difícil de bailar, que era uno de los comentarios que se hacían en las entrevistas cuando se proyectó en el cine. Saltos, giros, combinaciones impresionantes.

La escenografía es espléndida: pinturas con efectos tridimensionales que lo mismo nos llevan a un gran palacio que a una cueva.

Tuve un problema con la trama: Todo el tiempo entendí que Ángela era pretendida tanto por el Príncipe Frederici como por Marco Spada y que había elegido a Marco después de rechazar a Frederici. Incluso en la guarida del tercer acto entendí en la pantomima: «¿por qué lloras?» «Porque allá dijiste que me amabas y acá no nos hemos casado» «Juro que nos casaremos» Posteriormente al investigar más para la reseña encontré que en realidad eran padre e hija, por lo que la conversación ha de haber sido: «¿por qué lloras?» «Porque a quien amo está allá, yo acá y no nos casaremos» «Juro que se casarán».

La obra me parece muy buena y no es tan conocida. El cuerpo de baile con movimientos muy precisos. Todas las variaciones tienen aspectos interesantes, resaltan las variaciones de Marco Spada que David Hallberg realiza con gran fluidez. La interpretación de Evgenia Obraztsova me gustó mucho con su cálida sonrisa. El baile del segundo acto aporta poco a la historia pero es particularmente bonito.

El Teatro Bolshoi ofrecerá este martes 7 Boris Godunov y el viernes 10 Cascanueces. Para verlos y más información consultar en YouTube Bolshoi Theatre

Marco Spada
Música: Daniel-François-Esprit Auber
Libreto Original: Eugène Scribe
Coreografía: Pierre Lacotte
Marco Spada: David Hallberg
Ángela: Evgenia Obraztsova
Marquesa Sampietri: Olga Smirnova
Príncipe Frederici: Semion Chudin
Conde Pepinelle: Igor Tsvirko
Producción: Teatro Bolshoi, Bel Aor Media, Mezzo, Pathé Live
Video: 2014. Duración aproximada 2:05 horas

#danza, #video

Xenos

Akram Khan es un coreógrafo británico de origen bangadesí, aclamado como uno de los coreógrafos más inventivos de los últimos años.

Xenos se estrenó el 21 de febrero de 2018. Es un solo interpretado por el mismo Khan, siendo éste su último trabajo en el que participará como bailarín de una obra de larga duración.

Xenos significa extranjero en griego. La obra fue comisionada por el centenario del inicio de la Primera Guerra Mundial. Mezcla danza contemporánea y kathak. Según la información de la compañía trata de los soldados indios enrolados.

El 14 de diciembre de 2019 fue grabada en el teatro La Villete de París. El video está disponible en streaming por tiempo limitado, de manera gratuita, en arte.tv Pueden aplicarse restricciones según el país. Esta reseña corresponde a dicha grabación.

Inicia una persona cayendo hacia el escenario, tomado de una soga. Un percusionista y un cantante están en escena. El personaje (Khan) se ve desubicado, hace movimientos frenéticos. El cantante parece querer interactuar con él, pareciera que le habla pero nunca se conectan. Khan baila kathak. El escenario está lleno de cuerdas. Los músicos se van, la escena comienza a cambiar, las cuerdas se van, hay tierra en el escenario y se vuelve más ambigua la historia.

Con diferentes ritmos Akram Khan continúa con movimientos nerviosos, frenéticos. Frecuentemente se mira las manos con miedo, sobre todo la derecha, y parece pelear con ella. Toma las cuerdas, tierra, un fonógrafo que pasa lista acaso a soldados caídos. Por momentos 5 músicos se ven en una parte alta de la escena, son el percusionista, el cantante, un violinista, un contrabajista y un saxofonista. Los sonidos son disonantes en general.

La obra me parece pesada, difícil de entender. Si no fuera porque se da información de que es un saldado en la Primera Guerra Mundial no hubiera entendido nada. Siento que es de esos casos donde el trabajo es tan vanguardista que solo sus creadores lo comprenden.

Khan tiene un trabajo corporal tremendo. La velocidad y precisión con que hace giros es sorprendente. Los brazos tienen mucha fluidez. Físicamente el trabajo tiene mucho mérito. Como obra, como un todo, me parece sumamente abstracta, con demasiados movimientos que no les veo sentido, como si en su despedida como solista quisiera demostrar todo el rango del que es capaz.

Al finalizar el público tarda varios segundos en comprender que ha terminado.

