#danza, Ballet, contemporaneo, folclor

DanZoología

Detalle del poster de Danzoología. Se miestra con fines ilustrativos.

Del 27 al 29 de octubre de 2023 se presentó en la Sala Miguel Covarrubias de la UNAM, el programa DanZoología. La biodiversidad animal en la danza. Una función colectiva que unió diferentes bailes alusivos a animales.

Únicamente el 28 y 29 presentó la Escuela Nacional de Danza Folklórica, con Quetzales. Con la participación especial de Antonio Hernández, maestro y músico de la danza de Quetzales del barrio de Tacopan, Atempan, Puebla. La danza es hipnótica, un tanto monótona. Sorprende que durante media hora los intérpretes bailen sin parar con la misma serie de saltitos, todo el tiempo con el acompañamiento musical del maestro Hernández. La energía que se requiere para bailar, así como tocar la flauta y tamborín durante media hora debe ser muy grande.

Continuó Diario de confinamiento, coreografía e interpretación de Irene Martínez. No me gustó. La solista se mueve en un recuadro frente a una proyección de unas palomas echadas. ¿representa una paloma en cautiverio? No me quedó muy claro y en todo caso los movimientos no me remitían a una paloma.

La Compañía Mexiquense de Danzas Regionales bailó El Alcaraván, La Tórtola y El paloma y la paloma. En el programa se anunció El Zopilote, pero no se interpretó. Me gustó la participación de la compañía. Obras alegres donde el movimiento si ilustra a los animales que representan.

Ícaro, de la Compañía Corpógrafos, siguió en el programa. Con coreografía de Isabel Beteta e Interpretación de Eustorgio Guzmán Sanvicente, muestra un Ícaro naciente, parece un ave saliendo del cascarón. Después la desesperación al perder las alas y caer. En el tema de los plásticos de un solo uso me da no se que pensar en un vestuario de una sábana de plástico que es rota en cada función, seguramente en cada ensayo.

4 cisnes del Lago de los Cisnes, coreografía de Reyna Pérez, de Ardentía, muestra la famosa variación en una versión “cómica” interpretada por hombres. Existen diversas versiones de este estilo. Siento que no terminó de amarrar y hubo una respuesta un tanto fría del público.

La Compañía Nacional de Danza presentó el Pas de deux de Lago de los Cisnes con Ana Elisa Mena y Alejandro Hidalgo. Lago siempre es favorita del público y no fue la excepción.

Continuó Isabel Beteta con Calling Me, un solo contemporáneo. No se si era un insecto eclosionando entre el lodo. No me gustó.

El programa finalizó con La danza del venado, con el Ballet Folklórico de México de Amalia Hernández. No cuenta con datos del intérprete.

La función en general me gustó, como función conjunta es un esfuerzo especial entre varias compañías y es interesante el concepto de que todo gire en torno a un tema: los animales. La dirección artística corrió a cargo de Héctor Garay e Isabel Beteta. A pesar de estar prohibido tomar fotografías y video no faltó quien sacó su celular a escondidas con ese fin. ¿Público regular? No. Quien lo hacía era gente de danza que debería estar más consciente del respeto por esas reglas.

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musica

Novena Sinfonía

Los pasados días 27 y 29 de octubre, la Orquesta Sinfónica Nacional presentó la Novena Sinfonía de Beethoven.

El programa inició con Ceiba de Luz y Sombra, de Javier Álvarez (en memoria) concierto para fagot y orquesta creado en 2012 y estrenado en 2013. La fagotista que tocó por primera vez la obra y a quien fue dedicada la partitura es Wendy Holdaway, quien interpretó la pieza en esta temporada a la memoria del maestro Álvarez.

La obra en general no me gustó, el estilo me recuerda a Stravinsky, quien no me gusta. El trabajo del fagot es impresionante, no soy experto en música, pero me parece que no hay muchas obras con grandes solos para dicho instrumento.

Tras un intermedio, el plato fuerte del programa es la Novena Sinfonía “Coral” popularmente conocida por el cuarto movimiento que lleva la Oda o Himno a la Alegría.

Es la primera vez que oigo la Sinfonía en vivo, solo la conocía en grabaciones, de momentos sentía rara la instrumentación, pero puede ser porque estoy acostumbrado a una grabación donde los micrófonos y mezclas difieren de algo interpretado en vivo. Hubo momentos que me hicieron estremecer, aunque no tanto como lo imaginaba.

Al ser una obra muy popular, cuando se presenta los boletos suelen agotarse desde semanas antes. Recuerdo cuando era niño, mi papá quería comprar y no había localidades, de inmediato en la explanada de Bellas Artes se acercaron los revendedores a ofrecer a sobreprecio. Mi papá se fue muy enojado y no quiso hacerles el juego. Muchos años después, finalmente pude asistir a ver la obra, desafortunadamente, por motivos de salud, sin la compañía de mi papá.

