#video, circo, pelicula

Cirque du Soleil Kurios

Póster para cine de Kurios. Se muestra con fines informativos.

El 12 de junio comenzó una breve temporada en cines de Cirque du Soleil Kurios, proyectándose un solo día en un solo horario en algunas ciudades. Es la primera vez que un espectáculo del Cirque du Soleil se presenta en cines. Kurios existe en video comercial pero al parecer solo se consigue en la carpa que esté presentando dicho show, por lo que el liberarlo para la pantalla grande es una forma de acercar el espectáculo a más gente.

El hilo conductor es un inventor que ve en el lapso de un minuto todas las cosas que suceden durante el espectáculo, aparentemente todo sucede dentro de su maletín o “gabinete de curiosidades” que es el subtítulo que lleva Kurios.

Ambientado con un estilo victoriano – steampunk el diseño de arte es muy atractivo. La música acelerada con un estilo que ha sido descrita como mezcla de jazz y electro swing. Las acrobacias y números circenses muy buenos.

Los números incluyen percusiones sobre mesas y maletas mientras otros integrantes del elenco hacen malabares. La escena está visualmente llena de estímulos y es tan solo el primer acto. Resalta el que al malabarista lo elevan en un arnés y posteriormente lo bajan sin dejar de trabajar con tres clavas.

Un número de bicicleta aérea es de lo más bello de la función, una acróbata hace su rutina a semejanza de los aros en el aire, pero en este caso el aparato es una bicicleta suspendida.

El número de contorsión es impresionante, el vestuario con bordes palmeados y la manera de moverse en olitas de las ejecutantes hace ver formas acuáticas, ya sea bichitos o algas. Posteriormente hay un acto de equilibrio en sillas con un final inesperado donde se encuentra con un mundo cabeza abajo que también hace equilibrios en su propia perspectiva.

Uno de los números más impresionantes es el rola-bola. Se trata de una disciplina donde se hace equilibrio apilando cilindros horizontales y tablas para luego pararse encima. Pueden ser varias capas de estos elementos. En este caso no solo se hace equilibrio a la usanza tradicional, también se eleva la plataforma sobra la que está apoyado y se balancea como columpio mientras sigue el acróbata equilibrándose encima de todo.

La función también incluye una enorme red sobre la que saltan estilo cama elástica y un número aéreo en cuerdas, así como un dúo en una especie de trapecio fijo. Otro momento fenomenal es el número de yo-yo. Una persona hace figuras a gran velocidad con uno o dos yo-yos, al pensarlo resulta sorprendente que antes no se hubieran visto estos juguetes en las pistas de circo.

El número más cómico es una persona actuando como gato, no solo con sonidos sino corporalmente. Su participación la hace formando una historia con una espectadora. Otro momento cómico que termina siendo el más tierno es un teatro de manos. Utilizando las manos y una pantalla se forman personajes e historias, al final hay una breve interacción con el público que termina sacándole lágrimas al espectador.

Para finalizar se realiza lo que se conoce como “banquine” donde los acróbatas hacen saltos y cargadas quedando uno sobre los hombros de otro formando torres.

Si tengo que describir el espectáculo en una sola palabra sería “frenético” todo sucede a gran velocidad: los malabares, los saltos, el yo-yo, el movimiento de contorsión, hay pocos momentos en que baja la intensidad. La música en general tiene un ritmo que acelera.

El espectáculo es muy bueno, la proyección tuvo una breve introducción de Michel Laprise quien dirigió Kurios. Hace un paseo tras bambalinas y por los talleres de vestuario y maquillaje.

Espero que Kurios continúe su gira por mucho tiempo y algún día haya la oportunidad de verlo en vivo.

Actualización 16/12/24

He tenido ya la oportunidad de ver la grabación comercial que incluye dos actos que no se vieron en el cine: uno de circo invisible (similar a los circos de pulgas) y uno de cintas con tema de siameses.

Kurios ha llegado a la Ciudad de México y después de intentos fallidos de verlo en otras ciudades por fin pude verlo en vivo. En la función que vi no se presentaron la bicileta ni el duo de siameses. En su lugar hubo un acto aéreo con un carrito de hotel para transportar maletas.

Uno de mis espectáculos favoritos de los últimos años. Recomiendo llegar temprano para tomar fotos en los múltiples escenarios de los patrocinadores. La temporada finaliza el 29 de diciembre de 2024.