Xenos
Akram Khan Company
Dirección artística, coreografía e interpretación: Akram Khan. Músicos: B. C. Manjunath, Aditya Prakash, Nina Harries, Clarice Rarity y Tamar Osborn.
Duración aproximada: 1 hora 8 minutos

#danza, #video, Ballet

La Pastorale

Este 2020 se celebra el 250° aniversario del natalicio de Beethoven. Para la ocasión se preparan diversos festejos. Invitado por la Ópera de Bonn, ciudad natal del compositor, Thierry Malandain, director del Malandain Ballet Biarritz, ha creado el ballet La Pastorale, con música de la 6° Sinfonía «Pastoral», Cantata Opus 112 y fragmentos de Las Ruinas de Aténas.

La obra se estrenó, a manera de previo, con una temporada del 13 al 19 de diciembre de 2019 en el Théâtre de Chaillot, París y posteriormente como estreno mundial el 22 y 23 de diciembre en el Theater Bonn en Alemania.

La función del 17 de diciembre está disponible en streaming de manera gratuita y por tiempo limitado en arte.tv, pueden aplicarse restricciones según el país. La presente reseña corresponde a dicha grabación.

La obra con una duración de 79 minutos sin intermedio, se puede decir que tiene 3 partes y gira en torno a un personaje principal, interpretado si no me equivoco por el bailarín Hugo Layer.

El principio tiene una atmósfera oscura y pesada. Los bailarines usan vestidos largos y pesados, se mueven entre una serie de barras que si bien obstruyen un libre tránsito por el escenario, los movimientos son muy fluidos. En general en este bloque se ve al protagonista con pesar, parece atrapado, los movimientos y las barras así lo muestran. Varias veces está en el piso derrotado. Hay momentos en que camina agachado, a pasos cortos con las manos en la cabeza, se ve desesperado.

El bloque finaliza con él nuevamente en el piso, las barras son levantadas, otros bailarines le quitan el vestido quedando en un vestido corto, blanco, de tela ligera, a la manera de túnica griega. Comienza lo que ubico como un segundo bloque con música y ambientación más ligera. Los movimientos son más joviales. Toda la compañía ha cambiado los vestidos tipo victorianos por los más cortos que recuerdan a Grecia. Repetidas veces un grupo de 2 o 3 bailarines acompaña al protagonista quien frecuentemente se acuesta en el suelo, pero ya no se ve derrotado como al principio, ahora parece dormir o descansar tranquilamente.

El cuerpo de baile tiene múltiples entradas y un motivo que se repite a lo largo de la obra son cadenas humanas, agarrados de las manos haciendo formas estéticas con los brazos.

Un tercer bloque hacia el final sustituye nuevamente el vestuario por leotardos color piel con brillos en el pecho. Son aproximadamente los 10 minutos finales que van marcando el desenlace de la obra.

Malandain se caracteriza por hacer obras muy musicales, donde la danza sigue completamente a la música. Esta no es la excepción, el movimiento y las composiciones de Beethoven están perfectamente integradas.

La danza es de un estilo contemporáneo / neoclásico de un tipo que me gusta mucho y tenía años sin ver. Un estilo en el que todo está cuidado meticulosamente, el cuerpo de baile moviéndose al unísono, cánones perfectamente escalonados y entradas y salidas de bailarines, donde se agrega o disminuye gente en el escenario con un movimiento tan fluido que resulta increíble de ver. Es tan natural e integrado a la música que hasta pasaría inadvertido si no fuera porque es notorio que cambió la cantidad de gente en escena.

El hecho de que la grabación estuviera disponible 3 días después de la función es también digno de mención.

Una joya de la danza reciente al alcance del público gracias a arte.tv

La Pastorale
Malandain Ballet Biarritz
Coreografía: Thierry Malandain
Música: Ludwig Van Beethoven
Decorado y Vestuario: Jorge Gallardo
Bailarines: Giuditta Banchetti, Raphaël Canet, Clémence Chevillotte, Mickaël Conte, Jeshua Costa, Frederik Deberdt, Clara Forgues, Loan Frantz, Michaël Garcia, Irma Hoffren, Cristiano La Bozzetta, Hugo Layer, Guillaume Lillo, Claire Lonchampt, Nuria López Cortés, Arnaud Mahouy, Alessia Peschiulli, Ismael Turel Yagüe, Yui Uwaha, Patricia Velazquez, Allegra Vianello, Laurine Viel
Duración aproximada: 1:18 horas.

#danza, #video, Ballet, documental

Restless Creature: Wendy Whelan

Wendy Whelan fue bailarina del New York City Ballet (NYCB) por 30 años. Durante ese tiempo llegó a ser principal y constantemente era elegida para interpretar papeles y otros eran creados especialmente para ella. Actualmente es directora artística asociada de la misma compañía. Restless Creature: Wendy Whelan es un documental sobre su última etapa en el NYCB.

