circo

43e Festival Mondial du Cirque de Demain

Se muestra con fines ilustrativos

La edición 43 del Festival Mondial du Cirque de Demain se llevó a cabo en París del 25 al 28 de enero de 2024. Cuatro días de encuentro circense donde los participantes fueron evaluados para recibir diferentes premios. Como es costumbre, se realizó en la carpa del Cirque Phénix y Calixte Le Nigremont fue el maestro de ceremonias. Una de las galas está disponible de forma gratuita en streaming en arte.tv hasta el 26 de enero de 2025, pueden aplicar restricciones geográficas.

Albert Amores de España presenta un número de pole, utilizando dos mástiles, la mayoría de sus evoluciones alrededor de los mismos es sosteniéndose mientras las piernas están en un nudo o algún tipo de contorsión. Recibió el Trophée de L’Association des Acrobates de Chine y el Prix du Cirque Phénix.

La función continúa con un número de equilibrio en manos por parte de Mukhamadi Sharifzoda de Tayikistán. Una estructura formada por una pila de ladrillos y una torre vertical de los mismos es lo que sirve como apoyo para Mukhamadi. Parte del encanto del número es preguntarse si los ladrillos están unidos o no. Poco a poco el ejecutante los va separando. Al final hay una posible pista. Es uno de mis números favoritos, recibe un aplauso parcial de pie y Calixte hace regresar a Sharifzoda al escenario para recibir su ovación. Se lleva a casa la Médaille d’Argent, el Prix Les 7 Doigts de la Main y el Prix du Public.

Matéo Turbelin & Aélia Savary de Francia siguen con un número de diábolo. Me gustó mucho. Es una toda una obra con música en vivo (teclado y violín) hay voz pero no se ve si el cantante está en vivo. El número está enriquecido con danza contemporánea y una escenografía donde los diábolos tienen formas diferentes a la tradicional para ser al mismo tiempo parte de los decorados de la mesa. La rutina de diávolo la hace en su totalidad Matéo, siendo Aélia acompañante y ejecutante de un pequeño momento aéreo al final. Reciben el Prix Spécial du Jury y el Prix du Moulin Rouge.

Les Expirés, de “France Suisse” ¿Suiza Franca? Son un dúo de payasos que tienen tres segmentos: una parodia del desfile inaugural, un intento de hablar en el micrófono y acrobacia en patines. La parte de los patines me gustó, la de hablar en micrófono me pareció desagradable y sin chiste. Se trata de un número invitado.

Two on the Rope, de Alemania es un dúo masculino en cuerda vertical.

La Troupe Acrobatique Nationale de Chine lleva uno de los actos más vistosos. Presentan malabarismo con pelotas entre cuatro personas: tres trillizas y un hombre. Los malabares se realizan apoyándose en una estructura con paneles de acrílico sobre los que rebotarán las bolas en diferentes ángulos. La iluminación, música, poses, color brillante de las pelotas … todo ha sido planeado a la perfección. Por supuesto las secuencias de malabares son impresionantes. Hay dos o tres errores visibles que se salvan rápidamente. Uno de mis números favoritos. Recibe ovación de pie y una vez más Calixte Le Nigremont tiene que hacerlos regresar al escenario para su aplauso. Ganan Médaille d’Or.

Vassiliki Rossillion de Francia presenta cuerda volante, un columpio de cuerda en el se balancea y realiza acrobacias. Recibe el Trophée Annie Frattellini y el Trophée de Compagnie Altitude.

Alexandre Lane de Canadá continúa con Rueda Cyr. Tiene algunos movimientos que no había visto antes y finaliza con leds en la rueda.

El Trio Inshi de Ucrania lleva un acto de malabares con un ritmo alegre. Los tres malabaristas usan pelotas y aros, interactuando entre ellos o por separado. El número se enriquece con pasos de danza, parece tener elementos de Trepak. Hay múltiples caídas de las pelotas, hay momentos en que se ve un tanto desordenado y no queda muy claro si son errores o está planeado de esa forma. Reciben el Prix Spécial du Jury.

Hunish Parmar de la India realiza cintas aéreas. Usa vestuario que remite a algo tradicional, la música es muy interesante. Parece ser una historia en la que el ejecutante va entrando en un trance para al final despertar y adoptar una pose con mudras.

La función termina con el número más largo. The Revel Pucks del Reino Unido y su rola bola gigante. Tradicionalmente el rola bola es un cilindro horizontal sobre el que se coloca una tabla y el ejecutante hace equilibrio encima. Se pueden agregar más cilindros y tablas. La compañía The Reevel Pucks, de 11 integrantes, usa una llanta gigante sobre la que colocan una tabla en la que subirá la compañía en parte o en su totalidad. Harán equilibrios, caminarán sobre los hombros de los compañeros, harán torres humanas, todo mientras intentan no desequilibrar la tabla. Se realiza sin música y se escucha a los ejecutantes hablar y gritar instrucciones. Se llevan el Prix spécial du Jury y el Trophée Bretagne Circus.

La función fue grabada el 27 de enero de 2024, algunos de los números presentados en la misma no recibieron premio y en la lista de ganadores se enumeran actos que no están en esta presentación. El espectáculo corre de manera fluida e impecable, las dos horas de duración no se sienten, Calixte Le Nigremont es un maestro de ceremonias consumado que mantiene al púbico atento e informado entre cada acto, rara vez trae notas en la mano, conoce de memoria los datos de los participantes. No por nada es famoso en el mundo del circo.

