musica, pelicula

Dos Ciegos

Imagen de Dos Ciegos. Se muestra con fines ilustrativos

Los Dos Ciegos es una bufonería musical al estilo de opereta del compositor Jacques Offenbach, estrenada en 1855. En ella se ve a dos músicos que se hacen pasar por ciegos para pedir dinero. Los problemas (y la obra) se presentan cuando ambos pretenden instalarse en el mismo puente lo que desatará una competencia entre ellos. Competencia por los «clientes», por quién merece el lugar y quién tiene la historia mas triste sobre cómo perdió la vista.

Offenbach Operetta Studio y Ópera Cinema presentaron el 8 y 9 de febrero en el Teatro de las Artes del Centro Nacional de las Artes el proegrama Dos Ciegos, el cual consistió en dos partes: la primera fue proyección de fragmentos de cine mudo musicalizados en vivo con fragmentos de ópera del mismo nombre (o tema) que la película en cuestión. Las arias fueron presentadas con piano y 4 cantantes. La segunda parte del programa fue la interpretación de Los Dos Ciegos con piano y dos cantantes para hacer las voces de los personajes. Al mismo tiempo se realizó la proyección de la historia al estilo de cine mudo.

En una breve introducción se mencionó que el proyecto tiene la finalidad de acercar la ópera al público y hacerla atractiva al interpretarla junto con escenas de cine.

La primera parte incluyó fragmentos de películas como Viaje a la Luna de Georges Méliès, Barba Azul también de Méliès, Carmen de Chaplin, Nosferatu, Camille, Hamlet con Laurence Olivier (la cual no es muda) entre otras. La música que se les puso fueron fragmentos de óperas del mismo nombre que la película (ópera El Vampiro en el caso de Nosferatu. La Traviata para Camille, obras basadas en La Dama de las Camelias)

En toda la primer parte sentí que la música no empata del todo con las escenas. Es más como mostrar que la música y la película se llaman igual y hablan de la misma historia.

En la segunda parte, se presenta la película Dos Ciegos con Aziz Gual y Perico el Payaso Loco. En vivo al piano David Pérez, En la voces de los ciegos estuvieron Ricardo Castrejón y Emilio Castellanos. La película es al estilo de cine mudo.

El programa en general no me gustó. La primer parte duró aproximadamente 50 minutos y la segunda unos 20, por lo que el plato fuerte anunciado en el cartel era el que ocupaba la menor parte del programa. Varias personas del público esperaban ver a Aziz y Perico en vivo, por lo que creo que la publicidad no es lo suficientemente clara para especificar que se trata de proyecciones.

Es una idea interesante como forma de difusión de ópera, pero como indicaba no me pareció que la música y las escenas estuvieran bien empatadas. Por supuesto, se trata de obras creadas por separado, solo comparten argumento, por lo que hacer que coincida imagen y audio es difícil si no imposible.

Dos Ciegos
Intérpretes: Ricardo Castrejón, tenor; Emilio Castellanos, tenor; Martha Llamas, soprano; ricardo López, barítono; David Pérez, pianista.
Duración aproximada: 70 minutos.

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#teatro

Humor para imbéciles

Póster de Humor para Imbéciles. Se muestra con fines ilustrativos.

El título Humor para Imbéciles me hace pensar en esos libros “para Dummies” sin embargo es el nombre de un libro de Arkady Avérchenko y según se indica en el programa de mano, el nombre de uno de los cuentos que se incluyen en la obra de teatro.

La obra se realizó a partir de cuentos de Arkady Avérchenko (1881-1925) y Slawomir Mrozek (1930-2013) Ambos son conocidos por su humor satírico a veces calificado como surrealista. El montaje teatral es realizado por alumnos de cuarto año de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT), dirigidos por Jesús Díaz.

Las historias incluyen unos novios que tratan de idear la forma para recordar un número telefónico, sin embargo la mnemotecnia no se les da. Vemos a unos vagabundos filosofando sobre la vida, la muerte, la existencia, lo que hay y lo que no hay. Me recuerda aquello de la pregunta zen “Si un árbol cae en el bosque y nadie está cerca para oírlo ¿hace algún ruido?” Otro de los cuentos muestra a una persona enfrentando errores médicos sobre su persona. Uno más tiene a ladrones como protagonistas, no cualquier ladrón, son personas civilizadas con las que se puede negociar y queda de manifiesto que los verdaderos ladrones son otros, despachando desde lugares seguros. Hay también un escritor de humor ¿acaso uno de los autores? que presenta su libro a un representante cultural y queda claro el por qué existen los programas malos donde aparecen rosas haciendo milagritos. Posteriormente llega un grupo de “músicos” a exigir un pago en adeudo.