Durante la grabación se menciona que Whelan tenía 46-47 años de edad y una lesión en la cadera la llevó a la primer cirugía de su vida. Tras la rehabilitación explora danzas diferentes al ballet y crea con 4 coreógrafos el espectáculo Restless Creature. En 2014, poco después de la cirugía se retira del NYCB como bailarina.

El documental retoma el nombre de ese preoyecto. Es un trabajo que tiene un estilo de reallity show. Ese estilo en el que la cámara capta un encuentro en el parque, cómo se saludan personas que no se han visto en mucho tiempo. Whelan sube a un taxi y se aleja, etcétera. Las tomas resultan planeadas. Por ejemplo, en el taxi la siguiente escena es la cámara al lado de Whelan dentro del coche. O entra a una oficina a una importante junta donde cierran la puerta y la cámara queda afuera para posteriormente estar a un lado en la reunión. Esos detalles me hacen pensar que las reacciones y comentarios no son espontáneos sino guiones planeados. Incluso el que esté grabada la cirugía me da qué pensar.

La cinta se centra en los problemas que Whelan enfrenta tras la cirugía: la decisión de retirarse o no. Frecuentemente entran comentarios donde ella se siente atacada diciendo que en la compañía consideran que ya está afuera, que el director artístico no la ha considerado para la nueva producción argumentando que nadie quiere ver una estrella en decadencia. Hay una escena en la que muy molesta dice que después de un ensayo tuvo que abandonar el estudio porque estaba cojeando y todos la estaban viendo.

Me da sentimientos encontrados. Por un lado se ve la disciplina de una bailarina principal. Todo el trabajo, todo el esfuerzo que ello conlleva y que puede irse en poco tiempo. No es un trabajo de un día, es de años, décadas. Por otro lado siento el documental como una forma de victimizarse y mostrarse como una persona de gran resiliencia. Incluso el título me resulta chocante dentro del contexto (criatura incansable)

El ballet es una disciplina dura que cobra su cuota sobre el cuerpo, muchos bailarines se retiran jóvenes. Whelan al tener su primer lesión seria y cirugía a los 46 años se puede decir que fue bastante afortunada.

Básicamente la cinta muestra el enfrentamiento emocional a tener que parar, dejar de bailar. Ver las señales de que el cuerpo ya no puede hacer ciertas cosas y decir “antes podía hacerlo” o “me preparé decenas de años para hacer este ejercicio bien y ahora no puedo más” También la falta de aceptación, como recibir indicaciones médicas, desobedecerlas y posteriormente quejarse del dolor. La frase “si no bailo prefiero morir”. Tomarse las cosas a modo personal sintiendo que no le dirigen la palabra para obligarla a renunciar. La escena ya mencionada donde se siente humillada: «salí del estudio cojeando, todos me veían cojear, tomé un taxi y le dije ‘solo llévame a casa’ » (línea muy Hollywoodense)

Del proyecto que originó el nombre no se dice mucho más. Se cancela por los dolores que Whelan continúa teniendo y para centrarse en su función de despedida del NYCB. Al finalizar se muestran fotos de periódicos y teatros con el nombre Restless Creature en la marquesina, por lo que entiendo si se presentó posteriormente.

El documental está disponible Netflix

Restless Creature: Wendy Whelan
Dirección: Linda Saffire, Adam Schlesinger
2017
Duración: 1:30 horas

#danza, #video, Ballet, libros, pelicula

El Prodigio

Li Cunxin es un bailarín de origen chino que a principios de la década de los 80 desertó de China quedándose en Estados Unidos, posteriormente haciendo su vida en Australia. En 2003 publicó su autobiografía Mao’s Last Dancer (El último bailarín de Mao) que fue adaptada al cine en 2009 (distribuida a partir de 2010, en México debió ser a mediados de 2012) La película conserva el nombre del libro, pero en México se ofreció bajo el título El Prodigio. Esta reseña corresponde a la película.

La historia muestra a Li Cunxin desde niño, cuando es elegido por las autoridades de Mao Zedong para audicionar en la escuela de artes para estudiar ballet. Li es elegido, aunque no entiende para qué.

Tras la muerte de Mao se permite que Ben Stevenson, director del Ballet de Houston visite China e imparta algunas clases tras las cuales solicita un estudiante de intercambio para estudiar 3 meses en Houston. Cunxin es elegido.

