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#teatro, circo

Donka, una carta a Chéjov

Detalle del póster de Donka. Se muestra con fines ilustrativos.

Este espectáculo de la Compagnia Finzi Pasca estrenado en 2010, abrió en Moscú las celebraciones por el 150 aniversario del natalicio de Anton Chéjov. Desde entonces ha recorrido el mundo visitando 26 países.

Daniele Finzi tomó notas de los diarios y cartas del escritor y médico Anton Chéjov y las unió con «vidas paralelas en el jardín de su casa», el resultado es un espectáculo en el estilo de Finzi Pasca y su Teatro de la Caricia. Un circo teatral donde hay cosas colgando de cables, llueven objetos, camas se mueven por el escenario, los actores dicen pensamientos al público en el proscenio, sin cuarta pared, iluminados por lámparas que ellos llevan. Todos elementos muy definidos en la estética de su director.

Donka se presentó en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris del 12 al 15 de marzo.

Los números circenses incluyen contorsión, malabares, patinaje y zapateado sobre una superficie resbalosa, sombras, comedia, rueda Cyr y muchos pensamientos.

Uno de los números de contorsión se mezcla con humor al presentarlo como una inspección médica. Una medicina bastante salvaje. Los malabares incluyen manejo de pelotas entre una y dos personas, así como de contacto. Al final de la primer parte, me resultó sorprendente que después de una rutina de malabares de contacto, la bola es estrellada en el piso donde se hace añicos. Los siguiente minutos continúan estrellando bolas después de trabajar con ellas. En ese momento ya es evidente que no son de acrílico sino hielo, lo cual resulta mas sorprendente.

Hay secuencias de sombras en una pantalla donde los movimientos y proporciones están perfectamente sincronizadas para crear mundos e historias. Una superficie resbalosa es utilizada para un número de zapateado y para patinar. En otro momento, los artistas patinan sobre el escenario transmitiendo que están en hielo. Uno de ellos hace rutinas sobre ruedas fingiendo caerse y no controlar los patines.

Entre los pensamientos que Finzi Pasca entrega en sus espectáculos, en Donka se incluyen los siguientes: En aquella época los médicos buscaban el alma humana y al hacer autopsias cobraban boletos como espectáculo público para que los asistentes atestiguaran el descubrimiento, cosa que nunca sucedió ¿Los clowns dónde tienen el alma? En los zapatos.

Salir a un café y sentarse a no hacer nada. No es a no hacer nada. Los poetas pescan ideas y eso requiere paciencia, hay que sentarse tardes enteras esperando a que una idea pique.

Como los otros trabajos que he visto de esta compañía, se entrega un espectáculo de calidad que une el circo y el teatro, historias rebuscadas, ideas que dejan qué pensar y también momentos en que no se entiende que está pasando. El Teatro de la Caricia se trata de darle una caricia al alma del espectador. Una caricia que en estos tiempos es muy necesaria.

La temporada en la Ciudad de México fue poco común. Programados para dos semanas, comenzaron en medio de la incertidumbre por el avance de COVID-19. El viernes 13, en entrevista para Canal 22, Daniele Finzi mencionó que en esas fechas debía estar haciendo Ícaro en Bérgamo, una de las ciudad más asoladas en Italia. El sábado 14 se anunció que la segunda semana de la temporada se cancelaba, se agregaba un horario más el domingo 15 y todos los que tuvieran boleto de las fechas canceladas podían ir al horario que más les conviniera. Era necesario frenar la temporada para que los artistas pudieran regresar a sus países de origen en Europa. En la Ciudad de México era inminente el cierre de espacios públicos. Unos días después se cerraron todos los teatros.

Resultó extraño durante la obra oír sobre médicos, enfermedades respiratorias y posibles curas (Chéjov padecía tuberculosis)

En Canal 22, Finzi Pasca dijo que el siguiente paso será ir a China y a Corea. No dudo que lo haga, las raíces del Teatro de la Caricia y Teatro Sunil se remontan a Daniele trabajando con enfermos en la India.

Un gran esfuerzo de la Compagnia Finzi Pasca, Teatro de la Ciudad y Arte & Cultura Grupo Salinas que hicieron todo lo posible para tener la temporada. Esperamos el regreso de la Compañía, mientras tanto, quédate en casa.

Donka, Una Carta a Chéjov
Escrito y dirigido por: Daniele Finzi Pasca
Compagnia Finzi Pasca
En escena: Andrée-Anne Gingras-Roy, Beatriz Sayad, David menes, Félix Salas, Francesco Lanciotti, James Kingsford-Smith, Jess Gardolin, Marco Paoletti, Melissa Vettore, Rolando Tarquini y Stépane Gentilini
Duración aproximada: 2:20 horas

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#teatro, circo

El Pagliacho, el gracioso de la calle de Relox

Detalle del cartel de «El Pagliacho» se muestra con fines ilusrativos.