Menciono por separado la historia del bombero. Incluye bromas de teatro mencionando situaciones que los alumnos seguro viven a diario. Separo la historia por que fue la más emotiva, no solo hace reír, hace sentir otras cosas, conmueve. Hay participación de alguien del público que le dará sabor diferente a cada función. Al finalizar el cuento, el público hizo expresiones desaprobando el final, no porque sea una mala historia sino porque el bombero se ganó a la audiencia.

El humor es bastante creativo, sumando las actuaciones, el trabajo final es muy bueno. Las pausas, las miradas que hacen los actores están ahí por una razón, ayudan a hacer el chiste, no solo es el texto. Los cuentos son ingeniosos, situaciones que pueden salir de la vida diaria, sin embargo son sumamente absurdas … como pudieran ser en la vida diaria.

Un montaje muy recomendable con una breve temporada de solo dos semanas en el Teatro Salvador Novo de la ENAT, en el Centro Nacional de las Artes. Se presenta hasta el 9 de febrero de miércoles a domingo, teniendo doble función los fines de semana. Se indicó que la función final contará con intérprete de lengua de señas mexicana. La obra no está anunciada en la página del CENART, solo en redes sociales de la ENAT, por lo que los horarios se listan abajo.

Humor para imbéciles
A partir de cuentos de Arkady Avérchenko y Slawomir Mrozek
Dirección: Jesús Díaz.
Reparto: Alberto Bravo Guerrero, Alexia de la Rosa, Alfonso García, Ana Lucía, Gerard Estrada, Jessica Lunet, Jesús Iván García, Juan Pablo Salazar, Julio César Mejía, Magdiel Benard, Miguel Fuentes.
Teatro Salvador Novo, ENAT, CENART
Miércoles a viernes, 20:00; sábado 19:00; domingo 15:00 y 18:00 (no queda muy claro si el sábado también hay a las 15:00)
Entrada libre, cupo limitado, los boletos se entregan aproximadamente una hora antes de la función.
Duración aproximada: 1:40 horas

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#danza, Ballet, libros, Sin categoría

THE OFFICIAL BOLSHOI BALLET BOOK OF SWAN LAKE

Portada del libro. Se muestra con fines ilustrativos.

En 1986 fue publicado el libro The Official Bolshoi Ballet Book of Swan Lake por Yuri Grigorovich y Alexander Demidov. Originalemnte en ruso, traducido al inglés por Yuri Shirokov. T.F.H. Publications en 1984 obtuvo los derechos en excluisva para la traducción y distribución fuera de Rusia de la literatura soviética de música y ballet.

El libro cuenta a grandes rasgos cómo es que Tchaikovsky llegó a componer la música de éste ballet. Con más profundidad entra a la historia de la obra. Su desafortunado debut en 1877, los cambios mayores realizados en 1895 con el compositor ya fallecido, otros cambios en 1901 y finaliza con la versión del propio Grigorovich en 1969.

Sobre el estreno en 1877 se menciona que el libreto no era lo suficientemente fuerte ni tenía mucha lógica. El coreógrafo, libretista y compositor apenas trabajaron juntos, lo que desesperaba mucho a Tchaikovsky. La obra fue quedando en el olvido y el compositor murió convencido de que su obra no perduraría. En ese tiempo el ballet no se consideraba un arte que valiera mucho la pena, por lo que componerle música no era muy bien visto entre el gremio. Tchaikovsky tomó el riesgo y a pesar de que otras de sus obras para ballet tuvieron éxito, su primer intetno, El Lago de los Cisnes, no lo tuvo.

En 1895 la partitura es modificada, se le hacen «arreglos», algunos fragmentos del primer acto se pasan al tercer acto. Hay música adicional de Riccardo Drigo. Marius Petipa hace las coreografías del primero y tercer acto y los actos segundo y cuarto quedan a cargo de Lev Ivanov.

A decir de Petipa, Odette, el cisne blanco, es un personaje soso, con gusto le deja los «actos blancos» a Ivanov, aquellos más tradicionales con cuerpo de baile y violines tristes. Él toma los actos de fiesta y en particular le interesa Odile, el cisne negro, la verdadera heroína para Petipa.

La versión de 1895 es la que catapulta al Lago de los Cisnes a la fama y todas las versiones del sigo XX y hasta la fecha tienen elementos de la de Ivanov-Petipa.

Habla también un poco de la versión de Grigorovich, que ha ido evolucionando poco a poco. Entre los cambios respecto a la versión tradicional es que Rothbard, el hechicero, recibe el nombre de «El Genio Malvado»

El libro finaliza con una sinopsis fotográfica de la obra.

