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THE OFFICIAL BOLSHOI BALLET BOOK OF SWAN LAKE

Portada del libro. Se muestra con fines ilustrativos.

En 1986 fue publicado el libro The Official Bolshoi Ballet Book of Swan Lake por Yuri Grigorovich y Alexander Demidov. Originalemnte en ruso, traducido al inglés por Yuri Shirokov. T.F.H. Publications en 1984 obtuvo los derechos en excluisva para la traducción y distribución fuera de Rusia de la literatura soviética de música y ballet.

El libro cuenta a grandes rasgos cómo es que Tchaikovsky llegó a componer la música de éste ballet. Con más profundidad entra a la historia de la obra. Su desafortunado debut en 1877, los cambios mayores realizados en 1895 con el compositor ya fallecido, otros cambios en 1901 y finaliza con la versión del propio Grigorovich en 1969.

Sobre el estreno en 1877 se menciona que el libreto no era lo suficientemente fuerte ni tenía mucha lógica. El coreógrafo, libretista y compositor apenas trabajaron juntos, lo que desesperaba mucho a Tchaikovsky. La obra fue quedando en el olvido y el compositor murió convencido de que su obra no perduraría. En ese tiempo el ballet no se consideraba un arte que valiera mucho la pena, por lo que componerle música no era muy bien visto entre el gremio. Tchaikovsky tomó el riesgo y a pesar de que otras de sus obras para ballet tuvieron éxito, su primer intetno, El Lago de los Cisnes, no lo tuvo.

En 1895 la partitura es modificada, se le hacen “arreglos”, algunos fragmentos del primer acto se pasan al tercer acto. Hay música adicional de Riccardo Drigo. Marius Petipa hace las coreografías del primero y tercer acto y los actos segundo y cuarto quedan a cargo de Lev Ivanov.

A decir de Petipa, Odette, el cisne blanco, es un personaje soso, con gusto le deja los “actos blancos” a Ivanov, aquellos más tradicionales con cuerpo de baile y violines tristes. Él toma los actos de fiesta y en particular le interesa Odile, el cisne negro, la verdadera heroína para Petipa.

La versión de 1895 es la que catapulta al Lago de los Cisnes a la fama y todas las versiones del sigo XX y hasta la fecha tienen elementos de la de Ivanov-Petipa.

Habla también un poco de la versión de Grigorovich, que ha ido evolucionando poco a poco. Entre los cambios respecto a la versión tradicional es que Rothbard, el hechicero, recibe el nombre de “El Genio Malvado”

El libro finaliza con una sinopsis fotográfica de la obra.

La historia presentada es muy interesante, además del análisis de los personajes y situaciones. La música de Tchaikovsky se cree incluye elementos de su ópera Ondine, que fue destruida por él mismo. Tanto Ondine como El Lago tratan de un ser mágico que pierde la vida al conocer las maldades de la humanidad. Básicamente es la historia de un primer amor (los personajes tienen alrededor de 17 años) que acaba en tragedia debido a las debilidades humanas. Algo como en La Sirenita, Ondine y Romeo y Julieta.

“Finalmente, Odile usa el hechizo mas viejo del mundo. Estas palabras han hecho magia por millones de años …. ‘Te amo’, ella dice. Inmediatamente, el Príncipe la levanta, actuando como si ella fuera la única persona perfecta en el mundo […] Él solo tiene ojos para Odile … ha sido atrapado por el hechizo del amor … amor ciego” – páginas 126 y 127

The Official Bolshoi Ballet Book of Swan Lake
Yuri Grigorovich y Alexander Demidov
Traducido al inglés por Yuri Shirokov T. F. H. Publications Inc
1986
140 páginas

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La Pastorale

La Pastorale. Imágen con fines ilustrativos

Este 2020 se celebra el 250° aniversario del natalicio de Beethoven. Para la ocasión se preparan diversos festejos. Invitado por la Ópera de Bonn, ciudad natal del compositor, Thierry Malandain, director del Malandain Ballet Biarritz, ha creado el ballet La Pastorale, con música de la 6° Sinfonía “Pastoral”, Cantata Opus 112 y fragmentos de Las Ruinas de Aténas.

La obra se estrenó, a manera de previo, con una temporada del 13 al 19 de diciembre de 2019 en el Théâtre de Chaillot, París y posteriormente como estreno mundial el 22 y 23 de diciembre en el Theater Bonn en Alemania.

La función del 17 de diciembre está disponible en streaming de manera gratuita y por tiempo limitado en arte.tv, pueden aplicarse restricciones según el país. La presente reseña corresponde a dicha grabación.

La obra con una duración de 79 minutos sin intermedio, se puede decir que tiene 3 partes y gira en torno a un personaje principal, interpretado si no me equivoco por el bailarín Hugo Layer.