En Houston, Li conoce los grandes edificios, los cajeros automáticos, ir de compras por vanalidades y lo que es gastar 500 dólares en un día cuando su padre ganaba 50 al año después de mucho trabajo. Un mundo lleno de libertades donde, entre otras cosas, baila lo que quiere y no lo que el gobierno indica. Al término de su estancia en Estados Unidos se niega a regresar a China. Después de tensas horas dentro del Consulado, el gobierno de Estados Unidos hace los arreglos para que pueda quedarse.

Anteriormente aquí en Por los Teatros comenté las películas White Nights y Bailando en el Desierto. El Prodigio es otra película que se siente como propaganda política, más al estilo de White Nights. En las 3 películas los protagonistas escapan de sus países. Bailando en el Desierto y El Prodigio se basan en historias reales. En White Nights y en El Prodigio se menciona que sus regímenes los obligaban a bailar ciertos temas y en Estados Unidos eran totalmente libres.

El Prodigio es una película bien lograda, la historia atrapa y apuesta totalmente por el sentimiento del espectador. Cuando salió en el cine un amigo dijo que la mitad de la sala estaba llorando y la otra mitad aguantándose las ganas. Y no lo contradigo. Es ese tipo de película.

La forma en que intercala el presente, el pasado, los recuerdos y los sueños crean en el espectador el efecto deseado. Sin embargo, al ofrecerse como historia real y sobre todo como autobiografía la tomo con cierta reserva ya que estos trabajos suelen maquillar la historia.

Algunas frases que se me quedaron desde la primera vez que vi la película son “Que no te molesten los pavos” un texto escrito en una playera con un elefante y pavos encima de él. No significa nada en particular, solo que no dejes que te preocupe lo que no importa. Otra es Li contestando “No quiero caminar, quiero volar” cuando pide polainas muy pesadas y el maestro le dice que con ese peso en las piernas no podrá caminar.

La película puede conseguirse en DVD y Blu-Ray distribuido por Quality Films. El único “pero” que le veo al DVD (no a la película) son los molestos anuncios al principio que no pueden saltarse.

El Prodigio (Mao’s Last Dancer)
Dirección: Bruce Beresford
Actuaciones: Bruce Greenwood, Kyle MacLachlan, Joan Chen, Amanda Schull, Chi Cao
2009
Great Scott Productions
Duración aproximada: 1:57 horas

#teatro, #video, circo

Cirque Éloize: Nomade

Portada del DVD de Nomade. Se muestra con fines ilustrativos.

En 2002, Cirque Éloize junto con Teatro Sunil crean el espectáculo Nomade. La nuit, le ciel est plus grand (Nómada. De noche el cielo es infinito) bajo la dirección de Daniele Finzi Pasca, que sería la primer obra que junto con Rain y Nebbia conforman la llamada Trilogía del Cielo.

La presente reseña es sobre la grabación realizada en 2005, todo parece indicar que en Trois-Riviéres, Canadá.

Tanto el estuche del DVD como el sitio de la Compagnia Finzi Pasca indican que la obra trata sobre ser nómada. Todos somos nómadas, viajamos de un amor a otro, de una pena a otra. El verdadero nómada viaja a través de sus memorias y de sus sueños. Para el que duerme bajo las estrellas el cielo es el infinito (De ahí el subtítulo) Cirque Éloize llevaba por entonces 10 años viajando por el mundo por lo que Nomade era una invitación a compartir momentos con una comunidad itinerante de artistas circenses.

Nomade, como buena parte del trabajo de Finzi Pasca, une historias, acrobacias, música y canto en vivo. Se pueden ver elementos muy característicos de su trabajo, como objetos o personas volando, cosas cayendo desde lo alto del escenario y lluvia. Personajes diciendo textos poéticos en el proscenio, rompiendo la cuarta pared y dándole esos textos directamente al público, frecuentemente iluminados con algún tipo de lámpara de mano.

El espectáculo incluye diversos números como lanzamiento de hachas, mástil chino, solo de trapecio, rueda Cyr (inventada por uno de los fundadores de Cirque Éloize) aro, cuerda y cinta aérea, malabares con clavas y de contacto, contorsión, saltos acrobáticos, banquine (saltos con trampolín semejante a un sube y baja) monociclo, un poco de magia, payasos, mano a mano, música y canciones.

Un programa muy completo y de gran calidad, la música tiene un estilo que transmporta a un ambiente gitano. La misma es interpretada en vivo tanto por músicos como por miembros del elenco de acróbatas.