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#danza, #video, Ballet

Carmen Suite / Petrushka

Carmen Suite y Petrushka. Ballet Bolshoi. Póster se muestra con fines informativos.

El pasado 9 de junio finalizó para México la temporada 2018-2019 del Ballet Bolshoi en cines, presentando un programa doble: Suite Carmen y Petrushka, que fueron grabadas en la función del 19 de mayo.

Como siempre, Katerina Novikova, jefe de prensa del Teatro Bolshoi, es la encargada de presentar las obras, dar una pequeña semblanza y hacer entrevistas. No deja de impresionar la fluidez con que habla en ruso, francés e inglés así como su amplia sonrisa y el gusto con que hace las presentaciones, se nota que realmente disfruta su trabajo.

En 1949, el ballet de Roland Petit baila por primera vez  la música de la ópera Carmen de Georges Bizet. En 1964 Maya Plisetskaya pide a Dmitri Shostakóvich que componga una pieza para el ballet que tiene en mente, modificando la partitura de Bizet, a lo que Shostakóvich se niega. Posteriormente hay pláticas con Aram Khachaturian pero no se concreta nada, por lo que Rodion Schedrin, esposo de Plisetskaya, compone la música. Alberto Alonso se encarga de coreografiar y la Suite Carmen se estrena en el Teatro Bolshoi en 1967. Se hace otra versión con el solo de Carmen diferente para que lo baile Alicia Alonso.

La versión de Plisetskaya se usó durante 20 años en el Bolshoi y dejó de presentarse cuando Maya dejó de bailar el papel. La versión que se presenta en esta grabación es la que bailaba Alicia Alonso y se remontó especialmente para que la interprete Svetlana Zakharova quien es la única persona que actualmente la baila.

Se presenta un breve video mostrando a Maya Plisetskaya en el papel. Mandan saludos a Alicia Alonso quien vive en Suiza y tiene 95 años.

La obra dura aproximadamente 50 minutos, lo que es breve en comparación con la original de Bizet. Carmen enamora al militar Don José y al torero Escamillo, teniendo danzas tanto seductoras como despectivas. La escenografía remite a un ruedo. El Destino, que asemeja a un toro, baila entre las parejas. Poco a poco el triángulo amoroso se va complicando, se va notando la tensión y los celos. El destino cobra fuerza. En la escena final Escamillo baila con el toro/destino, lo torea. Al mismo tiempo Don José y Carmen tienen una danza tensa. Don José mata a Carmen y vemos al destino caído pero no parece muerto, simplemente se cumplió su designio y descansa un poco. Literalmente agarraron al toro por los cuernos y para Carmen no tuvo buen desenlace.

La música y la danza son intensas, a pesar de la modificación de la original y la falta de las voces contagia la intensidad. El audio del cine ayuda también. Zakharova es una gran bailarina reconocida por su interpretación y técnica. Sus líneas durante el solo son impresionantes. Es la estrella de la noche, al finalizar, muy al estilo ruso, Zakharova y Denis Rodkin (Don José) son llamados al frente del telón en repetidas ocasiones. Por alguna razón ella se nota tensa durante los agradecimientos.

Durante el intermedio Novikova entrevista a Edward Clug, quien presenta su nueva versión de Petrushka. Con música de Igor Stravisnky, la coreografía original de Mikhail Fokine se estrenó en 1911 teniendo en el papel principal a Vaslav Nijinsky. Para leer más sobre Nijinsky puedes visitar el post Nijinsky (de John Neumeier)

Clug indica que él estaba más asustado que Petrushka. Al hacer la nueva versión no fue tanto el reto como lo estimulante, esta nueva coreografía enfatiza el folclor ruso y los bits de la música. La obra nació en París lejos de casa y ahora renace en Moscú. Añade que Petrushka es un muñeco de madera dispuesto a dar su vida por los sentimientos.

La obra dura aproximadamente 40 minutos. En un poblado ruso hay una fiesta y una feria en la que un mago presenta a sus títeres: Petrushka, la bailarina y un moro. Petrushka está enamorado de la bailarina pero ella lo desprecia y solo tiene ojos para el moro.

En la versión tradicional Petrushka es un muñeco de trapo. En esta ocasión todos son de madera. El mago utiliza unos bastones creando la imagen de estar manipulando a los títeres y creando la situación de amor y desamor. La escenografía son 6 figuras gigantes que al rotar muestran una cara. Por la forma pareciera que se trata de matrushkas. La gente del pueblo utiliza vestuario muy colorido con faldas con pliegues que hacen efecto de acordeón. Los muñecos traen líneas en las articulaciones haciendo alusión a figuras de madera.