Un video muy bueno que vale la pena ver, ojalá se sigan compartiendo estas funciones en arte.tv. Es una producción de Arte FRANCE y Telmondis. Para saber más del festival, se puede visitar su sitio web

En general veo que la mayoría de los actos no se limitan a “circo” enriquecen sus números con elementos dancísticos y frecuentemente cuentan una historia o al menos se ve que hay una historia interna.

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#magia, historia, libros

Visita a la Boekentoren

La Boekentoren

La Universidad de Gante (UGent) cuenta con la Boekentoren (Torre de Libros) la cual es su biblioteca central. En 1933 el arquitecto Henry van de Velde fue encargado de su construcción y fue inaugurada en 1942.

Localizada en la parte más alta de la ciudad, la Boekentoren es la cuarta torre de la ciudad. Las 3 más antiguas, de la Edad Media, son la Iglesia de San Nicolás, el Campanario y la Catedral de San Bavón. La Torre de los Libros en también conocida como “Torre del Conocimiento”. Al ser más alta que las otras y dominar la vista de la ciudad, se dice que el arquitecto festejaba el triunfo de la ciencia sobre la iglesia y el estado.

Durante la Segunda Guerra Mundial los alemanes tomaron la torre por su ubicación estratégica y colocaron un cañón encima. El edificio de concreto, un material novedoso cuando fue construida, tuvo daños por la guerra pues se bombardeó al cañón para anularlo, aunque fue respetado el edificio. En 1991 se declaró monumento protegido, sin embargo, durante mucho tiempo se le vio como un elefante blanco y poco funcional. Es hasta principios del siglo XXI que se hace un plan de restauración y para darle su máximo esplendor.

La biblioteca contiene una importante colección, no solo textos de las diferentes facultades sino también manuscritos medievales, libros antiguos y los “Vliegende Bladen” (papeles volantes)

La arquitectura no es muy funcional ya que la torre es un edificio alto y angosto. Los libros deben distribuirse en los pisos repartiendo el peso entre los cuatro lados y moverse entre niveles para consultarlos puede ser complicado. El mirador en la cima del edificio incluye un amplio salón pensado para extender grandes mapas y documentos por el piso. El problema es que cuenta con ventanales que permiten la entrada de luz de sol que degradaría los papeles.

En la planta baja se encuentra una antigua máquina con la que se movía el material entre pisos. En el catálogo se sabía en qué piso estaba un libro en particular. Dicho libro se solicitaba a ese piso mediante un cilindro que viajaba por tuberías de aire. El libro era colocado en una especie de ascensor y al llegar al piso que lo había solicitado era arrojado por una resbaladilla. Un mecanismo poco apto para un incunable.

Aparato para mover libros entre pisos

Hoy en día ese aparato no se utiliza. La biblioteca cuentan con 65 km de repisas, aproximadamente el 5% del material está abierto al público. Buena parte del archivo bibliográfico se ha digitalizado mediante convenios con Google Books y puede ser accesible en cualquier parte del mundo, incluyendo libros antiguos, salvo archivos exclusivos de la UGent.

Ferdinand Vander Haeghen fue bibliotecario en jefe de la Universidad de 1868 a 1911. Se dio cuenta de que “lo que puede no tener valor hoy, puede interesarle a alguien en siete años, después de otros siete años se vuelve raro. Veinte años después se vuelve útil. Y en menos de un siglo, es valioso”(1). Con esa idea publicó en periódicos anuncios que pedían “no destruir jamás un documento” e invitaba a la gente a recorrer sus desvanes y enviarle cualquier cosa que pudiera ser de interés. El resultado se conoce como los “Vliegende Bladen” (papeles volantes) todo aquel papel que el viento se lleva en la calle. La colección incluye posters, anuncios, programas de mano, notas, boletos y folletos de circos, ferias, cines, teatros, etcétera. A este tipo de documentos en inglés se les conoce como “ephemera” efímero. Algo que no fue creado para durar. La misión de un anuncio era que la gente supiera del espectáculo, después era desechado. Un poster era pegado en la pared para después ser roto o cubierto con otro nuevo. Un boleto se usa para entrar, se rompe y se tira a la basura. Vander Haeghen logró rescatar de esta forma muchos documentos, que, parafraseándolo, “más de un siglo después son invaluables”.

Durante la 9th European Magic History Conference, del 24 al 27 de agosto de 2023, la bibliotecaria encargada de los Vliegende Bladen, Yana Vandendriessche, nos recibió con una selección de documentos que incluían los libros Amusemens Physiques et Diférentes Expériences Divertissantes, de 1785; Het Nieuw Natuerlyk Toover-Boek; un par de ediciones de Ondecking van Tovery (The Dsicoverie of Witchcraft en holandés) de 1609 y 1637, cabe señalar que son versiones abreviadas del original en inglés. Nieuwe Natuur en Wiskonstige Vermaaklykheden de 1771, se trata de la versión holandesa de Nouvelles Récréations Physiques et Mathématiques de Guyot. Posters de Pietro Galici, León Hermann y Grandsart-Curtois entre otros.

En el pasillo de entrada estaba exhibido un póster en francés de la película Around The World in 80 Days de Michael Todd, con Cantinflas. No esperaba encontrar eso por allá.

Para finalizar quiero agregar que Kamome Shirahama escribe el manga Atelier of Witch Hat donde en un mundo de magia existe “La Torre de los Libros” rodeada por un lago. “Con el propósito de preservar el conocimiento, todos los libros sobre magia son copiados en ese lugar en el mismo instante que son escritos”(2). La torre está custodiada por cuatro serpientes marinas y “para entrar a la torre, primero hay que estudiar” solo los magos que pasen las pruebas tienen acceso.

A diferencia de la torre ficticia, la Boekentoren real está abierta a todos, no solo preservando el conocimiento, sino ofreciéndolo a quien se acerca a ella, ya sea físicamente o en línea.