Me llaman de manera particular el número combinado de rueda Cyr y aro aéreo. Dos disciplinas diferentes conviviendo al mismo tiempo en el escenario, mostrando de manera simultanea dos aros, uno en el piso, el otro en el aire. Sin protagonismos, es un número donde ambos artistas se complementan. No hay estrellas, no es el número del aro o de la rueda Cyr. El acto en si, son ambos. Otro número es el de los payasos bailando tango mientras tocan instrumentos al estar abrazados en la danza. Tienen un estilo de slapstick (causar risa por golpes) que no es de mi total agrado pero el tango es impresionante.

Los malabares en equipo son dignos de verse. Varios miembros del elenco trabajan con clavas en perfecta sincronía. Posteriormente tres mujeres con movimientos muy fluidos hacen una rutina de malabares de contacto con bolas de cristal.

Los números de saltos y mano a mano (cargadas) son impresionantes. Los saltos incluyen barras rusas, trampolines, torres humanas y acrobacias de piso. Entre los saltos, un acto se muestra a modo de competencia donde dos bandos se retan a realizar proezas más y más difíciles, al final con júbilo y compañerismo se ve que todo es un juego y la rivalidad no existe. Los números de mano a mano incluyen uno a modo de tres pistas donde 3 parejas se alternan para las cargadas.

Nomade se trata de un programa lleno de virtuosismo donde los artistas hacen de todo. De manera particular, los payasos (jóvenes) traen la vieja escuela donde realizan de todo y lo dominan. Todos los números traen pequeñas historias que nos transportan a mundos que tal vez solo existen en nuestras cabezas: una boda, hombres en un campamento admirando bajo las estrellas a una chica que se baña, varias parejas, amor, desamor, rechazos, homenajes, fiestas, deseos de opacar o sabotear a otros, pero sobre todo mucho júbilo.

Cumple sin lugar a dudas con el propósito de transportarnos en este viaje nómada, de despertar nuestra imaginación como niño oyendo un cuento antes de ir a dormir.

La compañía canadiense finalizó las presentaciones de Nomade en 2006.

Cirque Éloize: Nomade La nuit, le ciel est plus grand.
Dirección: Daniele Finzi Pasca
Producido en video por Amérimage-spectra Inc, CBC y TV5
Duración aproximada 1:35 horas
Audio en francés

#danza, #video, Ballet

Carmen (de Roland Petit)

Portada del DVD de Carmen con la Ópera de París. Se muestra con fines ilustrativos.

En 1949 por primera vez se hace una versión coreográfica de la ópera Carmen de Bizet. Roland Petit se toma libertades sobre el libreto y la música y en 5 escenas que suman aproximadamente 45 minutos narra la historia.

La acción inicia en una plaza donde Carmen pelea con otra mujer. Don José interviene y es como conoce a Carmen. En esta primer escena me llama la atención que la otra bailarina (personaje sin nombre) hace fouettés à la seconde que son más característicos de hombres y no es tan frecuente que las mujeres hagan.

Posteriormente están en una taberna donde se reúnen los amigos de Carmen, grupos de bandidos y rufianes. Don José se lleva a Carmen y tienen un dueto con mucho romanticismo.

Los amigos de Carmen irrumpen, están planeando un robo y Don José participará con ellos, le entregan un puñal para la tarea. Salen de noche a la calle y a un lado de una enorme carreta Don José mata al mensajero al que le roban la valija.

En la escena final, el torero Escamillo llega al pueblo, todos están muy emocionados por la corrida que comenzará en un momento. Hay coqueteos de Carmen con el torero y Don José se ve celoso. Escamillo, a diferencia de otras versiones no es el guapo Don Juan, mas bien parece un payaso presuntuoso, no solo en actitud sino vestuario y maquillaje me recuerdan a un payaso.

Todos entran a la plaza. Don José encara a Carmen y tras una escena de pelea montada muy bien con pasos y estética de ballet Don José la apuñala. La música de tambores crea una intensidad única durante la secuencia.

Carmen muere a los pies de Don José mientras salen sombreros de la plaza de toros. El pueblo, ajeno a lo que acaba de suceder, celebra a Escamillo. En la escenografía hay máscaras simulando el público en la plaza de toros. Al momento de la muerte de Carmen las máscaras parecen ser mudos testigos del crimen.

Es un ballet con mucha intensidad que entrelaza estéticas de ballet y de danzas españolas, transmite muy bien el ambiente. Haciendo una inevitable comparación con Carmen Suite, que es más conocida, la versión de Roland Petit es mas luminosa, colorida y terrenal, menos abstracta y las cosas suceden no por intervención del destino, sino porque así se van desarrollando los hechos.

