Presentación de Kyôdaï. Imagen mostrada con fines ilustrativos.
En 2014 Gil Román, al frente del Bejart Ballet Lausanne estrenó su obra Kyôdaï – los dos hermanos, inspirado en la historia corta La Intrusa de Jorge Luis Borges. De alguna forma la historia fue evolucionando hacia un marco japonés.
Kyôdaï es una palabra que remite al «hermano menor». En la obra vemos una especie de narrador, tal vez el destino (Gabriel Arenas Ruiz) que sale al principio y al final de la obra, con un movimiento de brazos llenos de plasticidad, una desarticulación que la da mucha expresión.
Están dos hermanos acostados en una plataforma mientras tres mujeres bailan, una de ellas toma papel central en la obra. Por turnos comenzará a bailar con uno y otro hermano. Poco a poco se comienza a ver una rivalidad entre los hermanos por conseguir la atención de la muchacha. La rivalidad va creciendo teniendo un final trágico para ella y una reconciliación entre ellos, concluyendo con imágenes donde parecen recordar con gracia todo lo que sucedió. Lo pasado pasado.
La música de Erik Satie, Maurice Ravel, Yoshida Brothers y Edith Piaf me parecen muy interesantes, sobre todo la de los hermanos Yoshida de los que nunca había oído nada.
El movimiento de los bailarines es muy bueno, hay momentos donde es movimiento cortado, atacado, y momentos donde es muy fluido. Con ambos estilos la calidad es muy precisa.
El vídeo estuvo disponible del 14 al 17 de mayo en la página del Bejart Ballet Lausanne como parte del ciclo BBL at Home durante el cese de actividades por el COVID-19. Fue grabado el 20, 21 y 22 de mayo de 2014 en el Teatro Beaulieu en Lausanne. Para conocer la programación de otras obras en streaming consultar la página del BBL.
Kyôdaï (Les deux Frères) Coreografía: Gil Román Música: Erik Satie, Maurice Ravel, Yoshida Brothers y Edith Piaf Baialrines: Gabriel Arenas Ruiz, Lisa Cano, Keisuke Nasuno, Masayoshi Onuki, Jasmine Cammarota, Chiara Paperini Duración aproximada: 29 minutos
Portada de Los diarios de Vaslav Nijinsky. Se muestra con fines ilustrativos.
La primer reseña en Por los Teatros fue el ballet Nijinsky de John Neumeier. Hoy se presenta la publicación número 50 dedicada nuevamente a Vaslav Nijinsky.
En 1919 Nijinsky baila por última vez en público y es internado por esquizofrenia. Por aquella época, durante 6 semanas escribe sus diarios que posteriormente publica su esposa Romola en 1936, extremadamente modificados y censurados. Una versión íntegra se publica hasta 1999. En 2001 Paul Cox realiza la película de la que hablaré en la reseña.
La película es una lectura dramatizada de pasajes de los diarios, con la narración de Derek Jacobi. Las imágenes que se ven son paisajes, naturaleza, constantemente se ve un ave volando a contraluz, agua fluyendo. Somos testigos de algunas de las escenas que se narran. Vemos también personajes que bailó Nijinsky, deambulando por ahí. Hay algunos fragmentos de danza inspirados en El Espectro de la Rosa y Tarde de un Fauno (mejor conocido en español como Siesta de un Fauno)
La escena inicial me llamó mucho la atención. Es un cortejo fúnebre, seguramente el muerto es Nijisnky, sus personajes de ballet se acercan a ver pasar el cortejo.
Entre los textos que se leen se ve un Nijinsky atormentado, ya padecía esquizofrenia. Constantemente dice ser una persona diferente a las demás «soy bailarín». La frase «soy bailarín» la repite no solo para definir lo que es, sino para aclarar por qué no es una persona común. Al principio se equipara con Dios, hacia el final dice amar a Dios y su postura es más de servidor.
Menciona amar a Dios y a la gente, a toda la gente (menos a los críticos) y le decepciona y entristece mucho que la gente no lo ame. Se siente traicionado por su esposa pues le creyó a los médicos y no a él cuando dijo que está sano. Se siente traicionado por Stravinsky por no querer cuidar a su hija mientras Vaslav estaba en una gira.
Pasa de sentimientos de grandeza a sentimientos de culpa, sobre todo por prácticas sexuales a las que atribuye su menor desempeño en la danza. Dice que su obra Jeux es una burla hacia Diaghilev.