(1) Citado en: Evelien Jonckhere. Van Minardschouwburg tot Vliegende Bladen: een initiatie in fin-de-siècle illisiegeschiedenis – From the Minard Theatre to Flying Papers: initiation into fin-de-siècle illusion history. Magical Minard Evenings of Wonder. Varios autores. Mystery Lab, 2023. Edición bilingüe en holandés e inglés.

(2) Kamone Shirahama. Atelier of With Hat. Volumen 1, capítulo 2. Edición en español: Editorial Panini México, 2020.

Vista de las 3 torres. San Nicolás, el Campanario y San Bavón
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#historia, #magia, biografia, comic, historia, libros

The Art of Deception

Portada de The Art of Deception. Se muestra con fines ilustrativos.

Chuck Romano comenzó en 1994 en la revista especializada de magia The Linking Ring, una columna sobre el arte en la magia (ilustraciones y diseño gráfico en publicaciones mágicas) Su investigación culminó en 1997 con el libro The Art of Deception, The Affinity Between Conjuring & Art (El arte del engaño, la afinidad entre magia y arte) La primer edición fue limitada a 500 ejemplares firmados y numerados del 1 al 500. Una segunda edición de 2008 fue firmada y numerada del 501 al 1000.

Sabiendo un poco el tema del libro, esperaba que se cubrieran pinturas antiguas como la famosa El Escamoteador del Bosco, así como grabados de siglos anteriores, que se usaban frecuentemente como parodia de acontecimientos políticos. Mi sorpresa fue encontrar también capítulos dedicados a los ilustradores de libros y revistas de magia, de hecho, la mayor parte del libro se dedica a este sector. El mismo autor indica que comenzó a escribir con la intención de que se reconozca a estos artistas que frecuentemente son ignorados y sin los cuales, entender un texto mágico sería complicado.

Comenzando con los grabados antiguos que esperaba, Romano nos muestra parte de los primeros dibujos alusivos al tema. La mayoría contiene barajas, cubiletes y bolas. Se ilustran algunos ejemplos del Bateleur (El Mago) del tarot, que ya cuentan con estos elementos sobre su mesa de trabajo. Hace una referencia a la tumba de Beni Hasan en Egipto donde se decía está la más antigua representación de los cubiletes y bolas, sin embargo, la interpretación más factible es que se trate de panes.

El autor proporciona explicaciones sobre el proceso de impresión con bloques de madera, placas de cobre y litografía, se va viendo cómo poco a poco fueron evolucionando los procesos para hacer más duraderos y detallados los moldes, lo que permitió hacer impresiones masivamente. El proceso en si era un trabajo de amor y arte, extremadamente difícil y detallado. Si alguna vez han visto este tipo de moldes es increíble cómo se realizaban con tanta precisión, frecuentemente cobrando su cuota sobre la vista de los artistas.

Posteriormente el autor habla de las personas que “mantienen la flama” magos y coleccionistas que han resguardado los tesoros invaluables de antaño, conservando posters, grabados y litografías de los maestros del pasado. Al tener esta investigación alrededor de 30 años, muchas cosas han cambiado, varias colecciones han cambiado de manos, algunos museos ya no existen y buena parte de los coleccionistas mencionados han fallecido.

Al pasar en materia de la ilustración de textos, el libro se divide en capítulos según el área. Por ejemplo, se comienza con publicaciones del siglo XIX y principios del XX. Posteriormente pasa a los ilustradores actuales (de hace 30 años) Luego cubre a los artistas de catálogos, encargados de hacer soñar a los clientes potenciales y convencerlos de comprar algún artilugio mágico.

En la ilustración técnica, abarca a los dibujantes que hacen lo propio en libros y revistas especializadas con el objetivo de ayudar a la comprensión de las instrucciones de cómo realizar un truco.

Dentro de las publicaciones mágicas se puede encontrar otro tipo de ilustración: las caricaturas. Viñetas cómicas para hacer reír al lector tocando temas inherentes al gremio. Otro capítulo es sobre la conexión con los cómics. Tiras cómicas de magia dirigidas al público en general, no exclusivas de publicaciones especializadas, Ahí encontramos a Mandrake, un ejemplar de Batman que une fuerzas con Houdini, o datos sobre Steranko, ilustrador de cómics que también realizaba magia.

Otro capítulo cubre arte diferente a la ilustración: escultura a pequeña y gran escala con temas de magia.

Me parece un libro bastante interesante, profusamente documentado e ilustrado. Frecuentemente en cada capítulo dedica secciones a un ilustrador en particular, dando breves biografías o sinopsis del trabajo de cada uno. En ocasiones siento que no hay una completa unidad, hay artistas que son mencionados de pasada sin su correspondiente sección o que se repiten en varios capítulos al abarcar diferentes áreas (por ejemplo si el artista ilustraba catálogos y revistas)

La cronología del libro va mostrando cómo ha ido evolucionando el proceso de ilustración. Puede ser con fines de publicidad, técnico o artístico. El paso de bloques de madera, placas de cobre y litografía a ilustraciones en papel, ya sea con tinta, lápiz o estilógrafos. Se va notando que los ilustradores de principios de siglo XX trabajaban a mano alzada, mientras fue avanzando el siglo, los artistas que va mencionando, comienzan a usar fotografías como modelo y/o mesas de luz para calcar bosquejos. La tecnología va modificando la forma de trabajar. Son pocas las referencias a fotos hasta las últimas décadas del siglo XX. Recordemos que la fotografía era cara y se necesitaba el proceso de revelado para conocer el resultado.