Al final el moro mata a Petrushka, su fantasma se aparece en el teatro de títeres y queda solo un muñeco de madera desnuda sobre el piso. El mago confundido se encuentra de nuevo con Petrushka quien parece robarle el alma, da la idea de que Petrushka se hiciera humano y el mago quedara como muñeco.

La historia es confusa, si no fuera porque se conoce la misma o por la sinopsis que se da al inicio no quedaría claro lo que sucede. La versión tradicional acaba en que aparece el fantasma pero no se da el cambio de alma, por lo que no se exactamente si es lo que querían transmitir.

Se anuncia la temporada 2019 – 2020 que marca el décimo aniversario del ciclo del Bolshoi en cines, un esfuerzo que se hace con Pathé Live, dando transmisiones en vivo a las zonas horarias adecuadas y distribuyendo posteriormente al resto del mundo. Esperemos que en México sigan presentándolo. Hace unos años lo hacía Cinemex y las últimas 3 o 4 temporadas han sido en Cinépolis.

CARMEN SUITE: Svetlana Zakharova (Carmen), Denis Rodkin (Don José), Mikhail Lobukhin (Escamillo), Olga Marchenkova (Destino)
PETRUSHKA: Denis Savin (Petrushka), Ekaterina Krysanova (La Bailarina), Anton Savichev (El Moro), Vyacheslav Lopatin (El Mago)
Duración total aproximada 2:20 horas incluyendo previo e intermedio.
Para detalles de la próxima temporada visitar Bolshoi Ballet in Cinema

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#video, Ballet

Novena Sinfonía (Béjart)

Portada del disco de Novena Sinfonía. Se muestra con fines ilustrativos.

La Oda a la Alegría de Friedrich Schiller se publicó por primera vez en 1786. Ludwig van Beethoven le puso música estrenando en 1824 su Sinfonía n.º 9 en re menor, op. 125 «Coral» o popularmente conocida como Himno a la Alegría.

La obra consta de 4 movimientos, siendo el último el que incluye selecciones del poema de Schiller. Es una pieza muy conocida en todo el mundo que ha sido símbolo de libertad y hermandad.

En 1964 Maurice Béjart coreografío la obra completa bajo el título Novena Sinfonía, planeándola como un espectáculo para grandes escenarios como arenas. Originalmente se estrenó con el Ballet du XXe siècle que finaliza sus actividades en 1987. Posteriormente el coreógrafo crea el Béjart Ballet Lausanne. En el sitio de internet de esta compañía, en palabras de Béjart se menciona que la obra no tiene un concepto o tema, solo siguen al compositor del miedo a la alegría, de la sombra a la luz, participando en una obra maestra que pertenece a la humanidad, no solo tocado y cantado, sino también bailado como en las tragedias griegas y ritos religiosos de la antigüedad.

En 2014, 50 años después de su estreno y tras 3 años de preparación se vuelve a presentar en conjunto con el Tokyo Ballet en el NHK Hall de Tokyo, con la participación del coro Ritsuyukai y la Orquesta Filarmónica de Israel. EuroArts y NHK graban por primera vez esta obra, la cual está disponible en DVD, BluRay y streaming en medici.tv

Gil Roman, director del Béjart Ballet Lausanne se encarga de hacer el prólogo en el que narra fragmentos de El nacimiento de la tragedia de Nietzche acompañado de dos percusionistas.

Los 4 movimientos están muy bien logrados, los bailarines tienen soltura y mucha musicalidad, como en su tiempo lo dijo Béjart, parecen solo moverse siguiendo la música. Hay momentos en que se transmite melancolía, en otros alegría y en otros fuerza. Con gracia, soltura e impresionantes saltos se va llevando la obra.

En el cuarto movimiento, cuando interviene el coro y los solistas, se tienen más de 200 artistas en escena entre bailarines, cantantes y músicos. Llegado el momento cumbre de la obra, con el famoso coro, se tiene una imagen muy fuerte en la que todos los bailarines avanzan a paso firme con la mirada en alto tomados de la mano. Bailarines europeos, asiáticos y africanos, se tiene todo tipo de colores de piel, unido a la intensidad de la música la imagen es verdaderamente fuerte, un símbolo de hermandad. Verlo en televisión provoca un estremecimiento y dan ganas de llorar de la emoción. Verlo en vivo debe ser algo que no se puede describir.

