El 15 de marzo fue inaugurado en la Ciudad de México; Mysterium World, el único teatro en México dedicado completamente a la magia, presentando diariamente diferentes espectáculos en tres foros distintos.
Hace un par de semanas asistí a LIV, de Magia Presto, ese día la función corrió a cargo de Isaac Ayala, director de dicho grupo. LIV se presenta en la sala mediana, apropiada para magia de salón.
Teniendo como hilo conductor el libre albedrío y lo predestinado, los trucos van mostrando las reflexiones del mago y presentando cuestionamientos al público.
Comienza con un par de efectos que siento un tanto fuertes a la vista para iniciar. Hay juegos de cartas, bolas de esponja, una carrera entre espectadores y un momento en el que un miembro de la audiencia es el mago.
Hay interacción con el público, frecuentemente se solicita la asistencia de espectadores, es una función en la que hay mucha participación, aunque por momentos se pierde la voz y la conexión con la audiencia que no está en el escenario.
Los trabajos que he visto de Presto me han parecido interesantes por tener un hilo conductor, no es solo magia, siempre tratan de dar una historia, mensaje o reflexión. La temporada de LIV está a punto de terminar en Mysterium, pero comienza Le Petit Magicien de la misma compañía.
A considerar: el teatro cuenta con servicio de alimentos y bebidas durante las funciones, el movimiento de meseros puede resultar incómodo para algunos asientos, sobre todo los ubicados frente a la puerta.
Duración aproximada: 50 minutos. Consultar cartelera para todos los horarios y espectáculos.
El pasado 7 de marzo se presentó en Guadalajara, Jalisco, Dani DaOrtiz, uno de los magos españoles más influyentes en la cartomagia de los últimos años. En México hemos tenido la fortuna de verlo en varias ocasiones.
Como siempre, su herramienta de trabajo fueron solo las cartas y sus palabras.
Dani tiene un estilo muy desenfadado, una personalidad contraria al cliché del frac, seriedad y un escenario lleno de aparatos. Con total desenvoltura se dirige hacia el público, bromea con él y lo va metiendo a su mundo … y a sus redes. Una red donde el espectador quedará sin palabras, sin saber cómo sucedió el milagro que acaba de atestiguar siendo que las condiciones eran imposibles.
Mas que sin palabras, en sus presentaciones siempre se oyen risas nerviosas, incrédulas, divertidas, gritos, aplausos y manotazos en la mesa. Los espectadores son testigos de predicciones, trasposiciones, cartas rotas y lanzadas que regresan completas a la mano. Me atrevería a decir que algunos fragmentos del acto presentado en Fool Us.
Quienes hemos visto a Dani con anterioridad, sabemos que todo parece improvisado, pero no es así. Es parte de su magia, que todo se vea tan natural y sin importancia. El espectador toma todas las decisiones, puede cambiar de idea cuantas veces quiera, siempre tiene libertad de expresión y de albedrío, y sin embargo la magia siempre sucede. Incluso los más escépticos que traten de descubrir el truco terminarán tirando ese muro de protección y disfrutando al máximo.
Fue un foro abarrotado aproximadamente con 50 personas para que todos pudieran ver lo mejor posible la mesa de cartas. En futuras ocasiones, cuando sepan que Dani está en México, no duden ni un momento, porque las localidades se agotan rápidamente.
El pasado 6 de marzo en el Foro El 790 de Guadalajara se presentó el espectáculo Tanto de Paco Agrado y Giancarlo Scalia. ¿Cómo lo describiría? Magia teatral.
Paco y Giancarlo juegan con el tiempo, la impuntualidad y el texto de la obra creando un bucle muy interesante donde se repiten las cosas desde el punto de vista o experiencia de cada ejecutante.
Hablo de una “obra” porque este espectáculo es eso: una obra. Rara vez se ve en la magia algo como esto. Los textos, el movimiento, los efectos, todo está cuidadosamente planeado, coreografiado e integrado. Una obra para dos personas que funciona justamente porque son dos. No funcionaría como unipersonal. Es común en dúos ver a los ejecutantes trabajando por separado sin interactuar, sin que haya una razón real para que sean dos personas en el espectáculo. A pesar de que en Tanto si están marcados los momentos de Paco y los momentos de Giancarlo hay una razón. Es de esa forma por algo.
Se muestran momentos personales de cada uno, como las circunstancias en que conocieron el silencio. Todo es relativo. Hay una competencia mágica amistosa entre ellos, está ese bucle creado por la impuntualidad de Giancarlo.
Tanto es magia, teatro, clown, poesía. Nos dan Tanto en tan poco tiempo.