En general la sensación que me da es de una persona en constante búsqueda de reconocimiento, atormentado por el momento en que no puede bailar, la actividad que justamente le dio el reconocimiento. Parece tener un amor sincero por el mundo y la gente de alrededor aunque también un delirio de grandeza enorme. La cuestión sexual lo incomoda mucho, está marcado por tabúes, posiblemente alimentados por posturas religiosas.
Personalmente no he leído los diarios, pero pienso que la película está basada en la versión censurada de Romola pues se dice que entre las modificaciones que hizo mostró la relación de Nijinsky y Diaghilev como algo forzado por el empresario.
Una breve ventana a los diarios que escribió mientras se hundía más y más en los problemas mentales. Durante la película se muestran fotografías de Nijinsky, lo poco que queda de él, que sepa no existen grabaciones. El personaje Petrushka es el que más se adapta a estos momentos del bailarín. Una marioneta, una especie de arlequín atormentado por la fuerza que lo maneja. En la tumba de Nijinsky está sentada una figura triste de Petrushka.
Los diarios de Vaslav Nijinsky Dirección: Paul Cox Narrado por: Derek Jacobi 2001, Australia Duración aproximada: 1:30 horas
En 1976 Phillip Glass y Robert Wilson estrenaron en el Festival de Avignon la ópera Einstein on the beach, la cual dura aproximadamente 5 horas sin intermedios y el público puede salir y entrar de la sala según lo necesite.
En 2019 una nueva producción de la obra se hizo en conjunto entre el Grand Théâtre de Genève y la Compagnia Finzi Pasca, con una duración de 4 horas. La ópera estuvo disponible en streaming en el sitio del teatro del 14 al 19 de abril de 2020.
En el programa de mano, que también estuvo disponible en el sitio, el compositor Phillip Glass indica que buscó «la integración de la música rítmica, armónica y cíclica en un sistema coherente» y agrega que transmite «La idea de una energía que no se puede parar».
La música a mi gusto es disonante. El coro canta números y nombres de notas musicales. Escuchar cantar la-re-la-re-la-re por 4 horas no es lo que prefiero para un espectáculo. La música me recordó la de John Cage. Se utilizan diferentes calificativos para describirlos pero frecuentemente para ambos se usa «minimalista» y «experimental».
Los integrantes de la Compagnia Finzi Pasca, que son quienes están en escena, tienen esporádicamente textos inconexos entre ellos. No se siente un argumento. Daniele Finzi Pazca indica que es una obra surrealista y ha plasmado sus sueños. Es una excelente descripción. Bastante surrealista, y como los sueños, no parece tener sentido una escena con la siguiente.
Visualmente hay gente moviendo libros en la oficina de Eisntein, personas jugando en la playa, sirenas flotando en el aire, bicicletas volando, un caballo entre la niebla, espejos, muchas lámparas, juegos de sombras. Por momentos los números me recuerdan a Donka, incluso un vestuario y las referencias a los zapatos de ese vestuario son muy claros de dicha obra.
Precisamente las cosas que no me gustaron son por las que Einstein on the beach es reconocida. Se menciona esta obra como una muestra de lo que cambiante que es la ópera, marca nuevos rumbos. El hecho de no tener un argumento como tal y mostrar «la historia» en la parte visual y no en la letra. Como decía, la letra cantada son números y nombres de notas musicales. Hace referencia a las matemáticas y «esa energía que no puede parar» nos remite a la física de Eisntein.
De vanguardia hace 40 años sigue siendo algo extraño para verse. No es para mí.
Einstein on the beach Ópera de Phillip Glass y Robert Wilson Einstein-Ensemble: Orquesta y Coro compuesto por alumnos de la Alta Escuela de Música de Genève Dirección Musical: Titus Engel En escena: Compagnia Finzi Pasca Dirección Escénica: Daniele Finzi Pasca Duración aproximada: 4:00 horas sin intermedio.
Portada de: Teatro de la Caricia, se muestra con fines ilustrativos.
Bajo el título Daniele Finzi Pasca Teatro de la Caricia, Facundo Ponce de León publica conversaciones que a lo largo de los años ha tenido con el clown y director escénico Daniele Finzi Pasca.