30 años después, varios ilustradores mencionados han fallecido, otros de ellos ya no dibujan y han pasado a otras áreas. Varias revistas mencionadas también han desaparecido. Actualmente la ilustración ha sido sustituida por fotografía. Cada vez es más la publicidad y la descripción de técnicas mágicas mediante la foto. Con el avance de lo digital, imagino es relativamente más fácil y barata que el dibujo. Un amigo que trabajó dibujando para algunos libros me decía que es muy laborioso y mal pagado, por eso lo dejó. A mi gusto, el dibujo, le da un sabor especial a las publicaciones. Al revisar revistas de hace 10 años, que aún incluían ilustraciones a blanco y negro, siento que algo se ha perdido al compararlas con las publicaciones actuales con fotografías a todo color.

The Art of Deception, sin lugar a duda, rinde homenaje a estos artistas tan importantes, frecuentemente olvidados y hace que nos fijemos y valoremos más su trabajo.

The Art of Deception
Autor: Chuck Romano
Primer edición, 1997
Publicado por Charles J. Romano
395 páginas.

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#teatro, marionetas, musica

Peer Gynt de regreso

Peer Gynt dándonos la mano.

Durante 5 martes de noviembre y diciembre de 2023, Marionetitlán tuvo temporada de la parte final de la historia de Peer Gynt de Henrik Ibsen, con música de Edward Grieg interpretada en vivo. Las funciones se llevaron a cabo en el Teatro La Capilla y fue el estreno de esta segunda parte.

La primer parte nos dejó en un punto en el que muere la madre de Peer, él ha sido expulsado de su pueblo de origen por la justicia y se ha ganado la enemistad del Rey de la Montaña tras aceptar casarse con su hija y luego despreciarla por los sacrificios que debe hacer. Peer Gynt de regreso narra las aventuras del protagonista muchos años después, en su madurez. En la primer parte, el mismo Ibsen, representado por un títere tamaño persona, nos explica al público actual que la obra fue muy larga aún para la época (6 horas) y para hacerla más llevadera hoy en día, narrará algunas escenas y se dividirá en dos partes. En Peer Gynt de regreso, Ibsen da el resumen de la primer parte y cuenta parte de las aventuras y malas acciones del protagonista en los últimos años, lo que nos deja listos para la conclusión.

Peer se encuentra con el fundidor, quien quiere fundir su alma cual metal, es un concepto existencial que trataré de explicar: algo así como que un alma tan manchada y defectuosa que no merece ni el cielo ni el infierno debe ser fundida como moneda gastada o con errores. Es el caso de Peer. Sin embargo, al fundirse su alma, dejará de existir ¿es preferible el infierno pero seguir siendo él? Que su alma, que es lo que lo define ¿exista por toda la eternidad aunque sea en el infierno? ¿Tiene que comprobar que siempre fue un bribón hecho y derecho para obtener la salvación? ¿Qué es la salvación y cómo llega?

No daré más detalles para no revelar el final. Peer Gynt es una obra que puede resultar densa, triste, divertida y que hace reflexionar, todo a la vez. Esta es la primera vez que se presenta en México con marionetas, teniendo el extra de música en vivo.

La función a la que asistí fue la del cierre de temporada el 12 de diciembre. Al finalizar, la directora Gabriela Kraemer invitó a tomarse fotos con las marionetas y saludarlas, comentando que en el proceso de elaboración, considera que las manos han quedado bien cuando uno puede sostenérselas de modo que se ajuste a un apretón de manos. Pude comprobarlo, y de esta forma saludé de mano entre otros al mismo diablo.

Espero que pronto regresen a otros espacios con ambas partes de Peer Gynt y que más público siga disfrutando de esta puesta en escena. Por mientras, Peer Gynt de regreso, estará el 18, 19 y 20 de enero en el Museo de la Ciudad de Querétaro.

Peer Gynt de regreso
Dramaturgi: Henrik Ibsen.
Música: Edward Grieg.
Dirección y adaptación para marionetas: Gabriela Kraemer
Marionetistas: Samir Alejandro Camarena Domínguez, Isabel Aguilar, Marco Antonio Torres Muñoz, Israel Hernández Román.
Músicos: Yunuen Xolotzin Flores, Itzel Alejandra Rovira Sánchez, Aarón Menes Ramírez, Isela Amacali del Ángel Vega.
Duración aproximada 2 horas.

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musica

Concierto Navideño

El cierre de la Segunda Temporada de la Orquesta Sinfónica Nacional fue el 8 y 10 de diciembre en el Palacio de Bellas Artes con el tradicional Concierto Navideño. La reseña corresponde a la función del día 10, fecha en que se retiró uno de los violinistas después de 30 años en la institución. Un pequeño homenaje se llevó a cabo previo a la función, donde se le dedicaron palabras y la orquesta interpretó Las golondrinas.

El programa consistió en la Obertura de la ópera Hansel y Gretel de Engelbert Humperdink, Paseo en Trineo de Leroy Anderson, Troika de Sergei Prokofiev, Suite del Cascanueces, versión de Ellington y StrayHorn sobre la original de Chaikovski, Suite de villancicos de Eduardo Hernández Moncada y Selección de Villancicos Internacionales.

El programa fue corto, planeado para 60 minutos sin intermedio, se alargó un poco por el homenaje y el encore.

Paseo en Trineo, Troika y los villancicos fue lo que más disfruté. La separación entre la suite de Eduardo Hernández y los villancicos internacionales no fue clara. Lo que menos me gustó fue la Suite de Cascanueces a ritmo de jazz, en varios momentos no se parecía a la original. Prefiero una instrumentación clásica.