Como siempre, me llama la atención que el público de Bellas Artes no sabe que no se aplaude hasta que termine la obra. Hubo aplausos al finalizar los dos primeros movimientos. Al terminar el tercero quedé sorprendido de que nadie aplaudió, un movimiento del director parecía indicar el silencio no solo a la orquesta, sino también al público. Fue bastante efectivo. Al finalizar el cuarto movimiento se llevaron la ovación que merecían.

La función a la que asistí fue la del viernes 27. La del domingo 29 fue transmitida en Radio Educación, sin querer mi papá la encontró cuando estaba comenzando la Sinfonía, por lo que la emisión radiofónica pudimos disfrutarla juntos. Efectivamente, fue diferente oírla en radio, no es lo mismo que en vivo, la forma en que están colocados los micrófonos influye. Nuevamente se oyeron aplausos donde no deberían e incluso “shhh” pidiendo silencio.

Como nota al margen: el viernes 27 la llegada al recinto fue un poco difícil, había mucho tráfico en la zona por las festividades en el Templo de San Hipólito. Al escribir la reseña, el 4 de noviembre, me entero que varios conocidos no pudieron llegar a la función de CEPRODAC con 4 Miradas de Inez debido al desfile de muertos que dejó inaccesible al Palacio, incluso sin metro. Solo queda ir cada vez más y más temprano y prevenirse por todo tipo de eventualidades y festejos que suceden en esta ciudad.

Orquesta Sinfónica Nacional, Segunda Temporada
Ceiba de Luz y Sombra (Javier Álvarez), Sinfonía núm. 9 en Re menor, op 125 Coral (Beethoven)
Ludwig Carrasco, director artístico
Wendy Holdaway, fagot
Coro de Madrigalistas de Bellas Artes
Carlos Aransay, director
Coro del Teatro de Bellas Artes
Rodrigo Elorduy, director huésped
Solistas: (27 de noviembre) Lucía Salas, Frida Portillo, Álvaro Anzaldo, Jehú Sánchez. (29 de noviembre) Akemi Endo, Rosa Muñóz, Josué Hernández, José Luis Reynoso
Duración aproximada: 1:30 horas

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#danza, Ballet

Carmina Burana y Noche de Walpurgis

Detalle del poster del Ballet de Jalisco. Se muestra con fines ilustrativos.

El Ballet de Jalisco presentó el pasado 10 de junio en el Palacio de Bellas Artes el programa compuesto por Carmina Burana y La Noche de Walpurgis.

La velada comenzó con La Noche de Walpurgis, sobre el ballet de la ópera Fausto, con música de Gounod. Sin leer el programa de mano, uno de los personajes, con cuernos, me remite a un Fauno, probablemente Dionisio. Su maquillaje me parece excesivo, con los cuernos era suficiente. Los bailes son muy dinámicos. El cuerpo de baile posiblemente son Bacantes, no me sorprendería que el otro personaje masculino sea Apolo. Tras la función, al leer el programa de mano, veo que son Paris, Helena, un fauno y ninfas.

La escenografía (Lucía Ortíz) nos transporta a un bosque en la noche de Walpurgis, como bien dijo un espectador, se parece a Sueño de una Noche de Verano (coreografía de James Kelly con escenografía de Juliana Fraesler Y Erika Gómez, presentada por la Compañía Nacional de Danza en el mismo Palacio de Bellas Artes) Los árboles y la iluminación hacen muy buenos efectos.

La primer parte de la función duró aproximadamente media hora, viene un intermedio y posteriormente el cierre con Carmina Burana, con música de Carl Orff. Nuevamente la escenografía e iluminación crean diversos efectos mágicos jugando con las profundidades de la escena.

No sé por qué razón la música de Orff no se presentó en el orden establecido por el compositor. Los Carmina Burana son un conjunto de cantos, Orff seleccionó algunos de ellos, les hizo un arreglo sinfónico y los organizó de una manera en particular. Si se presenta Carmina Burana de Carl Orff espero oír la cantata como fue concebida por Orff. En su lugar se presentó en diferente orden. En un momento dado comenzó a distraerme el tratar de recordar si una pieza debía seguir a otra o no. Para una obra tan conocida no creo que sea buena idea alterar el orden.

Lo que no me gustó de la función:

  • La edición de la música de Orff.
  • El público compuesto por familiares y amigos. Aplaudían prácticamente en cualquier silencio musical, gritaban “Bravo [nombre de algún bailarín]” y hasta sacaban el celular para tomar fotos y video a pesar de estar prohibido hacerlo en el Palacio. Sé que es un gran logro que sus familiares bailen en Bellas Artes, pero parecía festival escolar. Mis vecinos de butaca incluso me preguntaban si había algo después del intermedio (no conocían el programa)

Lo que me gustó:

  • Ambas coreografías fueron muy dinámicas, la iluminación hizo efectos muy bonitos. La compañía es un conjunto de bailarines muy talentosos. Estuve en quinta fila y no se oían los pies al caer de los saltos, muy buena señal de que están bailando alargados, quitando peso y amortiguando perfectamente las caídas. Cosas que pocas veces veo aún con compañías profesionales.

Disfruté mucho la función, nunca había visto al Ballet de Jalisco y me gustó mucho su trabajo y técnica.