La historia presentada es muy interesante, además del análisis de los personajes y situaciones. La música de Tchaikovsky se cree incluye elementos de su ópera Ondine, que fue destruida por él mismo. Tanto Ondine como El Lago tratan de un ser mágico que pierde la vida al conocer las maldades de la humanidad. Básicamente es la historia de un primer amor (los personajes tienen alrededor de 17 años) que acaba en tragedia debido a las debilidades humanas. Algo como en La Sirenita, Ondine y Romeo y Julieta.

«Finalmente, Odile usa el hechizo mas viejo del mundo. Estas palabras han hecho magia por millones de años …. ‘Te amo’, ella dice. Inmediatamente, el Príncipe la levanta, actuando como si ella fuera la única persona perfecta en el mundo […] Él solo tiene ojos para Odile … ha sido atrapado por el hechizo del amor … amor ciego» – páginas 126 y 127

The Official Bolshoi Ballet Book of Swan Lake
Yuri Grigorovich y Alexander Demidov
Traducido al inglés por Yuri Shirokov T. F. H. Publications Inc
1986
140 páginas

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#teatro

Enemigo del Pueblo

Henrik Ibsen publicó Un Enemigo del Pueblo en 1882, estrenándose el 13 de enero de siguiente año. Una obra que 137 años después de su presentación sigue estando vigente.

Bajo la dirección de David Gaitan, La Compañía Nacional de Teatro presenta Enemigo del Pueblo, versión de Gaitán de la obra de Ibsen. la temporada en el Teatro Julio Castillo está por concluir el 19 de enero.

En el vestíbulo del teatro y al comenzar la función, el público es instruido a disparar unas pistolas de burbujas siempre que se cumpla una condición en escena. Solo una parte de la audiencia participa activamente en esta dinámica, pero los demás como observadores también se llevan algo de la experiencia. No entraré en más detalles sobre el uso o significado de las burbujas, es una sorpresa que debe tener el espectador.

La historia transcurre en un poblado donde un balneario recién abierto trae riqueza al lugar, sin embargo el doctor Stockmann descubre contaminación en las aguas y pide cerrarlo mientras se remedia la situación. La resistencia será impresionante: el gobierno, la prensa «imparcial» que inclina la balanza de un lado a otro a conveniencia, incluso su familia.

Se verán las trampas del gobierno, la prensa manipulante que se hace llamar «la voz del pueblo», el típico sonsonete de si se hace lo que dices perderás todos tus ahorros. Ese temor que tanto se le mete al pueblo de perderás todo si haces algo que cambie el statu quo.

En la escenografía, a cargo de Alejandro Luna se ve constantemente una mancha de luz en la pared, solo se apaga un momento después de tronar un cohete que apaga unos micrófonos de espionaje. Esa luz pareciera un ojo que lo vigila todo.

Lo privado se hace público, hay micrófonos escuchando al doctor, la correspondencia es interceptada sin reparo, a la gente en la plaza pública se le ordena retirarse o no y leer en el templete papeles personales. En el programa de mano se indica también la «administración de la plataforma pública» Estar observados todo el tiempo con el temor de hacer o decir algo que contradiga a la mayoría. Una línea de la obra dice algo así como que al ser mayoría los idiotas que hay en el mundo, no significa que estén en lo correcto. El que dice la verdad que incomoda a la mayoría puede ser reducido a nada por los que se sienten atacados.

La censura disfrazada de estar siendo ofendido, de ser políticamente correctos, criticar a alguien más escondiéndose en la masa, en el anonimato ¿atrás de una computadora juzgando el mundo en redes sociales? Ser juez y parte: juzgar a otros, en la vida pública conducirse por el camino correcto cuando en privado se tiene el mismo comportamiento o peor incluso que a quien juzgamos.

Al evitar incomodar a otos y seguir la corriente mientras «protegemos nuestros intereses» nos convertimos en marionetas. El changuito que no oye, no ve, no habla. Sin voz propia.

Algo interesante es que aparentemente para el público la violencia contra la mujer es reprobable pero no contra los hombres ¿Es por que la corriente marca eso y no hay que contradecirlo?

Enemigo del Pueblo
De Henrik Ibsen
Compañía Nacional de Teatro Versión y Dirección: David Gaitán
Iluminación y escenografía: Alejandro Luna
Actuaciones: Miguel Cooper, Ana Paola Loaiza, Luis Rábago, Antonio Rojas, Amanda Schmelz, Alan Uribe Villarruel
Duración aproximada: 1:30 horas

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#danza, #video

Xenos

Escena de Xenos. Imagen mostrada con fines ilustrativos.

Akram Khan es un coreógrafo británico de origen bangadesí, aclamado como uno de los coreógrafos más inventivos de los últimos años.

Xenos se estrenó el 21 de febrero de 2018. Es un solo interpretado por el mismo Khan, siendo éste su último trabajo en el que participará como bailarín de una obra de larga duración.