El principio tiene una atmósfera oscura y pesada. Los bailarines usan vestidos largos y pesados, se mueven entre una serie de barras que si bien obstruyen un libre tránsito por el escenario, los movimientos son muy fluidos. En general en este bloque se ve al protagonista con pesar, parece atrapado, los movimientos y las barras así lo muestran. Varias veces está en el piso derrotado. Hay momentos en que camina agachado, a pasos cortos con las manos en la cabeza, se ve desesperado.

El bloque finaliza con él nuevamente en el piso, las barras son levantadas, otros bailarines le quitan el vestido quedando en un vestido corto, blanco, de tela ligera, a la manera de túnica griega. Comienza lo que ubico como un segundo bloque con música y ambientación más ligera. Los movimientos son más joviales. Toda la compañía ha cambiado los vestidos tipo victorianos por los más cortos que recuerdan a Grecia. Repetidas veces un grupo de 2 o 3 bailarines acompaña al protagonista quien frecuentemente se acuesta en el suelo, pero ya no se ve derrotado como al principio, ahora parece dormir o descansar tranquilamente.

El cuerpo de baile tiene múltiples entradas y un motivo que se repite a lo largo de la obra son cadenas humanas, agarrados de las manos haciendo formas estéticas con los brazos.

Un tercer bloque hacia el final sustituye nuevamente el vestuario por leotardos color piel con brillos en el pecho. Son aproximadamente los 10 minutos finales que van marcando el desenlace de la obra.

Malandain se caracteriza por hacer obras muy musicales, donde la danza sigue completamente a la música. Esta no es la excepción, el movimiento y las composiciones de Beethoven están perfectamente integradas.

La danza es de un estilo contemporáneo / neoclásico de un tipo que me gusta mucho y tenía años sin ver. Un estilo en el que todo está cuidado meticulosamente, el cuerpo de baile moviéndose al unísono, cánones perfectamente escalonados y entradas y salidas de bailarines, donde se agrega o disminuye gente en el escenario con un movimiento tan fluido que resulta increíble de ver. Es tan natural e integrado a la música que hasta pasaría inadvertido si no fuera porque es notorio que cambió la cantidad de gente en escena.

El hecho de que la grabación estuviera disponible 3 días después de la función es también digno de mención.

Una joya de la danza reciente al alcance del público gracias a arte.tv

La Pastorale
Malandain Ballet Biarritz
Coreografía: Thierry Malandain
Música: Ludwig Van Beethoven
Decorado y Vestuario: Jorge Gallardo
Bailarines: Giuditta Banchetti, Raphaël Canet, Clémence Chevillotte, Mickaël Conte, Jeshua Costa, Frederik Deberdt, Clara Forgues, Loan Frantz, Michaël Garcia, Irma Hoffren, Cristiano La Bozzetta, Hugo Layer, Guillaume Lillo, Claire Lonchampt, Nuria López Cortés, Arnaud Mahouy, Alessia Peschiulli, Ismael Turel Yagüe, Yui Uwaha, Patricia Velazquez, Allegra Vianello, Laurine Viel
Duración aproximada: 1:18 horas.

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#danza, Ballet

Giselle

El ballet Giselle fue estrenado en París el 28 de junio de 1841, coreografiado especialmente para Carlota Grisi que contaba con 20 años. Se considera uno de los ballets que mejor muestra la estética del romanticismo: va por lo emocional, la naturaleza, el individualismo, fuerzas sobrenaturales y protagonistas con destinos fatales, nada de finales felices.

El 6 de noviembre inició la temporada 2019-2020 del National Ballet of Canada, con sede en Toronto, en el Four Seasons Centre for The Performing Arts. La temporada inició con 7 funciones de Giselle a lo largo de 5 días.

Giselle es la historia de una campesina de dicho nombre que se enamora de Loys, el cual en realidad es el duque Albrecht que aburrido de su vida se hace pasar por campesino. Hilarion, otro habitante de la villa está enamorado de Giselle pero no es correspondido. Giselle y Albrecht bailan alegremente, él trata de besarla y ella escapa, el trata de sentarse junto a ella y ella acomoda el vestido para no dejarle espacio en el asiento. Escenas francamente cómicas de dos jóvenes enamorados jugando. Se comprometen. Una comitiva llega a la villa y Giselle baila para entretenerlos, incluyendo a la condesa Bathilda, la cual resulta la prometida de Albrecht. Hilarion es quien revela la verdadera identidad mientras muestra la espada de Albrecht, que él ha descubierto. Giselle entra en un colapso y se suicida con la espada de Albrecht.

Durante el segundo acto, en el cementerio, Albrecht e Hialrion irán a la tumba de Giselle, encontrándose a las Wilis, espectros de doncellas traicionadas que murieron de pena antes del matrimonio. Primero harán bailar a Hilarion hasta que muera de cansancio. Posteriormente Albrecht y Giselle se encuentran y bailan, ella lo previene, las Wilis lo encuentran, Giselle trata de interceder a su favor pero la condena no cambia. Ambos son obligados a bailar. La escena es muy fuerte, el cuerpo de baile con movimientos muy precisos realiza sus secuencias donde lo señalan, condenan y dan la espalda, todo en canon muy parejo. En el momento en que la música repite el tema con el que Hilarion es obligado a bailar, vemos a Albrecht cansado y comienza también su danza, sabemos que no hay escapatoria. Siento un estremecimiento y ganas de llorar. Llega el amanecer, las Wilis pierden su poder, Albrecht sobrevivió, los espectros se van. Giselle también debe regresar a la tumba. Se despiden, se ven por última vez …. Me inunda la tristeza.