La obra finaliza en medio de júbilo, todos los bailarines corriendo en círculos concéntricos, algunas tomas aéreas dan una perspectiva que en el teatro no tendríamos.

He visto la obra transmitida en televisión, en streaming en medici.tv y en BluRay, cada vez que la veo me estremece de la misma forma. Recomiendo más el BluRay pues la alta definición permite ver muchos más detalles de los bailarines: expresión, trabajo muscular, incluso sudor. Al ver estos detalles se siente más la intensidad con que están bailando para dar su mensaje. Oírlo en 5.1 es un extra.

Alegría […] Todos los hombres vuelven a ser hermanos donde su ala posa – Schiller

Para más información de la obra y el Béjart Ballet Lausanne https://www.bejart.ch/en/ballet/ixe-symphonie/
Duración: 88 minutos.
Disco con notas impresas en inglés, francés y alemán. Subtítulos del prólogo de Nietzche y del poema de Schiller en inglés, alemán, coreano y japonés. Audio PCM Stereo y DTS 5.1.
Producción EuroArts, NHK, WDR arte.
Grabado en 2014 y comercializado en 2015.

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#video, circo, Sin categoría

40 Festival Mondial du Cirque de Demain

Año con año se lleva a cabo en París el Festival Mundial de Circo del Mañana. En 2019 realizó del 31 de enero al 3 de febrero bajo la carpa del Cirque Phénix. La grabación del espectáculo del 2 de febrero está disponible en arte.tv y es sobre la misma que se da la presente reseña.

El espectáculo consiste en aproximadamente 13 actos que incluyen magia, contorsión, malabares, cuerda tensa, telas, trapecio, ente otras cosas. Un espectáculo muy variado y de gran calidad. En el festival se entregan medallas, trofeos y premios especiales, el jurado incluye ganadores de años pasados y directores de casting y programación de Cirque du Soleil, La Tohu (Montreal) y Nikolin Moscow, por lo que el festival es un escaparate para jóvenes talentos.

En la grabación me llamaron principalmente la atención los números de Mikhail Karahan de Alemania que hace rueda Cyr acompañado de elementos de clown y pantomima (ganador del trofeo Annie Fratellini), La Testa Maestra de España y Colombia que hacen malabres usando mucha corporalidad, Winston de Venezuela con magia (manipulación) y expresión corporal (Prix Telmondis) Laurence Tremblay-Vu participando por Canadá/Vietnam presenta cuerda tensa con movimientos de artes marciales y en un momento con los ojos vendados (medalla de plata y Prix Arte), Cie Soralino representando a Francia, Italia y Brasil con excentricidades, una mezcla de malabres con cajas de cartón, clown y cargadas (medalla de bronce, Trophee Raphael Cruz, Trophee Zhang Gongl y Prix du Lido de Paris) y Mizuki Shinagawa de Japón con un número de telas donde su expresión corporal y facial aportan mucho, además su compañera que hace de contrapeso en la tela es un elemento siempre presente en el acto (medalla de bronce, Trophée de Compagnie Altitude y es la imágen del poster para el festival 41)

Los grandes ganadores fueron Scandinavian Boards de Suecia, Finlandia y Paises Bajos. Presentaron planchas coreanas con mucha precisión (trampolines como sube y baja para saltar y hacer giros en el aire) . Ganaron Grand Prix du 40e Festival, Prix du Président de la République, Prix du Public y Trophée du Cirque du Soleil – Performance & Vision Artistique Innovante.

A pesar de la gran dificultad, precisión y limpieza en ejecución de Scandinavian Boards, no fue de mis números favoritos, disfruté más de los mencionados con anterioridad. En particular noté que todos esos números se apoyan en otras disciplinas, mezclan danza, clown, expresión corporal, etcétera para enriquecer la presentación. En lo personal creo totalmente en que la interdisciplina logra cosas más interesantes. Supongo que no es casualidad que esos actos fueran los que me interesaran más.

Para más información sobre el Festival Mondial du Cirque de Demian consultar su página https://www.cirquededemain.paris/ donde se pueden ver fotos, videos, lista de ganadores y entrevistas.
La función está disponible por tiempo limitado y pudiera tener restricciones geográficas en arte.tv/fr o desde el sitio del festival.
Duración 2:19 horas

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#teatro, #video

El Rey Lear

El Rey Lear, NT Live Temporada 2019.