El trabajo de Daniele incluye ser co-fundador de las compañías Teatro Sunil (Ícaro) y Compagnia Finzi Pasca (La Veritá, Bianco su Bianco, Donka, Per té), co-producciones con Cirque Eloize (Rain, Nomade, Nebbia), dirección para Cirque du Soleil (Corteo, Luzia), apertura y clausura de juegos olímpicos de invierno, dirección de óperas para English National Opera (L’Amour de Loin), Teatro Mariinsky (Aída, Requiem) y Teatro San Carlos de Nápoles (Pagliacci). Su línea de trabajo siempre ha ido sobre lo que él llama Teatro de la Caricia.
El libro incluye conversaciones que nos llevan a un viaje circular, un viaje de regreso donde conocemos la filosofía de Finzi Pasca y los orígenes del teatro de la caricia.
Siendo un volumen no muy grande (136 páginas) me parece difícil resumirlo. Es un libro lleno de ideas de un importante creador escénico, cada página tiene cosas para tomar nota.
Entre lo que más me llama la atención es la forma en que indica que un clown corteja al público. En una fiesta hay varias formas de ser y cada una de ellas conquista. Así mismo hay varias formas de ser clown y cada una corteja. Si no tienes suerte consiguiendo pareja y buscas consejo de tus amigos, tal vez el consejo sirve, pero conquistaste a tu pareja usando una formula que no es tuya, ese no eres tu: o te condenas a mantener la mentira o viene el rompimiento. Así un clown: si te aconsejan ponerte un nombre en diminutivo y hacer figuras con globos, tal vez sirva, pero puede ser que ese no seas tú ni lo que quieres de ser clown.
En días anteriores publiqué la reseña de Donka, donde menciona que un artista es pescador de ideas y puede pasarse días enteros sentado en un café aparentemente sin hacer nada, en realidad está pescando la idea. Como la pesca, es cuestión de paciencia. En este libro se profundiza sobre el tema.
Habla de que todo el equipo de trabajo está en una embarcación, puede ser pequeña o grande, el barco se maneja diferente pero el propósito es el mismo. Si la producción es para un actor o para miles de artistas, la estrategia es diferente pero siempre se busca el mismo objetivo: llegar al puerto.
Menciona que hay dos tipos de actores: aquellos que sienten las cosas y las hacen sin importar hacia donde van y los que hacen preguntas, los que consultan los mapas y quieren saber para qué es todo esto. Como director Daniele debe comprender rápidamente que tipo de actor es cada uno de sus artistas para no perder el tiempo de su gente. Indica que el tiempo de otros es algo que no se puede malgastar.
Finalmente habla de su viaje de juventud como voluntario a la India. Viaje hacia adentro, de auto descubrimiento. En una India con muchos enfermos de lepra y gente viviendo en la calle, su trabajo era atender a los enfermos, muchos de ellos moribundos. De sus experiencias sale lo que será el teatro de la caricia: aprende a sentir al enfermo (o al público) él puede sentirse bien haciendo su trabajo, pero si no percibe lo que sucede con el enfermo, entonces su trabajo ya es automático. Aprende el valor de una caricia. Hacer saber al enfermo que alguien está ahí a un lado con él. Conoce a Sunil, un muchacho que muere después de 24 días de batalla cuando no esperaban que durara uno. De él toma el nombre para su primer compañía.
Su trabajo escénico se ha enfocado en buscar la conmoción, resonar en el público, ser un clown cuya finalidad principal no es hacer reír. Busca oír, sentir al público. Para él el clown es un actor que cuenta historias, un héroe perdedor que con dignidad pierde casi siempre y al final se desvanece discretamente.
Daniele Finzi Pasca Teatro de la Caricia Facundo Ponce de León Ediciones CFP Primera Edición Julio 2009, Tercera edición enero 2015 (Uruguay) Reseña sobre edición en español, también disponible en otros idiomas 136 páginas
Portada del disco de Marco Spada. Se muestra con fines ilustrativos.
Marco Spada o La Hija del Bandido es una obra estrenada originalmente como ópera en 1852 y como ballet en 1857, con música de Daniel François-Esprit Auber, libreto de Eugène Scribe y coreografía de Joseph Mazilier. Pierre Lacotte creó su propia coreografía en 1981 y una nueva versión en 2013 para el Ballet Bolshoi.
Durante varios años el Bolshoi junto con Pathé Live han transmitido ballets en salas de cine alrededor del mundo. Este video fue parte de dicha cartelera por allá del 2013-2014. Actualmente se consigue en DVD y Blu-Ray y se incluye en el ciclo de obras que el Teatro Bolshoi presentará durante un par de semanas de forma gratuita en YouTube durante la cuarentena por el COVID-19.