Giselle no es de mis ballets favoritos, he visto la obra en numerosas versiones en video, ésta es la primera vez que la veo en vivo. A pesar de no ser de las obras que más me gustan quedé con muy buen sabor de boca. El cuerpo de baile es excelente, un trabajo muy pulido. Svetlana Lunkina y Harrison James en los papeles principales en la función a la que asistí interpretaron muy bien sus papeles. Giselle es un ballet en el que se menciona se requiere trabajar particularmente la danza y la actuación para desempeñar las diversas emociones y situaciones de los personajes y los protagonistas lo logran muy bien. Como menciono, en el primer acto vemos dos enamorados que nos hacen reír con su ternura y juegos; mientras que en el segundo acto provocan lagrimas con el castigo al que no se le ve salida, su último baile juntos y la inevitable despedida. El que muevan tantas emociones es algo que se agradece.

El Four Seasons Centre es un bello teatro al estilo europeo con “rings” (anillos o balcones) de unas pocas filas cada uno. Los boletos, también al estilo europeo, colocan a mayor precio los asientos centrados y adelante, sin importar si es planta baja o pisos altos. Algunas secciones se venden sorprendentemente rápido. Existe también la posibilidad de formarse en la mañana del día de la función para comprar boletos “de pie” en los anillos 4 y 5. En la parte trasera al centro de dichas secciones hay un espacio con un barandal donde puede verse la función de pie, en el barandal pueden apoyarse mas no sentarse y se cuenta con ganchos para colgar las bolsas. Estos boletos cuestan una fracción de los que son con butaca.

Una media hora antes de la función, en una escalinata – graderío en el vestíbulo, se muestran en pantallas entrevistas y datos sobre la obra. Durante el intermedio salen dos bailarines a tomarse fotos y firmar programas. El “souvenir book” de la temporada no me parece muy interesante, tiene poca información de las obras, sobre todo tiene fotos de los integrantes de la compañía y hace mención de las conmemoraciones del año, como bailarines celebrando 20, 30, 50 años y homenajes de despedida. Si bien es muy bueno que se le de su lugar a los bailarines, se les presente y reconozca su trayectoria, me gustaría que tuviera más información.

Esta temporada está dedicada a los 50 años de vida artística de Karen Kain, actual directora artística y que ha anunciado su retiro al final de la misma.

Giselle
Coreografía y producción: Sir Peter Wright después de Jean Coralli, Jules Perrot y Marius Petipa
Música: Adolphe Adam con arreglos de Joseph Horovitz
The Ballet National of Canada
Duración aproximada: 2 horas incluyendo intermedio de 20 minutos.

Interior del Four Seasons Centre
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Al ritmo del corazón (Yuli)

Poster de Al ritmo del corazón, se muestra con fines ilustrativos

Carlos Acosta es un bailarín cubano de fama mundial reconocido como uno de los mejores de su generación y como el primer bailarín negro en interpretar diversos papeles principales en diferentes ballets. Ha bailado con el Ballet Nacional de Cuba, el Ballet de Houston y el Royal Ballet.

La cinta Yuli es una película basada en la autobiografía escrita por Acosta. La película se estrenó en diciembre del 2018 en el Festival Internacional de Cine de San Sabastian en España y actualemnte se presenta en salas comerciales en México tras su presentación en el Festival Internacional de Cine de Morelia. Originalmente llamada Yuli, en México se proyecta como Al ritmo del corazón (Yuli)

La película narra la historia de Acosta (llamado Yuli por su famillia) desde niño hasta la actualidad, intercalando tiempos, con escenas de su infancia y posterior juventud, alternando con escenas del presente. Se muestra una infancia dificil con un padre que “lo ama a su manera” quien lo obliga a audicionar en la Escuela Nacional de Ballet. Un niño rebelde y mentrioso que no quiere estudiar ballet y escapa de clases cada vez que puede. Maestros y compañeros inconformes con su conducta. También maestros que ven su potencial y lo siguen apoyando. Continúa bailando hasta convertirse en la leyenda que es hoy en día.

La cinta me parece pesada. No soy muy aficionado a las autobiografías ya que tienden a exagerar y modificar los hechos. En este caso me pierden muy al principio de la historia. Vemos a Carlos Acosta actuando en una película sobre su vida y dentro de la película hace una coreografía que trata de su vida. Aparentemente parte de lo que vemos se lo está contando a los bailarines de su obra. En un punto les dice que la escena anterior nunca sucedió, que no sabemos qué parte es realidad y qué parte ficción, a lo que le contestan que para contar su historia vaya con todo ¿es luz verde para la ficción?