La magia está muy bien ejecutada, hay muchos momentos de verdadero asombro. La forma en que se entreteje la historia, las bromas y los efectos arman un todo.
Anteriormente había visto el trabajo de Giancarlo. Es capaz de hacer con gran naturalidad técnicas mágicas que a otras personas darían miedo. El resultado son efectos sorprendentes donde nunca hubo lugar a movimientos sospechosos.
A Paco no lo conocía. Fusiona magia y poesía creando algo único.
Es difícil describir Tanto, es algo que tiene que verse y vivirse.
El pasado 23 de marzo, en el Foro Del Tejedor (Librería del Péndulo Roma) se presentó Mistérico con Andrés Aguilar y Ana Florencia.
Mistérico, maestro HipnoTelequinéticoParanormal, me recuerda a los magos del siglo XIX que solían ponerse títulos como profesor o doctor, agregando términos rimbombantes inventados, por ejemplo el Profesor Washington Simmons, «El Basiliconthaumaturgista» (después conocido como Dr. Lynn) o Joseph Jacobs, el «Mago de todos los Magos» o «El Más Grande Misteriarquista del Siglo XIX«. O qué decir del Profesor John Henry Anderson «El Mago del Norte» con su hija Louise la «Sibila con Segunda Vista«, la «Ortografista Retro-Reminiscente» o la «Mnemósina Retro-Reminiscente» (traducciones aproximadas del inglés)
El maestro Mistérico presenta su espectáculo con efectos de hipnotismo y telepatía, la cuestión es que el público siempre parece estar incrédulo de las demostraciones. Como sucede en estos casos, si hay un solo escéptico, el experimento puede fallar. Eso explicaría por qué todo le sale siempre mal. Ya sea un resultado que no convence al público o uno totalmente inesperado.
Andrés Aguilar tiene toda una trayectoria como clown y varios años presentando Mistérico y se ve reflejado en el espectáculo. No hay momento aburrido o que se pierda el ritmo. Se trata de un trabajo de clown con toques de magia y malabarismo. Hay interacción con el público y algunas personas subirán al escenario para participar en los efectos. Mistérico se ha ganado tanto al público que quienes suben, cooperan y continúan las bromas, entran al juego y toman el “si” de la historia.
Mistérico se esforzará sin mucho éxito en demostrar sus poderes y de lo que es capaz su mente entrenada, mente que frecuentemente divaga.
Esta es la primera vez que lo veo y por lo comentado por Aguilar al finalizar la presentación, entiendo que ha habido cambios y ésta es la versión actual. Que bueno que el espectáculo vaya evolucionando y teniendo sus ajustes. Es un trabajo en el que se nota la trayectoria tanto de los ejecutantes como del espectáculo mismo. Por el momento no hay más fechas publicadas, pero si lo ven en cartelera, no duden en asistir.
Lo que no me gusta del Foro del Tejedor es que siempre inicia media hora después de lo anunciado, estrategia mercantil para ordenar algo en la barra mientras tanto. Para las personas que somos puntuales representa llegar más de media hora antes de lo necesario.
La edición 43 del Festival Mondial du Cirque de Demain se llevó a cabo en París del 25 al 28 de enero de 2024. Cuatro días de encuentro circense donde los participantes fueron evaluados para recibir diferentes premios. Como es costumbre, se realizó en la carpa del Cirque Phénix y Calixte Le Nigremont fue el maestro de ceremonias. Una de las galas está disponible de forma gratuita en streaming en arte.tv hasta el 26 de enero de 2025, pueden aplicar restricciones geográficas.
Albert Amores de España presenta un número de pole, utilizando dos mástiles, la mayoría de sus evoluciones alrededor de los mismos es sosteniéndose mientras las piernas están en un nudo o algún tipo de contorsión. Recibió el Trophée de L’Association des Acrobates de Chine y el Prix du Cirque Phénix.
La función continúa con un número de equilibrio en manos por parte de Mukhamadi Sharifzoda de Tayikistán. Una estructura formada por una pila de ladrillos y una torre vertical de los mismos es lo que sirve como apoyo para Mukhamadi. Parte del encanto del número es preguntarse si los ladrillos están unidos o no. Poco a poco el ejecutante los va separando. Al final hay una posible pista. Es uno de mis números favoritos, recibe un aplauso parcial de pie y Calixte hace regresar a Sharifzoda al escenario para recibir su ovación. Se lleva a casa la Médaille d’Argent, el Prix Les 7 Doigts de la Main y el Prix du Public.
