#danza

Gala Contemporánea

El pasado 29 de febrero la Compañía Nacional de Danza presentó su Programa III Gala Contemporánea con el programa “Por vos muero – Rachmaninov”. La programación de la Compañía me pareció extraña en el sentido de que en el mismo día tuvieron dos funciones de la misma Gala y en días adyacentes estuvo presentándose Giselle. También con algunas semanas de diferencia se presentó Cri-Cri. Es decir en un periodo en el que se programaron varias funciones de la Compañía, se comprimió en un solo día las dos únicas presentaciones de la Gala Contemporánea.

La presente reseña corresponde a la segunda función, de las 19:00 horas. El Palacio de Bellas Artes estuvo notoriamente vacío. El Anfiteatro se llenó solo la parte central con todo y que bajaron a la gente de Galería a dicha sección. Abajo, la Luneta, se veía ocupada también solo la parte central. El poco aforo no se si se debiera a la doble función, poco interés en el programa o el que un par de días antes se reportara el primer caso de COVID-19 en la ciudad.

La primer parte consistió en Por vos muero de Nacho Duato, música antigua española interpretada por Jordi Savall, entre ellas una versión instrumental de La perra mora, una de las mejores que he oído. La obra de 1996 intercala la música con versos de Garcilaso de la Vega recitados por Miguel Bosé como voz en off. La obra muestra una mezcla de danza contemporánea con danzas históricas de los siglos XV y XVI. Por vos muero es un homenaje al papel que tuvo la danza en la sociedad española de esa época.

Los cuadros tienen gran plasticidad, está muy bien lograda la obra y es muy interesante cómo la música, vestuario y danza transporta a esa época. Al mismo tiempo se ven pasos y estética contemporánea, pero también se ve el estilo antiguo. Se entretejen los dos estilos muy bien. Los versos remiten a un amor, posiblemente se escribieron hacia una persona, pero aquí se interpreta como el amor a la danza. Con el que cierra, el Soneto V, dice:

Yo no nací sino para quereros;
mi alma os ha cortado a su medida;
por hábito del alma mismo os quiero.

Cuanto tengo confieso yo deberos;
por vos nací, por vos tengo la vida,
por vos he de morir, y por vos muero.

La segunda parte del programa consistió en Tercer Concierto para piano de Rachmaninov, coreografía de Uwe Scholz. Con ese título está de más decir que música es. Estrenada en 1987, el programa de mano indica que cada nota tiene un movimiento y cada instrumento un verso interpretado por un bailarín. La obra se inspira en el estilo del pintor Kandinsky. No noté de forma particular la unión señalada en el programa, pero si es una obra donde el movimiento está muy bien enlazado con la música. Visualmente es muy atractiva, hay movimientos interesantes por todos lados. En ocasiones el cuerpo de baile hace algo que no te quieres perder y los solistas al mismo tiempo hacen algo que tampoco quieres perderte. La música por momentos me pareció somnífera, Rachmaninov no es de mis favoritos.

Al estar en el Palacio caí en cuenta que tenía cerca de año y medio que no entraba y un poco más de no ver a la Compañía Nacional de Danza. Es un gusto ver obras de reconocidos coreógrafos, si bien no son recientes, antes no veíamos nada de ellos.

Esta reseña se escribe un mes tarde, con todos los teatros cerrados. Esperemos la situación pueda superarse pronto y de la mejor manera. En Por los Teatros seguirán las reseñas de videos, obras en línea, libros y opciones para seguir disfrutando el teatro desde casa. Ayudemos a frenar el virus.

Gala Contemporánea
Compañía Nacional de Danza
Por vos Muero
Coreografía: Nacho Duato
Música: Antigua española interpertada por Jordi Savall
Textos: Garcilaso de la Vega
Voz: Miguel Bosé

Tercer Concierto para piano de Rachmaninov
Coreografía: Uwe Scholz
Música: Serguei Rachmaninov

Estándar
#danza, Ballet, libros, Sin categoría

THE OFFICIAL BOLSHOI BALLET BOOK OF SWAN LAKE

Portada del libro. Se muestra con fines ilustrativos.

En 1986 fue publicado el libro The Official Bolshoi Ballet Book of Swan Lake por Yuri Grigorovich y Alexander Demidov. Originalemnte en ruso, traducido al inglés por Yuri Shirokov. T.F.H. Publications en 1984 obtuvo los derechos en excluisva para la traducción y distribución fuera de Rusia de la literatura soviética de música y ballet.

El libro cuenta a grandes rasgos cómo es que Tchaikovsky llegó a componer la música de éste ballet. Con más profundidad entra a la historia de la obra. Su desafortunado debut en 1877, los cambios mayores realizados en 1895 con el compositor ya fallecido, otros cambios en 1901 y finaliza con la versión del propio Grigorovich en 1969.