Si se narra a un Acosta mentiroso como niño, y como adulto admite que hay ficción en su historia ¿podemos considerarlo realmente biografía? ¿Qué tan creíble es? ¿Licencia dramática?

Hablando de emociones, la cinta muestra la soledad que siente Acosta al estar en el extranjero, con un idioma que apenas conoce, lejos de su familia y tratando de regresar siempre con ellos. La discriminación por ser de color y las burlas de los otros niños que lo llaman marica por estudiar ballet.

Es triste ver que uno de los bailarines mas representativos de los últimos años nunca quiso bailar, incluso como adulto me queda la duda si quería bailar. Tiene una fractura de tobillo y tras su recuperación es renuente a regresar y una vez más son los maestros quienes lo convencen de continuar. Él siempre dice sentir todo el peso de Cuba sobre sus hombros. Pareciera que como niño no quería y lo obligaban los adultos y como adulto lo sigue obligando la costumbre. Afirma que el ballet le robó la vida.

El título que se le da en México: Al ritmo del corazón, no me parece adecuado pues su corazón no pedía ballet. No se si sea solo en México o también en otros países, la cinta se proyecta hablada en español de Cuba con subtítulos en español idéntico al hablado. Me parece innecesario ¿acaso es tan incomprensible un cubano que es necesario ponerle subtítulos?

Finalmente agregaré la pena que da el Cine Diana por el abandono y olor a humedad que tiene la sala, un cine otrora importante merece un mantenimiento.

Al ritmo del Corazón (Yuli)
Dirección: Iciar Bollaín
Productoras: Galápagos Media, Hijo de Ogún, Morena Films, Potboiler Productions, Producciones de la 5ta Avenida
Actuaciones: Carlos Acosta, Santiago Alfonso, Laura de La Uz, Keyvin Martínez, Edison Manuel Olbera
Año: 2018
Duración aproximada: 1:50 minutos

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Restless Creature: Wendy Whelan

Poster de Restless Creature Wendy Whelan. Se muestra con fines ilustartivos

Wendy Whelan fue bailarina del New York City Ballet (NYCB) por 30 años. Durante ese tiempo llegó a ser principal y constantemente era elegida para interpretar papeles y otros eran creados especialmente para ella. Actualmente es directora artística asociada de la misma compañía. Restless Creature: Wendy Whelan es un documental sobre su última etapa en el NYCB.

Durante la grabación se menciona que Whelan tenía 46-47 años de edad y una lesión en la cadera la llevó a la primer cirugía de su vida. Tras la rehabilitación explora danzas diferentes al ballet y crea con 4 coreógrafos el espectáculo Restless Creature. En 2014, poco después de la cirugía se retira del NYCB como bailarina.

El documental retoma el nombre de ese preoyecto. Es un trabajo que tiene un estilo de reallity show. Ese estilo en el que la cámara capta un encuentro en el parque, cómo se saludan personas que no se han visto en mucho tiempo. Whelan sube a un taxi y se aleja, etcétera. Las tomas resultan planeadas. Por ejemplo, en el taxi la siguiente escena es la cámara al lado de Whelan dentro del coche. O entra a una oficina a una importante junta donde cierran la puerta y la cámara queda afuera para posteriormente estar a un lado en la reunión. Esos detalles me hacen pensar que las reacciones y comentarios no son espontáneos sino guiones planeados. Incluso el que esté grabada la cirugía me da qué pensar.

La cinta se centra en los problemas que Whelan enfrenta tras la cirugía: la decisión de retirarse o no. Frecuentemente entran comentarios donde ella se siente atacada diciendo que en la compañía consideran que ya está afuera, que el director artístico no la ha considerado para la nueva producción argumentando que nadie quiere ver una estrella en decadencia. Hay una escena en la que muy molesta dice que después de un ensayo tuvo que abandonar el estudio porque estaba cojeando y todos la estaban viendo.

Me da sentimientos encontrados. Por un lado se ve la disciplina de una bailarina principal. Todo el trabajo, todo el esfuerzo que ello conlleva y que puede irse en poco tiempo. No es un trabajo de un día, es de años, décadas. Por otro lado siento el documental como una forma de victimizarse y mostrarse como una persona de gran resiliencia. Incluso el título me resulta chocante dentro del contexto (criatura incansable)

El ballet es una disciplina dura que cobra su cuota sobre el cuerpo, muchos bailarines se retiran jóvenes. Whelan al tener su primer lesión seria y cirugía a los 46 años se puede decir que fue bastante afortunada.