Xenos significa extranjero en griego. La obra fue comisionada por el centenario del inicio de la Primera Guerra Mundial. Mezcla danza contemporánea y kathak. Según la información de la compañía trata de los soldados indios enrolados.

El 14 de diciembre de 2019 fue grabada en el teatro La Villete de París. El video está disponible en streaming por tiempo limitado, de manera gratuita, en arte.tv Pueden aplicarse restricciones según el país. Esta reseña corresponde a dicha grabación.

Inicia una persona cayendo hacia el escenario, tomado de una soga. Un percusionista y un cantante están en escena. El personaje (Khan) se ve desubicado, hace movimientos frenéticos. El cantante parece querer interactuar con él, pareciera que le habla pero nunca se conectan. Khan baila kathak. El escenario está lleno de cuerdas. Los músicos se van, la escena comienza a cambiar, las cuerdas se van, hay tierra en el escenario y se vuelve más ambigua la historia.

Con diferentes ritmos Akram Khan continúa con movimientos nerviosos, frenéticos. Frecuentemente se mira las manos con miedo, sobre todo la derecha, y parece pelear con ella. Toma las cuerdas, tierra, un fonógrafo que pasa lista acaso a soldados caídos. Por momentos 5 músicos se ven en una parte alta de la escena, son el percusionista, el cantante, un violinista, un contrabajista y un saxofonista. Los sonidos son disonantes en general.

La obra me parece pesada, difícil de entender. Si no fuera porque se da información de que es un saldado en la Primera Guerra Mundial no hubiera entendido nada. Siento que es de esos casos donde el trabajo es tan vanguardista que solo sus creadores lo comprenden.

Khan tiene un trabajo corporal tremendo. La velocidad y precisión con que hace giros es sorprendente. Los brazos tienen mucha fluidez. Físicamente el trabajo tiene mucho mérito. Como obra, como un todo, me parece sumamente abstracta, con demasiados movimientos que no les veo sentido, como si en su despedida como solista quisiera demostrar todo el rango del que es capaz.

Al finalizar el público tarda varios segundos en comprender que ha terminado.

Xenos
Akram Khan Company
Dirección artística, coreografía e interpretación: Akram Khan. Músicos: B. C. Manjunath, Aditya Prakash, Nina Harries, Clarice Rarity y Tamar Osborn.
Duración aproximada: 1 hora 8 minutos

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#danza, #video, Ballet

La Pastorale

La Pastorale. Imágen con fines ilustrativos

Este 2020 se celebra el 250° aniversario del natalicio de Beethoven. Para la ocasión se preparan diversos festejos. Invitado por la Ópera de Bonn, ciudad natal del compositor, Thierry Malandain, director del Malandain Ballet Biarritz, ha creado el ballet La Pastorale, con música de la 6° Sinfonía «Pastoral», Cantata Opus 112 y fragmentos de Las Ruinas de Aténas.

La obra se estrenó, a manera de previo, con una temporada del 13 al 19 de diciembre de 2019 en el Théâtre de Chaillot, París y posteriormente como estreno mundial el 22 y 23 de diciembre en el Theater Bonn en Alemania.

La función del 17 de diciembre está disponible en streaming de manera gratuita y por tiempo limitado en arte.tv, pueden aplicarse restricciones según el país. La presente reseña corresponde a dicha grabación.

La obra con una duración de 79 minutos sin intermedio, se puede decir que tiene 3 partes y gira en torno a un personaje principal, interpretado si no me equivoco por el bailarín Hugo Layer.

El principio tiene una atmósfera oscura y pesada. Los bailarines usan vestidos largos y pesados, se mueven entre una serie de barras que si bien obstruyen un libre tránsito por el escenario, los movimientos son muy fluidos. En general en este bloque se ve al protagonista con pesar, parece atrapado, los movimientos y las barras así lo muestran. Varias veces está en el piso derrotado. Hay momentos en que camina agachado, a pasos cortos con las manos en la cabeza, se ve desesperado.

El bloque finaliza con él nuevamente en el piso, las barras son levantadas, otros bailarines le quitan el vestido quedando en un vestido corto, blanco, de tela ligera, a la manera de túnica griega. Comienza lo que ubico como un segundo bloque con música y ambientación más ligera. Los movimientos son más joviales. Toda la compañía ha cambiado los vestidos tipo victorianos por los más cortos que recuerdan a Grecia. Repetidas veces un grupo de 2 o 3 bailarines acompaña al protagonista quien frecuentemente se acuesta en el suelo, pero ya no se ve derrotado como al principio, ahora parece dormir o descansar tranquilamente.

El cuerpo de baile tiene múltiples entradas y un motivo que se repite a lo largo de la obra son cadenas humanas, agarrados de las manos haciendo formas estéticas con los brazos.

Un tercer bloque hacia el final sustituye nuevamente el vestuario por leotardos color piel con brillos en el pecho. Son aproximadamente los 10 minutos finales que van marcando el desenlace de la obra.