Matéo Turbelin & Aélia Savary de Francia siguen con un número de diábolo. Me gustó mucho. Es una toda una obra con música en vivo (teclado y violín) hay voz pero no se ve si el cantante está en vivo. El número está enriquecido con danza contemporánea y una escenografía donde los diábolos tienen formas diferentes a la tradicional para ser al mismo tiempo parte de los decorados de la mesa. La rutina de diávolo la hace en su totalidad Matéo, siendo Aélia acompañante y ejecutante de un pequeño momento aéreo al final. Reciben el Prix Spécial du Jury y el Prix du Moulin Rouge.
Les Expirés, de “France Suisse” ¿Suiza Franca? Son un dúo de payasos que tienen tres segmentos: una parodia del desfile inaugural, un intento de hablar en el micrófono y acrobacia en patines. La parte de los patines me gustó, la de hablar en micrófono me pareció desagradable y sin chiste. Se trata de un número invitado.
Two on the Rope, de Alemania es un dúo masculino en cuerda vertical.
La Troupe Acrobatique Nationale de Chine lleva uno de los actos más vistosos. Presentan malabarismo con pelotas entre cuatro personas: tres trillizas y un hombre. Los malabares se realizan apoyándose en una estructura con paneles de acrílico sobre los que rebotarán las bolas en diferentes ángulos. La iluminación, música, poses, color brillante de las pelotas … todo ha sido planeado a la perfección. Por supuesto las secuencias de malabares son impresionantes. Hay dos o tres errores visibles que se salvan rápidamente. Uno de mis números favoritos. Recibe ovación de pie y una vez más Calixte Le Nigremont tiene que hacerlos regresar al escenario para su aplauso. Ganan Médaille d’Or.
Vassiliki Rossillion de Francia presenta cuerda volante, un columpio de cuerda en el se balancea y realiza acrobacias. Recibe el Trophée Annie Frattellini y el Trophée de Compagnie Altitude.
Alexandre Lane de Canadá continúa con Rueda Cyr. Tiene algunos movimientos que no había visto antes y finaliza con leds en la rueda.
El Trio Inshi de Ucrania lleva un acto de malabares con un ritmo alegre. Los tres malabaristas usan pelotas y aros, interactuando entre ellos o por separado. El número se enriquece con pasos de danza, parece tener elementos de Trepak. Hay múltiples caídas de las pelotas, hay momentos en que se ve un tanto desordenado y no queda muy claro si son errores o está planeado de esa forma. Reciben el Prix Spécial du Jury.
Hunish Parmar de la India realiza cintas aéreas. Usa vestuario que remite a algo tradicional, la música es muy interesante. Parece ser una historia en la que el ejecutante va entrando en un trance para al final despertar y adoptar una pose con mudras.
La función termina con el número más largo. The Revel Pucks del Reino Unido y su rola bola gigante. Tradicionalmente el rola bola es un cilindro horizontal sobre el que se coloca una tabla y el ejecutante hace equilibrio encima. Se pueden agregar más cilindros y tablas. La compañía The Reevel Pucks, de 11 integrantes, usa una llanta gigante sobre la que colocan una tabla en la que subirá la compañía en parte o en su totalidad. Harán equilibrios, caminarán sobre los hombros de los compañeros, harán torres humanas, todo mientras intentan no desequilibrar la tabla. Se realiza sin música y se escucha a los ejecutantes hablar y gritar instrucciones. Se llevan el Prix spécial du Jury y el Trophée Bretagne Circus.
La función fue grabada el 27 de enero de 2024, algunos de los números presentados en la misma no recibieron premio y en la lista de ganadores se enumeran actos que no están en esta presentación. El espectáculo corre de manera fluida e impecable, las dos horas de duración no se sienten, Calixte Le Nigremont es un maestro de ceremonias consumado que mantiene al púbico atento e informado entre cada acto, rara vez trae notas en la mano, conoce de memoria los datos de los participantes. No por nada es famoso en el mundo del circo.
Un video muy bueno que vale la pena ver, ojalá se sigan compartiendo estas funciones en arte.tv. Es una producción de Arte FRANCE y Telmondis. Para saber más del festival, se puede visitar su sitio web
En general veo que la mayoría de los actos no se limitan a “circo” enriquecen sus números con elementos dancísticos y frecuentemente cuentan una historia o al menos se ve que hay una historia interna.
La Universidad de Gante (UGent) cuenta con la Boekentoren (Torre de Libros) la cual es su biblioteca central. En 1933 el arquitecto Henry van de Velde fue encargado de su construcción y fue inaugurada en 1942.
Localizada en la parte más alta de la ciudad, la Boekentoren es la cuarta torre de la ciudad. Las 3 más antiguas, de la Edad Media, son la Iglesia de San Nicolás, el Campanario y la Catedral de San Bavón. La Torre de los Libros en también conocida como “Torre del Conocimiento”. Al ser más alta que las otras y dominar la vista de la ciudad, se dice que el arquitecto festejaba el triunfo de la ciencia sobre la iglesia y el estado.