Entre los villancicos interpretados estuvieron: Noche de Paz, Pequeño pueblo de Belén, Oh, árbol de Navidad, Dios les dé una feliz paz, Cántico de Navidad, Cántico de las campanas y Las posadas. Este listado corresponde a la Suite de villancicos. El número listado como Selección de Villancicos Internacionales no se detalla en el programa, aunque recuerdo Señora Santana, que más que villancico es canción de cuna. Los villancicos me trajeron recuedos cuando de niño oíamos en Navidad dichos cantos en discos LP, este año decidí desenterrar algunos para oirlos de nuevo, con ese gis caractéristico en el audio.

Como encore se ofreció Aleluya del Oratorio del Mesías.

El concierto estuvo a cargo de Ludwig Carrasco en la Dirección Artística de la Orquesta, David Arontes, Director Coral. Gilberto Amaro, tenor y Coro del Conservatorio Nacional de Música.

 La salida del inmueble fue por las escaleras traseras del recinto, se me hizo raro, pues faltaban horas para la siguiente función en el inmueble, al menos sirvió para conocer otra parte del Palacio. El tenor Gilberto Amaro atravesó el pasillo de las escaleras y aprovechó para agradecer a los asistentes. Se llevó la simpatía del público.

Como ha sucedido en otras funciones: el público se comportó como en festival escolar, fotografiando y filmando el concierto sin importar que esté prohibido. Gritos de “mucho Fulano”, “arriba mi hijo” y cosas por estilo. Sé que es un gran logro que sus hijos canten en el Palacio de Bellas Artes pero no es un festival escolar. Al ser un programa corto no hubo intermedio, a pesar de estipularse “una vez iniciado no hay acceso” la gente continuó entrando bastante avanzada la función. De igual forma saliendo y regresando del baño. Cual festival escolar.

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#danza, Ballet

Onegin

Erick Rodríguez en su depedida como Onegin

El pasado 12 de noviembre, el primer bailarín Erick Rodríguez se despidió de la Compañía Nacional de Danza de México con la obra Onegin. La temporada, del 5 al 12 de noviembre, contó con 4 funciones y dos elencos para los papeles principales (excepto para el Príncipe Gremin, que tuvo tres intérpretes) Erick Rodríguez bailó  los días 7 y 12.

John Cranko coreografió la obra en 1965 para el Stuttgart Ballet, basándose en la novela de Alexander Pushkin, Eugenio Oneguin (también escrito Eugene Onegin. Creo que la forma correcta en español es con la u, produciendo un sonido suave, en la reseña usaré la ortografía del programa de mano)

El argumento es aproximadamente el siguiente: Olga está comprometida con Lensky. Su hermana Tatiana se enamora de Onegin, quién la trata de manera fría y frente a ella rompe la carta de amor que le ha hecho llegar. En una fiesta, Onegin coquetea con Olga, provocando el enojo de Lensky, quien lo reta a duelo. Onegin mata a su rival y se va de la ciudad. Diez años después regresa, encontrando a la princesa Tatiana casada con el príncipe Grevin. Onegin ahora es quien escribe una carta de amor. Tatiana no quiere que Grevin la deje sola, pero él tiene que salir, por lo que Onegin se presenta esperando una respuesta. Es turno de Tatiana de romper la carta frente a Onegin y pedirle que salga de su vida para siempre.

Ballets basados en novelas rusas del siglo XIX como Ana Karenina y Un héroe de nuestro tiempo no son de mis favoritos. A mi gusto tienen demasiadas escenas de bailes de corte, aunque lo admito, los ballets clásicos también tienen muchas escenas de danzas en palacio que agregan poco a la historia.

 En el caso de Onegin, tampoco es de mis obras favoritas, sin embargo, esas escenas de baile en la corte son interesantes por tener pasos muy elaborados y frecuentemente desplazamientos a gran velocidad por el escenario.

La escenografía me gustó mucho, transporta a los palacios y lugares de la historia. El uso del proscenio mientras se hacen cambios durante las escenas me pareció muy acertado.

En el primer acto Tatiana se ve frente al espejo, me gustó cómo lo resolvieron mediante otra bailarina. También cómo su sueño se va materializando a través del espejo. La danza triste de Lensky antes del duelo transmitió mucho sentimiento. El duelo y los recuerdos atormentando a Onegin desfilando en el proscenio son escenas muy bien hechas. El final, cuando Tatiana es quien desprecia a Onegin con las mismas acciones que él tuvo antes hacia ella, es algo muy fuerte. Tatiana queda llorando, ella en verdad lo quiso, pero han pasado demasiadas cosas y es muy tarde para que surja algo, aunque por un momento pareciera que ella va a ceder. El papel de Tatiana, en la función final fue interpretado por Elisa Ramos, esposa de Erick, quien es Primera Solista.

Erick Rodríguez nació en La Habana, fue parte del Ballet nacional de Cuba del 2000 al 2002. Ingresó a la Compañía Nacional de Danza de México en 2003 y en 2009 llegó a Primer Bailarín. Tras 20 años en esta agrupación, se despide con una obra que le gusta mucho y bailó 13 años atrás. Teniendo la oportunidad de reinterpretar el papel, ahora más maduro.

La tarde del 12 de noviembre, la última que bailó, la función fue suya y todo el Palacio de Bellas Artes estuvo para acompañarlo. En la Luneta (planta baja) se dieron cita personalidades de la danza: coreógrafas, ex primeras bailarinas y primeros bailarines, directores artísticos anteriores, gente que se ha despedido previamente y que compartieron escenario con Erick. Tras la función, se proyectó un video con compañeros, familiares y amigos enviando sus mejores deseos al homenajeado en la nueva etapa de su carrera. Me pareció muy importante eso: nadie lo vio como “retirarse” si no como una nueva etapa en su vida profesional. No sabemos que planes tenga, pero seguramente seguirá muy activo, ahora en otro papel.