Noche de Walpurgis
Coreografía: Lucy Arce sobre original de Mikhail Labrovsky
Música: Charles Gounod
Carmima Burana
Coreografía: Lucy Arce
Música: Carl Orff

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#magia, #teatro

The Illusionists (2023)

Poster de The Illusionists. Se muestra con fines ilustrativos

El espectáculo The Illusionists regresa a México siendo ésta su quinta presentación en el país (sin contar las versiones especiales de Cancun) Por segunda vez, la temporada es en el Teatro Telcel. A pesar de anunciarse con el lema «Nuevo Show. Más impactante que nunca» el programa es muy parecido al de 2019, por lo que tomaré algunos pasajes de esa reseña.

En esta ocasión son siete magos. De izquierda a derecha del póster: Aryel Altamar (Argentina), Aaron Crow (Bélgica), Pablo Cánovas (España), Xavier Mortimer (Francia), Kevin James (Estados Unidos), James More (Reino Unido) y Joaquín Kotkin (México).

Aryel Altamar “El Hipnotista” regresa a México tras estár en la versión anterior del show. Su segmento me parece demasiado largo. Hipnotiza a un grupo de voluntarios (en la función que vi, a unas 17 personas) metiéndose en sus mentes y jugando un poco con ellos. Nota: nunca me han gustado los espectáculos de hipnosis. A pesar de prometer que no los va a ridiculizar, no estoy totalmente de acuerdo con esa afirmación.

Aaron Crow “El Guerrero” tiene a la vez uno de los segmentos de más tensión y el más romántico. Con una mirada muy penetrante dirige a los espectadores que le ayudan en el escenario. Muestra destreza con espada, chacos y navaja mientras su vista está evidentemente bloqueada por medios que pocos se atreverían a hacer, todo mientras sus asistentes tiemblan de pies a cabeza. En su segmento final, una pareja vuelve a declararse después de enfrentar una flecha de Crow. ¿Acaso desempeña el papel de Cupido? Después de todo Cupido y sus flechas no necesariamente deben venir en presentación tierna. Es también de los elementos recurrentes en el espectáculo.

Pablo Cánovas «El Inolvidable» (?) ha estado en otras temporadas pero no en Ciudad de México. Junto con Mortimer son los dos elementos nuevos para la ciudad. Me pareció de personalidad pesada, apostándole a su juventud y a un estilo de presentación tipo «trata de atraparme y adivinar cómo lo hago» En una «licencia artística» dice haber inventado un efecto que en realidad es de Jim Steinmeyer.

Xavier Mortimer «El Artista» es de las caras nuevas en The Illusionists. Trabajó con Cirque du Soleil y posteriormente abrió su propio espectáculo en Las Vegas. Un artista muy completo, sus segmentos incluyen música, interacción con sombras, elementos de circo como diábolo y acrobacia, baile y por su puesto magia. Su presentación incluye parte de L’Ombre Orchestra, espectáculo con el que viajó por Europa antes de entrar al Cirque du Soleil. El nombre hace un juego de palabras con «ombre» (sombra) y «homme» (hombre). Conocía con anterioridad su trabajó y me dio mucho gusto que lo trajeran a México.

Kevin James «El Inventor» es de los favoritos en The Illusionists, ha estado prácticamente en todas las temporadas en el país. Los efectos que presenta son los mismos. No deja de ser impresionante, por algo lo vuelven a traer. Al igual que Kotkin tiene bastante chispa con los niños.

James More «El Decepcionista» ¿existe esa palabra? No, no existe. En inglés lo presentan como the decepcionist, en español sería algo así como el engañador. Estuvo en la segunda versión del show, conocida como The Illusionists 2.0 Sus segmentos son de grandes ilusiones, particularmente escapes.

Joaquín Kotkin “El Surrealista” conocido como El Mago de la Media Barba, cuenta con varias participaciones que a la vez impresionan y hacen reír con sus comentarios. Ha trabajado casi en todas las versiones del espectáculo en México. Hace las veces de anfitrión e hilo conductor enlazando los diferentes actos. Hay modificaciones en los efectos que ha presentado en años anteriores. Maneja muy bien el humor de situaciones actuales. Sin ser números precisamente infantiles tiene mucha chispa con los niños.

Como mencionaba hace cuatro años, el Teatro Telcel es mucho mejor opción contra el Auditorio Nacional, donde se presentaron las tres primeras versiones. Es un tamaño más adecuado para el espectáculo. A pesar de haber números repetidos con años anteriores es un espectáculo que vale mucho la pena, actos que dificilmente se ven en México. Apto para toda la familia. En temporada desde el 9 de mayo, este domingo 25 de junio finaliza.

The Illusionists
Teatro Telcel
Duración aproximada: 2:30 horas incluye intermedio de 20 minutos (si te ofreces voluntario para ser hipnotizado no tienes intermedio)
Hasta el 25 de junio

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#teatro, marionetas

Peer Gynt

Ayudante del Rey y la madre de Peer Gynt

Marionetitlán recientemente tuvo en el Teatro La Capilla su temporada de Peer Gynt, de Henrik Ibsen con música incidental de Edvard Grieg. La adaptación a títeres es entregada como una primera parte. La música es interpretada en vivo por un cuarteto.