Durante la Segunda Guerra Mundial los alemanes tomaron la torre por su ubicación estratégica y colocaron un cañón encima. El edificio de concreto, un material novedoso cuando fue construida, tuvo daños por la guerra pues se bombardeó al cañón para anularlo, aunque fue respetado el edificio. En 1991 se declaró monumento protegido, sin embargo, durante mucho tiempo se le vio como un elefante blanco y poco funcional. Es hasta principios del siglo XXI que se hace un plan de restauración y para darle su máximo esplendor.
La biblioteca contiene una importante colección, no solo textos de las diferentes facultades sino también manuscritos medievales, libros antiguos y los “Vliegende Bladen” (papeles volantes)
La arquitectura no es muy funcional ya que la torre es un edificio alto y angosto. Los libros deben distribuirse en los pisos repartiendo el peso entre los cuatro lados y moverse entre niveles para consultarlos puede ser complicado. El mirador en la cima del edificio incluye un amplio salón pensado para extender grandes mapas y documentos por el piso. El problema es que cuenta con ventanales que permiten la entrada de luz de sol que degradaría los papeles.
En la planta baja se encuentra una antigua máquina con la que se movía el material entre pisos. En el catálogo se sabía en qué piso estaba un libro en particular. Dicho libro se solicitaba a ese piso mediante un cilindro que viajaba por tuberías de aire. El libro era colocado en una especie de ascensor y al llegar al piso que lo había solicitado era arrojado por una resbaladilla. Un mecanismo poco apto para un incunable.
Aparato para mover libros entre pisos
Hoy en día ese aparato no se utiliza. La biblioteca cuentan con 65 km de repisas, aproximadamente el 5% del material está abierto al público. Buena parte del archivo bibliográfico se ha digitalizado mediante convenios con Google Books y puede ser accesible en cualquier parte del mundo, incluyendo libros antiguos, salvo archivos exclusivos de la UGent.
Ferdinand Vander Haeghen fue bibliotecario en jefe de la Universidad de 1868 a 1911. Se dio cuenta de que “lo que puede no tener valor hoy, puede interesarle a alguien en siete años, después de otros siete años se vuelve raro. Veinte años después se vuelve útil. Y en menos de un siglo, es valioso”(1). Con esa idea publicó en periódicos anuncios que pedían “no destruir jamás un documento” e invitaba a la gente a recorrer sus desvanes y enviarle cualquier cosa que pudiera ser de interés. El resultado se conoce como los “Vliegende Bladen” (papeles volantes) todo aquel papel que el viento se lleva en la calle. La colección incluye posters, anuncios, programas de mano, notas, boletos y folletos de circos, ferias, cines, teatros, etcétera. A este tipo de documentos en inglés se les conoce como “ephemera” efímero. Algo que no fue creado para durar. La misión de un anuncio era que la gente supiera del espectáculo, después era desechado. Un poster era pegado en la pared para después ser roto o cubierto con otro nuevo. Un boleto se usa para entrar, se rompe y se tira a la basura. Vander Haeghen logró rescatar de esta forma muchos documentos, que, parafraseándolo, “más de un siglo después son invaluables”.
Durante la 9th European Magic History Conference, del 24 al 27 de agosto de 2023, la bibliotecaria encargada de los Vliegende Bladen, Yana Vandendriessche, nos recibió con una selección de documentos que incluían los libros Amusemens Physiques et Diférentes Expériences Divertissantes, de 1785; Het Nieuw Natuerlyk Toover-Boek; un par de ediciones de Ondecking van Tovery (The Dsicoverie of Witchcraft en holandés) de 1609 y 1637, cabe señalar que son versiones abreviadas del original en inglés. Nieuwe Natuur en Wiskonstige Vermaaklykheden de 1771, se trata de la versión holandesa de Nouvelles Récréations Physiques et Mathématiques de Guyot. Posters de Pietro Galici, León Hermann y Grandsart-Curtois entre otros.
En el pasillo de entrada estaba exhibido un póster en francés de la película Around The World in 80 Days de Michael Todd, con Cantinflas. No esperaba encontrar eso por allá.
Para finalizar quiero agregar que Kamome Shirahama escribe el manga Atelier of Witch Hat donde en un mundo de magia existe “La Torre de los Libros” rodeada por un lago. “Con el propósito de preservar el conocimiento, todos los libros sobre magia son copiados en ese lugar en el mismo instante que son escritos”(2). La torre está custodiada por cuatro serpientes marinas y “para entrar a la torre, primero hay que estudiar” solo los magos que pasen las pruebas tienen acceso.