Desde 2009 el National Theatre de Londres comenzó a proyectar en salas de cine algunas de sus producciones en el ciclo conocido como National Theatre Live (NT Live) Con el tiempo pasó de salas en Reino Unido a cines de todo el mundo y se han incluido producciones de otras compañías.

El Rey Lear de William Shakespeare fue presentada por primera vez a principios del siglo XVII, se habla de varias versiones de la obra y años de estreno, pero pudiera ser 1606.

La historia trata del Rey Lear de Bretaña dividiendo su reino para darlo como herencia en vida a sus tres hijas, con la condición de seguir ejerciendo sus derechos de rey. Goneril y Regal ganan sus partes con adulaciones, pero la menor, Cordelia, es sincera en su discurso y es desheredada siendo su parte entregada a sus hermanas.

Posteriormente Goneril y Regal se alían para despojar de su autoridad a Lear, sumando que las facultades mentales del Rey van mermando. La naturaleza ambiciosa de las dos hermanas, agregando las intrigas de otro conspirador llevarán a la enemistad entre ellas. Todos estos factores se van uniendo, contribuyendo a la tragedia.

Personajes en la edición de Gramercy Books 1990

A finales de 2017, en el teatro Minerva del Chichester Festival Theatre, se presentó El Rey Lear, dirigida por Jonathan Munby, con Sir Ian McKellen como el protagonista.

Esta producción está planeada para teatros pequeños. McKellen inidica “donde los actores puedan ver al espectador a los ojos y los espectadores también puedan hacerlo con los actores”. Agrega que la obra trata de los peligros de la división y puede relacionarse con acontecimientos modernos. “Nosotros la presentamos y el público interpreta”.

El teatro Minerva cuenta con 300 asientos. Para su remontaje en el West End se trasladaron al Duke of York Theatre. Si bien, mas grande, logra conservar la intimidad planteada en el montaje original. Es desde este teatro que en 2018 se graba para el NT Live.

Esta versión está ambientada en tiempos modernos. Normalmente no me gusta cuando adaptan a Shakespeare a otras épocas pero en este caso no tengo inconveniente.

 Es un montaje muy bien trabajado, con excelentes actuaciones, muy demandante física y emocionalmente. Violento, sangriento, gráfico. Hay momentos en que hace reír, en que asusta, en que pone tenso al público, en que preocupa por las intrigas que conocemos y los personajes no, momentos en que conmueve, en que dan ganas de llorar. Que una obra logre todas esas emociones es algo que se aprecia.

Ian McKellen es conocido por su larga trayectoria en obras de Shakespeare y demuestra toda su experiencia. El Rey Lear tiene 80 años y McKellen 79, al ser casi de la misma edad, dice, le permite tener otra perspectiva en el personaje y si la interpretación es demandante y requiere especial esfuerzo, él lo hace con gusto. Hacia el final de la obra es impresionante verlo entrar cargando a Cordelia. El público lanzó una expresión de sorpresa.

Otros actores del reparto no son jóvenes y dan unas actuaciones extraordinarias con mucha energía, como Danny Webb en el papel de Gloucester quien es torturado y Sinéad Cusack interpretando a Kent, personaje que normalmente es hombre y en esta versión es mujer.

En la Ciudad de México el NT Live se proyecta en el Lunario. Con dos funciones agotadas todavía quedan boletos para una tercera el 28 de febrero.

Kirsty Bushell, Anthony Howell, Lloyd Hutchinson, Claire Prince, Daniel Rabin y Anita-Joy Uwajeh completan el elenco principal.

Comparado con las proyecciones del Teatro Bolshoi en cines donde no dan programa de mano, en el Lunario si se entregó, lo que se agradece enormemente.

Duración oficial: 3:40 horas incluyendo un intermedio de 20 minutos. Realmente se va prácticamente a 4 horas. Para mayores de 16 años.

Para más información y cartelera del NT Live http://ntlive.nationaltheatre.org.uk/

Videos y entrevistas del Rey Lear en http://ntlive.nationaltheatre.org.uk/productions/ntlout29-king-lear

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#danza, #video, Ballet

Nijinsky (de John Neumeier)

Vaslav Nijinsky nació en Kiev en 1889 (a veces se menciona 1890) fue un bailarín de gran fama por sus saltos, interpretaciones y por sentar las bases para pasar de la danza clásica a la moderna. Estudió ballet de 1898 a 1907, fue solista en el teatro Mariinsky, invitado en el Boshoi y bailarín principal en los Ballets Rusos de Sergey Diaghilev.