Básicamente la cinta muestra el enfrentamiento emocional a tener que parar, dejar de bailar. Ver las señales de que el cuerpo ya no puede hacer ciertas cosas y decir “antes podía hacerlo” o “me preparé decenas de años para hacer este ejercicio bien y ahora no puedo más” También la falta de aceptación, como recibir indicaciones médicas, desobedecerlas y posteriormente quejarse del dolor. La frase “si no bailo prefiero morir”. Tomarse las cosas a modo personal sintiendo que no le dirigen la palabra para obligarla a renunciar. La escena ya mencionada donde se siente humillada: “salí del estudio cojeando, todos me veían cojear, tomé un taxi y le dije ‘solo llévame a casa’ ”  (línea muy Hollywoodense)

Del proyecto que originó el nombre no se dice mucho más. Se cancela por los dolores que Whelan continúa teniendo y para centrarse en su función de despedida del NYCB. Al finalizar se muestran fotos de periódicos y teatros con el nombre Restless Creature en la marquesina, por lo que entiendo si se presentó posteriormente.

El documental está disponible Netflix

Restless Creature: Wendy Whelan
Dirección: Linda Saffire, Adam Schlesinger
2017
Duración: 1:30 horas

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El Prodigio

Portada de El Prodigio. Se muestra con fines ilustrativos.

Li Cunxin es un bailarín de origen chino que a principios de la década de los 80 desertó de China quedándose en Estados Unidos, posteriormente haciendo su vida en Australia. En 2003 publicó su autobiografía Mao’s Last Dancer (El último bailarín de Mao) que fue adaptada al cine en 2009 (distribuida a partir de 2010, en México debió ser a mediados de 2012) La película conserva el nombre del libro, pero en México se ofreció bajo el título El Prodigio. Esta reseña corresponde a la película.

La historia muestra a Li Cunxin desde niño, cuando es elegido por las autoridades de Mao Zedong para audicionar en la escuela de artes para estudiar ballet. Li es elegido, aunque no entiende para qué.

Tras la muerte de Mao se permite que Ben Stevenson, director del Ballet de Houston visite China e imparta algunas clases tras las cuales solicita un estudiante de intercambio para estudiar 3 meses en Houston. Cunxin es elegido.

En Houston, Li conoce los grandes edificios, los cajeros automáticos, ir de compras por vanalidades y lo que es gastar 500 dólares en un día cuando su padre ganaba 50 al año después de mucho trabajo. Un mundo lleno de libertades donde, entre otras cosas, baila lo que quiere y no lo que el gobierno indica. Al término de su estancia en Estados Unidos se niega a regresar a China. Después de tensas horas dentro del Consulado, el gobierno de Estados Unidos hace los arreglos para que pueda quedarse.

Anteriormente aquí en Por los Teatros comenté las películas White Nights y Bailando en el Desierto. El Prodigio es otra película que se siente como propaganda política, más al estilo de White Nights. En las 3 películas los protagonistas escapan de sus países. Bailando en el Desierto y El Prodigio se basan en historias reales. En White Nights y en El Prodigio se menciona que sus regímenes los obligaban a bailar ciertos temas y en Estados Unidos eran totalmente libres.

El Prodigio es una película bien lograda, la historia atrapa y apuesta totalmente por el sentimiento del espectador. Cuando salió en el cine un amigo dijo que la mitad de la sala estaba llorando y la otra mitad aguantándose las ganas. Y no lo contradigo. Es ese tipo de película.

La forma en que intercala el presente, el pasado, los recuerdos y los sueños crean en el espectador el efecto deseado. Sin embargo, al ofrecerse como historia real y sobre todo como autobiografía la tomo con cierta reserva ya que estos trabajos suelen maquillar la historia.

Algunas frases que se me quedaron desde la primera vez que vi la película son “Que no te molesten los pavos” un texto escrito en una playera con un elefante y pavos encima de él. No significa nada en particular, solo que no dejes que te preocupe lo que no importa. Otra es Li contestando “No quiero caminar, quiero volar” cuando pide polainas muy pesadas y el maestro le dice que con ese peso en las piernas no podrá caminar.

La película puede conseguirse en DVD y Blu-Ray distribuido por Quality Films. El único “pero” que le veo al DVD (no a la película) son los molestos anuncios al principio que no pueden saltarse.

El Prodigio (Mao’s Last Dancer)
Dirección: Bruce Beresford
Actuaciones: Bruce Greenwood, Kyle MacLachlan, Joan Chen, Amanda Schull, Chi Cao
2009
Great Scott Productions
Duración aproximada: 1:57 horas

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Carmen (de Roland Petit)

Portada del DVD de Carmen con la Ópera de París. Se muestra con fines ilustrativos.

En 1949 por primera vez se hace una versión coreográfica de la ópera Carmen de Bizet. Roland Petit se toma libertades sobre el libreto y la música y en 5 escenas que suman aproximadamente 45 minutos narra la historia.

La acción inicia en una plaza donde Carmen pelea con otra mujer. Don José interviene y es como conoce a Carmen. En esta primer escena me llama la atención que la otra bailarina (personaje sin nombre) hace fouettés à la seconde que son más característicos de hombres y no es tan frecuente que las mujeres hagan.

Posteriormente están en una taberna donde se reúnen los amigos de Carmen, grupos de bandidos y rufianes. Don José se lleva a Carmen y tienen un dueto con mucho romanticismo.