Sobre el estreno en 1877 se menciona que el libreto no era lo suficientemente fuerte ni tenía mucha lógica. El coreógrafo, libretista y compositor apenas trabajaron juntos, lo que desesperaba mucho a Tchaikovsky. La obra fue quedando en el olvido y el compositor murió convencido de que su obra no perduraría. En ese tiempo el ballet no se consideraba un arte que valiera mucho la pena, por lo que componerle música no era muy bien visto entre el gremio. Tchaikovsky tomó el riesgo y a pesar de que otras de sus obras para ballet tuvieron éxito, su primer intetno, El Lago de los Cisnes, no lo tuvo.

En 1895 la partitura es modificada, se le hacen «arreglos», algunos fragmentos del primer acto se pasan al tercer acto. Hay música adicional de Riccardo Drigo. Marius Petipa hace las coreografías del primero y tercer acto y los actos segundo y cuarto quedan a cargo de Lev Ivanov.

A decir de Petipa, Odette, el cisne blanco, es un personaje soso, con gusto le deja los «actos blancos» a Ivanov, aquellos más tradicionales con cuerpo de baile y violines tristes. Él toma los actos de fiesta y en particular le interesa Odile, el cisne negro, la verdadera heroína para Petipa.

La versión de 1895 es la que catapulta al Lago de los Cisnes a la fama y todas las versiones del sigo XX y hasta la fecha tienen elementos de la de Ivanov-Petipa.

Habla también un poco de la versión de Grigorovich, que ha ido evolucionando poco a poco. Entre los cambios respecto a la versión tradicional es que Rothbard, el hechicero, recibe el nombre de «El Genio Malvado»

El libro finaliza con una sinopsis fotográfica de la obra.

La historia presentada es muy interesante, además del análisis de los personajes y situaciones. La música de Tchaikovsky se cree incluye elementos de su ópera Ondine, que fue destruida por él mismo. Tanto Ondine como El Lago tratan de un ser mágico que pierde la vida al conocer las maldades de la humanidad. Básicamente es la historia de un primer amor (los personajes tienen alrededor de 17 años) que acaba en tragedia debido a las debilidades humanas. Algo como en La Sirenita, Ondine y Romeo y Julieta.

«Finalmente, Odile usa el hechizo mas viejo del mundo. Estas palabras han hecho magia por millones de años …. ‘Te amo’, ella dice. Inmediatamente, el Príncipe la levanta, actuando como si ella fuera la única persona perfecta en el mundo […] Él solo tiene ojos para Odile … ha sido atrapado por el hechizo del amor … amor ciego» – páginas 126 y 127

The Official Bolshoi Ballet Book of Swan Lake
Yuri Grigorovich y Alexander Demidov
Traducido al inglés por Yuri Shirokov T. F. H. Publications Inc
1986
140 páginas

Estándar
#danza, #video

Xenos

Escena de Xenos. Imagen mostrada con fines ilustrativos.

Akram Khan es un coreógrafo británico de origen bangadesí, aclamado como uno de los coreógrafos más inventivos de los últimos años.

Xenos se estrenó el 21 de febrero de 2018. Es un solo interpretado por el mismo Khan, siendo éste su último trabajo en el que participará como bailarín de una obra de larga duración.

Xenos significa extranjero en griego. La obra fue comisionada por el centenario del inicio de la Primera Guerra Mundial. Mezcla danza contemporánea y kathak. Según la información de la compañía trata de los soldados indios enrolados.

El 14 de diciembre de 2019 fue grabada en el teatro La Villete de París. El video está disponible en streaming por tiempo limitado, de manera gratuita, en arte.tv Pueden aplicarse restricciones según el país. Esta reseña corresponde a dicha grabación.

Inicia una persona cayendo hacia el escenario, tomado de una soga. Un percusionista y un cantante están en escena. El personaje (Khan) se ve desubicado, hace movimientos frenéticos. El cantante parece querer interactuar con él, pareciera que le habla pero nunca se conectan. Khan baila kathak. El escenario está lleno de cuerdas. Los músicos se van, la escena comienza a cambiar, las cuerdas se van, hay tierra en el escenario y se vuelve más ambigua la historia.

Con diferentes ritmos Akram Khan continúa con movimientos nerviosos, frenéticos. Frecuentemente se mira las manos con miedo, sobre todo la derecha, y parece pelear con ella. Toma las cuerdas, tierra, un fonógrafo que pasa lista acaso a soldados caídos. Por momentos 5 músicos se ven en una parte alta de la escena, son el percusionista, el cantante, un violinista, un contrabajista y un saxofonista. Los sonidos son disonantes en general.