En el primer acto el Príncipe Frederici está comprometido con la Marquesa Sampietri, mientras que el Conde Pepinelle también está enamorado de ella. Marco Spada aprovecha los festejos en la plaza para robar a la gente. Posteriormente pos azares del destino, buscando refugio, el gobernador con su séquito llegan a la casa de Marco Spada, donde el Príncipe Frederici conoce a Ángela, la hija de Marco, y queda prendado de ella. El Conde Pepinelle alerta que ha visto bandidos entrar a la casa (la banda de Marco Spada)
Durante el segundo acto se desarrolla un elegante baile en casa del gobernador al que es invitado Marco con Ángela. Frederici se declara a Ángela pero lo rechaza y se va con su padre, quien es reconocido por una de sus víctimas. Frederici confirma que se casará con Sampietri. Pepinelle desconsolado busca a la Marquesa para pedir que se case con él y no con Frederici. Llega la banda de Marco Spada y los secuestra.
En el tercer acto, Marco obliga a un sacerdote a casar a Pepinelle y Sampietri. Llega el regimiento, se reencuentran Ángela y Frederici, se oye un disparo, Marco Spada está herido, consiente la boda de su hija con Frederici y muere.
Se trata de un ballet muy vistoso. Los pasos realizados con gran precisión, muchas veces a velocidades rápidas, lo hacen una obra difícil de bailar, que era uno de los comentarios que se hacían en las entrevistas cuando se proyectó en el cine. Saltos, giros, combinaciones impresionantes.
La escenografía es espléndida: pinturas con efectos tridimensionales que lo mismo nos llevan a un gran palacio que a una cueva.
Tuve un problema con la trama: Todo el tiempo entendí que Ángela era pretendida tanto por el Príncipe Frederici como por Marco Spada y que había elegido a Marco después de rechazar a Frederici. Incluso en la guarida del tercer acto entendí en la pantomima: «¿por qué lloras?» «Porque allá dijiste que me amabas y acá no nos hemos casado» «Juro que nos casaremos» Posteriormente al investigar más para la reseña encontré que en realidad eran padre e hija, por lo que la conversación ha de haber sido: «¿por qué lloras?» «Porque a quien amo está allá, yo acá y no nos casaremos» «Juro que se casarán».
La obra me parece muy buena y no es tan conocida. El cuerpo de baile con movimientos muy precisos. Todas las variaciones tienen aspectos interesantes, resaltan las variaciones de Marco Spada que David Hallberg realiza con gran fluidez. La interpretación de Evgenia Obraztsova me gustó mucho con su cálida sonrisa. El baile del segundo acto aporta poco a la historia pero es particularmente bonito.
El Teatro Bolshoi ofrecerá este martes 7 Boris Godunov y el viernes 10 Cascanueces. Para verlos y más información consultar en YouTube Bolshoi Theatre
Marco Spada Música: Daniel-François-Esprit Auber Libreto Original: Eugène Scribe Coreografía: Pierre Lacotte Marco Spada: David Hallberg Ángela: Evgenia Obraztsova Marquesa Sampietri: Olga Smirnova Príncipe Frederici: Semion Chudin Conde Pepinelle: Igor Tsvirko Producción: Teatro Bolshoi, Bel Aor Media, Mezzo, Pathé Live Video: 2014. Duración aproximada 2:05 horas
Detalle del póster de Donka. Se muestra con fines ilustrativos.
Este espectáculo de la Compagnia Finzi Pasca estrenado en 2010, abrió en Moscú las celebraciones por el 150 aniversario del natalicio de Anton Chéjov. Desde entonces ha recorrido el mundo visitando 26 países.
Daniele Finzi tomó notas de los diarios y cartas del escritor y médico Anton Chéjov y las unió con «vidas paralelas en el jardín de su casa», el resultado es un espectáculo en el estilo de Finzi Pasca y su Teatro de la Caricia. Un circo teatral donde hay cosas colgando de cables, llueven objetos, camas se mueven por el escenario, los actores dicen pensamientos al público en el proscenio, sin cuarta pared, iluminados por lámparas que ellos llevan. Todos elementos muy definidos en la estética de su director.
Donka se presentó en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris del 12 al 15 de marzo.
Los números circenses incluyen contorsión, malabares, patinaje y zapateado sobre una superficie resbalosa, sombras, comedia, rueda Cyr y muchos pensamientos.