Los amigos de Carmen irrumpen, están planeando un robo y Don José participará con ellos, le entregan un puñal para la tarea. Salen de noche a la calle y a un lado de una enorme carreta Don José mata al mensajero al que le roban la valija.

En la escena final, el torero Escamillo llega al pueblo, todos están muy emocionados por la corrida que comenzará en un momento. Hay coqueteos de Carmen con el torero y Don José se ve celoso. Escamillo, a diferencia de otras versiones no es el guapo Don Juan, mas bien parece un payaso presuntuoso, no solo en actitud sino vestuario y maquillaje me recuerdan a un payaso.

Todos entran a la plaza. Don José encara a Carmen y tras una escena de pelea montada muy bien con pasos y estética de ballet Don José la apuñala. La música de tambores crea una intensidad única durante la secuencia.

Carmen muere a los pies de Don José mientras salen sombreros de la plaza de toros. El pueblo, ajeno a lo que acaba de suceder, celebra a Escamillo. En la escenografía hay máscaras simulando el público en la plaza de toros. Al momento de la muerte de Carmen las máscaras parecen ser mudos testigos del crimen.

Es un ballet con mucha intensidad que entrelaza estéticas de ballet y de danzas españolas, transmite muy bien el ambiente. Haciendo una inevitable comparación con Carmen Suite, que es más conocida, la versión de Roland Petit es mas luminosa, colorida y terrenal, menos abstracta y las cosas suceden no por intervención del destino, sino porque así se van desarrollando los hechos.

La primera vez que vi esta obra fue aproximadamente hace 12 años, en una grabación de 1981 donde bailan Zizi Jeanmaire y Mikhai Baryshnikov, distribuida por Kultur. Jeanmaire fue quien estrenó la obra en 1949 al lado de Petit. Para la presente reseña vi la grabación con Clairemarie Osta y Nicolas Le Riche, en la Ópera de París, grabada en 2010 y distribuida por Arthaus Musik.

Tanto Osta como Le Riche tienen mucha fuerza en sus personajes. Como he mencionado antes Le Riche es señalado como uno de los bailarines favoritos de Petit en los últimos años de su vida. La bailarina del personaje sin nombre (tradicionalmente pensaría en Frasquita, amiga de Carmen) también me gustó mucho, tanto en su técnica como en interpretación.

Coreografía: Roland Petit
Sobre la historia de: Prosper Merimée
Música: Georges Bizet
Carmen: Clairemarie Osta
Don José: Nicolas Le Riche
Duración aproximada: 45 minutos

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Bhakti

Escena del tercer acto de Bhakti. Se muestra con fines ilustrativos.

La obra Bhakti fue creada por Maurice Béjart en 1968 y puesta en video en 1969 en formato película, grabada en estudio, no en un teatro con público y con escenas que no son parte de la obra de danza. La música es tradicional de la India, el vestuario es de Germinal Casado quien también bailó. Bhakti es sobre el amor, la adoración, un ritual hacia la divinidad, que de cierta forma es uno mismo. Se presentan 3 divinidades de la India y sus historias de amor.

La presente reseña corresponde a la película de 1969 con el Ballet du XXe Siècle

El primer acto es la historia de Rama y Sita, el amor fiel. Paolo Bortoluzzi interpreta a Rama, mientras que Hitomi Asakawa da vida a Sita. La danza se intercala con escenas en donde la pareja está en un café. La imagen es de una pareja estable, enamorada y contenta. El solo de Bortoluzzi hacia el final de este acto es impresionante.

La segunda parte es Krishna y Rhada, el amor humano y frívolo. Vemos un grupo de amigas platicando, leen sobre los dioses de la India, da la sensación de que se preparan a salir y leen horóscopos. Por otro lado vemos a un solitario joven escuchando música, pensativo, que finalmente se decide a llamar a una de las chicas. Jorge Donn interpreta a Krishna y Tania Bari a Radha. Donn fue de los bailarines más representativos de la época, estrella del Ballet du XXe Siècle y la grabación es una oportunidad para verlo. Resalta el baile en pareja que tiene con Bari. Cada tanto toca una flauta, según el texto introductorio es una especie de hechizo. Vemos a la pareja bien, se ven a gusto, pero parecen caer en la rutina y en el distanciamiento, aunque están frente a frente. Al cierre del acto al tocar la flauta otras bailarinas van saliendo de escena con mirada atenta. Acaso Krishna olvidó a Rhada y busca nueva compañía.

La parte final es Shiva y Shakti, el amor divino. Los intérpretes son Germinal Casado y Maïna Gielgud. Un dueto con mucha fuerza y flexibilidad por parte de los ejecutantes. Béjart indica que Shiva es dios de la destrucción, dios de la danza, su esposa, Shakti, no es otra que su energía vital que emana de él y retorna a él. Justo eso es lo que se ve, fuerza, energía que comparten. Este fragmento ha sido remontado por el Béjart Ballet Lausanne con el nombre Bhakti III.