La obra me parece pesada, difícil de entender. Si no fuera porque se da información de que es un saldado en la Primera Guerra Mundial no hubiera entendido nada. Siento que es de esos casos donde el trabajo es tan vanguardista que solo sus creadores lo comprenden.

Khan tiene un trabajo corporal tremendo. La velocidad y precisión con que hace giros es sorprendente. Los brazos tienen mucha fluidez. Físicamente el trabajo tiene mucho mérito. Como obra, como un todo, me parece sumamente abstracta, con demasiados movimientos que no les veo sentido, como si en su despedida como solista quisiera demostrar todo el rango del que es capaz.

Al finalizar el público tarda varios segundos en comprender que ha terminado.

Xenos
Akram Khan Company
Dirección artística, coreografía e interpretación: Akram Khan. Músicos: B. C. Manjunath, Aditya Prakash, Nina Harries, Clarice Rarity y Tamar Osborn.
Duración aproximada: 1 hora 8 minutos

Estándar
#danza, #video, Ballet

La Pastorale

La Pastorale. Imágen con fines ilustrativos

Este 2020 se celebra el 250° aniversario del natalicio de Beethoven. Para la ocasión se preparan diversos festejos. Invitado por la Ópera de Bonn, ciudad natal del compositor, Thierry Malandain, director del Malandain Ballet Biarritz, ha creado el ballet La Pastorale, con música de la 6° Sinfonía «Pastoral», Cantata Opus 112 y fragmentos de Las Ruinas de Aténas.

La obra se estrenó, a manera de previo, con una temporada del 13 al 19 de diciembre de 2019 en el Théâtre de Chaillot, París y posteriormente como estreno mundial el 22 y 23 de diciembre en el Theater Bonn en Alemania.

La función del 17 de diciembre está disponible en streaming de manera gratuita y por tiempo limitado en arte.tv, pueden aplicarse restricciones según el país. La presente reseña corresponde a dicha grabación.

La obra con una duración de 79 minutos sin intermedio, se puede decir que tiene 3 partes y gira en torno a un personaje principal, interpretado si no me equivoco por el bailarín Hugo Layer.

El principio tiene una atmósfera oscura y pesada. Los bailarines usan vestidos largos y pesados, se mueven entre una serie de barras que si bien obstruyen un libre tránsito por el escenario, los movimientos son muy fluidos. En general en este bloque se ve al protagonista con pesar, parece atrapado, los movimientos y las barras así lo muestran. Varias veces está en el piso derrotado. Hay momentos en que camina agachado, a pasos cortos con las manos en la cabeza, se ve desesperado.

El bloque finaliza con él nuevamente en el piso, las barras son levantadas, otros bailarines le quitan el vestido quedando en un vestido corto, blanco, de tela ligera, a la manera de túnica griega. Comienza lo que ubico como un segundo bloque con música y ambientación más ligera. Los movimientos son más joviales. Toda la compañía ha cambiado los vestidos tipo victorianos por los más cortos que recuerdan a Grecia. Repetidas veces un grupo de 2 o 3 bailarines acompaña al protagonista quien frecuentemente se acuesta en el suelo, pero ya no se ve derrotado como al principio, ahora parece dormir o descansar tranquilamente.

El cuerpo de baile tiene múltiples entradas y un motivo que se repite a lo largo de la obra son cadenas humanas, agarrados de las manos haciendo formas estéticas con los brazos.

Un tercer bloque hacia el final sustituye nuevamente el vestuario por leotardos color piel con brillos en el pecho. Son aproximadamente los 10 minutos finales que van marcando el desenlace de la obra.

Malandain se caracteriza por hacer obras muy musicales, donde la danza sigue completamente a la música. Esta no es la excepción, el movimiento y las composiciones de Beethoven están perfectamente integradas.

La danza es de un estilo contemporáneo / neoclásico de un tipo que me gusta mucho y tenía años sin ver. Un estilo en el que todo está cuidado meticulosamente, el cuerpo de baile moviéndose al unísono, cánones perfectamente escalonados y entradas y salidas de bailarines, donde se agrega o disminuye gente en el escenario con un movimiento tan fluido que resulta increíble de ver. Es tan natural e integrado a la música que hasta pasaría inadvertido si no fuera porque es notorio que cambió la cantidad de gente en escena.

El hecho de que la grabación estuviera disponible 3 días después de la función es también digno de mención.