A diferencia de la torre ficticia, la Boekentoren real está abierta a todos, no solo preservando el conocimiento, sino ofreciéndolo a quien se acerca a ella, ya sea físicamente o en línea.
(1) Citado en: Evelien Jonckhere. Van Minardschouwburg tot Vliegende Bladen: een initiatie in fin-de-siècle illisiegeschiedenis – From the Minard Theatre to Flying Papers: initiation into fin-de-siècle illusion history. Magical Minard Evenings of Wonder. Varios autores. Mystery Lab, 2023. Edición bilingüe en holandés e inglés.
(2) Kamone Shirahama. Atelier of With Hat. Volumen 1, capítulo 2. Edición en español: Editorial Panini México, 2020.
Vista de las 3 torres. San Nicolás, el Campanario y San Bavón
Portada de The Art of Deception. Se muestra con fines ilustrativos.
Chuck Romano comenzó en 1994 en la revista especializada de magia The Linking Ring, una columna sobre el arte en la magia (ilustraciones y diseño gráfico en publicaciones mágicas) Su investigación culminó en 1997 con el libro The Art of Deception, The Affinity Between Conjuring & Art (El arte del engaño, la afinidad entre magia y arte) La primer edición fue limitada a 500 ejemplares firmados y numerados del 1 al 500. Una segunda edición de 2008 fue firmada y numerada del 501 al 1000.
Sabiendo un poco el tema del libro, esperaba que se cubrieran pinturas antiguas como la famosa El Escamoteador del Bosco, así como grabados de siglos anteriores, que se usaban frecuentemente como parodia de acontecimientos políticos. Mi sorpresa fue encontrar también capítulos dedicados a los ilustradores de libros y revistas de magia, de hecho, la mayor parte del libro se dedica a este sector. El mismo autor indica que comenzó a escribir con la intención de que se reconozca a estos artistas que frecuentemente son ignorados y sin los cuales, entender un texto mágico sería complicado.
Comenzando con los grabados antiguos que esperaba, Romano nos muestra parte de los primeros dibujos alusivos al tema. La mayoría contiene barajas, cubiletes y bolas. Se ilustran algunos ejemplos del Bateleur (El Mago) del tarot, que ya cuentan con estos elementos sobre su mesa de trabajo. Hace una referencia a la tumba de Beni Hasan en Egipto donde se decía está la más antigua representación de los cubiletes y bolas, sin embargo, la interpretación más factible es que se trate de panes.
El autor proporciona explicaciones sobre el proceso de impresión con bloques de madera, placas de cobre y litografía, se va viendo cómo poco a poco fueron evolucionando los procesos para hacer más duraderos y detallados los moldes, lo que permitió hacer impresiones masivamente. El proceso en si era un trabajo de amor y arte, extremadamente difícil y detallado. Si alguna vez han visto este tipo de moldes es increíble cómo se realizaban con tanta precisión, frecuentemente cobrando su cuota sobre la vista de los artistas.
Posteriormente el autor habla de las personas que “mantienen la flama” magos y coleccionistas que han resguardado los tesoros invaluables de antaño, conservando posters, grabados y litografías de los maestros del pasado. Al tener esta investigación alrededor de 30 años, muchas cosas han cambiado, varias colecciones han cambiado de manos, algunos museos ya no existen y buena parte de los coleccionistas mencionados han fallecido.
Al pasar en materia de la ilustración de textos, el libro se divide en capítulos según el área. Por ejemplo, se comienza con publicaciones del siglo XIX y principios del XX. Posteriormente pasa a los ilustradores actuales (de hace 30 años) Luego cubre a los artistas de catálogos, encargados de hacer soñar a los clientes potenciales y convencerlos de comprar algún artilugio mágico.
En la ilustración técnica, abarca a los dibujantes que hacen lo propio en libros y revistas especializadas con el objetivo de ayudar a la comprensión de las instrucciones de cómo realizar un truco.
Dentro de las publicaciones mágicas se puede encontrar otro tipo de ilustración: las caricaturas. Viñetas cómicas para hacer reír al lector tocando temas inherentes al gremio. Otro capítulo es sobre la conexión con los cómics. Tiras cómicas de magia dirigidas al público en general, no exclusivas de publicaciones especializadas, Ahí encontramos a Mandrake, un ejemplar de Batman que une fuerzas con Houdini, o datos sobre Steranko, ilustrador de cómics que también realizaba magia.
Otro capítulo cubre arte diferente a la ilustración: escultura a pequeña y gran escala con temas de magia.
