En el marco del 12° Encuentro Internacional de Clown, Los Banyasos, de Querétaro, presentaron ES FE RARA, Concierto de acorde en sí sosteniendo. Espectáculo de clown excéntrico.
Con elementos de música (principalmente en banjo) magia, acrobacia, malabares y comedia, Alex Pizano y Lars Uribe nos entregan un espectáculo “cómico – mágico – musical”.
Los Banyasos interpretan canciones entre circunstancias cómicas. Algunos números son enriquecidos con malabares, la participación de espectadores e incluso un invitado especial, que resulta ilustrativo en temas musicales.
Se incluyen también números de magia, látigo enmarcado en una ceremonia casi chamánica y pulsadas o mano a mano.
Al finalizar saludaron el público afuera del teatro, sin perder el personaje, sobre todo Lars que es muy expresivo físicamente.
No había visto antes el trabajo de Los Bayasos, había oído decir que es una mancuerna muy bien hecha y así es, es un dúo que funciona muy bien.
El lado negativo, del lado de la organización, es que por error en los boletos pusieron 6:00 pm, cuando la función era a las 7:00, lo que provocó una espera no deseada de una hora adicional para quienes compramos con anticipación, cosa deseable, pues había descuento en preventa.
ES FE RARA nos invita a un acto de fe, que es una cosa rara en sí. Dentro del Encuentro en el Teatro Helénico se presentó solo un día, pero si tienen oportunidad de ver a Los Banyasos no duden en asistir.
ES FE RARA, Concierto de acorde en sí sosteniendo Los Banyasos Autoría, dirección e interpretación: Alex Pizano y Lars Uribe Diseño de iluminación: Jesús Noyola Duración aproximada: 60 minutos
Tras 40 años de presentarse en la isleta del lago menor de Chapultepec, El Lago de los Cisnes dejó de presentarse en dicho lugar en 2016. En su momento se indicó que se trataba de una versión mutilada y se apostaba a montar la versión completa. Además que el clima frecuentemente era un problema. Al ser la temporada en febrero – marzo siempre había cancelaciones por lluvias. Con una duración de apenas una hora y final feliz, era bonita de verse, pero muy alejada de la versión tradicional.
Posteriormente se han realizado temporadas en el Palacio de Bellas Artes, desafortunadamente, como siempre sucede con la Compañía Nacional de Danza, las temporadas son de pocas funciones y al ser Lago una de las obras que más gusta al público, los boletos se agotan en un par de días.
Como anécdota personal: En la segunda mitad de 2017 pude conseguir realmente el último boleto de la temporada. Tras mostrarse en línea totalmente agotado, me apareció un solo boleto en todo el Palacio y en un buen lugar de la Luneta (plata baja) Rápidamente lo compré. El 19 de septiembre un fuerte sismo sacudió a la ciudad y por un par de semanas se cancelaron eventos masivos. La función para la que tenía boleto fue la única afectada. Cancelada sin posibilidad para reprogramar fecha.
Es hasta febrero de 2025 que pude ver por primera vez la obra completa con orquesta. Años atrás la había visto con una compañía rusa en el Metropólitan, pero sin orquesta. Nuevamente, en Chapultepec, era pista y una versión abreviada.
Cambia mucho con orquesta. No se por qué la Compañía lleva algunos años alternando funciones con y sin orquesta. Definitivamente es mejor con música en vivo.
Me gustó. Tiene motivos coreográficos bonitos, patrones que se van repitiendo, creando unidad y continuidad. Los momentos de los cisnes en verdad hacen ver una parvada. El único detalle, que frecuentemente tengo con la CND, es que los hombres suelen oírse pesados al caer de los saltos, haciendo mucho ruido en el piso.
La obra en vez de dividirse en cuatro actos, la presentan en dos actos de dos cuadros cada uno. Me llamó la atención que no tienen marcadas pausas para agradecer en las variaciones. Los momentos de saludos son entre los personajes, no hacia el público. Esto no impide que el público, como siempre, aplauda en momentos inoportunos. Las pausas, los silencios, están en la partitura por algo, no para que se aplauda en cada silencio presente.