En 1841 surgió el primer circo mexicano bajo la dirección de José Soledad Aycardo, considerado el primer empresario circense mexicano y precursor del estilo de payaso que se usa en nuestro país. Se trató del Circo Olímpico y operó aproximadamente 25 años.

Los Estrouberry Clowns presentan El Pagliacho, el gracioso de la calle de Relox, inspirado en Aycardo y su circo. Según el programa de mano, la obra «nos lleva a viajar en el tiempo para conocer las vicisitudes del primer circo mexicano […] nos invita a disfrutar de aquella época de circo, maroma y teatro»

Un niño del siglo XX es «teletransportado» al siglo XIX dónde conocerá al Circo Olímpico instalado en el patio de una vecindad en la calle de Relox (o la calle del reloj, hoy Argentina) Ahí, el virrey tratará de cerrar el circo a como de lugar con tal de llevarse a los artistas y al público al Teatro Nacional.

Esa es la premisa y básicamente las «vicisitudes» son enfrentar al virrey que adoptará diferentes disfraces para aplicar multas, incautar, cobrar la renta y otras acciones económicas.

La parte histórica me crea conflicto a partir de que el antagonista, figura del gobierno, es presentado como el «Virrey» mientras la historia transcurre en la segunda mitad del siglo XIX, momento en que ya no había virreyes.

Se presentan clichés como la pareja de comediantes borrachos y la rutina de «salúdelos a todos, pero con la boca», sin embargo no me queda claro si son rutinas de la época. Se supone que la obra tiene fines históricos y busca mostrar cómo era el circo en aquellos años pero al usar chistes claramente modernos se pierde noción de qué cosas aparentemente modernas pudieran remontarse en realidad al Circo Olímpico.

Respecto a conceptos y narrativa: «Teletransportar» significa desplazar a distancia y se usa para referirse a que un objeto se mueve instantáneamente de un sitio a otro. Si se viaja al pasado sería una máquina del tiempo. Mas adelante el de la casa de empeño se presenta para incautar pues no han pagado. ¿La casa de empeño incauta? Posteriormente, al finalizar la obra, dicen que todo lo que ha sucedido es para darle una función de circo al niño del siglo XX, la misma está a punto de comenzar y el niño debe regresar a su propia época. Si la función que va a comenzar es para él ¿por qué lo mandan al siglo XX antes de iniciarla?

Casi no se muestran números circenses. Un número que me molestó fue presentar un antipodista (persona que manipula objetos con los pies) haciendo falsamente su disciplina, en lugar de tener una persona realmente especializada en la misma.

La idea no me parece mala, a lo largo de la obra se explican palabras y conceptos que ayudan a comprender al circo de la época, sin embargo, para mi gusto, tiene varios huecos.

La función comienza puntualmente y es ligeramente más larga de lo anunciado en el programa. Al finalizar, el elenco sale al vestíbulo a saludar y posar para fotografías.

Cabe destacar la presencia del Ensamble Jofranka que musicaliza y hace efectos sonoros en vivo.

El Pagliacho se presenta en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque hasta el 26 de abril.

El Pagliacho, el gracioso de la calle del Relox
De Fernando Hondall
Dirección: Raúl Zamora
Con: Jorge A. caballero Vega, Dettmar Yaáñez, María Cappelletti, Adriana Reséndiz, Víctor Siáñez, Lobo Valle, Yrsmin Curiel, Eréndira Morales Rodríguez, Erick Murias, Fernando Hondall, Gustavo Franco, raul Zamora
ensamble Jofranka: Mario Alberto Gallardo y Julio Zapata
Duración aproximada (según programa) 75 minutos (real) 90 minutos.

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#teatro

Humor para imbéciles

Póster de Humor para Imbéciles. Se muestra con fines ilustrativos.

El título Humor para Imbéciles me hace pensar en esos libros “para Dummies” sin embargo es el nombre de un libro de Arkady Avérchenko y según se indica en el programa de mano, el nombre de uno de los cuentos que se incluyen en la obra de teatro.

La obra se realizó a partir de cuentos de Arkady Avérchenko (1881-1925) y Slawomir Mrozek (1930-2013) Ambos son conocidos por su humor satírico a veces calificado como surrealista. El montaje teatral es realizado por alumnos de cuarto año de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT), dirigidos por Jesús Díaz.