Malandain se caracteriza por hacer obras muy musicales, donde la danza sigue completamente a la música. Esta no es la excepción, el movimiento y las composiciones de Beethoven están perfectamente integradas.

La danza es de un estilo contemporáneo / neoclásico de un tipo que me gusta mucho y tenía años sin ver. Un estilo en el que todo está cuidado meticulosamente, el cuerpo de baile moviéndose al unísono, cánones perfectamente escalonados y entradas y salidas de bailarines, donde se agrega o disminuye gente en el escenario con un movimiento tan fluido que resulta increíble de ver. Es tan natural e integrado a la música que hasta pasaría inadvertido si no fuera porque es notorio que cambió la cantidad de gente en escena.

El hecho de que la grabación estuviera disponible 3 días después de la función es también digno de mención.

Una joya de la danza reciente al alcance del público gracias a arte.tv

La Pastorale
Malandain Ballet Biarritz
Coreografía: Thierry Malandain
Música: Ludwig Van Beethoven
Decorado y Vestuario: Jorge Gallardo
Bailarines: Giuditta Banchetti, Raphaël Canet, Clémence Chevillotte, Mickaël Conte, Jeshua Costa, Frederik Deberdt, Clara Forgues, Loan Frantz, Michaël Garcia, Irma Hoffren, Cristiano La Bozzetta, Hugo Layer, Guillaume Lillo, Claire Lonchampt, Nuria López Cortés, Arnaud Mahouy, Alessia Peschiulli, Ismael Turel Yagüe, Yui Uwaha, Patricia Velazquez, Allegra Vianello, Laurine Viel
Duración aproximada: 1:18 horas.

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#danza, Ballet

Giselle

El ballet Giselle fue estrenado en París el 28 de junio de 1841, coreografiado especialmente para Carlota Grisi que contaba con 20 años. Se considera uno de los ballets que mejor muestra la estética del romanticismo: va por lo emocional, la naturaleza, el individualismo, fuerzas sobrenaturales y protagonistas con destinos fatales, nada de finales felices.

El 6 de noviembre inició la temporada 2019-2020 del National Ballet of Canada, con sede en Toronto, en el Four Seasons Centre for The Performing Arts. La temporada inició con 7 funciones de Giselle a lo largo de 5 días.

Giselle es la historia de una campesina de dicho nombre que se enamora de Loys, el cual en realidad es el duque Albrecht que aburrido de su vida se hace pasar por campesino. Hilarion, otro habitante de la villa está enamorado de Giselle pero no es correspondido. Giselle y Albrecht bailan alegremente, él trata de besarla y ella escapa, el trata de sentarse junto a ella y ella acomoda el vestido para no dejarle espacio en el asiento. Escenas francamente cómicas de dos jóvenes enamorados jugando. Se comprometen. Una comitiva llega a la villa y Giselle baila para entretenerlos, incluyendo a la condesa Bathilda, la cual resulta la prometida de Albrecht. Hilarion es quien revela la verdadera identidad mientras muestra la espada de Albrecht, que él ha descubierto. Giselle entra en un colapso y se suicida con la espada de Albrecht.

Durante el segundo acto, en el cementerio, Albrecht e Hialrion irán a la tumba de Giselle, encontrándose a las Wilis, espectros de doncellas traicionadas que murieron de pena antes del matrimonio. Primero harán bailar a Hilarion hasta que muera de cansancio. Posteriormente Albrecht y Giselle se encuentran y bailan, ella lo previene, las Wilis lo encuentran, Giselle trata de interceder a su favor pero la condena no cambia. Ambos son obligados a bailar. La escena es muy fuerte, el cuerpo de baile con movimientos muy precisos realiza sus secuencias donde lo señalan, condenan y dan la espalda, todo en canon muy parejo. En el momento en que la música repite el tema con el que Hilarion es obligado a bailar, vemos a Albrecht cansado y comienza también su danza, sabemos que no hay escapatoria. Siento un estremecimiento y ganas de llorar. Llega el amanecer, las Wilis pierden su poder, Albrecht sobrevivió, los espectros se van. Giselle también debe regresar a la tumba. Se despiden, se ven por última vez …. Me inunda la tristeza.

Giselle no es de mis ballets favoritos, he visto la obra en numerosas versiones en video, ésta es la primera vez que la veo en vivo. A pesar de no ser de las obras que más me gustan quedé con muy buen sabor de boca. El cuerpo de baile es excelente, un trabajo muy pulido. Svetlana Lunkina y Harrison James en los papeles principales en la función a la que asistí interpretaron muy bien sus papeles. Giselle es un ballet en el que se menciona se requiere trabajar particularmente la danza y la actuación para desempeñar las diversas emociones y situaciones de los personajes y los protagonistas lo logran muy bien. Como menciono, en el primer acto vemos dos enamorados que nos hacen reír con su ternura y juegos; mientras que en el segundo acto provocan lagrimas con el castigo al que no se le ve salida, su último baile juntos y la inevitable despedida. El que muevan tantas emociones es algo que se agradece.