El Palacio era de los recintos que tenían una política más estricta respecto al uso de cámaras. Desafortunadamente ya no se controla y mucha gente estuvo grabando y tomando fotografías durante la función, siendo notorio que lo hacían en las partes famosas mediáticamente, como en la danza de los cuatros cisnes, no así en el pas de deux de Odile con los 32 fouettés.
Con la salida de Lago en Chapultepec y La Bella Durmiente en el Castillo, solo ha quedado de manera regular El Cascanueces en el Auditorio Nacional, edificio que me parece muy malo para ballet. Me dio mucho gusto finalmente ver Lago de los Cisnes en el Palacio de Bellas Artes. Espero que pronto se considere tener temporada de manera regular en dicho recinto.
Lago de los Cisnes. Coreografía: Cuauhtémoc Nájera sobre originales de petipa e Ivanov. Música: Piotr Ilich Chaikovski. Dirección de orquesta: Gavriel Heine.
Opus 11 está por concluir su temporada de Le Quattro Stagioni (Las Cuatro Estaciones) de Vivladi. Se trata aproximadamente de 21 funciones repartidas en poco más de un mes en La Capilla Gótica del Centro Cultual Helénico. Cada presentación dura dos horas.
Un grupo de aproximadamente 11 músicos interpretan la emblemática obra de Vivaldi, con comentarios de Juan Arturo Brenan y breves explicaciones de algunos instrumentos con una pieza solista de dicho instrumento.
Lo que no me gustó:
La temporada no ha sido en los mismos días cada semana. El acceso es lento ya que los asientos no están numerados cada uno, el público estaba adivinando cuál sección era qué. Hay poco personal para acomodar y ellos mismos constantemente cuentan las butacas por falta de numeración (ese asiento es el 10 … 11,12,13,14, el suyo es el 15 de ahí) La numeración la tienen al revés de como se ve en el mapa de compra (Compré extrema derecha y quedé en extrema izquierda) Los boletos solo pueden adquirirse en Boletia, al precio que se está viendo inicialmente, hay que sumarle casi 20% de cargos. Los nombres de las secciones son engañosos, como llamarle Mezzanine o Palco a asientos que están al mismo nivel que las filas de adelante.
Lo que más me desagrada: Estoy viendo que, para la última semana de la temporada, los precios base aumentaron más de 20%.
Lo que me hubiera gustado: Programas de mano, aunque sea QR.
Lo que me gustó:
El evento es muy ameno. La compañía trata de recrear Las Cuatro Estaciones como debió sonar originalmente, con un grupo pequeño de cuerdas y no con una orquesta sinfónica completa como estamos acostumbrados hoy en día. Más un concierto de cámara.
La compañía trata de ilustrar al público y para ello se da una introducción a la obra. Toda la vida pensé en Las Cuatro Estaciones como una sola obra de cuatro movimientos, cuando en realidad son cuatro conciertos de tres movimientos cada uno. Juan Arturo Brenan es el encargado de dar datos históricos antes de cada uno de los conciertos, es decir, antes de cada una de las estaciones. Se hace saber a la audiencia que la obra va acompañada de sonetos indicados en lugares muy precisos de la partitura, por lo que es una obra programática con elementos narrativos.
Se interpretan pequeños fragmentos para que podamos identificar pasajes de los sonetos: el cucú, el pastor dormido con su perro al lado, la tormenta con granizo, la cacería, el resbalar en el hielo, entre otros.
También, entre cada concierto, un integrante de la agrupación explica alguno de los instrumentos no tan conocidos: laúd, viola da gamba y clavecín.
El recinto, al ser una capilla le da un toque especial al concierto. Por las mismas características del lugar comprendo que no se puede hacer mucho escalonamiento en los asientos, por lo que, para dar una mejor visibilidad a toda la audiencia, el escenario es en el centro, los músicos tocan en círculo, por lo tanto les estamos viendo la espalda. No es propiamente un concierto para ver, sino para escuchar.
Recomiendo mucho el evento, pero no como para pagar un precio inflado este fin de semana. Me parece mala práctica aumentar de precio confiando en la demanda que puede causar el fin de temporada. Es muy probable que el próximo año haya más presentaciones por el 500° aniversario de la publicación de la partitura.