Uno de los números de contorsión se mezcla con humor al presentarlo como una inspección médica. Una medicina bastante salvaje. Los malabares incluyen manejo de pelotas entre una y dos personas, así como de contacto. Al final de la primer parte, me resultó sorprendente que después de una rutina de malabares de contacto, la bola es estrellada en el piso donde se hace añicos. Los siguiente minutos continúan estrellando bolas después de trabajar con ellas. En ese momento ya es evidente que no son de acrílico sino hielo, lo cual resulta mas sorprendente.
Hay secuencias de sombras en una pantalla donde los movimientos y proporciones están perfectamente sincronizadas para crear mundos e historias. Una superficie resbalosa es utilizada para un número de zapateado y para patinar. En otro momento, los artistas patinan sobre el escenario transmitiendo que están en hielo. Uno de ellos hace rutinas sobre ruedas fingiendo caerse y no controlar los patines.
Entre los pensamientos que Finzi Pasca entrega en sus espectáculos, en Donka se incluyen los siguientes: En aquella época los médicos buscaban el alma humana y al hacer autopsias cobraban boletos como espectáculo público para que los asistentes atestiguaran el descubrimiento, cosa que nunca sucedió ¿Los clowns dónde tienen el alma? En los zapatos.
Salir a un café y sentarse a no hacer nada. No es a no hacer nada. Los poetas pescan ideas y eso requiere paciencia, hay que sentarse tardes enteras esperando a que una idea pique.
Como los otros trabajos que he visto de esta compañía, se entrega un espectáculo de calidad que une el circo y el teatro, historias rebuscadas, ideas que dejan qué pensar y también momentos en que no se entiende que está pasando. El Teatro de la Caricia se trata de darle una caricia al alma del espectador. Una caricia que en estos tiempos es muy necesaria.
La temporada en la Ciudad de México fue poco común. Programados para dos semanas, comenzaron en medio de la incertidumbre por el avance de COVID-19. El viernes 13, en entrevista para Canal 22, Daniele Finzi mencionó que en esas fechas debía estar haciendo Ícaro en Bérgamo, una de las ciudad más asoladas en Italia. El sábado 14 se anunció que la segunda semana de la temporada se cancelaba, se agregaba un horario más el domingo 15 y todos los que tuvieran boleto de las fechas canceladas podían ir al horario que más les conviniera. Era necesario frenar la temporada para que los artistas pudieran regresar a sus países de origen en Europa. En la Ciudad de México era inminente el cierre de espacios públicos. Unos días después se cerraron todos los teatros.
Resultó extraño durante la obra oír sobre médicos, enfermedades respiratorias y posibles curas (Chéjov padecía tuberculosis)
En Canal 22, Finzi Pasca dijo que el siguiente paso será ir a China y a Corea. No dudo que lo haga, las raíces del Teatro de la Caricia y Teatro Sunil se remontan a Daniele trabajando con enfermos en la India.
Un gran esfuerzo de la Compagnia Finzi Pasca, Teatro de la Ciudad y Arte & Cultura Grupo Salinas que hicieron todo lo posible para tener la temporada. Esperamos el regreso de la Compañía, mientras tanto, quédate en casa.
Donka, Una Carta a Chéjov Escrito y dirigido por: Daniele Finzi Pasca Compagnia Finzi Pasca En escena: Andrée-Anne Gingras-Roy, Beatriz Sayad, David menes, Félix Salas, Francesco Lanciotti, James Kingsford-Smith, Jess Gardolin, Marco Paoletti, Melissa Vettore, Rolando Tarquini y Stépane Gentilini Duración aproximada: 2:20 horas
El pasado 29 de febrero la Compañía Nacional de Danza presentó su Programa III Gala Contemporánea con el programa “Por vos muero – Rachmaninov”. La programación de la Compañía me pareció extraña en el sentido de que en el mismo día tuvieron dos funciones de la misma Gala y en días adyacentes estuvo presentándose Giselle. También con algunas semanas de diferencia se presentó Cri-Cri. Es decir en un periodo en el que se programaron varias funciones de la Compañía, se comprimió en un solo día las dos únicas presentaciones de la Gala Contemporánea.