Las historias incluyen unos novios que tratan de idear la forma para recordar un número telefónico, sin embargo la mnemotecnia no se les da. Vemos a unos vagabundos filosofando sobre la vida, la muerte, la existencia, lo que hay y lo que no hay. Me recuerda aquello de la pregunta zen “Si un árbol cae en el bosque y nadie está cerca para oírlo ¿hace algún ruido?” Otro de los cuentos muestra a una persona enfrentando errores médicos sobre su persona. Uno más tiene a ladrones como protagonistas, no cualquier ladrón, son personas civilizadas con las que se puede negociar y queda de manifiesto que los verdaderos ladrones son otros, despachando desde lugares seguros. Hay también un escritor de humor ¿acaso uno de los autores? que presenta su libro a un representante cultural y queda claro el por qué existen los programas malos donde aparecen rosas haciendo milagritos. Posteriormente llega un grupo de “músicos” a exigir un pago en adeudo.

Menciono por separado la historia del bombero. Incluye bromas de teatro mencionando situaciones que los alumnos seguro viven a diario. Separo la historia por que fue la más emotiva, no solo hace reír, hace sentir otras cosas, conmueve. Hay participación de alguien del público que le dará sabor diferente a cada función. Al finalizar el cuento, el público hizo expresiones desaprobando el final, no porque sea una mala historia sino porque el bombero se ganó a la audiencia.

El humor es bastante creativo, sumando las actuaciones, el trabajo final es muy bueno. Las pausas, las miradas que hacen los actores están ahí por una razón, ayudan a hacer el chiste, no solo es el texto. Los cuentos son ingeniosos, situaciones que pueden salir de la vida diaria, sin embargo son sumamente absurdas … como pudieran ser en la vida diaria.

Un montaje muy recomendable con una breve temporada de solo dos semanas en el Teatro Salvador Novo de la ENAT, en el Centro Nacional de las Artes. Se presenta hasta el 9 de febrero de miércoles a domingo, teniendo doble función los fines de semana. Se indicó que la función final contará con intérprete de lengua de señas mexicana. La obra no está anunciada en la página del CENART, solo en redes sociales de la ENAT, por lo que los horarios se listan abajo.

Humor para imbéciles
A partir de cuentos de Arkady Avérchenko y Slawomir Mrozek
Dirección: Jesús Díaz.
Reparto: Alberto Bravo Guerrero, Alexia de la Rosa, Alfonso García, Ana Lucía, Gerard Estrada, Jessica Lunet, Jesús Iván García, Juan Pablo Salazar, Julio César Mejía, Magdiel Benard, Miguel Fuentes.
Teatro Salvador Novo, ENAT, CENART
Miércoles a viernes, 20:00; sábado 19:00; domingo 15:00 y 18:00 (no queda muy claro si el sábado también hay a las 15:00)
Entrada libre, cupo limitado, los boletos se entregan aproximadamente una hora antes de la función.
Duración aproximada: 1:40 horas

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#teatro

Enemigo del Pueblo

Detalle del poster de Enemigo del Pueblo. Se muestra con fines ilustrativos.

Henrik Ibsen publicó Un Enemigo del Pueblo en 1882, estrenándose el 13 de enero de siguiente año. Una obra que 137 años después de su presentación sigue estando vigente.

Bajo la dirección de David Gaitan, La Compañía Nacional de Teatro presenta Enemigo del Pueblo, versión de Gaitán de la obra de Ibsen. la temporada en el Teatro Julio Castillo está por concluir el 19 de enero.

En el vestíbulo del teatro y al comenzar la función, el público es instruido a disparar unas pistolas de burbujas siempre que se cumpla una condición en escena. Solo una parte de la audiencia participa activamente en esta dinámica, pero los demás como observadores también se llevan algo de la experiencia. No entraré en más detalles sobre el uso o significado de las burbujas, es una sorpresa que debe tener el espectador.

La historia transcurre en un poblado donde un balneario recién abierto trae riqueza al lugar, sin embargo el doctor Stockmann descubre contaminación en las aguas y pide cerrarlo mientras se remedia la situación. La resistencia será impresionante: el gobierno, la prensa «imparcial» que inclina la balanza de un lado a otro a conveniencia, incluso su familia.

Se verán las trampas del gobierno, la prensa manipulante que se hace llamar «la voz del pueblo», el típico sonsonete de si se hace lo que dices perderás todos tus ahorros. Ese temor que tanto se le mete al pueblo de perderás todo si haces algo que cambie el statu quo.

En la escenografía, a cargo de Alejandro Luna se ve constantemente una mancha de luz en la pared, solo se apaga un momento después de tronar un cohete que apaga unos micrófonos de espionaje. Esa luz pareciera un ojo que lo vigila todo.