Antón Joroshmanov, Elisa Ramos, Óliver, Díaz, Erick Rodríguez, Alexis Escamilla

Es la segunda vez que voy a una función de despedida, la primera vez fue en 2008 cuando la Primera Bailarina Irma Morales dijo adiós con Romeo y Julieta. En aquella ocasión si mal no recuerdo no hubo temporada, fue una sola función. En el vestíbulo de la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes se colocó una exposición con fotos, zapatillas y momentos de la carrera de Irma. En este caso, esperaba también alguna exposición sobre la trayectoria de Erick. No la hubo. A fin de cuentas, son 15 años de distancia y diferente administración. Algo que también extrañé fue el programa de mano impreso. Constantemente me he quejado en este espacio de los ahora omnipresentes programas digitales. Del 2008 incluso tengo el programa con una dedicatoria de la maestra Morales. Este año solo nos llevamos el programa digital. El formato impreso estuvo disponible exclusivamente para los invitados especiales en la mesa de cortesías.

Uno de los nuevos retos con los programas digitales es la forma en la que se van a archivar y documentar los mismos, cómo se va a conservar la parte de la historia que va en esos registros, donde ahora se pierden las variaciones o pequeñas historias particulares en que puede puede haber algo dedicado o firmado.

Onegin
Coreografía: John Cranko.
Reposición: Jane Bourne.
Música: Piotr I. Chaikovki.
Orquesta del Teatro de Bellas Artes. Óliver Díaz, Director Invitado.
Solistas del 12 de noviembre: Erik Rodríguez, Elisa Ramos, Argenis Montalvo, Alexis Escamilla, Antón Joroshmanov, Sonia Jiménez, Irina Marcano.
Duración aproximada: 2 horas con 2 intermedios.

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#danza, Ballet, contemporaneo, folclor

DanZoología

Detalle del poster de Danzoología. Se miestra con fines ilustrativos.

Del 27 al 29 de octubre de 2023 se presentó en la Sala Miguel Covarrubias de la UNAM, el programa DanZoología. La biodiversidad animal en la danza. Una función colectiva que unió diferentes bailes alusivos a animales.

Únicamente el 28 y 29 presentó la Escuela Nacional de Danza Folklórica, con Quetzales. Con la participación especial de Antonio Hernández, maestro y músico de la danza de Quetzales del barrio de Tacopan, Atempan, Puebla. La danza es hipnótica, un tanto monótona. Sorprende que durante media hora los intérpretes bailen sin parar con la misma serie de saltitos, todo el tiempo con el acompañamiento musical del maestro Hernández. La energía que se requiere para bailar, así como tocar la flauta y tamborín durante media hora debe ser muy grande.

Continuó Diario de confinamiento, coreografía e interpretación de Irene Martínez. No me gustó. La solista se mueve en un recuadro frente a una proyección de unas palomas echadas. ¿representa una paloma en cautiverio? No me quedó muy claro y en todo caso los movimientos no me remitían a una paloma.

La Compañía Mexiquense de Danzas Regionales bailó El Alcaraván, La Tórtola y El paloma y la paloma. En el programa se anunció El Zopilote, pero no se interpretó. Me gustó la participación de la compañía. Obras alegres donde el movimiento si ilustra a los animales que representan.

Ícaro, de la Compañía Corpógrafos, siguió en el programa. Con coreografía de Isabel Beteta e Interpretación de Eustorgio Guzmán Sanvicente, muestra un Ícaro naciente, parece un ave saliendo del cascarón. Después la desesperación al perder las alas y caer. En el tema de los plásticos de un solo uso me da no se que pensar en un vestuario de una sábana de plástico que es rota en cada función, seguramente en cada ensayo.

4 cisnes del Lago de los Cisnes, coreografía de Reyna Pérez, de Ardentía, muestra la famosa variación en una versión “cómica” interpretada por hombres. Existen diversas versiones de este estilo. Siento que no terminó de amarrar y hubo una respuesta un tanto fría del público.

La Compañía Nacional de Danza presentó el Pas de deux de Lago de los Cisnes con Ana Elisa Mena y Alejandro Hidalgo. Lago siempre es favorita del público y no fue la excepción.

Continuó Isabel Beteta con Calling Me, un solo contemporáneo. No se si era un insecto eclosionando entre el lodo. No me gustó.

El programa finalizó con La danza del venado, con el Ballet Folklórico de México de Amalia Hernández. No cuenta con datos del intérprete.

La función en general me gustó, como función conjunta es un esfuerzo especial entre varias compañías y es interesante el concepto de que todo gire en torno a un tema: los animales. La dirección artística corrió a cargo de Héctor Garay e Isabel Beteta. A pesar de estar prohibido tomar fotografías y video no faltó quien sacó su celular a escondidas con ese fin. ¿Público regular? No. Quien lo hacía era gente de danza que debería estar más consciente del respeto por esas reglas.

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musica

Novena Sinfonía

Los pasados días 27 y 29 de octubre, la Orquesta Sinfónica Nacional presentó la Novena Sinfonía de Beethoven.

El programa inició con Ceiba de Luz y Sombra, de Javier Álvarez (en memoria) concierto para fagot y orquesta creado en 2012 y estrenado en 2013. La fagotista que tocó por primera vez la obra y a quien fue dedicada la partitura es Wendy Holdaway, quien interpretó la pieza en esta temporada a la memoria del maestro Álvarez.