La presente reseña corresponde a la segunda función, de las 19:00 horas. El Palacio de Bellas Artes estuvo notoriamente vacío. El Anfiteatro se llenó solo la parte central con todo y que bajaron a la gente de Galería a dicha sección. Abajo, la Luneta, se veía ocupada también solo la parte central. El poco aforo no se si se debiera a la doble función, poco interés en el programa o el que un par de días antes se reportara el primer caso de COVID-19 en la ciudad.
La primer parte consistió en Por vos muero de Nacho Duato, música antigua española interpretada por Jordi Savall, entre ellas una versión instrumental de La perra mora, una de las mejores que he oído. La obra de 1996 intercala la música con versos de Garcilaso de la Vega recitados por Miguel Bosé como voz en off. La obra muestra una mezcla de danza contemporánea con danzas históricas de los siglos XV y XVI. Por vos muero es un homenaje al papel que tuvo la danza en la sociedad española de esa época.
Los cuadros tienen gran plasticidad, está muy bien lograda la obra y es muy interesante cómo la música, vestuario y danza transporta a esa época. Al mismo tiempo se ven pasos y estética contemporánea, pero también se ve el estilo antiguo. Se entretejen los dos estilos muy bien. Los versos remiten a un amor, posiblemente se escribieron hacia una persona, pero aquí se interpreta como el amor a la danza. Con el que cierra, el Soneto V, dice:
Yo no nací sino para quereros; mi alma os ha cortado a su medida; por hábito del alma mismo os quiero.
Cuanto tengo confieso yo deberos; por vos nací, por vos tengo la vida, por vos he de morir, y por vos muero.
La segunda parte del programa consistió en Tercer Concierto para piano de Rachmaninov, coreografía de Uwe Scholz. Con ese título está de más decir que música es. Estrenada en 1987, el programa de mano indica que cada nota tiene un movimiento y cada instrumento un verso interpretado por un bailarín. La obra se inspira en el estilo del pintor Kandinsky. No noté de forma particular la unión señalada en el programa, pero si es una obra donde el movimiento está muy bien enlazado con la música. Visualmente es muy atractiva, hay movimientos interesantes por todos lados. En ocasiones el cuerpo de baile hace algo que no te quieres perder y los solistas al mismo tiempo hacen algo que tampoco quieres perderte. La música por momentos me pareció somnífera, Rachmaninov no es de mis favoritos.
Al estar en el Palacio caí en cuenta que tenía cerca de año y medio que no entraba y un poco más de no ver a la Compañía Nacional de Danza. Es un gusto ver obras de reconocidos coreógrafos, si bien no son recientes, antes no veíamos nada de ellos.
Esta reseña se escribe un mes tarde, con todos los teatros cerrados. Esperemos la situación pueda superarse pronto y de la mejor manera. En Por los Teatros seguirán las reseñas de videos, obras en línea, libros y opciones para seguir disfrutando el teatro desde casa. Ayudemos a frenar el virus.
Gala Contemporánea Compañía Nacional de Danza Por vos Muero Coreografía: Nacho Duato Música: Antigua española interpertada por Jordi Savall Textos: Garcilaso de la Vega Voz: Miguel Bosé
Tercer Concierto para piano de Rachmaninov Coreografía: Uwe Scholz Música: Serguei Rachmaninov
Detalle del cartel de «El Pagliacho» se muestra con fines ilusrativos.
En 1841 surgió el primer circo mexicano bajo la dirección de José Soledad Aycardo, considerado el primer empresario circense mexicano y precursor del estilo de payaso que se usa en nuestro país. Se trató del Circo Olímpico y operó aproximadamente 25 años.
Los Estrouberry Clowns presentan El Pagliacho, el gracioso de la calle de Relox, inspirado en Aycardo y su circo. Según el programa de mano, la obra «nos lleva a viajar en el tiempo para conocer las vicisitudes del primer circo mexicano […] nos invita a disfrutar de aquella época de circo, maroma y teatro»
Un niño del siglo XX es «teletransportado» al siglo XIX dónde conocerá al Circo Olímpico instalado en el patio de una vecindad en la calle de Relox (o la calle del reloj, hoy Argentina) Ahí, el virrey tratará de cerrar el circo a como de lugar con tal de llevarse a los artistas y al público al Teatro Nacional.
Esa es la premisa y básicamente las «vicisitudes» son enfrentar al virrey que adoptará diferentes disfraces para aplicar multas, incautar, cobrar la renta y otras acciones económicas.