Me parece un libro bastante interesante, profusamente documentado e ilustrado. Frecuentemente en cada capítulo dedica secciones a un ilustrador en particular, dando breves biografías o sinopsis del trabajo de cada uno. En ocasiones siento que no hay una completa unidad, hay artistas que son mencionados de pasada sin su correspondiente sección o que se repiten en varios capítulos al abarcar diferentes áreas (por ejemplo si el artista ilustraba catálogos y revistas)
La cronología del libro va mostrando cómo ha ido evolucionando el proceso de ilustración. Puede ser con fines de publicidad, técnico o artístico. El paso de bloques de madera, placas de cobre y litografía a ilustraciones en papel, ya sea con tinta, lápiz o estilógrafos. Se va notando que los ilustradores de principios de siglo XX trabajaban a mano alzada, mientras fue avanzando el siglo, los artistas que va mencionando, comienzan a usar fotografías como modelo y/o mesas de luz para calcar bosquejos. La tecnología va modificando la forma de trabajar. Son pocas las referencias a fotos hasta las últimas décadas del siglo XX. Recordemos que la fotografía era cara y se necesitaba el proceso de revelado para conocer el resultado.
30 años después, varios ilustradores mencionados han fallecido, otros de ellos ya no dibujan y han pasado a otras áreas. Varias revistas mencionadas también han desaparecido. Actualmente la ilustración ha sido sustituida por fotografía. Cada vez es más la publicidad y la descripción de técnicas mágicas mediante la foto. Con el avance de lo digital, imagino es relativamente más fácil y barata que el dibujo. Un amigo que trabajó dibujando para algunos libros me decía que es muy laborioso y mal pagado, por eso lo dejó. A mi gusto, el dibujo, le da un sabor especial a las publicaciones. Al revisar revistas de hace 10 años, que aún incluían ilustraciones a blanco y negro, siento que algo se ha perdido al compararlas con las publicaciones actuales con fotografías a todo color.
The Art of Deception, sin lugar a duda, rinde homenaje a estos artistas tan importantes, frecuentemente olvidados y hace que nos fijemos y valoremos más su trabajo.
The Art of Deception Autor: Chuck Romano Primer edición, 1997 Publicado por Charles J. Romano 395 páginas.
Durante 5 martes de noviembre y diciembre de 2023, Marionetitlán tuvo temporada de la parte final de la historia de Peer Gynt de Henrik Ibsen, con música de Edward Grieg interpretada en vivo. Las funciones se llevaron a cabo en el Teatro La Capilla y fue el estreno de esta segunda parte.
La primer parte nos dejó en un punto en el que muere la madre de Peer, él ha sido expulsado de su pueblo de origen por la justicia y se ha ganado la enemistad del Rey de la Montaña tras aceptar casarse con su hija y luego despreciarla por los sacrificios que debe hacer. Peer Gynt de regreso narra las aventuras del protagonista muchos años después, en su madurez. En la primer parte, el mismo Ibsen, representado por un títere tamaño persona, nos explica al público actual que la obra fue muy larga aún para la época (6 horas) y para hacerla más llevadera hoy en día, narrará algunas escenas y se dividirá en dos partes. En Peer Gynt de regreso, Ibsen da el resumen de la primer parte y cuenta parte de las aventuras y malas acciones del protagonista en los últimos años, lo que nos deja listos para la conclusión.
Peer se encuentra con el fundidor, quien quiere fundir su alma cual metal, es un concepto existencial que trataré de explicar: algo así como que un alma tan manchada y defectuosa que no merece ni el cielo ni el infierno debe ser fundida como moneda gastada o con errores. Es el caso de Peer. Sin embargo, al fundirse su alma, dejará de existir ¿es preferible el infierno pero seguir siendo él? Que su alma, que es lo que lo define ¿exista por toda la eternidad aunque sea en el infierno? ¿Tiene que comprobar que siempre fue un bribón hecho y derecho para obtener la salvación? ¿Qué es la salvación y cómo llega?
No daré más detalles para no revelar el final. Peer Gynt es una obra que puede resultar densa, triste, divertida y que hace reflexionar, todo a la vez. Esta es la primera vez que se presenta en México con marionetas, teniendo el extra de música en vivo.
La función a la que asistí fue la del cierre de temporada el 12 de diciembre. Al finalizar, la directora Gabriela Kraemer invitó a tomarse fotos con las marionetas y saludarlas, comentando que en el proceso de elaboración, considera que las manos han quedado bien cuando uno puede sostenérselas de modo que se ajuste a un apretón de manos. Pude comprobarlo, y de esta forma saludé de mano entre otros al mismo diablo.
Espero que pronto regresen a otros espacios con ambas partes de Peer Gynt y que más público siga disfrutando de esta puesta en escena. Por mientras, Peer Gynt de regreso, estará el 18, 19 y 20 de enero en el Museo de la Ciudad de Querétaro.