La obra en general no me gustó, el estilo me recuerda a Stravinsky, quien no me gusta. El trabajo del fagot es impresionante, no soy experto en música, pero me parece que no hay muchas obras con grandes solos para dicho instrumento.

Tras un intermedio, el plato fuerte del programa es la Novena Sinfonía “Coral” popularmente conocida por el cuarto movimiento que lleva la Oda o Himno a la Alegría.

Es la primera vez que oigo la Sinfonía en vivo, solo la conocía en grabaciones, de momentos sentía rara la instrumentación, pero puede ser porque estoy acostumbrado a una grabación donde los micrófonos y mezclas difieren de algo interpretado en vivo. Hubo momentos que me hicieron estremecer, aunque no tanto como lo imaginaba.

Al ser una obra muy popular, cuando se presenta los boletos suelen agotarse desde semanas antes. Recuerdo cuando era niño, mi papá quería comprar y no había localidades, de inmediato en la explanada de Bellas Artes se acercaron los revendedores a ofrecer a sobreprecio. Mi papá se fue muy enojado y no quiso hacerles el juego. Muchos años después, finalmente pude asistir a ver la obra, desafortunadamente, por motivos de salud, sin la compañía de mi papá.

Como siempre, me llama la atención que el público de Bellas Artes no sabe que no se aplaude hasta que termine la obra. Hubo aplausos al finalizar los dos primeros movimientos. Al terminar el tercero quedé sorprendido de que nadie aplaudió, un movimiento del director parecía indicar el silencio no solo a la orquesta, sino también al público. Fue bastante efectivo. Al finalizar el cuarto movimiento se llevaron la ovación que merecían.

La función a la que asistí fue la del viernes 27. La del domingo 29 fue transmitida en Radio Educación, sin querer mi papá la encontró cuando estaba comenzando la Sinfonía, por lo que la emisión radiofónica pudimos disfrutarla juntos. Efectivamente, fue diferente oírla en radio, no es lo mismo que en vivo, la forma en que están colocados los micrófonos influye. Nuevamente se oyeron aplausos donde no deberían e incluso “shhh” pidiendo silencio.

Como nota al margen: el viernes 27 la llegada al recinto fue un poco difícil, había mucho tráfico en la zona por las festividades en el Templo de San Hipólito. Al escribir la reseña, el 4 de noviembre, me entero que varios conocidos no pudieron llegar a la función de CEPRODAC con 4 Miradas de Inez debido al desfile de muertos que dejó inaccesible al Palacio, incluso sin metro. Solo queda ir cada vez más y más temprano y prevenirse por todo tipo de eventualidades y festejos que suceden en esta ciudad.

Orquesta Sinfónica Nacional, Segunda Temporada
Ceiba de Luz y Sombra (Javier Álvarez), Sinfonía núm. 9 en Re menor, op 125 Coral (Beethoven)
Ludwig Carrasco, director artístico
Wendy Holdaway, fagot
Coro de Madrigalistas de Bellas Artes
Carlos Aransay, director
Coro del Teatro de Bellas Artes
Rodrigo Elorduy, director huésped
Solistas: (27 de noviembre) Lucía Salas, Frida Portillo, Álvaro Anzaldo, Jehú Sánchez. (29 de noviembre) Akemi Endo, Rosa Muñóz, Josué Hernández, José Luis Reynoso
Duración aproximada: 1:30 horas

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#danza, Ballet

Carmina Burana y Noche de Walpurgis

Detalle del poster del Ballet de Jalisco. Se muestra con fines ilustrativos.

El Ballet de Jalisco presentó el pasado 10 de junio en el Palacio de Bellas Artes el programa compuesto por Carmina Burana y La Noche de Walpurgis.

La velada comenzó con La Noche de Walpurgis, sobre el ballet de la ópera Fausto, con música de Gounod. Sin leer el programa de mano, uno de los personajes, con cuernos, me remite a un Fauno, probablemente Dionisio. Su maquillaje me parece excesivo, con los cuernos era suficiente. Los bailes son muy dinámicos. El cuerpo de baile posiblemente son Bacantes, no me sorprendería que el otro personaje masculino sea Apolo. Tras la función, al leer el programa de mano, veo que son Paris, Helena, un fauno y ninfas.

La escenografía (Lucía Ortíz) nos transporta a un bosque en la noche de Walpurgis, como bien dijo un espectador, se parece a Sueño de una Noche de Verano (coreografía de James Kelly con escenografía de Juliana Fraesler Y Erika Gómez, presentada por la Compañía Nacional de Danza en el mismo Palacio de Bellas Artes) Los árboles y la iluminación hacen muy buenos efectos.

La primer parte de la función duró aproximadamente media hora, viene un intermedio y posteriormente el cierre con Carmina Burana, con música de Carl Orff. Nuevamente la escenografía e iluminación crean diversos efectos mágicos jugando con las profundidades de la escena.

No sé por qué razón la música de Orff no se presentó en el orden establecido por el compositor. Los Carmina Burana son un conjunto de cantos, Orff seleccionó algunos de ellos, les hizo un arreglo sinfónico y los organizó de una manera en particular. Si se presenta Carmina Burana de Carl Orff espero oír la cantata como fue concebida por Orff. En su lugar se presentó en diferente orden. En un momento dado comenzó a distraerme el tratar de recordar si una pieza debía seguir a otra o no. Para una obra tan conocida no creo que sea buena idea alterar el orden.