El Four Seasons Centre es un bello teatro al estilo europeo con «rings» (anillos o balcones) de unas pocas filas cada uno. Los boletos, también al estilo europeo, colocan a mayor precio los asientos centrados y adelante, sin importar si es planta baja o pisos altos. Algunas secciones se venden sorprendentemente rápido. Existe también la posibilidad de formarse en la mañana del día de la función para comprar boletos «de pie» en los anillos 4 y 5. En la parte trasera al centro de dichas secciones hay un espacio con un barandal donde puede verse la función de pie, en el barandal pueden apoyarse mas no sentarse y se cuenta con ganchos para colgar las bolsas. Estos boletos cuestan una fracción de los que son con butaca.

Una media hora antes de la función, en una escalinata – graderío en el vestíbulo, se muestran en pantallas entrevistas y datos sobre la obra. Durante el intermedio salen dos bailarines a tomarse fotos y firmar programas. El «souvenir book» de la temporada no me parece muy interesante, tiene poca información de las obras, sobre todo tiene fotos de los integrantes de la compañía y hace mención de las conmemoraciones del año, como bailarines celebrando 20, 30, 50 años y homenajes de despedida. Si bien es muy bueno que se le de su lugar a los bailarines, se les presente y reconozca su trayectoria, me gustaría que tuviera más información.

Esta temporada está dedicada a los 50 años de vida artística de Karen Kain, actual directora artística y que ha anunciado su retiro al final de la misma.

Giselle
Coreografía y producción: Sir Peter Wright después de Jean Coralli, Jules Perrot y Marius Petipa
Música: Adolphe Adam con arreglos de Joseph Horovitz
The Ballet National of Canada
Duración aproximada: 2 horas incluyendo intermedio de 20 minutos.

Interior del Four Seasons Centre
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circo

Cirque du Soleil: Alegria in a new light

Nueva imagen de Alegría

En 1994 Cirque du Soleil estrenó el espectáculo Alegría, el que se convertiría hasta la fecha en el más icónico de sus producciones. Su última presentación fue en 2013, año en que se retiró definitivamente de los escenarios. El DVD ha existido comercialmente durante muchos años así como el disco con la música, siendo el tema Alegría la pieza mas escuchada del Cirque.

Este 2019 se estrenó “Alegría in a new light” (en una nueva luz) originalmente anunciado como “el retorno de un clásico” Y así es, regresa un clásico pero en una nueva faceta. El nuevo espectáculo es una reinterpretación del original el cual solo conozco por videos ya que no lo vi en vivo.

Se indica que es una historia de resilencia y esperanza. Alegría siempre ha sido una historia triste, tomando el nombre de la costumbre en Italia de decir «Alegría» cuando todo va mal, una manera de decir «por buena cara, la vida sigue, qué nos queda: ¡alegría!» En el espectáculo se presenta un reino sin rey donde el personaje guía toma la corona y se autoproclama. En el video original esta trama no es clara, en la nueva versión me recuerda mucho el argumento de Kooza, el estilo de los payasos también me recuerda a Kooza. que fue creado en 2007.

La música tiene más tintes de rock que en la versión antigua. El soundtrack fue liberado en plataformas digitales meses atrás, lo oí antes de ver el show y no me gustó. Siento que la música original de René Duperé podía vivir por si sola aun sin ver el espectáculo. La música nueva siento que no funciona así. Al ver el show cobró sentido, va muy bien empatada con la acción en vivo, pero aislada siento que no tiene la misma fuerza. Las piezas que son reinterpretaciones de las originales se oyen raras. Precisamente están modificando clásicos. Las decepciones más grandes para mi fueron los temas Alegría y Vai Vedrai.

La mayoría de los actos se conservan, como los aros hula, el fast track y las barras de altura. Otros presentan modificaciones como las cintas áreas, previamente un solo y ahora un dueto. Hay actos que cambian completamente como la falta de hombre fuerte y el uso de una nueva rueda cruzada. El acto previo a la tormenta de nieve tiene también un cambio mayor: El payaso triste con el perchero, interpretado magníficamente en la grabación por Yuri Medvedev, siempre me da mucha tristeza. La rutina es de Slava Polunin y la usa en su Slava’s Snowshow, la he visto en vivo en dicho espectáculo y no siento lo que transmite Medvedev. En este nuevo Alegría no se presenta dicha rutina, se hace una diferente tratando de transmitir lo mismo pero no llega a igualar la emoción. No se si por cuestión de derechos no se haya incluido como se realizaba anteriormente.