Michael Fokine creó algunos de sus ballets más conocidos especialmente para Nijinsky, tales como CarnavalLas SílfidesEl espectro de la rosaPetrushka y Sherezada por mencionar algunos. Vaslav coreografió Siesta de un faunoJuegosConsagración de la primavera y Till Eulespiegel.

Diaghilev fue su director, protector y amante, sin embargo Nijinsky se casa con Romola de Pulszky en un tour por América del Sur. A su regreso a Europa se da el rompimiento con el empresario.

En 1919 Vaslav tiene un colapso nervioso lo que lo obliga a dejar los escenarios, posteriormente es diagnosticado con esquizofrenia. Desde ese año y hasta su muerte en 1950 vive en Suiza, Francia e Inglaterra, entrando y saliendo de instituciones mentales.

Nijinsky baila en público por última vez el 19 de enero de 1919, a los 29 años de edad, teniendo una carrera de apenas 10 años, tiempo suficiente para lanzarlo a la fama y hacerlo una leyenda.

John Neumeier, director del Ballet de Hamburgo, estrenó en el año 2000 Nijinsky, ballet en dos actos que rinde homenaje al conocido bailarín. La versión que revisaré a continuación es el video producido en 2017 por C Major Entertainment, NHK, NDR, Arte y Hamburg Ballett John Neumeir. También disponible en medici.tv

El primer acto se centra en la última presentación de Vaslav. Se entrelazan música, vestuarios, personajes y motivos coreográficos de varias de las obras que bailó (enumeradas anteriormente). Se van mezclando también episodios de su vida. Es una alusión a todo lo que pasaba por su cabeza ese día, tal vez una alegoría a aquello de “ver pasar toda tu vida un momento antes de morir”.

Particularmente me llamaron la atención los pasajes coreografiados con la música de Sherezada. Donde en la versión de Fokine, Sherezada y el esclavo dorado (creado para Nijinsky) bailan un pas de deux, en la obra de Neumeier, Vaslav y Romola se conocen. Más adelante, con la música que Fokine usó para mostrar la orgía entre el harem y los esclavos, y el posterior retorno del sultán descubriendo la traición, Neumeier presenta la boda entre Nijinsky y Romola así como el descubrimiento de la misma por parte de Diaghilev. Así como el sultán decidió si le perdonaba la vida o no a Sherezada (su favorita), Diaghilev decide si perdona o no a Nijinsky (su favorito)

En el segundo acto se presentan los días de Nijinsky en las instituciones psiquiátricas, siguen mezclándose pasajes de su vida y cuerpos de baile vestidos de militar. Le tocó vivir ambas Guerras Mundiales. Es un acto más oscuro. Hay personajes de su familia como su esposa y hermano. Se enumera a su mamá y a Leonid Massine que en lo particular se me escapa exactamente quienes son dentro de la obra.

A mi gusto destacan los papeles de Aleix Martínez como Stanislav Nijinsky, su hermano, quien también padece problemas mentales y Lloyd Riggins que interpreta a Petrushka, un muñeco melancólico. Es verdaderamente triste ver a Petrushka como reflejo de Nijinsky. El papel de Vaslav lo desempeña muy bien Alexandre Riabko

El ballet me parece magistralmente bien logrado. Muy difícil de bailarse por la técnica e interpretación. Seguramente difícil de coreografiar y para apreciar sus recovecos es necesario conocer sobre Nijinsky. El periódico El País, el 6 de septiembre de 2003 citó a Neumeier diciendo “Nijisnky tuvo 10 años para crecer, 10 años para aprender, otros 10 años para bailar y, en segundo lugar, 30 años para morir”

Para conmemorar los 100 años de la última presentación en público de Vaslav Nijinsky, Por los Teatros inicia su vida presentado la reseña de esta obra.

Andrés Reynoso.

Esta entrada fue publicada originalmente el 19 de enero de 2019 en porlosteatros.tumblr.com, después de unas semanas cambiamos de plataforma. Para más detalles de la obra Nijinsky puede vistarse la página del Hamburg Ballett John Neumeier. En la misma hay un video donde pueden verse fragmentos de la obra. En el minuto 2:43 hay una breve escena ente Alexandre Riabko (Vaslav) y Aleix Martínez (su hermano Stanislav) . https://www.hamburgballett.de/en/spielplan/play%E2%80%93repertoire.php?SNr=448 

El artículo de el país puede leerse en https://elpais.com/diario/2003/09/06/espectaculos/1062799204_850215.html

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