La parte histórica me crea conflicto a partir de que el antagonista, figura del gobierno, es presentado como el «Virrey» mientras la historia transcurre en la segunda mitad del siglo XIX, momento en que ya no había virreyes.
Se presentan clichés como la pareja de comediantes borrachos y la rutina de «salúdelos a todos, pero con la boca», sin embargo no me queda claro si son rutinas de la época. Se supone que la obra tiene fines históricos y busca mostrar cómo era el circo en aquellos años pero al usar chistes claramente modernos se pierde noción de qué cosas aparentemente modernas pudieran remontarse en realidad al Circo Olímpico.
Respecto a conceptos y narrativa: «Teletransportar» significa desplazar a distancia y se usa para referirse a que un objeto se mueve instantáneamente de un sitio a otro. Si se viaja al pasado sería una máquina del tiempo. Mas adelante el de la casa de empeño se presenta para incautar pues no han pagado. ¿La casa de empeño incauta? Posteriormente, al finalizar la obra, dicen que todo lo que ha sucedido es para darle una función de circo al niño del siglo XX, la misma está a punto de comenzar y el niño debe regresar a su propia época. Si la función que va a comenzar es para él ¿por qué lo mandan al siglo XX antes de iniciarla?
Casi no se muestran números circenses. Un número que me molestó fue presentar un antipodista (persona que manipula objetos con los pies) haciendo falsamente su disciplina, en lugar de tener una persona realmente especializada en la misma.
La idea no me parece mala, a lo largo de la obra se explican palabras y conceptos que ayudan a comprender al circo de la época, sin embargo, para mi gusto, tiene varios huecos.
La función comienza puntualmente y es ligeramente más larga de lo anunciado en el programa. Al finalizar, el elenco sale al vestíbulo a saludar y posar para fotografías.
Cabe destacar la presencia del Ensamble Jofranka que musicaliza y hace efectos sonoros en vivo.
El Pagliacho se presenta en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque hasta el 26 de abril.
El Pagliacho, el gracioso de la calle del Relox De Fernando Hondall Dirección: Raúl Zamora Con: Jorge A. caballero Vega, Dettmar Yaáñez, María Cappelletti, Adriana Reséndiz, Víctor Siáñez, Lobo Valle, Yrsmin Curiel, Eréndira Morales Rodríguez, Erick Murias, Fernando Hondall, Gustavo Franco, raul Zamora ensamble Jofranka: Mario Alberto Gallardo y Julio Zapata Duración aproximada (según programa) 75 minutos (real) 90 minutos.
Imagen de Dos Ciegos. Se muestra con fines ilustrativos
Los Dos Ciegos es una bufonería musical al estilo de opereta del compositor Jacques Offenbach, estrenada en 1855. En ella se ve a dos músicos que se hacen pasar por ciegos para pedir dinero. Los problemas (y la obra) se presentan cuando ambos pretenden instalarse en el mismo puente lo que desatará una competencia entre ellos. Competencia por los «clientes», por quién merece el lugar y quién tiene la historia mas triste sobre cómo perdió la vista.
Offenbach Operetta Studio y Ópera Cinema presentaron el 8 y 9 de febrero en el Teatro de las Artes del Centro Nacional de las Artes el proegrama Dos Ciegos, el cual consistió en dos partes: la primera fue proyección de fragmentos de cine mudo musicalizados en vivo con fragmentos de ópera del mismo nombre (o tema) que la película en cuestión. Las arias fueron presentadas con piano y 4 cantantes. La segunda parte del programa fue la interpretación de Los Dos Ciegos con piano y dos cantantes para hacer las voces de los personajes. Al mismo tiempo se realizó la proyección de la historia al estilo de cine mudo.
En una breve introducción se mencionó que el proyecto tiene la finalidad de acercar la ópera al público y hacerla atractiva al interpretarla junto con escenas de cine.
La primera parte incluyó fragmentos de películas como Viaje a la Luna de Georges Méliès, Barba Azul también de Méliès, Carmen de Chaplin, Nosferatu, Camille, Hamlet con Laurence Olivier (la cual no es muda) entre otras. La música que se les puso fueron fragmentos de óperas del mismo nombre que la película (ópera El Vampiro en el caso de Nosferatu. La Traviata para Camille, obras basadas en La Dama de las Camelias)
En toda la primer parte sentí que la música no empata del todo con las escenas. Es más como mostrar que la música y la película se llaman igual y hablan de la misma historia.