Del 1 al 9 de noviembre, Cielo Azul Circo presenta Mictlán, en el Foro Cultural Coyoacanense Hugo Argüelles. Se trata de una obra de música, danza, circo y teatro que muestra elementos tradicionales de día de muertos y de la mitología que lo rodea, como el xoloitzcuintle, colibríes, las calaveras, ofrendas y cempasúchil.
Con 13 artistas en escena y 5 músicos, la obra muestra el recorrido de una artista aérea que muere en una función, en su paso hacia el Mictlán.
La función incluye diversos actos circenses como números aéreos en telas, aro, estructuras en forma de luna y espiral, cintas, malabares de contacto y tradicionales, pulsadas, acrobacia de piso, equilibrio en manos, contorsión, suspensión capilar, antipodismo, aro hula y rueda Cyr. Las presentaciones son complementadas con elementos de danza y teatro, así como con música en vivo con letras que de una u otra manera se relacionan con el acto realizado.
A lo largo del montaje, el maestro de ceremonias alegra el ambiente con ocurrencias, bailes y acrobacias al ritmo de “yo no soy jaranero, soy un cenzontle, yo soy maromero”. El número de telas se acompaña con letra alusiva al cabello por la espalda, su sonrisa y sus ojos, mientras la ejecutante realza con gestos la letra. De igual forma, el acto en el que un xoloitzcuintle hace acrobacias en la luna, va con una mezcla de “deja que salga la luna” y “luz de luna”. Así mismo, al mencionar “llorona de azul celeste” señalan el respectivo vestuario con ese color. En resumen, las letras estás muy bien elegidas para unirse a los actos realizados.
Los números están muy bien preparados, aunque algunas transiciones las siento un tanto bajas de energía, refiriéndome a la corporalidad.
Hubo actos con elementos o variaciones que nunca había visto, como la rueda Cyr que es usada como aro hula o en conjunto con un espectador. Nunca había visto una suspensión capilar doble y los movimientos de aro aéreo me sorprendieron por la fuerza, relacioné más el tipo de movimientos con trapecio. Por alguna razón las cintas aéreas no son muy de mi agrado, en esta ocasión me gustaron por la fuerza del número y la manera en que hicieron la introducción del acto.
Es un espectáculo que vale mucho la pena, la presentación a la que asistí fue la primera de la temporada, estuvo casi llena la sala. Se están dando dos funciones diarias, lo cual no es cualquier cosa. Muy recomendable. Lo único malo es que no hay programa de mano ni en QR, por lo que no sé los nombres de los artistas.
Como parte de los eventos especiales en el marco del eclipse total de sol, el Séptimo Concierto de la Temporada Primavera Verano 2024 de la Camerata de Coahuila fue Star Wars Sinfónico, realizado el 7 y 8 de abril en el Teatro Isauro Martínez de la ciudad de Torreón.
Recuerdo haber entrado siendo muy pequeño a dicho teatro, pero no recuerdo nada de su arquitectura. En esta ocasión quería conocer el interior y encontré funciones precisamente esos días. Se dice que el Isauro Martínez tiene arquitectura morisca, aunque sus decorados me parecen más de la India.
Quedé sorprendido por la belleza del teatro, es de los inmuebles a la antigua, con un vestíbulo pequeño y una sala donde seguramente no hay un mal lugar.
El programa fue formado por 9 temas cubriendo películas como Una nueva esperanza, El Imperio contraataca, El regreso del Jedi, La amenaza fantasma y El ataque de los clones, siendo mayoría las piezas que pertenecen a la trilogía original.
Durante el concierto, una pantalla gigante atrás de los músicos mostraba escenas en bucle alusivas al tema interpretado. No me gustó la pantalla, en general me resultaba molesto el brillo.
Las favoritas del público fueron el Tema principal de Star Wars y particularment La Marcha Imperial que opacó a cualquier otra pieza. También me gustaron The Flag Parade y Throne Room & End Title, que cerraba el programa, casi como ver los créditos de la película.
Como encore ofrecieron el Tema de la Cantina de Mos Eisley, pieza que no puede faltar en este tipo de eventos y una vez más La Marcha Imperial, lo que demuestra que en definitiva es la favorita del público.
La función se me hizo corta e incluyó un intermedio que creo no era necesario.
Durante el acceso, en el vestíbulo hubo grandes carteles con decorados de la película y personajes fotografiándose con los asistentes. La ventaja de llegar temprano es que no había fila. Poco después era una cola larga.