Una joya de la danza reciente al alcance del público gracias a arte.tv

La Pastorale
Malandain Ballet Biarritz
Coreografía: Thierry Malandain
Música: Ludwig Van Beethoven
Decorado y Vestuario: Jorge Gallardo
Bailarines: Giuditta Banchetti, Raphaël Canet, Clémence Chevillotte, Mickaël Conte, Jeshua Costa, Frederik Deberdt, Clara Forgues, Loan Frantz, Michaël Garcia, Irma Hoffren, Cristiano La Bozzetta, Hugo Layer, Guillaume Lillo, Claire Lonchampt, Nuria López Cortés, Arnaud Mahouy, Alessia Peschiulli, Ismael Turel Yagüe, Yui Uwaha, Patricia Velazquez, Allegra Vianello, Laurine Viel
Duración aproximada: 1:18 horas.

Estándar
#danza, Ballet

Giselle

El ballet Giselle fue estrenado en París el 28 de junio de 1841, coreografiado especialmente para Carlota Grisi que contaba con 20 años. Se considera uno de los ballets que mejor muestra la estética del romanticismo: va por lo emocional, la naturaleza, el individualismo, fuerzas sobrenaturales y protagonistas con destinos fatales, nada de finales felices.

El 6 de noviembre inició la temporada 2019-2020 del National Ballet of Canada, con sede en Toronto, en el Four Seasons Centre for The Performing Arts. La temporada inició con 7 funciones de Giselle a lo largo de 5 días.

Giselle es la historia de una campesina de dicho nombre que se enamora de Loys, el cual en realidad es el duque Albrecht que aburrido de su vida se hace pasar por campesino. Hilarion, otro habitante de la villa está enamorado de Giselle pero no es correspondido. Giselle y Albrecht bailan alegremente, él trata de besarla y ella escapa, el trata de sentarse junto a ella y ella acomoda el vestido para no dejarle espacio en el asiento. Escenas francamente cómicas de dos jóvenes enamorados jugando. Se comprometen. Una comitiva llega a la villa y Giselle baila para entretenerlos, incluyendo a la condesa Bathilda, la cual resulta la prometida de Albrecht. Hilarion es quien revela la verdadera identidad mientras muestra la espada de Albrecht, que él ha descubierto. Giselle entra en un colapso y se suicida con la espada de Albrecht.

Durante el segundo acto, en el cementerio, Albrecht e Hialrion irán a la tumba de Giselle, encontrándose a las Wilis, espectros de doncellas traicionadas que murieron de pena antes del matrimonio. Primero harán bailar a Hilarion hasta que muera de cansancio. Posteriormente Albrecht y Giselle se encuentran y bailan, ella lo previene, las Wilis lo encuentran, Giselle trata de interceder a su favor pero la condena no cambia. Ambos son obligados a bailar. La escena es muy fuerte, el cuerpo de baile con movimientos muy precisos realiza sus secuencias donde lo señalan, condenan y dan la espalda, todo en canon muy parejo. En el momento en que la música repite el tema con el que Hilarion es obligado a bailar, vemos a Albrecht cansado y comienza también su danza, sabemos que no hay escapatoria. Siento un estremecimiento y ganas de llorar. Llega el amanecer, las Wilis pierden su poder, Albrecht sobrevivió, los espectros se van. Giselle también debe regresar a la tumba. Se despiden, se ven por última vez …. Me inunda la tristeza.

Giselle no es de mis ballets favoritos, he visto la obra en numerosas versiones en video, ésta es la primera vez que la veo en vivo. A pesar de no ser de las obras que más me gustan quedé con muy buen sabor de boca. El cuerpo de baile es excelente, un trabajo muy pulido. Svetlana Lunkina y Harrison James en los papeles principales en la función a la que asistí interpretaron muy bien sus papeles. Giselle es un ballet en el que se menciona se requiere trabajar particularmente la danza y la actuación para desempeñar las diversas emociones y situaciones de los personajes y los protagonistas lo logran muy bien. Como menciono, en el primer acto vemos dos enamorados que nos hacen reír con su ternura y juegos; mientras que en el segundo acto provocan lagrimas con el castigo al que no se le ve salida, su último baile juntos y la inevitable despedida. El que muevan tantas emociones es algo que se agradece.

El Four Seasons Centre es un bello teatro al estilo europeo con «rings» (anillos o balcones) de unas pocas filas cada uno. Los boletos, también al estilo europeo, colocan a mayor precio los asientos centrados y adelante, sin importar si es planta baja o pisos altos. Algunas secciones se venden sorprendentemente rápido. Existe también la posibilidad de formarse en la mañana del día de la función para comprar boletos «de pie» en los anillos 4 y 5. En la parte trasera al centro de dichas secciones hay un espacio con un barandal donde puede verse la función de pie, en el barandal pueden apoyarse mas no sentarse y se cuenta con ganchos para colgar las bolsas. Estos boletos cuestan una fracción de los que son con butaca.