Los 3 actos me llaman particularmente la atención por la manera en que incluyen movimientos de danza clásica que se modifican para tomar una estética de la India. En varios momentos la repetición y cadencia recuerdan Bolero (música de Ravel y coreografía de Béjart) Las 3 parejas entrelazan sus cuerpos y forman imágenes que claramente recuerdan a las estatuas hindúes, con las manos y brazos en ángulos característicos.

No son de mi gusto las partes adicionales a la danza, las escenas de introducción y cierre donde vemos a los 3 bailarines corriendo por una plaza, repitiendo movimientos, o los cambios de color que hay mientras bailan.

Es raro cómo se intercalan las imágenes de las parejas citadinas con ellos mismos interpretando a los dioses, pero ayuda a entender el concepto de las historias.

Tania Bari, Germinal Casado, Paolo Bortoluzzi y Jorge Donn son nombres muy relacionados al trabajo de Maurice Béjart. Bailarines característicos de sus obras. Bhakti fue hecho para ellos. Los 3 bailarines ya fallecieron, las 3 bailarinas todavía viven siendo de edad avanzada, por lo que esta grabación, a 50 años, es una verdadera joya, una ventana al pasado y a la época de esplendor del Ballet du XXe Siècle así como al trabajo de Béjart interpretado por los ejecutantes originales.

En Por los Teatros está disponible la reseña a la grabación de la Novena Sinfonía, también de Béjart.

Dirigido por Maurice Béjart.
Producción de Artium Summa.
Duración aproximada: 1:20.
Disponible en streaming en Medici.tv

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Le jeune homme et la mort

Portada de Le jeune homme et la mort. Se muestra con fines ilustrativos.

Le jeune homme et la mort (el hombre joven y la muerte) es un ballet creado por Roland Petit en 1946, la trama recuerda en cierta forma a Le rendez-vous, que la antecedió un año. El argumento es de Jean Cocteau, escenografía de Georges Wakhévitch y música de Bach.

El ballet inicia con el hombre joven acostado descuidadamente en su cama en algún ático de París. Hay una pintura colgada en la pared. Consiste solo en líneas, lo que me hace preguntarme si es decoración de su vivienda o si él es el artista que la pintó (época de arte abstracto) Fuma. Se ve perdido en sus pensamientos, no está a gusto, algo lo come desde dentro. Se levanta, corre, hace saltos a velocidades increíbles.

Una joven de amarillo entra a la habitación. Lo seduce pero al mismo tiempo es muy fría con él, parece querer atraerlo pero no tiene realmente interés en él. El hombre joven resiente el desdén. Hay momentos en que pareciera que él no está interesado en ella y hay momentos en que se nota muy lastimado por la frialdad de la muchacha.

Hay pasos con mucha fuerza, casi todo el tiempo el hombre hace saltos y giros a velocidades vertiginosas, se necesita mucha agilidad para esos pasos. Se para sobre los hombros, todo el tiempo atormentado.

La muchacha encuentra la respuesta: gira la cabeza del hombre que se sienta rendido, lo obliga a ver una viga en el ático donde ella acaba de amarrar una cuerda formando una horca. La chica sale corriendo dejando al joven solo. Él se coloca la cuerda y se ahorca.

La habitación se convierte en una azotea, entra la muerte con vestido blanco y máscara de calavera, la cual la pasa al hombre que ha bajado de la horca. Le indica el camino y comienzan a retirarse sobre los tejados. La muerte es la misma mujer que lo seducía.

En la sinopsis se indica que la mujer de quien el hombre está enamorado lo lleva al suicidio por la frialdad con que responde a sus lances mientras él está ardiendo por dentro. Yo veo otra cosa. A mi me parece un joven atormentado que es atraído pero al mismo tiempo hay una resistencia hacia la muerte: Para mi la muchacha todo el tiempo es la muerte, no un humano que lo lleva a la muerte, si no la muerte misma que viene con un claro propósito. Algo así como el Destino de Le rendez-vous.

Se dice que cuando la obra fue estrenada se ensayó con una música y en la función se utilizó otra, de tal forma los bailarines estuvieron con una incomodidad por no saber que pasaba. Así estaba planeado.

Para esta reseña se vio la grabación de la Ópera de París de 2005 con Marie-Agnès Gillot y Nicolas Le Riche (quien baila en la versión de Le rendez-vous revisada aquí la semana pasada) La grabación es de Telemondis y Art Haus. En disco viene junto con Carmen también de Petit, que es la primer versión coreografiada de dicha historia. Está también disponible en streaming en medici.tv

La película White Nights comienza con un extracto de la obra interpretada por Mikhail Baryshnikov y Florence Faure.

Coreografía: Roland Petit
Argumento: Jean Cocteau
Escenografía: Georges Wakhévitch
Música: Bach.
El hombre joven: Nicolas Le Riche
La muerte: Marie-Agnès Gillot
Duración aproximada: 19 minutos

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#danza, #video, Ballet

Le rendez-vous

Escena de Le Rendez-Vous. Imagen tomada de medici.tv con fines ilustrativos.