En el escenario, un entablado que hace de espacio para los títeres sirve también para hacer sonar las pisadas de estos. A diferencia de otras compañías, aquí vemos todo el tiempo a los titiriteros, por lo que se puede observar la dificultad para operar las marionetas y el que están todo el tiempo con la espalda alta encorvada, sumando a esto el peso del títere de madera, no ha de ser nada cómodo hacer una obra larga como Peer Gynt.

Como entreacto se presenta otro tipo de títere que representa al mismo Ibsen dando algunas notas sobre la obra, cuya duración originalmente era de unas seis horas. Para hacerla más llevadera se encargó a Grieg componer la música incidental. Estos entreactos sirven también para presentar resúmenes de algunas secciones de la obra y acortarla.

Peer Gynt es un joven bribón que se la pasa holgazaneando e inventado historias. Su mamá lo convence de que debería casarse con una muchacha que es de buena familia, pero es demasiado tarde, ya que ella se casa ese mismo día. Peer se dirige a la boda para interrumpirla. Termina en el bosque siguiendo a la hija del rey troll de la montaña. Ahora la desposará a ella ya que así heredará el reino. La ambición y el querer ganancias fáciles son características de Peer. Tendrá que hacer cosas a cambio, despojándose poco a poco de su humanidad. Finalmente ofende a los trolls y sale huyendo. Al regresar a su pueblo es un proscrito, tiene que entrar a escondidas a ver a su madre moribunda. En una bella escena en la que recuerdan los cuentos de la infancia y las aventuras que inventa Peer, él se la encarga a San Pedro. Al terminar de jugar ve que efectivamente su madre ha fallecido. Peer ya no tiene nada que hacer en el pueblo y parte.

Es en este momento en que se queda la historia. A finales de año se espera presentar en el mismo teatro, la segunda parte de Peer Gynt, tomando como parteaguas la muerte de la madre, ahora será un Peer adulto que tiene que valerse completamente por él mismo.

Como lo he dicho antes, es un esfuerzo muy grande montar una obra de esta duración con títeres. Un extra es la música en vivo. Al ver a los titiriteros podemos darnos cuenta de algunas de las peripecias que hacen para que las figuras cobren vida. Es el proverbial “mirar detrás de la cortina”. También se está rompiendo con la idea de que si son títeres es una obra infantil. Si bien no está mal para niños, puede resultar un tanto densa y larga.

Durante la función trabajaron 4 titiriteros, 4 músicos y por lo menos una persona de staff. No son pocas las personas que trabajaron. Desafortunadamente hubo poco público, si uno hace cuentas no creo que cada artista haya recibido mucho por su trabajo. Ojalá en la próxima temporada de Peer Gynt más gente se anime a verlos.

Peer Gynt
Original de: Henrik Ibsen
Música incidental: Edvard Grieg
Dirección y adaptación para marionetas: Gabriela Kraemer
Marionetistas: Alejandro Camarena, Gabriela Kraemer, Israel Román, Isabel Aguilar, Marco Torres
Músicos: Alejandra Rovira, Aarón Meneses, Isela del Ángel, Josué Gómez, Abel Benítez.

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#teatro, circo, marionetas

El Circo

Poster del Festival de Títeres Lucio Espíndola. Se muestra con fines ilustrativos.

Marionetas de la Esquina fue fundada en 1975 por Lucio Espíndola y Lourdes Pérez Gay. Durante 48 años han presentado su repertorio de teatro de títeres en espacios nacionales e internacionales. Lucio Espíndola falleció el 10 de diciembre de 2022, para recordarlo, del 5 de mayo al 4 de junio se lleva a cabo el Festival de Títeres Lucio Espíndola, en La Titería de Marionetas de la Esquina y en el Teatro Orientación del Centro Cultural del Bosque. En el festival participan diversas compañías como Teatro Tinglado, Teatro al Hombro y Badulake Teatro, entre otras.

El pasado 13 de junio en el Teatro Orientación se presentó El Circo, obra escrita por Espíndola en 1976.

Durante 50 minutos nos traslada a una carpa de circo, de las de los años 70s, de esas que ya no hay, con leones y todo.  El maestro de ceremonias nos da la bienvenida a la carpa que se abre majestuosa ante nosotros. El desfile inaugural con la banda presenta situaciones cómicas con los integrantes. Particularmente me llama la atención el músico de la tambora y platillos por la forma en que se mueve tocando sus instrumentos.

A continuación, Pepe con su monociclo presenta su acto con los ojos vendados. Su lenguaje se reduce casi a un monosílabo, lo cual causa risa por la forma en que entrega su palabra y los significados que tiene. La marioneta es capaz de girar sobre su propio eje y equilibrar un objeto en su nariz. Es un mecanismo muy ingenioso sumado con una excelente animación por parte de los titiriteros.