El ambiente fue muy festivo, la gente contenta con el programa. Asistí a la función del lunes 8, es decir el día del eclipse ya habiendo pasado el mismo. Una buena forma de finalizar un día tan especial.
Durante 5 martes de noviembre y diciembre de 2023, Marionetitlán tuvo temporada de la parte final de la historia de Peer Gynt de Henrik Ibsen, con música de Edward Grieg interpretada en vivo. Las funciones se llevaron a cabo en el Teatro La Capilla y fue el estreno de esta segunda parte.
La primer parte nos dejó en un punto en el que muere la madre de Peer, él ha sido expulsado de su pueblo de origen por la justicia y se ha ganado la enemistad del Rey de la Montaña tras aceptar casarse con su hija y luego despreciarla por los sacrificios que debe hacer. Peer Gynt de regreso narra las aventuras del protagonista muchos años después, en su madurez. En la primer parte, el mismo Ibsen, representado por un títere tamaño persona, nos explica al público actual que la obra fue muy larga aún para la época (6 horas) y para hacerla más llevadera hoy en día, narrará algunas escenas y se dividirá en dos partes. En Peer Gynt de regreso, Ibsen da el resumen de la primer parte y cuenta parte de las aventuras y malas acciones del protagonista en los últimos años, lo que nos deja listos para la conclusión.
Peer se encuentra con el fundidor, quien quiere fundir su alma cual metal, es un concepto existencial que trataré de explicar: algo así como que un alma tan manchada y defectuosa que no merece ni el cielo ni el infierno debe ser fundida como moneda gastada o con errores. Es el caso de Peer. Sin embargo, al fundirse su alma, dejará de existir ¿es preferible el infierno pero seguir siendo él? Que su alma, que es lo que lo define ¿exista por toda la eternidad aunque sea en el infierno? ¿Tiene que comprobar que siempre fue un bribón hecho y derecho para obtener la salvación? ¿Qué es la salvación y cómo llega?
No daré más detalles para no revelar el final. Peer Gynt es una obra que puede resultar densa, triste, divertida y que hace reflexionar, todo a la vez. Esta es la primera vez que se presenta en México con marionetas, teniendo el extra de música en vivo.
La función a la que asistí fue la del cierre de temporada el 12 de diciembre. Al finalizar, la directora Gabriela Kraemer invitó a tomarse fotos con las marionetas y saludarlas, comentando que en el proceso de elaboración, considera que las manos han quedado bien cuando uno puede sostenérselas de modo que se ajuste a un apretón de manos. Pude comprobarlo, y de esta forma saludé de mano entre otros al mismo diablo.
Espero que pronto regresen a otros espacios con ambas partes de Peer Gynt y que más público siga disfrutando de esta puesta en escena. Por mientras, Peer Gynt de regreso, estará el 18, 19 y 20 de enero en el Museo de la Ciudad de Querétaro.
Peer Gynt de regreso Dramaturgi: Henrik Ibsen. Música: Edward Grieg. Dirección y adaptación para marionetas: Gabriela Kraemer Marionetistas: Samir Alejandro Camarena Domínguez, Isabel Aguilar, Marco Antonio Torres Muñoz, Israel Hernández Román. Músicos: Yunuen Xolotzin Flores, Itzel Alejandra Rovira Sánchez, Aarón Menes Ramírez, Isela Amacali del Ángel Vega. Duración aproximada 2 horas.
El cierre de la Segunda Temporada de la Orquesta Sinfónica Nacional fue el 8 y 10 de diciembre en el Palacio de Bellas Artes con el tradicional Concierto Navideño. La reseña corresponde a la función del día 10, fecha en que se retiró uno de los violinistas después de 30 años en la institución. Un pequeño homenaje se llevó a cabo previo a la función, donde se le dedicaron palabras y la orquesta interpretó Las golondrinas.
El programa consistió en la Obertura de la ópera Hansel y Gretel de Engelbert Humperdink, Paseo en Trineo de Leroy Anderson, Troika de Sergei Prokofiev, Suite del Cascanueces, versión de Ellington y StrayHorn sobre la original de Chaikovski, Suite de villancicos de Eduardo Hernández Moncada y Selección de Villancicos Internacionales.