Una media hora antes de la función, en una escalinata – graderío en el vestíbulo, se muestran en pantallas entrevistas y datos sobre la obra. Durante el intermedio salen dos bailarines a tomarse fotos y firmar programas. El «souvenir book» de la temporada no me parece muy interesante, tiene poca información de las obras, sobre todo tiene fotos de los integrantes de la compañía y hace mención de las conmemoraciones del año, como bailarines celebrando 20, 30, 50 años y homenajes de despedida. Si bien es muy bueno que se le de su lugar a los bailarines, se les presente y reconozca su trayectoria, me gustaría que tuviera más información.

Esta temporada está dedicada a los 50 años de vida artística de Karen Kain, actual directora artística y que ha anunciado su retiro al final de la misma.

Giselle
Coreografía y producción: Sir Peter Wright después de Jean Coralli, Jules Perrot y Marius Petipa
Música: Adolphe Adam con arreglos de Joseph Horovitz
The Ballet National of Canada
Duración aproximada: 2 horas incluyendo intermedio de 20 minutos.

Interior del Four Seasons Centre
Estándar
#danza, celta, folclor, musica

8° Celtia. Festival Celta de México

Poster de Festival Celtia. Se muestra con fines ilustrativos.

El pasado 23 de noviembre se llevó a cabo el 8° Celtia, Festival Celta de México, realizado junto a la Puerta de Leones en el marco del 16° Festival del Bosque de Chapultepec.

Con actividades desde las 10:00 am hasta las 6:00 pm el festival congregó diferentes grupos de música y danza Celta como es el caso de la Galaica y la Irlandesa.

Para arrancar estuvo An Bodhrán, grupo de la Ciudad de México de Folk Celta Fusión, su interés es la mezcla de música mexicana y celta. Compartieron con el público tanto piezas tradicionales como propias. Con humor presentaron las canciones, dando breves introducciones a las mismas. Al mismo tiempo, a escasos metros, arrancaba el desfile de una tienda departamental por lo que un helicóptero que sobrevolaba y gente que se acercaba al escenario pero seguía de largo al otro evento servían de distracción. El presentador del grupo aprovechó también estas situaciones para hacer bromas. Al finalizar su presentación el público pedía otra pero no pudieron tocas más para seguir en tiempo con las actividades posteriores. An Bodhrán cuenta con dos producciones discográficas.

El segundo grupo fue Nemhan Danza Irlandesa. Pertenecientes a una academia, presentaron diferentes números donde también hubo fusión de estilos. Con variedad como danza irlandesa sin música donde solo se oye el zapateado, con música, duetos, solos y bailes grupales. También un número con estilo de teatro musical, yo diría que una mezcla con tap, donde hubo movimiento de brazos, cosa que en la danza irlandesa no sucede. Me llamó particularmente la atención una coreografía en la que se ve zapateado mexicano y zapateado irlandés. Al finalizar comentaron que faltó el número de flamenco. Los integrantes fueron tanto los maestros como alumnos adultos y niñas. Durante la semana concursarán en Estados Unidos buscando pase para el mundial de danza irlandesa en Dublín.

Daoine Sidhé fue el siguiente grupo musical en presentarse. Cuentan con el acompañamiento de una bailarina que tanto danza en el escenario como abajo de él, invitando al público a participar. El conjunto está formado por jóvenes con mucho entusiasmo que usan vestuario tan variado como tartanes que remiten a vestimenta escocesa, como túnicas verdes y gorros de pico pareciendo seres mágicos salidos del bosque.

No pude ver más del festival. Continuó a lo largo de la tarde 6 horas más. La gente se estaba congregando y al parecer en la tarde-noche se puso mejor el ambiente. Se anunció que al cierre se unirían todas las bandas participantes y se irían sumando en una improvisación conjunta lo que ha de ser digno de verse. Se comenta que en este tipo de actividades es una tradición.

No conocía el festival, mencionaron que a lo largo de su historia tuvo que cambiar de nombre y el año pasado no fue posible realizarlo. Me da gusto que este año hayan regresado y se les haya tomado en cuenta dentro de un festival más grande como es el del Bosque de Chapultepec.

Habrá que estar atentos al próximo año.

Estándar
#danza, Ballet, pelicula

Al ritmo del corazón (Yuli)

Poster de Al ritmo del corazón, se muestra con fines ilustrativos

Carlos Acosta es un bailarín cubano de fama mundial reconocido como uno de los mejores de su generación y como el primer bailarín negro en interpretar diversos papeles principales en diferentes ballets. Ha bailado con el Ballet Nacional de Cuba, el Ballet de Houston y el Royal Ballet.