Posteriormente Ariadna la equilibrista camina en la cuerda floja y hace contorsionismo. Ursus, el hombre fuerte, hace demostraciones con sus pesas, haciendo abdominales mientras carga las pesas con los pies ¡Y en verdad parece que hace abdominales! Es otra marioneta con un ingenioso mecanismo. Estrella, la trapecista me dejó embobado con su movimiento, me hizo recordar la vez que vi a Antonio Diávolo, un trapecista autómata del siglo XIX.

Jaime, el domador, trabaja con el león Budineto. He olvidado el nombre del payaso que hace equilibrio en silla y hace rabiar al maestro de ceremonias. Su rutina es de las que más hizo reír a los niños, quienes incluso pedían continuara con su broma. Finalmente las focas amaestradas juegan con pelotas y la función termina con el desfile de todos los artistas, primero las marionetas y después vemos a los titiriteros.

Los niños junto a mí se quejaban del domador Jaime y el maltrato hacia Budineto. Los niños de ahora no conocen lo que fue el circo.

El Circo fue la primer obra de Marionetas de la Esquina. Nos hace pasar un buen rato con las ocurrencias de los personajes y a los que nos interesamos en la animación de los títeres, nos deja pensando cómo están los hilos para lograr esos movimientos. En algún momento se llega a esa “suspensión de la incredulidad” de la que tanto hablan los magos y decidimos ignorar los hilos de las marionetas. Para ver la programación del festival consultar el blog de La Titería, en este post está la cartelera de ambas sedes.

El Circo
De: Lucio Espíndola
Duración: 50 minutos

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#danza, Ballet

Coppelia

Detalle del programa de mano. Se muestra con fines ilustrativos.

Coppelia o La muchacha con ojos de esmalte fue estrenada en 1870 en la Ópera de París, con música de Léo Delibes, libreto de Charles Nuittier y Arthur Saint-León. Coreografía de Saint-León. El argumento se basa en el cuento El Hombre de Arena de E.T.A. Hoffman. Desde entonces este ballet pantomímico se ha mantenido entre los favoritos del público por ser además cómico, siendo conocido simplemente como Coppelia. Ha tenido varias versiones coreográficas a lo largo de sus más de 150 años de existencia.

La Compañía Nacional de Danza presenta la obra como el programa 2 de la temporada 2023, después de 7 años de no montarla. Esta versión fue coreografiada por Enrique Martínez, quien falleció en 1998.

A pesar de ser una obra bastante conocida, creo nunca la había visto en vivo, solo en videos. Además, esta visita al Palacio de Bellas Artes marca mi primer asistencia al recinto después de iniciada la pandemia, la última vez que estuve fue para la Gala Contemporánea, justo una semana después de confirmado el primer caso en México. En esa ocasión hubo muy poco público. Esta vez me dio gusto ver bastante gente, aunque no lleno total y con promociones en internet con el operador de boletos, lo que puede indicar bajas ventas.

La temporada se realiza en dos versiones: con o sin orquesta (música grabada) Hace años todas las funciones eran con orquesta, no sé por qué hace tiempo comenzaron a hacerse las presentaciones con grabación. Al menos ahora hay oportunidad de seleccionar la función y, para mi gusto, ver el ballet con orquesta.

El ballet se divide en tres actos y cuenta la historia de Swanilda y Franz quienes están comprometidos, sin embargo, Franz coquetea con la misteriosa Coppelia, hija del Doctor Coppelius. Coppelia es una muchacha guapa que sale a leer a su balcón y no interactúa con nadie …excepto para mandarle besos a Franz. Swanilda se enoja y no quiere saber nada del matrimonio con Franz. Él se va con sus amigos a una taberna, Coppelius sale a la calle y los bribones se divierten a su costa atacándolo. En el jaloneo pierde sus llaves. Las muchachas que ven todo, toman la llave y se meten a casa de Coppelius. Franz mientras tanto busca una escalera para subir al balcón y visitar a Coppelia.

En el segundo acto, las muchachas descubren que la casa de Coppelius es un taller donde fabrica autómatas y Coppelia es una muñeca. Coppelius mientras tanto, regresa a casa y encuentra la puerta abierta, las chicas salen huyendo excepto Swanilda que toma el papel de Coppelia. Mientras, Franz ha entrado por la ventana. Coppelius lo emborracha para hacer un hechizo y transferirle su alma a Coppelia y que así tome vida. La tarea parece funcionar, ya que la muñeca se mueve, aunque tomándose demasiadas libertades. En realidad, Swanilda se divierte a costa del Doctor.

Franz despierta y ambos huyen, sin antes dejar revuelto el laboratorio y hacerle ver al Doctor la triste realidad de que todo fue un engaño y Coppelia sigue siendo no más que una muñeca.

Durante el tercer acto se celebra la boda entre Franz y Coppelia. Como sucede en la mayoría de los ballets, el acto está dedicado en su totalidad a los festejos.