La primera vez que vi esta obra fue aproximadamente hace 12 años, en una grabación de 1981 donde bailan Zizi Jeanmaire y Mikhai Baryshnikov, distribuida por Kultur. Jeanmaire fue quien estrenó la obra en 1949 al lado de Petit. Para la presente reseña vi la grabación con Clairemarie Osta y Nicolas Le Riche, en la Ópera de París, grabada en 2010 y distribuida por Arthaus Musik.

Tanto Osta como Le Riche tienen mucha fuerza en sus personajes. Como he mencionado antes Le Riche es señalado como uno de los bailarines favoritos de Petit en los últimos años de su vida. La bailarina del personaje sin nombre (tradicionalmente pensaría en Frasquita, amiga de Carmen) también me gustó mucho, tanto en su técnica como en interpretación.

Coreografía: Roland Petit
Sobre la historia de: Prosper Merimée
Música: Georges Bizet
Carmen: Clairemarie Osta
Don José: Nicolas Le Riche
Duración aproximada: 45 minutos

#danza, #video, Ballet

Bhakti

La obra Bhakti fue creada por Maurice Béjart en 1968 y puesta en video en 1969 en formato película, grabada en estudio, no en un teatro con público y con escenas que no son parte de la obra de danza. La música es tradicional de la India, el vestuario es de Germinal Casado quien también bailó. Bhakti es sobre el amor, la adoración, un ritual hacia la divinidad, que de cierta forma es uno mismo. Se presentan 3 divinidades de la India y sus historias de amor.

La presente reseña corresponde a la película de 1969 con el Ballet du XXe Siècle

El primer acto es la historia de Rama y Sita, el amor fiel. Paolo Bortoluzzi interpreta a Rama, mientras que Hitomi Asakawa da vida a Sita. La danza se intercala con escenas en donde la pareja está en un café. La imagen es de una pareja estable, enamorada y contenta. El solo de Bortoluzzi hacia el final de este acto es impresionante.

La segunda parte es Krishna y Rhada, el amor humano y frívolo. Vemos un grupo de amigas platicando, leen sobre los dioses de la India, da la sensación de que se preparan a salir y leen horóscopos. Por otro lado vemos a un solitario joven escuchando música, pensativo, que finalmente se decide a llamar a una de las chicas. Jorge Donn interpreta a Krishna y Tania Bari a Radha. Donn fue de los bailarines más representativos de la época, estrella del Ballet du XXe Siècle y la grabación es una oportunidad para verlo. Resalta el baile en pareja que tiene con Bari. Cada tanto toca una flauta, según el texto introductorio es una especie de hechizo. Vemos a la pareja bien, se ven a gusto, pero parecen caer en la rutina y en el distanciamiento, aunque están frente a frente. Al cierre del acto al tocar la flauta otras bailarinas van saliendo de escena con mirada atenta. Acaso Krishna olvidó a Rhada y busca nueva compañía.

La parte final es Shiva y Shakti, el amor divino. Los intérpretes son Germinal Casado y Maïna Gielgud. Un dueto con mucha fuerza y flexibilidad por parte de los ejecutantes. Béjart indica que Shiva es dios de la destrucción, dios de la danza, su esposa, Shakti, no es otra que su energía vital que emana de él y retorna a él. Justo eso es lo que se ve, fuerza, energía que comparten. Este fragmento ha sido remontado por el Béjart Ballet Lausanne con el nombre Bhakti III.

Los 3 actos me llaman particularmente la atención por la manera en que incluyen movimientos de danza clásica que se modifican para tomar una estética de la India. En varios momentos la repetición y cadencia recuerdan Bolero (música de Ravel y coreografía de Béjart) Las 3 parejas entrelazan sus cuerpos y forman imágenes que claramente recuerdan a las estatuas hindúes, con las manos y brazos en ángulos característicos.

No son de mi gusto las partes adicionales a la danza, las escenas de introducción y cierre donde vemos a los 3 bailarines corriendo por una plaza, repitiendo movimientos, o los cambios de color que hay mientras bailan.

Es raro cómo se intercalan las imágenes de las parejas citadinas con ellos mismos interpretando a los dioses, pero ayuda a entender el concepto de las historias.

Tania Bari, Germinal Casado, Paolo Bortoluzzi y Jorge Donn son nombres muy relacionados al trabajo de Maurice Béjart. Bailarines característicos de sus obras. Bhakti fue hecho para ellos. Los 3 bailarines ya fallecieron, las 3 bailarinas todavía viven siendo de edad avanzada, por lo que esta grabación, a 50 años, es una verdadera joya, una ventana al pasado y a la época de esplendor del Ballet du XXe Siècle así como al trabajo de Béjart interpretado por los ejecutantes originales.