La cinta Yuli es una película basada en la autobiografía escrita por Acosta. La película se estrenó en diciembre del 2018 en el Festival Internacional de Cine de San Sabastian en España y actualemnte se presenta en salas comerciales en México tras su presentación en el Festival Internacional de Cine de Morelia. Originalmente llamada Yuli, en México se proyecta como Al ritmo del corazón (Yuli)

La película narra la historia de Acosta (llamado Yuli por su famillia) desde niño hasta la actualidad, intercalando tiempos, con escenas de su infancia y posterior juventud, alternando con escenas del presente. Se muestra una infancia dificil con un padre que “lo ama a su manera” quien lo obliga a audicionar en la Escuela Nacional de Ballet. Un niño rebelde y mentrioso que no quiere estudiar ballet y escapa de clases cada vez que puede. Maestros y compañeros inconformes con su conducta. También maestros que ven su potencial y lo siguen apoyando. Continúa bailando hasta convertirse en la leyenda que es hoy en día.

La cinta me parece pesada. No soy muy aficionado a las autobiografías ya que tienden a exagerar y modificar los hechos. En este caso me pierden muy al principio de la historia. Vemos a Carlos Acosta actuando en una película sobre su vida y dentro de la película hace una coreografía que trata de su vida. Aparentemente parte de lo que vemos se lo está contando a los bailarines de su obra. En un punto les dice que la escena anterior nunca sucedió, que no sabemos qué parte es realidad y qué parte ficción, a lo que le contestan que para contar su historia vaya con todo ¿es luz verde para la ficción?

Si se narra a un Acosta mentiroso como niño, y como adulto admite que hay ficción en su historia ¿podemos considerarlo realmente biografía? ¿Qué tan creíble es? ¿Licencia dramática?

Hablando de emociones, la cinta muestra la soledad que siente Acosta al estar en el extranjero, con un idioma que apenas conoce, lejos de su familia y tratando de regresar siempre con ellos. La discriminación por ser de color y las burlas de los otros niños que lo llaman marica por estudiar ballet.

Es triste ver que uno de los bailarines mas representativos de los últimos años nunca quiso bailar, incluso como adulto me queda la duda si quería bailar. Tiene una fractura de tobillo y tras su recuperación es renuente a regresar y una vez más son los maestros quienes lo convencen de continuar. Él siempre dice sentir todo el peso de Cuba sobre sus hombros. Pareciera que como niño no quería y lo obligaban los adultos y como adulto lo sigue obligando la costumbre. Afirma que el ballet le robó la vida.

El título que se le da en México: Al ritmo del corazón, no me parece adecuado pues su corazón no pedía ballet. No se si sea solo en México o también en otros países, la cinta se proyecta hablada en español de Cuba con subtítulos en español idéntico al hablado. Me parece innecesario ¿acaso es tan incomprensible un cubano que es necesario ponerle subtítulos?

Finalmente agregaré la pena que da el Cine Diana por el abandono y olor a humedad que tiene la sala, un cine otrora importante merece un mantenimiento.

Al ritmo del Corazón (Yuli)
Dirección: Iciar Bollaín
Productoras: Galápagos Media, Hijo de Ogún, Morena Films, Potboiler Productions, Producciones de la 5ta Avenida
Actuaciones: Carlos Acosta, Santiago Alfonso, Laura de La Uz, Keyvin Martínez, Edison Manuel Olbera
Año: 2018
Duración aproximada: 1:50 minutos

Estándar
#danza, #video, Ballet, documental

Restless Creature: Wendy Whelan

Poster de Restless Creature Wendy Whelan. Se muestra con fines ilustartivos

Wendy Whelan fue bailarina del New York City Ballet (NYCB) por 30 años. Durante ese tiempo llegó a ser principal y constantemente era elegida para interpretar papeles y otros eran creados especialmente para ella. Actualmente es directora artística asociada de la misma compañía. Restless Creature: Wendy Whelan es un documental sobre su última etapa en el NYCB.

Durante la grabación se menciona que Whelan tenía 46-47 años de edad y una lesión en la cadera la llevó a la primer cirugía de su vida. Tras la rehabilitación explora danzas diferentes al ballet y crea con 4 coreógrafos el espectáculo Restless Creature. En 2014, poco después de la cirugía se retira del NYCB como bailarina.