El ballet es bastante dinámico y divertido. Al ser pantomima, gran parte de la historia se va narrando con gestos. La mazurka siempre es de las favoritas del público. A mi alrededor escuché gente reaccionando con alegría al escuchar las piezas más conocidas. Mucho colorido, limpieza en el movimiento, la ambientación que crea la escenografía es muy bonita, sensación de profundidad en la plaza. Me gustó particularmente que podemos ver, aunque sea un poco, el interior de la taberna, donde se vislumbra a una persona disfrutando su estancia en el lugar. También me impresionó que los bailarines que hacen de muñecos permanecieron gran parte del segundo acto en una sola posición.

Nuevamente, extraño los programas de mano físicos. Al menos el QR funciona y el PDF está bellamente elaborado. Después de tres años de no ver ballet, fue bastante revitalizante y lo hizo mejor la orquesta en vivo. La temporada termina el 30 de abril, quedando aun con y sin orquesta. La función empieza puntual, lo cual se agradece y cuenta con dos intermedios de aproximadamente 10 minutos, teniendo una duración total de alrededor de 2:00 horas.

Coppelia
Coreografía: Enrique Martínez
Adaptación Coreográfica: Compañía Nacional de Danza
Música: Léo Delibes
Director Musical: Luis Manuel Sánchez
Escenografía y vestuario: Eugenio Servin
Iluminación: Compañía Nacional de Danza
Estreno con la CND: 28 de septiembre de 1989, Sala Principal del Palacio de Bellas Artes

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#danza, Ballet, contemporaneo, documental

The International Competition for The Erik Bruhn Prize 2023

Captura de pantalla de los ganadores. Se muestra con fines ilustrativos.

Erik Bruhn fue un bailarín y coreógrafo danés que trabajó con varias compañías. Fue Director Artístico del National Ballet of Canada entre 1983 y 1986 cuando falleció. En su testamento estableció el Premio Erik Bruhn, el cual fue instaurado en 1988 y es organizado por dicho Ballet. El pasado 25 de marzo se llevó a cabo la más reciente edición de este premio, exactamente 37 años después de que Bruhn fuera internado y diagnosticado con cáncer de pulmón, falleciendo unos días después el 1 de abril.

Por primera vez la función realizada en el Four Seasons Centre for the Performing Arts en Toronto, pudo ser vista en todo el mundo gracias una transmisión en vivo de forma totalmente gratuita (livestreaming)  El trabajo de cámara tuvo sus problemas, no estando bien balanceados los blancos, por lo que cada cambio de cámara daba imagen con un tono diferente.

En esta ocasión participaron The National Ballet of Canada, American Ballet Theatre, The Royal Ballet y Stuttgart Ballet. Cada compañía manda una pareja de bailarines, de entre 18 y 23 años. Bailan un pas de deux de repertorio clásico y posteriormente se baila una obra de contemporáneo realizada especialmente para el premio, concursando también por coreografía. En el caso de contemporáneo puede ser un solo o un dueto. Los bailarines, a pesar de bailar juntos, son calificados individualmente. Los jueces no pueden evaluar a los miembros de su propia compañía. Al finalizar, las calificaciones se entregan para un conteo final, los jueces no se reúnen a deliberar y no saben quiénes son los ganadores, enterándose al mismo tiempo que la audiencia en el momento en que el maestro de ceremonias abre el sobre y anuncia los resultados.

Los primeros en bailar fueron Tristan Brosnan y Chloe Misseldine del ABT. Participaron con el Grand Pas Clasique. Me gustó, fue una danza con mucha frescura, se veían conectados, con naturalidad. Me gustó particularmente la variación de Misseldine. Al finalizar Brosnan tuvo una mala caída a pose sobre una rodilla, metiendo la mano al piso para detenerse. Desafortunadamente eso le valdrá puntos.

Siguieron Mackenzie Brown y Adhonay Soares da Silva del Suttgart, presentando también el Grand Pas Clasique. Mucho se ha comentado sobre lo subjetivo que es evaluar una competencia artística. En este caso ¿es bueno o malo ver la misma obra? Puede ser mejor pues se evalúa sobre lo mismo, pero las comparaciones se vuelven inevitables. Técnicamente mucho mejores que los participantes del ABT, no está a discusión. Pero …. Me gustó más la variación de Missledine en comparación con la de Brown. La ejecución fue tan técnicamente perfecta que por momentos la sentí mecánica. Sin la frescura de los bailarines anteriores. Las poses, las sonrisas, eran en momentos tan exactos que se perdía naturalidad. El momento que más me gustó fue al finalizar cuando Soares dejó salir una amplia sonrisa honesta y agradeció a Brown. Eso se ve poco, normalmente las gracias entre bailarines están tan ensayadas que no hay esos momentos de auténtica conexión y agradecimiento entre ellos. Soares no concursó pues sustituyó a Gabriel Figueredo que por circunstancias imprevistas no pudo participar. Por técnica, Brown puede ganar el premio de bailarina.

Siguió el turno para los anfitriones: The National Ballet of Canada. Emerson Dayton y Noah Parets interpretaron el Pas de Deux del cuarto acto de La Bella Durmiente. Bien interpretado, la obra nunca ha sido de mis favoritas, son pocos momentos del Pas de Deux que me gustan.

