#magia, #teatro

The Illusionists

Póster de The Illusionists, se muestra con fines ilustrativos.

The Illusionists se presenta por cuarta ocasión en la Ciudad de México, esta vez utilizando el subtítulo “Directo desde Broadway” El espectáculo se ha caracterizado por presentar entre 5 y 8 magos en cada ciudad, pudiendo ser estos diferentes en cada parada de la gira. El espectáculo cambia, los magos presentan su propio material, si un mago no está en una ciudad no se hacen sus trucos, la persona que cubre el lugar hace su propio repertorio. Los artistas siempre son presentados en el póster no por su nombre sino por un título estilo superhéroe y una característica formación en “V”

Los 8 magos son: Florian Sainvet (Francia), Leonardo Bruno (México, radicando en Estados Unidos), Matt Johnson (Canadá), Sabine Van Diemen (Holanda), Aaron Crow (Bélgica), Joaquín Kotkin (México), Mark Kalin (con Jinger Leigh, aunque no se anuncia en el póster. Estados Unidos) y Aryel Altamar (Argentina).

Florian Sainvet “El Manipulador” presenta una versión de su acto de robot con el que ganó en 2018 el primer lugar de manipulación en el mundial de magia. Es una rutina que recuerda a Tron, donde se materializan de la nada cuadros y discos en sus manos, casi como un truco de cine. Hace también un encore que ya es característico en The Illusionists (uno de los pocos actos que se presenta independientemente de los magos que hagan la función) con éste se gana el corazón de los espectadores locales.

Leonardo Bruno “El Alquimista” (erróneamente anunciado como El Escapista) tiene 3 segmentos en los que hace efectos característicos de Kevin James de quien es familiar y también ha estado en el espectáculo. En este caso me hubiera gustado ver algo distinto. Lo que nos presenta tiene momentos poéticos, momentos de sorpresa y espanto así como momentos en que hace regresar a la infancia.

Matt Johnson “El Escapista” (erróneamente anunciado como El Alquimista) presenta su versión de un famoso escape de Houidini. Es su única participación en el show y mantendrá al público conteniendo la respiración literalmente mientras realiza su proeza.

Sabine Van Diemen “La hechicera” hace dos ilusiones que fueron representativas de Los Pendragons en los años 90s. Entrenada por Jonathan Pendragon, posiblemente sea lo más cercano que podamos ver hoy en día a su legendaria presentación. Una excelente oportunidad para ver una de las ilusiones más mostradas y que pocas veces se hace a la perfección. Uniéndolo a su personalidad y el hecho de hablarle al público en español, su participación es de lo que más se recordará.

Aaron Crow “El Guerrero” tiene a la vez uno de los segmentos de más tensión y el más romántico. Con una mirada muy penetrante dirige a los espectadores que le ayudan en el escenario. Muestra destreza con espada, chacos y navaja mientras su vista está evidentemente bloqueada por medios que pocos se atreverían a hacer, todo mientras sus asistentes tiemblan de pies a cabeza. En su segmento final, una pareja vuelve a proponerse después de enfrentar una flecha de Crow. ¿Acaso desempeña el papel de Cupido? Después de todo Cupido y sus flechas no necesariamente deben venir en presentación tierna.

Joaquín Kotkin “El Surrealista” conocido como El Mago de la Media Barba, cuenta con varias participaciones que a la vez impresionan y hacen reír con sus comentarios. Verdaderamente es surrealista que se trague un par de objetos, regresando uno de ellos de manera inusual con comentarios cómicos como si fuera cualquier cosa. En otro truco que remite al ocultismo, interviene el tarot y un escorpión, sin dejar de lado un poco de humor. Este efecto solo lo verán con Kotkin o con David Copperfield.

Mark Kalin “El Anfitrión” en tres segmentos aparece y desaparece de maneras increíbles a Jinger Leigh. Ya sea rodeando con fuego o con público que vigile que no hay entradas posibles. Si no me equivoco estas ilusiones son presentadas exclusivamente por ellos.