El documental retoma el nombre de ese preoyecto. Es un trabajo que tiene un estilo de reallity show. Ese estilo en el que la cámara capta un encuentro en el parque, cómo se saludan personas que no se han visto en mucho tiempo. Whelan sube a un taxi y se aleja, etcétera. Las tomas resultan planeadas. Por ejemplo, en el taxi la siguiente escena es la cámara al lado de Whelan dentro del coche. O entra a una oficina a una importante junta donde cierran la puerta y la cámara queda afuera para posteriormente estar a un lado en la reunión. Esos detalles me hacen pensar que las reacciones y comentarios no son espontáneos sino guiones planeados. Incluso el que esté grabada la cirugía me da qué pensar.

La cinta se centra en los problemas que Whelan enfrenta tras la cirugía: la decisión de retirarse o no. Frecuentemente entran comentarios donde ella se siente atacada diciendo que en la compañía consideran que ya está afuera, que el director artístico no la ha considerado para la nueva producción argumentando que nadie quiere ver una estrella en decadencia. Hay una escena en la que muy molesta dice que después de un ensayo tuvo que abandonar el estudio porque estaba cojeando y todos la estaban viendo.

Me da sentimientos encontrados. Por un lado se ve la disciplina de una bailarina principal. Todo el trabajo, todo el esfuerzo que ello conlleva y que puede irse en poco tiempo. No es un trabajo de un día, es de años, décadas. Por otro lado siento el documental como una forma de victimizarse y mostrarse como una persona de gran resiliencia. Incluso el título me resulta chocante dentro del contexto (criatura incansable)

El ballet es una disciplina dura que cobra su cuota sobre el cuerpo, muchos bailarines se retiran jóvenes. Whelan al tener su primer lesión seria y cirugía a los 46 años se puede decir que fue bastante afortunada.

Básicamente la cinta muestra el enfrentamiento emocional a tener que parar, dejar de bailar. Ver las señales de que el cuerpo ya no puede hacer ciertas cosas y decir “antes podía hacerlo” o “me preparé decenas de años para hacer este ejercicio bien y ahora no puedo más” También la falta de aceptación, como recibir indicaciones médicas, desobedecerlas y posteriormente quejarse del dolor. La frase “si no bailo prefiero morir”. Tomarse las cosas a modo personal sintiendo que no le dirigen la palabra para obligarla a renunciar. La escena ya mencionada donde se siente humillada: «salí del estudio cojeando, todos me veían cojear, tomé un taxi y le dije ‘solo llévame a casa’ »  (línea muy Hollywoodense)

Del proyecto que originó el nombre no se dice mucho más. Se cancela por los dolores que Whelan continúa teniendo y para centrarse en su función de despedida del NYCB. Al finalizar se muestran fotos de periódicos y teatros con el nombre Restless Creature en la marquesina, por lo que entiendo si se presentó posteriormente.

El documental está disponible Netflix

Restless Creature: Wendy Whelan
Dirección: Linda Saffire, Adam Schlesinger
2017
Duración: 1:30 horas

Estándar
#danza, folclor

Mosaico Folclórico

La Coordinación Nacional de Danza organiza cada año el Festival Patria Grande (presentado en el programa de mano como Temporada Patria Grande) con la finalidad de celebrar la danza folclórica de México.

El festival, que se lleva a cabo durante el mes de septiembre en el Teatro de la Danza y en la Plaza Ángel Salas del Centro Cultural del Bosque, incluye diversas compañías y escuelas de diferentes estados.

La función que comentaré corresponde al sábado 21 (y domingo 22) de septiembre y corrió a cargo del Taller de Danza Folklórica de la Universidad Juárez del Estado de Durango que presentaron el programa Mosaico Folclórico (Se ha respetado la ortografía del programa de mano)

Para aclarar: la RAE reconoce las palabras folclor, folclore y folklor, así como folklórico(a) y folclórico(a).

Mosaico Folclórico está formado por aproximadamente 30 bailes representando a los estados de Chiapas, Veracruz, Tamaulipas. Aguascalientes, Jalisco, Zacatecas, Chihuahua, Nuevo León y Durango, éste último presentando las variantes de laguna, polcas y shotis. Cada estado tuvo al rededor de 3 bailes siendo Durango el que que tuvo mayor cobertura con sus 3 estilos.

Es un programa de aproximadamente 1:40 horas que se presenta de corrido, con extremadamente breves espacios de tiempo entre cada estado. Un pequeño intermedio de 5 minutos a la mitad de la función es la pausa más larga. En general toda la función es corrida con todos los cambios de vestuario y el gran esfuerzo físico que representa. Con 21 bailarines, normalmente presentaron números de 6 parejas y duetos de una pareja.