El final de la primera parte fue con el Royal Ballet. Daichi Ikarashi y Viola Pantuso interpretaron Diana y Acteón. Muy buena ejecución. Ikarashi tiene saltos impresionantes y buena técnica. Lo veo como ganador del premio a bailarín.

Después de un intermedio de 20 minutos la función continuó con el bloque contemporáneo.

Tristan Brosnan y Chloe Misseldine regresaron para bailar Game On de Laurren Lovette. Mackenzie Brown y Adhonay Soares da Silva interpretaron A Dialog de Roman Novitzky. Noah Parets y Emerson Dayton bailaron la creación de Ethan Colangelo titulada fractured. Finalmente Viola Pantuso y Daichi Ikarashi dieron vida a Things left unsaid de Joshua Junker.

La parte contemporánea no la disfruté tanto. Game On del ABT y Things left unsaid del Royal Ballet fueron las que más me gustaron aunque no terminaron de agradarme. La que menos disfruté fue A Dialog del Stuttgart. Movimientos muy cortados, técnicamente difíciles, pero no terminó de agradarme, no me parecía un diálogo, era más como dos monólogos.

El maestro de ceremonias Rex Harrington anunció la proyección de un fragmento del documental I’m the same, only more donde pudimos ver un poco del trabajo de Bruhn. El corto termina con la pregunta “¿Cómo estás? Soy el mismo, solo más”. Al finalizar la proyección se tuvieron los ganadores. Harrington los anunció quedando de esta manera:

Mejor coreografía: A Dialog de Roman Novitzki por el Stuttgart Ballet.

Mejor bailarina: Mackenzie Brown del Stuttgart Ballet.

Mejor bailarín: Daichi Ikarashi del Royal Ballet.

De esta forma concluye la edición 2023 del premio Erik Bruhn, con una duración de aproximadamente dos horas. Por primera vez pudimos disfrutarlo desde otros países en la comodidad de la casa y de forma totalmente gratuita. En días siguientes reportan más de 8000 espectadores en línea. Un agradecimiento especial a quienes hicieron esto posible.

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circo

XVII Encuentro de Circo Joven

El pasado 25 de febrero, el Circo Atayde Hermanos presentó en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris el XVII Encuentro de Circo Joven. Previa convocatoria se seleccionaron los actos que participarían en el evento. Durante la función se invitó al público a votar con mensaje privado en redes sociales por su acto favorito durante los siguientes días. Los tres con más votos pasarán al V Festival Nuevo Circo.

La función fue presentada por Lorena Canseco como maestra de ceremonias. En la primer parte del programa Momo Netza hizo antipodismo, girando pequeños tapetes en los pies, posteriormente también con las manos y una especia de malabares con ellos. Hubo pequeñas fallas pero todo está contemplado y se tiene previsto cómo recuperar rápidamente los tapetes que caigan. A continuación Natalia RamZav realizó aro aéreo con acrobacias en dicho aparato.

El siguiente número fue el payaso Alambrón con una entrada cómica con globo, no fue precisamente lo que a mi me parece cómico. Milo Reygadas continuó con una rutina de diábolo. Trabajo bien pulido, muy dinámico, con pases que por un momento parecían que iban a fallar pero siempre atrapaba el diábolo. Me gustó particularmente que su rutina va bien sincronizada con la música, terminando justo en el acento musical al mismo tiempo que se hizo oscuro. Ya tengo alguien por quién votar.

A continuación Nayeli Ramos presentó un acto de equilibrio sobre manos y evoluciones en un aro. Se notaba dificultad para mantenerse en equilibrio. Al finalizar intentó un lanzamiento de flecha con los pies mientras se apoyaba en las manos. Lo intentó sin éxito tres veces, en cada una se veía más cansada y con más dificultad para sostenerse.

MOA continuó con pole aéreo, un mástil chino que no está apoyado en el piso sino colgando de una cuerda, lo cual hace que se mueva, seguramente aumentando la dificultad. Me gustó, no lo meto a primer lugar pero es un buen número. Casco y Filipo siguieron con una entrada cómica de box, rutina clásica de slapstick. Foster Smith continuó con malabares de rebote. Me sorprendió el control sobre las pelotas, las perdió un par de veces pero hay que considerar que el escenario del Teatro de la Ciudad tiene un declive hacia el frente, ya que las pelotas rebotan en una plataforma, no caen en un piso horizontal y el rebote no será hacia arriba. La plataforma de Smith no se veía que tuviera cuñas para nivelarla, por lo que yo hubiera esperado más dificultad para controlar las pelotas.

Ernesto Ponce concluyó la primer parte con rola bola. Comenzó bien, pero al ir aumentando la dificultad se le fue complicando. Para finalizar trató de mantener el equilibrio sobre el rola bola mientras cargaba a su asistente sobre los hombros ¿de pie? tras varios intentos no lo lograron. Nuevamente creo que el declive del escenario pudo tener un papel crucial en el aumento de la dificultad.