Aryel Altamar “El Mentalista” mas que mentalismo hace hipnotismo. Su segmento me parece demasiado largo. Hipnotizará a alrededor de 30 personas que se ofrezcan voluntarios, metiéndose en sus mentes y jugando un poco con ellos. Nota: nunca me han gustado los espectáculos de hipnosis.

En años anteriores las funciones habían sido en el Auditorio Nacional, lugar que me parece extremadamente grande para espectáculos que son visuales, el espacio siempre me pareció malo pues incluso en planta baja el público terminaba viendo casi todo el tiempo en las pantallas en lugar de en directo. Esta vez cambian el escenario y se presentan en el Teatro Telcel cosa que me pareció muy acertada. El costo promedio del boleto aumentó y también la cantidad de funciones (actualmente 9 por semana) pero al parecer se puede apreciar bien la función casi desde cualquier lugar. Un par de actos siguen requiriendo la asistencia de la pantalla gigante.

El espectáculo es muy bueno, en general fluye con muy buen ritmo haciendo las transiciones entre un mago y otro bastante ágiles. La mayoría son ilusiones que difícilmente se ven en México. Cumplirá las expectativas de toda la familia.

The Illusionists directo desde Broadway
Teatro Telcel
Duración aproximada: 2:15 horas incluye intermedio de 15 minutos (si te ofreces voluntario para ser hipnotizado no tienes intermedio)
Hasta el 30 de junio (el póster dice 23, ya hay boletos publicados hasta el 30)

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#teatro, circo

A Simple Space

Imagen con fines ilustrativos.

La compañía australiana Gravity & Other Myths se presentó en México, primero en el Festival Cultural de Mayo en Guadalajara (del 29 al 31 de mayo) y posteriormente en la Ciudad de México (1 y 2 de junio) La presente reseña es respecto a la Ciudad de México.

El espectáculo A Simple Space muestra a 6 acróbatas: 4 hombres, 2 mujeres más un percusionista que hace la música y en pequeños entreactos participa en escena.

Las funciones fueron en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris. La información en internet señala que A Simple Space es una obra íntima con el pública a escasa distancia de los acróbatas, rodeando el espacio de trabajo por los cuatro lados. En este caso, el formato se tuvo que modificar. Sobre el escenario se montó un pequeño entarimado sobre el que trabajaron. A los lados del escenario unas gradas para aproximadamente 100 espectadores, el resto vimos la función desde las butacas normales.

No se entregaron programas de mano, por lo que no tengo datos de los artistas.

En general las acrobacias son demostraciones de fuerza, hay actos impresionantes nada parecidos a algo que hay avisto antes. Muchos números son cargadas y mano a mano, llegando a puntos en los que hacen split con los pies en las cabezas de sus compañeros, o arcos y perro mirando hacia abajo siendo también cabezas los apoyos. Una competencia de saltos mortales, a ver quién hace más, saltos sobre los pechos de otros acróbatas o saltos de longitud partiendo y cayendo sobre la espada de compañeros acostados boca abajo.

En un momento dado se vuelve un tanto monótono pues hay poca variedad, todo es demostración de fuerza. Cabe destacar que la obra se hace prácticamente sin accesorios. También el hecho de que no se usan cuerdas de seguridad incluso en las cargadas donde hay tres personas una sobre la otra (apoyadas en hombros o en cabeza) El entreacto del percusionista golpeando su cuerpo es muy bueno y logra involucrar a todo el público.

Al finalizar se hace un número donde se balancea a una chica como cuerda para saltar mientras otra persona brinca sobre ella.

El final es repentino y cortado. Los acróbatas agradecen y se van dejando al público confundido sin saber si ya acabó o es un intermedio, como no hubo programa tampoco se sabe la duración esperada. Al no haber más avisos entendemos que es todo.

A la salida algunos artistas están en el vestíbulo tomándose fotos con el público, mostrando muy buen humor y entusiasmo que hacen difícil creer que llevan una hora haciendo un trabajo tan demandante físicamente.

No pude evitar pensar ¿qué tan sanas son estas acrobacias? Con otras compañías nunca me había hecho esta pregunta. Una obra totalmente diferente a otras. Duración aproximada 50 minutos.