El número que más se me quedó fue el de malabares con fuego, con la canción Cerceaux, la cual tiene vida propia sin el show. El conjunto que forman la cantante de negro, la baterista y el malabarista son increíbles y se complementan perfectamente. Me dio gusto que al finalizar se agradecen entre los 3. Es un trabajo en equipo que sin una de esas partes no funcionaría de la misma manera. Cerceaux originalmente se usaba en el número de aros hula. Es un acierto presentarla con un estilo de rock ahora en el fuego.

También vale la pena destacar el número con ruedas cruzadas, una especie de rueda Cyr con una rueda empotrada dentro de la otra, no se si sea ilusión óptica pero pareciera cambiar el ángulo entre ambas.

Durante el fast track (camas elásticas puestas en dos líneas largas donde saltan mientras avanzan haciendo múltiples acrobacias) me llamó la atención la forma en que la música guía al público, en la parte en que la música es lenta y melancólica el público no aplaudía aunque los acróbatas hicieran poses agradeciendo. El aplauso regresó cuando la música nuevamente se acelera. En el momento lento la gente sabe que es tiempo de observar, sentir emociones y reservar el aplauso para después.

Normalmente no me gustan las adaptaciones o reinterpretaciones de clásicos, esta no es la excepción, siento que algo quedó a deber. La función que vi fue hacia el final de la temporada en Toronto, segunda ciudad que pisa este montaje. No hubo programas de mano, parece que la respuesta durante toda la temporada fue que llegarían «la próxima semana». Otro punto que me llamó mucho la atención es la forma en que varían los precios de los boletos comprando en el sitio oficial. Pareciera que se le compra a reventa: el mapa de precios varía significativamente de un día a otro, incluso una misma función, un mismo asiento puede cambiar considerablemente dependiendo de que tantos o pocos lugares queden.

Cirque du Soleil: Alegría in a new light
Duración aproximada: 2:15 horas incluyendo intermedio

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celta, musica, Sin categoría

Loreena McKennitt Lost Souls Tour

Interior de la Sala Wilfrid-Pelletier

Loreena McKennitt sacó su primer disco en 1985, desde entonces se ha colocado como una cantante representativa de música celta con un estilo que incluye irlandesa, medieval y toques de diferentes partes del mundo. Su repertorio cuenta con canciones tradicionales, de composición propia y re interpretación de temas antiguos.

Durante este año llevó a cabo el Lost Souls Tour para promocionar su último disco de estudio Lost Souls. A principios de año en Sudamérica; Europa durante el verano y el este de Canadá en otoño. Durante la gira canadiense salió al mercado la grabación en vivo en el Albert Hall de Londres realizada unos meses antes. Todos los asistentes de estas últimas fechas recibieron éste disco como parte del boleto.

La presente reseña corresponde al 30 de octubre, en la Sala Wilfrid-Pelletier de Place des Arts en Montreal, segunda fecha de Canadá.

Desde el ingreso del público el escenario contaba con 5 candelabros de 7 brazos cada uno con sus respectivas velas encendidas. En la primer mitad predominó la iluminación morada y verde, en la segunda mitad fue más rojo azul. Las velas y las luces producían una atmósfera especial. Al final de algunas canciones, a modo de remate se apagaban todas las luces quedando solo las velas que iluminaban a los músicos a contraluz, produciendo un efecto impactante.

McKennitt estuvo acompañada por 5 músicos, trabajando con algunos de ellos por aproximadamente 20 años. El programa se compuso por 10 piezas, un intermedio de 20 minutos, una segunda parte de 8 piezas y un encore de 2 canciones más. Cada uno de los músicos, en algún momento, tuvo su momento protagónico, un momento de improvisación o donde su instrumento resalta. En esos instantes el juego de luces se centraba en el intérprete en cuestión.

A pesar de ser una gira promocionando el disco Lost Souls, el concierto no se centró en el nuevo material, lo que a mí en particular me agradó mucho. El repertorio fue diferente al que se encuentra en el disco del Albert Hall, por lo que se concluye que la gira europea cubrió diferentes canciones, en este caso mas enfocadas al material nuevo. Seguramente el objetivo era grabar en vivo lo que no existía previamente en versiones con público.

En Montreal se ofreció un programa variado con canciones de antaño como Bonny Portmore y The Lady of Shalott así como recientes como Lost Souls y Manx Ayre, sin dejar de lado las representativas Marco Polo, The Mummer’s Dance y Santiago. The Mystic’s Dream también ha sido una pieza icónica de McKennitt y fue con la que abrió la velada. Las mas aplaudidas fueron Santiago con la ya esperada improvisación de Hugh Marsh en el violín y The Old Ways. No se interpretaron temas del periodo 1985-1989. Como es su costumbre y se ve en la grabación Nights from the Alhambra, McKennitt da una breve introducción en la mayoría de sus canciones.