Tras el intermedio Alfonso Meléndez continuó con un acto de blondín (cuerda floja) el aparato me pareció que se balanceaba peligrosamente, no se veía lo suficientemente firme. Eran apreciables las cuñas para nivelar el piso pero se movía y en repetidas ocasiones entraron técnicos a acomodarlas mientras Meléndez trabajaba sobre el aparato, saltando, rebotando y haciendo cabriolas en la cuerda.

Milo continuó con una entrada cómica. Payaso que con ayuda de alguien del publico realizó una serie de situaciones cómicas con un globo y un tiro con arco invisible teniendo una puntería increíble. Tengo otro número compitiendo por mi voto y por la reacción del publico diría que ha sido el favortio de varios.

Luisa Fuentes realizó suspensión capilar. Número aéreo donde es sostenida por el cabello. Erick Medina siguió con malabares con diversos objetos. Al principio sentí flojo el acto y mejoró mucho hacia el final. Siendo los últimos objetos que utilizó su fuerte. En algunos casos combinó objetos al mismo tiempo, lo cual es complicado por requerir diferentes formas de lanzar y atrapar. Allegrissimo mostró un conjunto musical de payasos que tocan una estrofa en formas cada vez más enredadas, al final hacen una cadena donde se van enlazando los instrumentos de cada uno, tocando con una mano el instrumento propio y con la otra el del vecino.

Sebastián Salazar continuó con straps, número aéreo suspendido por cintas. Para finalizar Dúo Mexica realizó un acto en patines. Girando en una plataforma realizaron varios tipos de cargadas. Es una disciplina circense que recuerdo haber visto solo dos veces, ambas en el Teatro de la Ciudad. La vez anterior fue en La Veritá de Finzi Pasca, aunque en una segunda gira omitieron el número. Es también de los actos que me pregunto qué tanto cambia el control con el escenario inclinado.

Mis tres números favoritos: Milo Reygadas (diábolo), Milo (payaso con globo y arco invisible) Dúo Mexica (patines). Al asegurarme de los nombres para votar caigo en cuenta que los números de diábolo y el payaso con el globo y arco son la misma persona.

En redes sociales se dijo que a finales de marzo se darían a conocer los números seleccionados para el Festival Nuevo Circo, pero al escribir esta reseña (un mes después de la función) todavía no se han publicado resultados. Esperemos en los próximos días se haga.

Una buena función, mucho trabajo para lograr estos números de circo, algunos más pulidos, otros con fallas. Ya que el evento es sobre todo para impulsar nuevos talentos es comprensible que haya errores. En los dos números descritos con problemas más evidentes, admiré el deseo de repetir y repetir hasta que saliera bien, al mismo tiempo que decía ya no lo hagan, en cada intento se ven más cansados y menos va a salir. Parte del aprendizaje es conocer el equilibrio entre no darse por vencido y saber cuándo parar.

Quedamos en espera de noticias de Festival Nuevo Circo.

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#danza, #historia, Ballet

Marie-Antoinette

Presentación de Marie-Antoinette. Se muestra con fines ilustrativos.

He visto algunas obras en video de Thierry Malandain y la mayoría me han gustado. Maria Antonieta no es la excepción.

Con música de Haydn y Gluck, Malandain nos lleva al Palacio de Versalles, donde vemos a la corte en fiestas, juegos pueriles y entretenimientos frívolos. También vemos desenvolverse romances entre gente de la corte.

Presenciamos la inauguración de la Opera Real de Versalles, un escenario dentro del palacio. Esta grabación en particular fue realizada en ese preciso escenario.

Se va presentando de igual forma la relación de María Antonieta con Luis XVI. En un principio somos testigos de una pareja amorosa, poco a poco se van separando, la frialdad y rechazo por parte de Luis XVI hacia María Antonieta se van haciendo más y más evidentes.

Hacia el final se escuchan estruendos. Los cañones y disparos que anuncian la revolución. Los dos reyes quedan en el escenario, levantan la cabeza al tiempo que se hace oscuro implicando la caída de la guillotina. Un final impresionante.

Como es frecuente en los trabajos de Malandain, la música y movimiento son alegres, con mucho dinamismo, incluso en escenas lentas. La sincronía de los bailarines con la música y del cuerpo de baile es perfecta. Un trabajo muy bien pulido. La escena final es una imagen con mucha fuerza, sin ser explícitos se insinúa el cadalso y la caída de la cuchilla.

El teatro principal del Palacio de Versalles fue inaugurado en 1770 para celebrar la boda del Delfín (Dauphin, título que se le da al hijo del rey y futuro heredero) con María Antonieta. El hecho de que este ballet sea grabado en ese escenario le da un toque histórico especial.

Una obra recomendable que puede ser vista en medici.tv

Marie-Antoinette
Dirección: Thierry Malandain
Bailarines: Claire Lonchampt, Mickaël Conte, Irma Hoffren, Frederik Deberdt, Miyuki Kanei, Arnaud Mahouy, Raphaël Canet
Música: Joseph Haydn y Christoph Willibald Gluck
Disponible en medici.tv con suscripción

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