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#teatro

Príncipe y Príncipe

Imagen con fines ilustrativos. Detalle de publicidad de Príncipe y Príncipe

Obra infantil que cuenta la historia de un reino donde la reina está cansada de tanto trabajo, quiere jubilarse, comprar unos boletos e irse a la playa ¿Quién no sueña con eso? Pero para poder hacerlo necesita que su hijo el príncipe se case y ascienda a rey para dejar en sus manos los asuntos del país y así ella descansar.

Como siempre sucede en estos casos, se hace la convocatoria para que las princesas se presenten en el palacio y el principe elija. Pero pudiera ser que él realmente se interese en un príncipe azul.

La obra se basa en el cuento de ilustraciones Rey y Rey de Linda de Hann y Stern Nijland (Holanda, 2000) disponible en español por Calibroscopio. Casualmente hace un par de semanas en una librería me explicaron que los libros de ilustraciones están enfocados en presentar a los niños, de manera sencilla, una amplia variedad de temas como pueden ser familia, amistad, valores o muerte. O como en este caso el amor y la diversidad de preferencias sexuales.

Este montaje para teatro ya ha tenido temporada en diversos espacios de la Ciudad de México y actualmente se presenta en el Teatro Helénico. El libreto es de Perla Szuchmacher y la dirección de Artús Chávez, quien cuenta con amplia trayectoria de clown por lo que no es de sorprender que la obra tenga siempre toques divertidos y fársicos.

La escenografía y vestuarios son impresionantes así como la multiplicidad de personajes que interpretan algunos actores.

La historia va llevando al espectador de forma amena, presentando el tema principal de manera muy clara y sencilla. Sin rodeos se muestra cómo los dos príncipes se identifican y deciden que son la persona correcta. No solo está esta pareja, también hay una historia de amor entre la doncella y el paje.

Básicamente, se trata de una historia de amor en diferentes facetas, incluido el fraternal y el de padres e hijos.

Príncipe y Príncipe
De: Perla Szuchmacher, basada en el cuento Rey y Rey de Linda de Hann y Stern Nijland
Dir. Artús Chávez
Con: Anahí Allué, Miguel Romero, Cristopher Aguilasocho, Eduardo Siqueiros y Margarita Lozano
Duración aproximada: 60 minutos.
Para mayores de 4 años.
Para mayores de 4 años.
Teatro Helénico, hasta el 9 de junio.

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#teatro

Ejercicios fantásticos del yo

Programa de Ejercicios fantásticos del yo. Se muestra con fines ilustrativos.

Fernando Pessoa fue un ensayista y poeta portugués de principios de siglo XX. En vida solo se publicaron un par de trabajos, siendo presentado de manera póstuma prácticamente todo su trabajo.

Utilizaba varios heterónimos: identidades ficticias, creadas por el autor, a quienes atribuye una biografía y un estilo particular. Es decir, no solo es un nombre inventado, sino que ese nombre tiene biografía y se asocia a un estilo muy particular de escribir, distinto a otro de sus heterónimos.

Ejercicios fantásticos del yo es una obra de Sabina Berman donde se narra un día en la vida de Pessoa. Precisamente ese día tiene que llevar a cabo varias actividades importantes: un anuncio del que depende su trabajo en una agencia de publicidad, pedir la mano de su novia quien está a punto de casarse con otro, conseguir un contrato con una agente literaria que lanzaría su carrera, escribir una obra merecedora del premio del concurso de la Reina Victoria. Todo mientras trabaja o lidia con sus varios heterónimos.

Durante la obra estos heterónimos se muestran como personajes muy reales al interior de Pessoa, un problema de personalidad múltiple. En momentos estas personalidades le dictan lo que debe hacer, en ocasiones dando la acción contraria a lo que Pessoa quiere ¿o es que realmente no quiere?

A partir de estos conflictos internos se hace la exploración del Yo. Yo soy yo,  o soy lo que no es, soy ese personaje ficticio. La gente quiere a quien soy o a alguno de esos otros personajes que soy y que no soy.