Lo que no me gustó de la función:

  • La edición de la música de Orff.
  • El público compuesto por familiares y amigos. Aplaudían prácticamente en cualquier silencio musical, gritaban “Bravo [nombre de algún bailarín]” y hasta sacaban el celular para tomar fotos y video a pesar de estar prohibido hacerlo en el Palacio. Sé que es un gran logro que sus familiares bailen en Bellas Artes, pero parecía festival escolar. Mis vecinos de butaca incluso me preguntaban si había algo después del intermedio (no conocían el programa)

Lo que me gustó:

  • Ambas coreografías fueron muy dinámicas, la iluminación hizo efectos muy bonitos. La compañía es un conjunto de bailarines muy talentosos. Estuve en quinta fila y no se oían los pies al caer de los saltos, muy buena señal de que están bailando alargados, quitando peso y amortiguando perfectamente las caídas. Cosas que pocas veces veo aún con compañías profesionales.

Disfruté mucho la función, nunca había visto al Ballet de Jalisco y me gustó mucho su trabajo y técnica.

Noche de Walpurgis
Coreografía: Lucy Arce sobre original de Mikhail Labrovsky
Música: Charles Gounod
Carmima Burana
Coreografía: Lucy Arce
Música: Carl Orff

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#magia, #teatro

The Illusionists (2023)

Poster de The Illusionists. Se muestra con fines ilustrativos

El espectáculo The Illusionists regresa a México siendo ésta su quinta presentación en el país (sin contar las versiones especiales de Cancun) Por segunda vez, la temporada es en el Teatro Telcel. A pesar de anunciarse con el lema «Nuevo Show. Más impactante que nunca» el programa es muy parecido al de 2019, por lo que tomaré algunos pasajes de esa reseña.

En esta ocasión son siete magos. De izquierda a derecha del póster: Aryel Altamar (Argentina), Aaron Crow (Bélgica), Pablo Cánovas (España), Xavier Mortimer (Francia), Kevin James (Estados Unidos), James More (Reino Unido) y Joaquín Kotkin (México).

Aryel Altamar “El Hipnotista” regresa a México tras estár en la versión anterior del show. Su segmento me parece demasiado largo. Hipnotiza a un grupo de voluntarios (en la función que vi, a unas 17 personas) metiéndose en sus mentes y jugando un poco con ellos. Nota: nunca me han gustado los espectáculos de hipnosis. A pesar de prometer que no los va a ridiculizar, no estoy totalmente de acuerdo con esa afirmación.

Aaron Crow “El Guerrero” tiene a la vez uno de los segmentos de más tensión y el más romántico. Con una mirada muy penetrante dirige a los espectadores que le ayudan en el escenario. Muestra destreza con espada, chacos y navaja mientras su vista está evidentemente bloqueada por medios que pocos se atreverían a hacer, todo mientras sus asistentes tiemblan de pies a cabeza. En su segmento final, una pareja vuelve a declararse después de enfrentar una flecha de Crow. ¿Acaso desempeña el papel de Cupido? Después de todo Cupido y sus flechas no necesariamente deben venir en presentación tierna. Es también de los elementos recurrentes en el espectáculo.

Pablo Cánovas «El Inolvidable» (?) ha estado en otras temporadas pero no en Ciudad de México. Junto con Mortimer son los dos elementos nuevos para la ciudad. Me pareció de personalidad pesada, apostándole a su juventud y a un estilo de presentación tipo «trata de atraparme y adivinar cómo lo hago» En una «licencia artística» dice haber inventado un efecto que en realidad es de Jim Steinmeyer.

Xavier Mortimer «El Artista» es de las caras nuevas en The Illusionists. Trabajó con Cirque du Soleil y posteriormente abrió su propio espectáculo en Las Vegas. Un artista muy completo, sus segmentos incluyen música, interacción con sombras, elementos de circo como diábolo y acrobacia, baile y por su puesto magia. Su presentación incluye parte de L’Ombre Orchestra, espectáculo con el que viajó por Europa antes de entrar al Cirque du Soleil. El nombre hace un juego de palabras con «ombre» (sombra) y «homme» (hombre). Conocía con anterioridad su trabajó y me dio mucho gusto que lo trajeran a México.

Kevin James «El Inventor» es de los favoritos en The Illusionists, ha estado prácticamente en todas las temporadas en el país. Los efectos que presenta son los mismos. No deja de ser impresionante, por algo lo vuelven a traer. Al igual que Kotkin tiene bastante chispa con los niños.

James More «El Decepcionista» ¿existe esa palabra? No, no existe. En inglés lo presentan como the decepcionist, en español sería algo así como el engañador. Estuvo en la segunda versión del show, conocida como The Illusionists 2.0 Sus segmentos son de grandes ilusiones, particularmente escapes.

Joaquín Kotkin “El Surrealista” conocido como El Mago de la Media Barba, cuenta con varias participaciones que a la vez impresionan y hacen reír con sus comentarios. Ha trabajado casi en todas las versiones del espectáculo en México. Hace las veces de anfitrión e hilo conductor enlazando los diferentes actos. Hay modificaciones en los efectos que ha presentado en años anteriores. Maneja muy bien el humor de situaciones actuales. Sin ser números precisamente infantiles tiene mucha chispa con los niños.

Como mencionaba hace cuatro años, el Teatro Telcel es mucho mejor opción contra el Auditorio Nacional, donde se presentaron las tres primeras versiones. Es un tamaño más adecuado para el espectáculo. A pesar de haber números repetidos con años anteriores es un espectáculo que vale mucho la pena, actos que dificilmente se ven en México. Apto para toda la familia. En temporada desde el 9 de mayo, este domingo 25 de junio finaliza.

The Illusionists
Teatro Telcel
Duración aproximada: 2:30 horas incluye intermedio de 20 minutos (si te ofreces voluntario para ser hipnotizado no tienes intermedio)
Hasta el 25 de junio

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