Lo privado se hace público, hay micrófonos escuchando al doctor, la correspondencia es interceptada sin reparo, a la gente en la plaza pública se le ordena retirarse o no y leer en el templete papeles personales. En el programa de mano se indica también la «administración de la plataforma pública» Estar observados todo el tiempo con el temor de hacer o decir algo que contradiga a la mayoría. Una línea de la obra dice algo así como que al ser mayoría los idiotas que hay en el mundo, no significa que estén en lo correcto. El que dice la verdad que incomoda a la mayoría puede ser reducido a nada por los que se sienten atacados.

La censura disfrazada de estar siendo ofendido, de ser políticamente correctos, criticar a alguien más escondiéndose en la masa, en el anonimato ¿atrás de una computadora juzgando el mundo en redes sociales? Ser juez y parte: juzgar a otros, en la vida pública conducirse por el camino correcto cuando en privado se tiene el mismo comportamiento o peor incluso que a quien juzgamos.

Al evitar incomodar a otos y seguir la corriente mientras «protegemos nuestros intereses» nos convertimos en marionetas. El changuito que no oye, no ve, no habla. Sin voz propia.

Algo interesante es que aparentemente para el público la violencia contra la mujer es reprobable pero no contra los hombres ¿Es por que la corriente marca eso y no hay que contradecirlo?

Enemigo del Pueblo
De Henrik Ibsen
Compañía Nacional de Teatro Versión y Dirección: David Gaitán
Iluminación y escenografía: Alejandro Luna
Actuaciones: Miguel Cooper, Ana Paola Loaiza, Luis Rábago, Antonio Rojas, Amanda Schmelz, Alan Uribe Villarruel
Duración aproximada: 1:30 horas

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#teatro

Peer Gynt de pacotilla

Cartel de Peer Gynt de pacotilla. Se muestra con fines ilustrativos.

Henrik Ibsen publicó en 1867 la obra Peer Gynt que más adelante Edvard Grieg le añadiría música incidental. Se dice que es una obra de teatro que fue escrita para leerse pero no para verse en un escenario por las dificultades de los cambios de escenas, sin embargo se ha llevado al teatro en varias ocasiones, seguramente siendo frecuentemente adaptaciones.

El trabajo más reciente de la Sensacional Orquesta Lavadero es precisamente una adaptación titulada Peer Gynt de pacotilla. 6 actores interpretan numerosos personajes y tocan la música incidental de Grieg. Hasta donde sé, ésta es la primera vez que la Sensacional Orquesta Lavadero presenta una obra “completa” en el sentido que no son pequeñas rutinas cómicas y/o musicales que forman el espectáculo.

Peer Gynt se describe como una obra fantástica, la presente adaptación incluye toques cómicos y de clown, especialidad de la compañía.

La historia es sobre el joven Peer Gynt quien ha crecido alimentado por cuentos fantásticos y los suele repetir como si fueran acontecimientos que en realidad le sucedieron y así excusarse cada vez que evade sus responsabilidades. Es ambicioso, quiere poder fácil. Enamora a varias mujeres y luego las abandona, entre ellas una novia a punto de casarse, una chica que conoce en la boda y la hija del rey de los duendes, esta última le interesa de manera particular por ser precisamente una princesa y poder obtener un reino por medio de ella. Con el tiempo irá pasando de una aventura a otra, siempre caracterizándose por ser un bribón. Hacia el final, cuando el fundidor ¿la muerte, el diablo? viene a fundir su alma, él debe probar que siempre fue “él mismo”.

La obra tiene sus momentos filosóficos, esa búsqueda de ser “uno mismo” definir qué es ser uno mismo y si se logra o no, o uno se pierde siendo otro mientras quiere ser uno mismo. ¿Al evadir responsabilidades se huye de uno mismo? ¿O precisamente es uno mismo porque el estilo propio es huir?

La Orquesta Lavadero nos va guiando por la historia, utilizando situaciones tanto de la historia como de la adaptación para  crear momentos cómicos, no son forzados, van bien integrados a la obra. Por ejemplo la forma de resolver cómo la mamá de Peer Gynt queda atrapada en la azotea o las referencias a los actores que interpretan a Peer en 3 etapas de su vida. O el hecho de que el mismo actor interprete a la mamá y posteriormente a Peer.

Para dar vida a los diferentes personajes se apoyan en caracterizaciones y máscaras diseñadas por Anabel Ortega. Las máscaras y tocados son muy buenos. Las actuaciones cubren personajes tan variados como el joven con energía, enojo, desesperación, amor, pena. El adulto con sed de venganza, el confiado, los bribones, los burlones, el rey poderoso. Los viejos con angustia, el rey que ha perdido poder ….