En Por los Teatros está disponible la reseña a la grabación de la Novena Sinfonía, también de Béjart.

Dirigido por Maurice Béjart.
Producción de Artium Summa.
Duración aproximada: 1:20.
Disponible en streaming en Medici.tv

#danza, #video, Ballet

Le jeune homme et la mort

Le jeune homme et la mort (el hombre joven y la muerte) es un ballet creado por Roland Petit en 1946, la trama recuerda en cierta forma a Le rendez-vous, que la antecedió un año. El argumento es de Jean Cocteau, escenografía de Georges Wakhévitch y música de Bach.

El ballet inicia con el hombre joven acostado descuidadamente en su cama en algún ático de París. Hay una pintura colgada en la pared. Consiste solo en líneas, lo que me hace preguntarme si es decoración de su vivienda o si él es el artista que la pintó (época de arte abstracto) Fuma. Se ve perdido en sus pensamientos, no está a gusto, algo lo come desde dentro. Se levanta, corre, hace saltos a velocidades increíbles.

Una joven de amarillo entra a la habitación. Lo seduce pero al mismo tiempo es muy fría con él, parece querer atraerlo pero no tiene realmente interés en él. El hombre joven resiente el desdén. Hay momentos en que pareciera que él no está interesado en ella y hay momentos en que se nota muy lastimado por la frialdad de la muchacha.

Hay pasos con mucha fuerza, casi todo el tiempo el hombre hace saltos y giros a velocidades vertiginosas, se necesita mucha agilidad para esos pasos. Se para sobre los hombros, todo el tiempo atormentado.

La muchacha encuentra la respuesta: gira la cabeza del hombre que se sienta rendido, lo obliga a ver una viga en el ático donde ella acaba de amarrar una cuerda formando una horca. La chica sale corriendo dejando al joven solo. Él se coloca la cuerda y se ahorca.

La habitación se convierte en una azotea, entra la muerte con vestido blanco y máscara de calavera, la cual la pasa al hombre que ha bajado de la horca. Le indica el camino y comienzan a retirarse sobre los tejados. La muerte es la misma mujer que lo seducía.

En la sinopsis se indica que la mujer de quien el hombre está enamorado lo lleva al suicidio por la frialdad con que responde a sus lances mientras él está ardiendo por dentro. Yo veo otra cosa. A mi me parece un joven atormentado que es atraído pero al mismo tiempo hay una resistencia hacia la muerte: Para mi la muchacha todo el tiempo es la muerte, no un humano que lo lleva a la muerte, si no la muerte misma que viene con un claro propósito. Algo así como el Destino de Le rendez-vous.

Se dice que cuando la obra fue estrenada se ensayó con una música y en la función se utilizó otra, de tal forma los bailarines estuvieron con una incomodidad por no saber que pasaba. Así estaba planeado.

Para esta reseña se vio la grabación de la Ópera de París de 2005 con Marie-Agnès Gillot y Nicolas Le Riche (quien baila en la versión de Le rendez-vous revisada aquí la semana pasada) La grabación es de Telemondis y Art Haus. En disco viene junto con Carmen también de Petit, que es la primer versión coreografiada de dicha historia. Está también disponible en streaming en medici.tv

La película White Nights comienza con un extracto de la obra interpretada por Mikhail Baryshnikov y Florence Faure.

Coreografía: Roland Petit
Argumento: Jean Cocteau
Escenografía: Georges Wakhévitch
Música: Bach.
El hombre joven: Nicolas Le Riche
La muerte: Marie-Agnès Gillot
Duración aproximada: 19 minutos

#danza, #video, Ballet

Le rendez-vous

Le Rendez-Vous (la cita) es un ballet corto hecho por Roland Petit en 1945 en lo que comienza a ser el París de la postguerra.

La música la hizo Joseph Kosma, quien realizara piezas para teatro de Brecht, cine y para poemas de varios autores, entre ellos Jaques Prévert de quien es el argumento de Le Rendez-Vous. El trabajo más conocido de Prévert puede ser Les Enfants du Paradise. Se menciona como la canción más conocida de Kosma, con letra de Prévert, a Les Feuilles Morts (las hojas muertas) El vestuario es de Mayo, quien pintaba y hacía decorados para cabarets y posteriormente vestuario para películas y teatro. La escenografía es de Brassaï, fotógrafo conocido por su trabajo sobre París. La escenografía consiste en grandes fotografías. Finalmente el telón de boca es realización de Pablo Picasso. Una época en la que artistas de varias disciplinas colaboraban en trabajos comunes.