La obra es una comedia intelectual, por decirlo de una manera. No recurre a recursos burdos y hace reír con recovecos del lenguaje que al mismo tiempo invitan a analizar. Por ejemplo se dice: “ ‘Pero’, la palabra más traicionera del lenguaje, la vuelta en ‘u’ de todas las intenciones”.

El texto es interesante y para entender su significado sería necesario ver la obra (o leerla cuando se publique) varias veces.

La escenografía de Philippe Amand son paneles blancos que se mueven por el escenario, sobre los que se proyectan imágenes que crean la ambientación deseada. En lo particular no disfruto mucho de la escenografía multimedia, pero (la vuelta en ‘u’) me gustó que al deslizar los paneles se crearan otros espacios y la escena del tren tiene un efecto visual de mucho realismo.

La temporada en el Teatro Helénico duró aproximadamente 2 meses, finalizando el 5 de mayo, desafortunadamente no pude ver la obra sino hasta el último fin de semana, por lo que esta reseña llega cuando ya no está en cartelera. Espero pronto regrese a otro teatro.

Dramaturgia y dirección: Sabina Berman.
Escenografía: Philippe Amand.
Vestuario: Eloise Kazan.
Actuaciones: Moisés Arizmendi, Hernán del Riego, Alfonso Cárcamo, Hamlet Ramírez, Nora Huerta, Fernando Bonilla, Sonia Franco, Jyasú Torruco.
Duración aproximada: 110 minutos.

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#teatro, #video

El Rey Lear

El Rey Lear, NT Live Temporada 2019.

Desde 2009 el National Theatre de Londres comenzó a proyectar en salas de cine algunas de sus producciones en el ciclo conocido como National Theatre Live (NT Live) Con el tiempo pasó de salas en Reino Unido a cines de todo el mundo y se han incluido producciones de otras compañías.

El Rey Lear de William Shakespeare fue presentada por primera vez a principios del siglo XVII, se habla de varias versiones de la obra y años de estreno, pero pudiera ser 1606.

La historia trata del Rey Lear de Bretaña dividiendo su reino para darlo como herencia en vida a sus tres hijas, con la condición de seguir ejerciendo sus derechos de rey. Goneril y Regal ganan sus partes con adulaciones, pero la menor, Cordelia, es sincera en su discurso y es desheredada siendo su parte entregada a sus hermanas.

Posteriormente Goneril y Regal se alían para despojar de su autoridad a Lear, sumando que las facultades mentales del Rey van mermando. La naturaleza ambiciosa de las dos hermanas, agregando las intrigas de otro conspirador llevarán a la enemistad entre ellas. Todos estos factores se van uniendo, contribuyendo a la tragedia.

Personajes en la edición de Gramercy Books 1990

A finales de 2017, en el teatro Minerva del Chichester Festival Theatre, se presentó El Rey Lear, dirigida por Jonathan Munby, con Sir Ian McKellen como el protagonista.

Esta producción está planeada para teatros pequeños. McKellen inidica “donde los actores puedan ver al espectador a los ojos y los espectadores también puedan hacerlo con los actores”. Agrega que la obra trata de los peligros de la división y puede relacionarse con acontecimientos modernos. “Nosotros la presentamos y el público interpreta”.

El teatro Minerva cuenta con 300 asientos. Para su remontaje en el West End se trasladaron al Duke of York Theatre. Si bien, mas grande, logra conservar la intimidad planteada en el montaje original. Es desde este teatro que en 2018 se graba para el NT Live.

Esta versión está ambientada en tiempos modernos. Normalmente no me gusta cuando adaptan a Shakespeare a otras épocas pero en este caso no tengo inconveniente.

 Es un montaje muy bien trabajado, con excelentes actuaciones, muy demandante física y emocionalmente. Violento, sangriento, gráfico. Hay momentos en que hace reír, en que asusta, en que pone tenso al público, en que preocupa por las intrigas que conocemos y los personajes no, momentos en que conmueve, en que dan ganas de llorar. Que una obra logre todas esas emociones es algo que se aprecia.