Durante la función que vi (la penúltima) hubo un incidente con un celular que insistía en sonar en medio de un emotivo soliloquio de la mamá de Peer. Jesús Díaz, quien le da vida al personaje, supo darle vuelta y aprovecharlo, sin embargo el teléfono seguía sonando y hubo que parar un momento. Y no es culpa del teléfono sino del dueño que hace caso omiso al aviso de «favor de apagar teléfonos». Así que aprovecho este espacio para recalcarlo: Favor de apagar teléfonos, o en su defecto ponerlos en silencio (no en vibrador)

La temporada de 3 semanas que se llevó a cabo en el Foro Antonio López Mancera de la Escuela Nacional de Arte Teatral ha finalizado, pero espero pronto verla en cartelera nuevamente. Por lo pronto en el mismo Centro Nacional de las Artes está el ciclo de clown Sonrisas a la Carta, que incluye otros espectáculos de la Sensacional Orquesta Lavadero.

Peer Gynt de pacotilla
A partitr de la obra de Henrik Ibsen
Dramaturgia y dirección: Jesús Díaz
Sensacional Orquesta Lavadero: Jesús Díaz, Nohemí Espinosa, Roam León, Jhovatan Lozano, Braulio Corona, Miguel Jiménez

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#teatro

Camille Claudel … sin Rodin

Foto de Camille Claudel. Imagen mostrada con fines ilustrativos.

Camille Claudel fue una escultora que vivió entre los siglos XIX y XX, siendo su etapa más productiva a finales de siglo XIX. Fue alumna de Auguste Rodin, comenzó a trabajar en su taller posando para esculturas y trabajando algunas piezas para él, sobre todo manos y pies. Pese a la diferencia de 24 años fueron también amantes. Se dice que Rodin constantemente tenía nuevas amantes y siempre prometía casarse con Claudel, cosa que no pasó. Camille Claudel se fue alejando de los círculos artísticos, encerrándose en su propio mundo dentro de su taller, en alguna época destruyó sus propias obras. En 1905 tuvo su última gran exposición y en 1913 su familia la internó en un hospital psiquiátrico de donde nunca salió. Murió en 1943, olvidada y con un veto de la familia. Solo su hermano, responsable de internarla, la visitó unas pocas veces. Estaba prohibido incluso que recibiera visitas.

Camille Claudel … sin Rodin es descrito en el programa de mano como espectáculo unipersonal. Vemos a Yuriria Fanjul en el papel de Camille. Con una historia nada lineal se narran momentos de la vida de Claudel. Saltando en los tiempos la vemos en el estudio hablando con Rodin, en el hospital psiquiátrico, de nuevo en el estudio, ahora en el suyo recibiendo visitas, de nuevo con Rodin, etcétera.

En varias ocasiones rompe la cuarta pared e interactúa con el público haciéndoles preguntas o contando cosas en tono de alguien que da un chisme entre amigos. La mayoría de estos momentos los siento forzados, como si tratara de hacer comedia stand-up. Dice algunos chascarrillos con las tradicionales malas palabras que buscan humor fácil. Siento una respuesta muy floja del público y alguna risa condescendiente, pero sus chistes no terminan de cuajar. Tampoco la interacción. Al hacer preguntas, el público tarda en responder. Da a alguien unas tarjetas para que las lea. La señora elegida tiene problemas para leerlas ¿será porque está sentada en la oscuridad? Deberían haber prendido luz de sala. En otro momento da una carta para que se la pasen “al señor barbón de allá” la gente no sabía exactamente que hacer, si pasar la carta y a quién.

Canta algunas canciones, dice frases en francés. No se si en aras de hacer un “espectáculo” hay que ponerle de todo un poco, pero lo siento forzado, sobreactuado.

Cuando no habla con el público lo hace con personajes imaginarios como Rodin y otros artistas. Se dirige al vacío y hace pausas como si hubiera otra persona contestando. ¿Acaso es una muestra de su locura?

No me gustó la obra por lo que ya he descrito. Lo que reconozco es que Fanjul tiene una gran expresión facial.

Camille Claudel … sin Rodin estuvo presentándose en la Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque donde terminó temporada el pasado domingo.

Camille Claudel … sin Rodin
De: Gaël Le Cornec
Dirección: Diego Vázquez
Con: Yuriria Fanjul
Duración aproximada: 1:25 horas

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#teatro, #video, circo

Cirque Éloize: Nomade

Portada del DVD de Nomade. Se muestra con fines ilustrativos.

En 2002, Cirque Éloize junto con Teatro Sunil crean el espectáculo Nomade. La nuit, le ciel est plus grand (Nómada. De noche el cielo es infinito) bajo la dirección de Daniele Finzi Pasca, que sería la primer obra que junto con Rain y Nebbia conforman la llamada Trilogía del Cielo.