Entiendo que el grupo está formado por comunidad de la institución educativa, supongo que no son profesionales en la materia sin embargo es una función de mucha calidad y muy completa. Se nota el trabajo y las horas de ensayo. Hay detalles de limpieza, por ejemplo, al avanzar en filas verticales no se ve uniforme o hay momentos en que la calidad y fuerza del zapateado se nota diferente entre la gente que comparte el escenario. Otra falla notoria es la falta de experiencia en teatros aforados, al salir del escenario, los bailarines frecuentemente chocaban con las piernas del teatro, provocaban movimientos en el ciclorama o parecían no tener muy claro cuál calle usar.

Esto no demerita el trabajo de los bailarines quienes tuvieron al público muy atento y de buen humor participando con las palmas en ciertos bailes. Al ser un programa con tanta variedad de estados verdaderamente muestra un mosaico de varios bailes típicos, algunos muy conocidos que siempre se presentan en estas funciones y algunos no tan representados. Tras el agradecimiento, subieron a algunos miembros del público al escenario para bailar un número más.

El festival está por concluir este domingo. Las actividades son gratuitas.

Mosaico Folclórico
Taller de Danza Folklórica de la Universidad Juárez del Estado de Durango
Duración: 1:40 horas
Dirección: Armando Peyro Rodarte
Sin crédito para los bailarines.

Festical Patria Grande, hasta el 28 de septiembre. Teatro de la Danza

Estándar
#danza, #video, Ballet, libros, pelicula

El Prodigio

Portada de El Prodigio. Se muestra con fines ilustrativos.

Li Cunxin es un bailarín de origen chino que a principios de la década de los 80 desertó de China quedándose en Estados Unidos, posteriormente haciendo su vida en Australia. En 2003 publicó su autobiografía Mao’s Last Dancer (El último bailarín de Mao) que fue adaptada al cine en 2009 (distribuida a partir de 2010, en México debió ser a mediados de 2012) La película conserva el nombre del libro, pero en México se ofreció bajo el título El Prodigio. Esta reseña corresponde a la película.

La historia muestra a Li Cunxin desde niño, cuando es elegido por las autoridades de Mao Zedong para audicionar en la escuela de artes para estudiar ballet. Li es elegido, aunque no entiende para qué.

Tras la muerte de Mao se permite que Ben Stevenson, director del Ballet de Houston visite China e imparta algunas clases tras las cuales solicita un estudiante de intercambio para estudiar 3 meses en Houston. Cunxin es elegido.

En Houston, Li conoce los grandes edificios, los cajeros automáticos, ir de compras por vanalidades y lo que es gastar 500 dólares en un día cuando su padre ganaba 50 al año después de mucho trabajo. Un mundo lleno de libertades donde, entre otras cosas, baila lo que quiere y no lo que el gobierno indica. Al término de su estancia en Estados Unidos se niega a regresar a China. Después de tensas horas dentro del Consulado, el gobierno de Estados Unidos hace los arreglos para que pueda quedarse.

Anteriormente aquí en Por los Teatros comenté las películas White Nights y Bailando en el Desierto. El Prodigio es otra película que se siente como propaganda política, más al estilo de White Nights. En las 3 películas los protagonistas escapan de sus países. Bailando en el Desierto y El Prodigio se basan en historias reales. En White Nights y en El Prodigio se menciona que sus regímenes los obligaban a bailar ciertos temas y en Estados Unidos eran totalmente libres.

El Prodigio es una película bien lograda, la historia atrapa y apuesta totalmente por el sentimiento del espectador. Cuando salió en el cine un amigo dijo que la mitad de la sala estaba llorando y la otra mitad aguantándose las ganas. Y no lo contradigo. Es ese tipo de película.

La forma en que intercala el presente, el pasado, los recuerdos y los sueños crean en el espectador el efecto deseado. Sin embargo, al ofrecerse como historia real y sobre todo como autobiografía la tomo con cierta reserva ya que estos trabajos suelen maquillar la historia.

Algunas frases que se me quedaron desde la primera vez que vi la película son “Que no te molesten los pavos” un texto escrito en una playera con un elefante y pavos encima de él. No significa nada en particular, solo que no dejes que te preocupe lo que no importa. Otra es Li contestando “No quiero caminar, quiero volar” cuando pide polainas muy pesadas y el maestro le dice que con ese peso en las piernas no podrá caminar.

La película puede conseguirse en DVD y Blu-Ray distribuido por Quality Films. El único “pero” que le veo al DVD (no a la película) son los molestos anuncios al principio que no pueden saltarse.

El Prodigio (Mao’s Last Dancer)
Dirección: Bruce Beresford
Actuaciones: Bruce Greenwood, Kyle MacLachlan, Joan Chen, Amanda Schull, Chi Cao
2009
Great Scott Productions
Duración aproximada: 1:57 horas

Estándar