En la segunda parte, se presenta la película Dos Ciegos con Aziz Gual y Perico el Payaso Loco. En vivo al piano David Pérez, En la voces de los ciegos estuvieron Ricardo Castrejón y Emilio Castellanos. La película es al estilo de cine mudo.
El programa en general no me gustó. La primer parte duró aproximadamente 50 minutos y la segunda unos 20, por lo que el plato fuerte anunciado en el cartel era el que ocupaba la menor parte del programa. Varias personas del público esperaban ver a Aziz y Perico en vivo, por lo que creo que la publicidad no es lo suficientemente clara para especificar que se trata de proyecciones.
Es una idea interesante como forma de difusión de ópera, pero como indicaba no me pareció que la música y las escenas estuvieran bien empatadas. Por supuesto, se trata de obras creadas por separado, solo comparten argumento, por lo que hacer que coincida imagen y audio es difícil si no imposible.
Póster de Humor para Imbéciles. Se muestra con fines ilustrativos.
El título Humor para Imbéciles me hace pensar en esos libros “para Dummies” sin embargo es el nombre de un libro de Arkady Avérchenko y según se indica en el programa de mano, el nombre de uno de los cuentos que se incluyen en la obra de teatro.
La obra se realizó a partir de cuentos de Arkady Avérchenko (1881-1925) y Slawomir Mrozek (1930-2013) Ambos son conocidos por su humor satírico a veces calificado como surrealista. El montaje teatral es realizado por alumnos de cuarto año de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT), dirigidos por Jesús Díaz.
Las historias incluyen unos novios que tratan de idear la forma para recordar un número telefónico, sin embargo la mnemotecnia no se les da. Vemos a unos vagabundos filosofando sobre la vida, la muerte, la existencia, lo que hay y lo que no hay. Me recuerda aquello de la pregunta zen “Si un árbol cae en el bosque y nadie está cerca para oírlo ¿hace algún ruido?” Otro de los cuentos muestra a una persona enfrentando errores médicos sobre su persona. Uno más tiene a ladrones como protagonistas, no cualquier ladrón, son personas civilizadas con las que se puede negociar y queda de manifiesto que los verdaderos ladrones son otros, despachando desde lugares seguros. Hay también un escritor de humor ¿acaso uno de los autores? que presenta su libro a un representante cultural y queda claro el por qué existen los programas malos donde aparecen rosas haciendo milagritos. Posteriormente llega un grupo de “músicos” a exigir un pago en adeudo.
Menciono por separado la historia del bombero. Incluye bromas de teatro mencionando situaciones que los alumnos seguro viven a diario. Separo la historia por que fue la más emotiva, no solo hace reír, hace sentir otras cosas, conmueve. Hay participación de alguien del público que le dará sabor diferente a cada función. Al finalizar el cuento, el público hizo expresiones desaprobando el final, no porque sea una mala historia sino porque el bombero se ganó a la audiencia.
El humor es bastante creativo, sumando las actuaciones, el trabajo final es muy bueno. Las pausas, las miradas que hacen los actores están ahí por una razón, ayudan a hacer el chiste, no solo es el texto. Los cuentos son ingeniosos, situaciones que pueden salir de la vida diaria, sin embargo son sumamente absurdas … como pudieran ser en la vida diaria.
Un montaje muy recomendable con una breve temporada de solo dos semanas en el Teatro Salvador Novo de la ENAT, en el Centro Nacional de las Artes. Se presenta hasta el 9 de febrero de miércoles a domingo, teniendo doble función los fines de semana. Se indicó que la función final contará con intérprete de lengua de señas mexicana. La obra no está anunciada en la página del CENART, solo en redes sociales de la ENAT, por lo que los horarios se listan abajo.
Humor para imbéciles A partir de cuentos de Arkady Avérchenko y Slawomir Mrozek Dirección: Jesús Díaz. Reparto: Alberto Bravo Guerrero, Alexia de la Rosa, Alfonso García, Ana Lucía, Gerard Estrada, Jessica Lunet, Jesús Iván García, Juan Pablo Salazar, Julio César Mejía, Magdiel Benard, Miguel Fuentes. Teatro Salvador Novo, ENAT, CENART Miércoles a viernes, 20:00; sábado 19:00; domingo 15:00 y 18:00 (no queda muy claro si el sábado también hay a las 15:00) Entrada libre, cupo limitado, los boletos se entregan aproximadamente una hora antes de la función. Duración aproximada: 1:40 horas
Por los Teatros 