La presente reseña es sobre la grabación realizada en 2005, todo parece indicar que en Trois-Riviéres, Canadá.

Tanto el estuche del DVD como el sitio de la Compagnia Finzi Pasca indican que la obra trata sobre ser nómada. Todos somos nómadas, viajamos de un amor a otro, de una pena a otra. El verdadero nómada viaja a través de sus memorias y de sus sueños. Para el que duerme bajo las estrellas el cielo es el infinito (De ahí el subtítulo) Cirque Éloize llevaba por entonces 10 años viajando por el mundo por lo que Nomade era una invitación a compartir momentos con una comunidad itinerante de artistas circenses.

Nomade, como buena parte del trabajo de Finzi Pasca, une historias, acrobacias, música y canto en vivo. Se pueden ver elementos muy característicos de su trabajo, como objetos o personas volando, cosas cayendo desde lo alto del escenario y lluvia. Personajes diciendo textos poéticos en el proscenio, rompiendo la cuarta pared y dándole esos textos directamente al público, frecuentemente iluminados con algún tipo de lámpara de mano.

El espectáculo incluye diversos números como lanzamiento de hachas, mástil chino, solo de trapecio, rueda Cyr (inventada por uno de los fundadores de Cirque Éloize) aro, cuerda y cinta aérea, malabares con clavas y de contacto, contorsión, saltos acrobáticos, banquine (saltos con trampolín semejante a un sube y baja) monociclo, un poco de magia, payasos, mano a mano, música y canciones.

Un programa muy completo y de gran calidad, la música tiene un estilo que transmporta a un ambiente gitano. La misma es interpretada en vivo tanto por músicos como por miembros del elenco de acróbatas.

Me llaman de manera particular el número combinado de rueda Cyr y aro aéreo. Dos disciplinas diferentes conviviendo al mismo tiempo en el escenario, mostrando de manera simultanea dos aros, uno en el piso, el otro en el aire. Sin protagonismos, es un número donde ambos artistas se complementan. No hay estrellas, no es el número del aro o de la rueda Cyr. El acto en si, son ambos. Otro número es el de los payasos bailando tango mientras tocan instrumentos al estar abrazados en la danza. Tienen un estilo de slapstick (causar risa por golpes) que no es de mi total agrado pero el tango es impresionante.

Los malabares en equipo son dignos de verse. Varios miembros del elenco trabajan con clavas en perfecta sincronía. Posteriormente tres mujeres con movimientos muy fluidos hacen una rutina de malabares de contacto con bolas de cristal.

Los números de saltos y mano a mano (cargadas) son impresionantes. Los saltos incluyen barras rusas, trampolines, torres humanas y acrobacias de piso. Entre los saltos, un acto se muestra a modo de competencia donde dos bandos se retan a realizar proezas más y más difíciles, al final con júbilo y compañerismo se ve que todo es un juego y la rivalidad no existe. Los números de mano a mano incluyen uno a modo de tres pistas donde 3 parejas se alternan para las cargadas.

Nomade se trata de un programa lleno de virtuosismo donde los artistas hacen de todo. De manera particular, los payasos (jóvenes) traen la vieja escuela donde realizan de todo y lo dominan. Todos los números traen pequeñas historias que nos transportan a mundos que tal vez solo existen en nuestras cabezas: una boda, hombres en un campamento admirando bajo las estrellas a una chica que se baña, varias parejas, amor, desamor, rechazos, homenajes, fiestas, deseos de opacar o sabotear a otros, pero sobre todo mucho júbilo.

Cumple sin lugar a dudas con el propósito de transportarnos en este viaje nómada, de despertar nuestra imaginación como niño oyendo un cuento antes de ir a dormir.

La compañía canadiense finalizó las presentaciones de Nomade en 2006.

Cirque Éloize: Nomade La nuit, le ciel est plus grand.
Dirección: Daniele Finzi Pasca
Producido en video por Amérimage-spectra Inc, CBC y TV5
Duración aproximada 1:35 horas
Audio en francés

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#teatro, audio

Séance

Séance es una palabra francesa que significa sesión o reunión. Se utiliza frecuentemente en inglés para referirse a las sesiones espiritistas. El espiritismo nació a mediados del siglo XIX cuando las hermanas Fox en Hydesville, Nueva York, aseguraban que podían comunicarse con los muertos que se manifestaban mediante golpeteos. Años después confesaron que todo era un engaño y los golpeteos eran sus dedos de los pies que podían hacer tronar cundo los movían. Aun con la confesión, el espiritismo había nacido y por todos lados se hacían sesiones.