La presente reseña es sobre la grabación del Ballet de la Ópera de París realizada en 2010.

Vemos varias parejas salir de un salón de baile. Se abrazan y bailan por la calle. Un jorobado (Hugo Vigliotti) pasea entre ellos y es víctima de sus bromas y burlas. Una chica de sonrisa maravillosa reparte flores. Pasa una pareja de jóvenes que bailan muy enamorados, son realmente tiernos de ver. Al poco rato llega ensimismado el protagonista de la obra, quien recibe el nombre de el hombre joven (Nicolas Le Riche). Después de ver a la pareja de jóvenes, el nombre parece un chiste. El hombre joven deambula, pasa un borracho repartiendo papeles (el argumento indica que son horóscopos, aunque no es tan claro en la obra) Cuando el hombre joven lee el papel que se le entrega, decae y hace gesto de muerte sobre su cuello.

El jorobado trata de animarlo, se hace una amistad entre ellos. Toda la gente se va y ellos bailan. El hombre joven se ve aliviado hasta que llega el destino (Michael Denard), vistiendo frac y gorguera de payaso. Una especie de payaso macabro que le trae de nuevo la tristeza. Al ser la personificación del destino insiste en la muerte anunciada en el panfleto. El hombre joven parece resistir, pero el destino le deja una navaja en el bolsillo por si acaso.

El hombre joven tiene una cita con el personaje conocido como la chica más bella en el mundo (Isabelle Ciarabola) quien ostenta totalmente la imagen de mujer fatal. Tienen un pas de deux donde Ciarabola muestra sus increíbles líneas de brazos y piernas. Se ve raro una bailarina con zapatos de tacón pero no se pierde la forma del empeine.

Después de bailar, la chica más bella en el mundo toma la navaja del bolsillo del hombre joven y le corta la garganta, cumpliendo lo que anunciaba el horóscopo y el destino.

Todos lo bailarines resaltan. Vigliotti como el jorobado desempeña muy bien su papel así como los pasos alterados para la fisonomía del personaje. Le Riche es mencionado como uno de los bailarines favoritos del coreógrafo Petit, quien murió al siguiente año de esta grabación. Le Riche y Ciarabola bailando juntos tienen una fuerza excepcional. La pareja de jóvenes, que no reciben créditos, me llama mucho la atención por la calidad de la interpretación donde en verdad se ve reflejado el amor juvenil.

La música es triste y hermosa a la vez, al principio de la obra se tiene un acordeonista y un cantante en escena paseando por la calle, lo que da un toque más melancólico.

Al ver la obra recuerdo por el tema, la estética y la trama a Le Jeune Homme et la Mort (El Hombre Joven y la Muerte) del mismo Petit. Al investigar las fechas, Le Jeune Homme fue estrenada un año después que Le Rendez-Vous, por lo que pudiera tratarse de una variación sobre el mismo argumento.

La imagen del payaso siniestro / destino que pretende empujar al protagonista a la muerte me hace recordar la obra Libre Albedrío de Briseida Hernández, montada en 2006 para el concurso interno de coreografía del hoy desaparecido Ballet Independiente (México) y remontada en 2007 para la escuela de la misma compañía.

La grabación está disponible en la plataforma de streaming medici.tv, no pude localizar información de la grabación en disco. Por las fechas de presentación, seguramente el programa completo consistió en Le Rendez-vous, Le Loup y Le Jeune Homme et la Mort.

En próxima entrega hablaré de Le Jeune Homme et la Mort.

Le rendez-vous
Coreografía: Roland Petit, 1945
Argumento: Jacques Prévert
Telón: Pablo Picasso
Escenografía: Brassaï
Vestuario: Mayo
Grabación de 2010 por Opéra National de Paris, Telmondis, Euro Media France, Mezzo.
La chica más bella en el mundo: Isabelle Ciaravola
El hombre joven: Nicolas Le Riche
Destino: Michael Denard
Jorobado: Hugo Vigliotti
Cantante: Pascal Aubin
Duración aproximada: 26 minutos

Por los Teatros

Blog de reseñas de artes escénicas: teatro, danza, magia y circo.

Archivo de la categoría: #video

Marco Spada

Xenos

La Pastorale

Restless Creature: Wendy Whelan

El Prodigio

Cirque Éloize: Nomade

Carmen (de Roland Petit)

Bhakti

Le jeune homme et la mort

Le rendez-vous