Ian McKellen es conocido por su larga trayectoria en obras de Shakespeare y demuestra toda su experiencia. El Rey Lear tiene 80 años y McKellen 79, al ser casi de la misma edad, dice, le permite tener otra perspectiva en el personaje y si la interpretación es demandante y requiere especial esfuerzo, él lo hace con gusto. Hacia el final de la obra es impresionante verlo entrar cargando a Cordelia. El público lanzó una expresión de sorpresa.

Otros actores del reparto no son jóvenes y dan unas actuaciones extraordinarias con mucha energía, como Danny Webb en el papel de Gloucester quien es torturado y Sinéad Cusack interpretando a Kent, personaje que normalmente es hombre y en esta versión es mujer.

En la Ciudad de México el NT Live se proyecta en el Lunario. Con dos funciones agotadas todavía quedan boletos para una tercera el 28 de febrero.

Kirsty Bushell, Anthony Howell, Lloyd Hutchinson, Claire Prince, Daniel Rabin y Anita-Joy Uwajeh completan el elenco principal.

Comparado con las proyecciones del Teatro Bolshoi en cines donde no dan programa de mano, en el Lunario si se entregó, lo que se agradece enormemente.

Duración oficial: 3:40 horas incluyendo un intermedio de 20 minutos. Realmente se va prácticamente a 4 horas. Para mayores de 16 años.

Para más información y cartelera del NT Live http://ntlive.nationaltheatre.org.uk/

Videos y entrevistas del Rey Lear en http://ntlive.nationaltheatre.org.uk/productions/ntlout29-king-lear

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#teatro

Murmullos

Detalle del programa de mano

Compañía Seña y Verbo: Teatro de Sordos, cumple 25 años y comienza los festejos con el estreno de Murmullos, escrita y dirigida por Nohemi Espinosa, que se presentó el pasado 2 de febrero en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris.

Una puesta en escena que recuerda el cine mudo, desarrollada en silencio, con gestos, expresión corporal, comedia y música acompañando las acciones (interpretada en vivo por La Sensacional Orquesta Lavadero)

La obra es de estilo clown (asesoría Jesús Díaz), se desarrolla en varias escenas cortas donde vemos una persona tratando de entrar sin éxito al cine, peleas cómicas durante el almuerzo de unos trabajadores, Drácula enamorando a su víctima, la grabación del famoso león de MGM, un comensal en un restaurante donde suceden cosas mágicas, entre otras.

No disfruté totalmente la función. Hubo varios chistes que no logré entender y me descubrí tratando de analizar lo que veía. Creo que el teatro resultó contraproducente. Estuve en el anfiteatro (segundo piso) y aparentemente la distancia hizo que perdiera los detalles. Varias veces escuché risas abajo y nada en mi piso, y todavía hay un nivel superior más, el cual al parecer estuvo vacío.

Es un placer ver el teatro con tanta gente pero creo que un recinto más pequeño hubiera sido mejor en este caso. Me gustaría ver de nuevo la obra en un espacio más chico para apreciarla mejor.

La obra es buena, bien actuada, con mucho trabajo corporal. Eduardo Domínguez, Socorro Casillas, Roberto Loera y Abraham Zúñiga le dan vida a numerosos personajes.

Como aficionado a la magia me interesó la secuencia del restaurante donde la magia es circunstancial, bien integrada a la historia, sucediendo como algo natural, no como “miren lo que puedo hacer”. La asesoría la dieron Mago Makartur y Ana Aparicio.

Por ser el 25 aniversario de Seña y Verbo, al finalizar, se develó placa. La ceremonia estuvo a cargo de Guadalupe Vergara, Carlos Corona y Enrique Singer. Alberto Lomnitz estuvo invitado pero por trabajo no pudo asistir.

Enrique Singer mencionó que hace 25 años cuando dirigió por primera vez en Seña y Verbo no fue a enseñarles, al contrario, fue a aprender y descubrió que el teatro es muy visual, donde el gesto tiene gran importancia.

Andrés Reynoso

Para ver actividades de Seña y Verbo consultar https://www.facebook.com/teatrodesordos/

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