En 2016 la compañía británica Darkfield creó Séance. Darkfield en su sitio de internet declara que crean experiencias inmersivas en contenedores de embarque, utilizando audio binaural 360, creando trabajo innovador entre teatro y tecnología. Actualmente se presenta en México, frente al Museo Rufino Tamayo en producción con Malanoche.

El audio binaural o 3D es un tipo de audio que por la forma en que se graba y mezcla, al ser escuchado con audífonos crea una sensación de estar entre las fuentes de sonido. Los sonidos suelen tener mucho realismo y se pierde la noción de qué está en la grabación y qué está realmente en el ambiente.

Séance es una ¿obra, performance, experiencia? que se lleva a cabo dentro de un contenedor de carga. Hay una mesa y 30 butacas, se pide que los espectadores se coloquen audífonos y posteriormente en completa obscuridad se realiza la “sesión”. Mediante audio 3D y efectos en que se sacude la mesa se hace la narración de aproximadamente 20 minutos. La publicidad del evento es de gran hipérbole: no es teatro, no da miedo, no se borran los límites de la realidad y la ficción, no se explora la psicología, no es inmersivo. Para mi gusto no es una “experiencia”, palabra tan de moda en los últimos años, para mí es un “simulador” ¿Recuerdan las capsulitas que se sacudían mientras mostraban una animación de montaña rusa?

Con presentaciones cada 30 minutos a lo largo del día, acudí en sábado a las 10:30 am, estuvimos 5 personas y en el horario anterior estuvieron 2. El audio tiene efectos interesantes como puertas abriéndose, gente tosiendo y voces que se escuchan reales distribuidas a ambos lados … si no fuera porque sabes perfectamente la ubicación de las otras 4 personas. Posiblemente con la sala llena se logre un mejor efecto, pero con poca gente se pierde.

En la mesa de la taquilla estaba un incienso apagado y un encendedor. Imagino que debieron ponerlo dentro del contenedor. En la historia hablan de un olor, pero no olía a nada.

Si están en la zona tal vez pueden darle una oportunidad, posiblemente en la tarde, esperando que haya más gente y ayude con la percepción de las cosas. Piensen en un simulador en los centros comerciales, si ya están ahí les llama la atención y entran, pero no harán un viaje, tal vez de horas, especialmente para subirse a él. El precio es otro factor para tomar en cuenta, cuesta lo mismo que un boleto de teatro en la UNAM o en el INBA.

Séance.
Producido por Darkfield y Malanoche.
Explanada del Museo Rufino Tamayo.
Duración aproximada: 20 minutos.

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#teatro

Esto no es sobre Baal

Detalle del programa de mano. Se muestra con fines ilustrativos.

Baal fue escrita por Bertolt Brecht en 1918 siendo su primer obra de teatro “completa”. En la mitología Baal existe como deidad y falsa deidad en varios pueblos antiguos. Se le relaciona con la fertilidad y en algunas culturas las fiestas en su honor incluían orgías. Dentro de la obra, el personaje Baal es visto como dios por algunos, como demonio por otros y frecuentemente pasa de uno a otro lado.

Esto no es sobre Baal (a partir de Baal, de Brecht) es el examen de alumnos de cuarto año de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT) montaje dirigido por Jesús Diaz. Según se indica en el programa de mano, la obra no es acerca de Baal, es sobre Emily, Johanna y Sophie, personajes que Baal deja hechos jirones.

Al entrar al foro somos sentados en bancos ante una mesa-tablón de taberna, toda la historia se desarrollará a nuestro alrededor o sobre el tablón. Baal constantemente ocupa el sitio de honor de la mesa, es un poeta alcohólico, mujeriego y patán que va por la vida engatusando a la gente, principalmente para llevársela a la cama y posteriormente desecharla regodeándose en su cinismo.

10 actores interpretan alrededor de 52 personajes que están en un mundo decadente, el vestuario, maquillaje y actitudes muestran esa decadencia. Gente vistiendo con retazos, pero no solo la ropa está parchada, también sus cuerpos y almas están en pedazos, con trozos que por ahí sobraron. Personas con 4 piernas, 6 brazos, sin piernas, gastritis y una tos ligera que los deforma. Frecuentan las oscuras tabernas. Nosotros, los espectadores, también estamos sentados ante esa mesa, formando parte de las almas en decadencia que miran los abusos a escasos centímetros sin intervenir.

No es una obra fácil ni para el público ni para los actores. No es “bonita”, es un texto que incomoda. Resulta un poco cansado estar sentado en los bancos pero se van rápido las dos horas y media que dura. Es un montaje bien realizado con una propuesta escenográfica bastante interesante que mete al espectador a ese mundo decadente. Con pocas luces logran crear diversas atmósferas.