Peer Gynt de regreso Dramaturgi: Henrik Ibsen. Música: Edward Grieg. Dirección y adaptación para marionetas: Gabriela Kraemer Marionetistas: Samir Alejandro Camarena Domínguez, Isabel Aguilar, Marco Antonio Torres Muñoz, Israel Hernández Román. Músicos: Yunuen Xolotzin Flores, Itzel Alejandra Rovira Sánchez, Aarón Menes Ramírez, Isela Amacali del Ángel Vega. Duración aproximada 2 horas.
El cierre de la Segunda Temporada de la Orquesta Sinfónica Nacional fue el 8 y 10 de diciembre en el Palacio de Bellas Artes con el tradicional Concierto Navideño. La reseña corresponde a la función del día 10, fecha en que se retiró uno de los violinistas después de 30 años en la institución. Un pequeño homenaje se llevó a cabo previo a la función, donde se le dedicaron palabras y la orquesta interpretó Las golondrinas.
El programa consistió en la Obertura de la ópera Hansel y Gretel de Engelbert Humperdink, Paseo en Trineo de Leroy Anderson, Troika de Sergei Prokofiev, Suite del Cascanueces, versión de Ellington y StrayHorn sobre la original de Chaikovski, Suite de villancicos de Eduardo Hernández Moncada y Selección de Villancicos Internacionales.
El programa fue corto, planeado para 60 minutos sin intermedio, se alargó un poco por el homenaje y el encore.
Paseo en Trineo, Troika y los villancicos fue lo que más disfruté. La separación entre la suite de Eduardo Hernández y los villancicos internacionales no fue clara. Lo que menos me gustó fue la Suite de Cascanueces a ritmo de jazz, en varios momentos no se parecía a la original. Prefiero una instrumentación clásica.
Entre los villancicos interpretados estuvieron: Noche de Paz, Pequeño pueblo de Belén, Oh, árbol de Navidad, Dios les dé una feliz paz, Cántico de Navidad, Cántico de las campanas y Las posadas. Este listado corresponde a la Suite de villancicos. El número listado como Selección de Villancicos Internacionales no se detalla en el programa, aunque recuerdo Señora Santana, que más que villancico es canción de cuna. Los villancicos me trajeron recuedos cuando de niño oíamos en Navidad dichos cantos en discos LP, este año decidí desenterrar algunos para oirlos de nuevo, con ese gis caractéristico en el audio.
Como encore se ofreció Aleluya del Oratorio del Mesías.
El concierto estuvo a cargo de Ludwig Carrasco en la Dirección Artística de la Orquesta, David Arontes, Director Coral. Gilberto Amaro, tenor y Coro del Conservatorio Nacional de Música.
La salida del inmueble fue por las escaleras traseras del recinto, se me hizo raro, pues faltaban horas para la siguiente función en el inmueble, al menos sirvió para conocer otra parte del Palacio. El tenor Gilberto Amaro atravesó el pasillo de las escaleras y aprovechó para agradecer a los asistentes. Se llevó la simpatía del público.
Como ha sucedido en otras funciones: el público se comportó como en festival escolar, fotografiando y filmando el concierto sin importar que esté prohibido. Gritos de “mucho Fulano”, “arriba mi hijo” y cosas por estilo. Sé que es un gran logro que sus hijos canten en el Palacio de Bellas Artes pero no es un festival escolar. Al ser un programa corto no hubo intermedio, a pesar de estipularse “una vez iniciado no hay acceso” la gente continuó entrando bastante avanzada la función. De igual forma saliendo y regresando del baño. Cual festival escolar.
El pasado 12 de noviembre, el primer bailarín Erick Rodríguez se despidió de la Compañía Nacional de Danza de México con la obra Onegin. La temporada, del 5 al 12 de noviembre, contó con 4 funciones y dos elencos para los papeles principales (excepto para el Príncipe Gremin, que tuvo tres intérpretes) Erick Rodríguez bailó los días 7 y 12.
John Cranko coreografió la obra en 1965 para el Stuttgart Ballet, basándose en la novela de Alexander Pushkin, Eugenio Oneguin (también escrito Eugene Onegin. Creo que la forma correcta en español es con la u, produciendo un sonido suave, en la reseña usaré la ortografía del programa de mano)
El argumento es aproximadamente el siguiente: Olga está comprometida con Lensky. Su hermana Tatiana se enamora de Onegin, quién la trata de manera fría y frente a ella rompe la carta de amor que le ha hecho llegar. En una fiesta, Onegin coquetea con Olga, provocando el enojo de Lensky, quien lo reta a duelo. Onegin mata a su rival y se va de la ciudad. Diez años después regresa, encontrando a la princesa Tatiana casada con el príncipe Grevin. Onegin ahora es quien escribe una carta de amor. Tatiana no quiere que Grevin la deje sola, pero él tiene que salir, por lo que Onegin se presenta esperando una respuesta. Es turno de Tatiana de romper la carta frente a Onegin y pedirle que salga de su vida para siempre.