Le Rendez-Vous (la cita) es un ballet corto hecho por Roland Petit en 1945 en lo que comienza a ser el París de la postguerra.

La música la hizo Joseph Kosma, quien realizara piezas para teatro de Brecht, cine y para poemas de varios autores, entre ellos Jaques Prévert de quien es el argumento de Le Rendez-Vous. El trabajo más conocido de Prévert puede ser Les Enfants du Paradise. Se menciona como la canción más conocida de Kosma, con letra de Prévert, a Les Feuilles Morts (las hojas muertas) El vestuario es de Mayo, quien pintaba y hacía decorados para cabarets y posteriormente vestuario para películas y teatro. La escenografía es de Brassaï, fotógrafo conocido por su trabajo sobre París. La escenografía consiste en grandes fotografías. Finalmente el telón de boca es realización de Pablo Picasso. Una época en la que artistas de varias disciplinas colaboraban en trabajos comunes.

La presente reseña es sobre la grabación del Ballet de la Ópera de París realizada en 2010.

Vemos varias parejas salir de un salón de baile. Se abrazan y bailan por la calle. Un jorobado (Hugo Vigliotti) pasea entre ellos y es víctima de sus bromas y burlas. Una chica de sonrisa maravillosa reparte flores. Pasa una pareja de jóvenes que bailan muy enamorados, son realmente tiernos de ver. Al poco rato llega ensimismado el protagonista de la obra, quien recibe el nombre de el hombre joven (Nicolas Le Riche). Después de ver a la pareja de jóvenes, el nombre parece un chiste. El hombre joven deambula, pasa un borracho repartiendo papeles (el argumento indica que son horóscopos, aunque no es tan claro en la obra) Cuando el hombre joven lee el papel que se le entrega, decae y hace gesto de muerte sobre su cuello.

El jorobado trata de animarlo, se hace una amistad entre ellos. Toda la gente se va y ellos bailan. El hombre joven se ve aliviado hasta que llega el destino (Michael Denard), vistiendo frac y gorguera de payaso. Una especie de payaso macabro que le trae de nuevo la tristeza. Al ser la personificación del destino insiste en la muerte anunciada en el panfleto. El hombre joven parece resistir, pero el destino le deja una navaja en el bolsillo por si acaso.

El hombre joven tiene una cita con el personaje conocido como la chica más bella en el mundo (Isabelle Ciarabola) quien ostenta totalmente la imagen de mujer fatal. Tienen un pas de deux donde Ciarabola muestra sus increíbles líneas de brazos y piernas. Se ve raro una bailarina con zapatos de tacón pero no se pierde la forma del empeine.

Después de bailar, la chica más bella en el mundo toma la navaja del bolsillo del hombre joven y le corta la garganta, cumpliendo lo que anunciaba el horóscopo y el destino.

Todos lo bailarines resaltan. Vigliotti como el jorobado desempeña muy bien su papel así como los pasos alterados para la fisonomía del personaje. Le Riche es mencionado como uno de los bailarines favoritos del coreógrafo Petit, quien murió al siguiente año de esta grabación. Le Riche y Ciarabola bailando juntos tienen una fuerza excepcional. La pareja de jóvenes, que no reciben créditos, me llama mucho la atención por la calidad de la interpretación donde en verdad se ve reflejado el amor juvenil.

La música es triste y hermosa a la vez, al principio de la obra se tiene un acordeonista y un cantante en escena paseando por la calle, lo que da un toque más melancólico.

Al ver la obra recuerdo por el tema, la estética y la trama a Le Jeune Homme et la Mort (El Hombre Joven y la Muerte) del mismo Petit. Al investigar las fechas, Le Jeune Homme fue estrenada un año después que Le Rendez-Vous, por lo que pudiera tratarse de una variación sobre el mismo argumento.

La imagen del payaso siniestro / destino que pretende empujar al protagonista a la muerte me hace recordar la obra Libre Albedrío de Briseida Hernández, montada en 2006 para el concurso interno de coreografía del hoy desaparecido Ballet Independiente (México) y remontada en 2007 para la escuela de la misma compañía.

La grabación está disponible en la plataforma de streaming medici.tv, no pude localizar información de la grabación en disco. Por las fechas de presentación, seguramente el programa completo consistió en Le Rendez-vous, Le Loup y Le Jeune Homme et la Mort.

En próxima entrega hablaré de Le Jeune Homme et la Mort.

Le rendez-vous
Coreografía: Roland Petit, 1945
Argumento: Jacques Prévert
Telón: Pablo Picasso
Escenografía: Brassaï
Vestuario: Mayo
Grabación de 2010 por Opéra National de Paris, Telmondis, Euro Media France, Mezzo.
La chica más bella en el mundo: Isabelle Ciaravola
El hombre joven: Nicolas Le Riche
Destino: Michael Denard
Jorobado: Hugo Vigliotti
Cantante: Pascal Aubin
Duración aproximada: 26 minutos

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