La forma de dar las gracias me llamó la atención, es de manera muy personal y con gran acercamiento al público. Muestra mucha humanidad, no se si tomarlo como una forma de bajar la tensión o como una manera verdadera de decir gracias.

Con el personaje de Baal no pude evitar acordarme de gente que conozco: los gestos, la forma de comportarse, el humor vulgar que utiliza. Todos conocemos un Baal. También conocemos una Emily, una Johanna, una Sophie.

Es un montaje muy recomendable que estará hasta el 4 de agosto en el foro Antonio López Mancera de la ENAT en el Centro Nacional de las Artes. Consideraciones: la entrada es libre con cupo limitado, los boletos se entregan una hora antes de cada función, los fines de semana suele llenarse por lo que hay que llegar con bastante anticipación. Normalmente el último día solo es para invitados y no hay boletos para público en general. La mayoría de los asientos son banquitos, en un costado hay sillas preferenciales para personas de la tercera edad o con problemas de espalda. Se permite moverse, levantarse o cambiar de lugar durante la obra.

Esto no es sobre Baal, a partir de Baal de Bertolt Brecht.
Dirección: Jesús Diaz
Foro Antonio López Mancera de la ENAT
Examen de cuarto año de las licenciaturas de actuación y escenografía
Del 21 de Junio al 4 de Agosto
Duración aproximada 2:30 horas sin intermedio
Público mayor de 15 años

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#magia, #teatro

Ilusio: magic on ice

Póster de Ilusio: Magic on Ice. Se muestra con fines ilustrativos.

Del 14 al 23 de junio se presentó en la Arena Ciudad de México el espectáculo Ilusio: magic on ice de Steve Wheeler. Es una producción muy grande que combina magia y patinaje sobre hielo.

La mayor parte de la magia son grandes ilusiones: escapes, desapariciones y apariciones principalmente. El patinaje es tanto en grupo como solistas, sirviendo de entreacto a la magia. ¿Qué tanto es magia y qué tanto patinaje? No sabría decirlo pero lo dejaré en mitad y mitad.

La magia es visualmente muy buena, este tipo de ilusiones se ven poco en México por lo que fue una buena oportunidad para atestiguar esta magia, sin embargo, de cierta forma lo sentí algo monótono ya que en general eran apariciones y desapariciones, por ejemplo, los 4 primeros números fueron Steve apareciendo y su asistente apareciendo 3 veces. De igual manera los 2 últimos números fueron básicamente el mismo efecto.

Dicho esto, la función me pareció muy buena, una super producción con 16 personas en escena, luces, música, vestuario, coreografías, flamas y equipo de magia impresionantes. Caí en cuenta que nunca había visto patinaje profesional en vivo. Nuevamente, esto difícilmente se ve en México ya que no somos un lugar donde haya hielo y se acostumbren los deportes invernales.

Para el patinaje normalmente era un ensamble de entre 8 y 10 personas, habiendo algunos solos. Los que me impresionaron más fueron los solos de los hombres con saltos y giros a gran velocidad. El ensamble está muy bien ensayado y sus coreografías se vieron con mucha precisión.

Aunque son números independientes uno de otro, se tenía una constante en la que una patinadora de blanco era “la asistente” en la magia, mientras que otra patinadora de negro (presentada como Fátima, de México, quien se mostró agradecida por presentarse en su país natal) hacía la introducción a los números más misteriosos o con cierto sabor de peligro.

El lugar no me pareció el más adecuado ya que la Arena es inmensamente grande. Calculé una asistencia de aproximadamente 600 personas por lo que lucía vacía, esto durante la función del último sábado por la noche. Aparentemente faltó difusión.

Uno de los números que más me gustó fueron los anillos chinos, el truco clásico donde aros de metal se enlazan y desenlazan. Fue presentado con dos aros de una manera original aprovechando el patinaje. Si mal no recuerdo fue lo único que no entra en la categoría de grandes ilusiones y a mi gusto lució mucho. Otro de mis momentos favoritos fue cuando una persona del público es pasada a la pista y convertido en el mago. Dio un contacto más directo con el público que estaba faltando. En otro instante pasaron a varios niños para pasearlos en cajones al estilo de trineos. En este caso no era ni magia ni hazañas de patinaje, solo un paseo para los niños pero una vez más dio una conexión con el público y una sensación de humanidad, no es un super hombre que escapa del peligro y desaparece, es humano como todos nosotros que vemos desde las butacas.

Con una duración de 1:50 horas incluyendo un intermedio de 20 minutos, me pareció el tiempo adecuado. Comenzó extremadamente puntual lo cual me agradó. Los precios me parecieron accesibles. Fui atraído por la magia y me atrapó el patinaje.

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