Ballets basados en novelas rusas del siglo XIX como Ana Karenina y Un héroe de nuestro tiempo no son de mis favoritos. A mi gusto tienen demasiadas escenas de bailes de corte, aunque lo admito, los ballets clásicos también tienen muchas escenas de danzas en palacio que agregan poco a la historia.
En el caso de Onegin, tampoco es de mis obras favoritas, sin embargo, esas escenas de baile en la corte son interesantes por tener pasos muy elaborados y frecuentemente desplazamientos a gran velocidad por el escenario.
La escenografía me gustó mucho, transporta a los palacios y lugares de la historia. El uso del proscenio mientras se hacen cambios durante las escenas me pareció muy acertado.
En el primer acto Tatiana se ve frente al espejo, me gustó cómo lo resolvieron mediante otra bailarina. También cómo su sueño se va materializando a través del espejo. La danza triste de Lensky antes del duelo transmitió mucho sentimiento. El duelo y los recuerdos atormentando a Onegin desfilando en el proscenio son escenas muy bien hechas. El final, cuando Tatiana es quien desprecia a Onegin con las mismas acciones que él tuvo antes hacia ella, es algo muy fuerte. Tatiana queda llorando, ella en verdad lo quiso, pero han pasado demasiadas cosas y es muy tarde para que surja algo, aunque por un momento pareciera que ella va a ceder. El papel de Tatiana, en la función final fue interpretado por Elisa Ramos, esposa de Erick, quien es Primera Solista.
Erick Rodríguez nació en La Habana, fue parte del Ballet nacional de Cuba del 2000 al 2002. Ingresó a la Compañía Nacional de Danza de México en 2003 y en 2009 llegó a Primer Bailarín. Tras 20 años en esta agrupación, se despide con una obra que le gusta mucho y bailó 13 años atrás. Teniendo la oportunidad de reinterpretar el papel, ahora más maduro.
La tarde del 12 de noviembre, la última que bailó, la función fue suya y todo el Palacio de Bellas Artes estuvo para acompañarlo. En la Luneta (planta baja) se dieron cita personalidades de la danza: coreógrafas, ex primeras bailarinas y primeros bailarines, directores artísticos anteriores, gente que se ha despedido previamente y que compartieron escenario con Erick. Tras la función, se proyectó un video con compañeros, familiares y amigos enviando sus mejores deseos al homenajeado en la nueva etapa de su carrera. Me pareció muy importante eso: nadie lo vio como “retirarse” si no como una nueva etapa en su vida profesional. No sabemos que planes tenga, pero seguramente seguirá muy activo, ahora en otro papel.
Es la segunda vez que voy a una función de despedida, la primera vez fue en 2008 cuando la Primera Bailarina Irma Morales dijo adiós con Romeo y Julieta. En aquella ocasión si mal no recuerdo no hubo temporada, fue una sola función. En el vestíbulo de la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes se colocó una exposición con fotos, zapatillas y momentos de la carrera de Irma. En este caso, esperaba también alguna exposición sobre la trayectoria de Erick. No la hubo. A fin de cuentas, son 15 años de distancia y diferente administración. Algo que también extrañé fue el programa de mano impreso. Constantemente me he quejado en este espacio de los ahora omnipresentes programas digitales. Del 2008 incluso tengo el programa con una dedicatoria de la maestra Morales. Este año solo nos llevamos el programa digital. El formato impreso estuvo disponible exclusivamente para los invitados especiales en la mesa de cortesías.
Uno de los nuevos retos con los programas digitales es la forma en la que se van a archivar y documentar los mismos, cómo se va a conservar la parte de la historia que va en esos registros, donde ahora se pierden las variaciones o pequeñas historias particulares en que puede puede haber algo dedicado o firmado.
Onegin Coreografía: John Cranko. Reposición: Jane Bourne. Música: Piotr I. Chaikovki. Orquesta del Teatro de Bellas Artes. Óliver Díaz, Director Invitado. Solistas del 12 de noviembre: Erik Rodríguez, Elisa Ramos, Argenis Montalvo, Alexis Escamilla, Antón Joroshmanov, Sonia Jiménez, Irina Marcano. Duración aproximada: 2 horas con 2 intermedios.
Por los Teatros 