Canciones que causan un estremecimiento al oirlas en vivo, otras que conmueven y dan ganas de llorar, como es el caso de Dante’s Prayer con la que cerró la noche (encore final) The Gates of Istambul me trasladó a otro lugar, como viajar despierto, acaso una especie de meditación con música. El sentimiento con que toca Caroline Lavelle el violonchelo es digno de mención.

El público salió contento, después de una noche mágica en una hermosa sala con una acústica impecable. McKennitt agradeció no solo a los músicos sino a todo el staff, la gente tras bambalinas que no vemos y muchas veces uno olvida que están ahí pero sin ellos las presentaciones serían imposibles.

Durante la gira canadiense se anunció que al finalizar las fechas, es decir el 3 de noviembre, Loreena McKennitt pone una pausa por tiempo indefinido en su carreera musical para realizar otras tareas como dedicar tiempo a su familia y trabajar contra el calentemiento global y los efectos nocivos de la tecnología: cómo afecta la salud mental en los niños, cómo se usa la tecnología para erosionar democracias y difundir noticias falsas, cómo compromete nuestra privacidad.

Espero que la pausa no sea tan larga y volvamos a tener música de esta maravillosa intérprete. Todo el éxito en sus nuevas actividades.

Loreena McKennitt Lost Soul Tour (Québec & Ontario Fall 2019)
Músicos: Brian Hughes, Caroline Lavelle, Hugh Marsh, Dudley Phillips, Robert Brian
Duración Aproximada: 2:20 horas incluyendo intermedio de 20 minutos

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#danza, celta, folclor, musica

8° Celtia. Festival Celta de México

Poster de Festival Celtia. Se muestra con fines ilustrativos.

El pasado 23 de noviembre se llevó a cabo el 8° Celtia, Festival Celta de México, realizado junto a la Puerta de Leones en el marco del 16° Festival del Bosque de Chapultepec.

Con actividades desde las 10:00 am hasta las 6:00 pm el festival congregó diferentes grupos de música y danza Celta como es el caso de la Galaica y la Irlandesa.

Para arrancar estuvo An Bodhrán, grupo de la Ciudad de México de Folk Celta Fusión, su interés es la mezcla de música mexicana y celta. Compartieron con el público tanto piezas tradicionales como propias. Con humor presentaron las canciones, dando breves introducciones a las mismas. Al mismo tiempo, a escasos metros, arrancaba el desfile de una tienda departamental por lo que un helicóptero que sobrevolaba y gente que se acercaba al escenario pero seguía de largo al otro evento servían de distracción. El presentador del grupo aprovechó también estas situaciones para hacer bromas. Al finalizar su presentación el público pedía otra pero no pudieron tocas más para seguir en tiempo con las actividades posteriores. An Bodhrán cuenta con dos producciones discográficas.

El segundo grupo fue Nemhan Danza Irlandesa. Pertenecientes a una academia, presentaron diferentes números donde también hubo fusión de estilos. Con variedad como danza irlandesa sin música donde solo se oye el zapateado, con música, duetos, solos y bailes grupales. También un número con estilo de teatro musical, yo diría que una mezcla con tap, donde hubo movimiento de brazos, cosa que en la danza irlandesa no sucede. Me llamó particularmente la atención una coreografía en la que se ve zapateado mexicano y zapateado irlandés. Al finalizar comentaron que faltó el número de flamenco. Los integrantes fueron tanto los maestros como alumnos adultos y niñas. Durante la semana concursarán en Estados Unidos buscando pase para el mundial de danza irlandesa en Dublín.

Daoine Sidhé fue el siguiente grupo musical en presentarse. Cuentan con el acompañamiento de una bailarina que tanto danza en el escenario como abajo de él, invitando al público a participar. El conjunto está formado por jóvenes con mucho entusiasmo que usan vestuario tan variado como tartanes que remiten a vestimenta escocesa, como túnicas verdes y gorros de pico pareciendo seres mágicos salidos del bosque.

No pude ver más del festival. Continuó a lo largo de la tarde 6 horas más. La gente se estaba congregando y al parecer en la tarde-noche se puso mejor el ambiente. Se anunció que al cierre se unirían todas las bandas participantes y se irían sumando en una improvisación conjunta lo que ha de ser digno de verse. Se comenta que en este tipo de actividades es una tradición.

No conocía el festival, mencionaron que a lo largo de su historia tuvo que cambiar de nombre y el año pasado no fue posible realizarlo. Me da gusto que este año hayan regresado y se les haya tomado en cuenta dentro de un festival más grande como es el del Bosque de Chapultepec.

Habrá que estar atentos al próximo año.

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