El programa fue corto, planeado para 60 minutos sin intermedio, se alargó un poco por el homenaje y el encore.
Paseo en Trineo, Troika y los villancicos fue lo que más disfruté. La separación entre la suite de Eduardo Hernández y los villancicos internacionales no fue clara. Lo que menos me gustó fue la Suite de Cascanueces a ritmo de jazz, en varios momentos no se parecía a la original. Prefiero una instrumentación clásica.
Entre los villancicos interpretados estuvieron: Noche de Paz, Pequeño pueblo de Belén, Oh, árbol de Navidad, Dios les dé una feliz paz, Cántico de Navidad, Cántico de las campanas y Las posadas. Este listado corresponde a la Suite de villancicos. El número listado como Selección de Villancicos Internacionales no se detalla en el programa, aunque recuerdo Señora Santana, que más que villancico es canción de cuna. Los villancicos me trajeron recuedos cuando de niño oíamos en Navidad dichos cantos en discos LP, este año decidí desenterrar algunos para oirlos de nuevo, con ese gis caractéristico en el audio.
Como encore se ofreció Aleluya del Oratorio del Mesías.
El concierto estuvo a cargo de Ludwig Carrasco en la Dirección Artística de la Orquesta, David Arontes, Director Coral. Gilberto Amaro, tenor y Coro del Conservatorio Nacional de Música.
La salida del inmueble fue por las escaleras traseras del recinto, se me hizo raro, pues faltaban horas para la siguiente función en el inmueble, al menos sirvió para conocer otra parte del Palacio. El tenor Gilberto Amaro atravesó el pasillo de las escaleras y aprovechó para agradecer a los asistentes. Se llevó la simpatía del público.
Como ha sucedido en otras funciones: el público se comportó como en festival escolar, fotografiando y filmando el concierto sin importar que esté prohibido. Gritos de “mucho Fulano”, “arriba mi hijo” y cosas por estilo. Sé que es un gran logro que sus hijos canten en el Palacio de Bellas Artes pero no es un festival escolar. Al ser un programa corto no hubo intermedio, a pesar de estipularse “una vez iniciado no hay acceso” la gente continuó entrando bastante avanzada la función. De igual forma saliendo y regresando del baño. Cual festival escolar.
Los pasados días 27 y 29 de octubre, la Orquesta Sinfónica Nacional presentó la Novena Sinfonía de Beethoven.
El programa inició con Ceiba de Luz y Sombra, de Javier Álvarez (en memoria) concierto para fagot y orquesta creado en 2012 y estrenado en 2013. La fagotista que tocó por primera vez la obra y a quien fue dedicada la partitura es Wendy Holdaway, quien interpretó la pieza en esta temporada a la memoria del maestro Álvarez.
La obra en general no me gustó, el estilo me recuerda a Stravinsky, quien no me gusta. El trabajo del fagot es impresionante, no soy experto en música, pero me parece que no hay muchas obras con grandes solos para dicho instrumento.
Tras un intermedio, el plato fuerte del programa es la Novena Sinfonía “Coral” popularmente conocida por el cuarto movimiento que lleva la Oda o Himno a la Alegría.
Es la primera vez que oigo la Sinfonía en vivo, solo la conocía en grabaciones, de momentos sentía rara la instrumentación, pero puede ser porque estoy acostumbrado a una grabación donde los micrófonos y mezclas difieren de algo interpretado en vivo. Hubo momentos que me hicieron estremecer, aunque no tanto como lo imaginaba.
Al ser una obra muy popular, cuando se presenta los boletos suelen agotarse desde semanas antes. Recuerdo cuando era niño, mi papá quería comprar y no había localidades, de inmediato en la explanada de Bellas Artes se acercaron los revendedores a ofrecer a sobreprecio. Mi papá se fue muy enojado y no quiso hacerles el juego. Muchos años después, finalmente pude asistir a ver la obra, desafortunadamente, por motivos de salud, sin la compañía de mi papá.
Como siempre, me llama la atención que el público de Bellas Artes no sabe que no se aplaude hasta que termine la obra. Hubo aplausos al finalizar los dos primeros movimientos. Al terminar el tercero quedé sorprendido de que nadie aplaudió, un movimiento del director parecía indicar el silencio no solo a la orquesta, sino también al público. Fue bastante efectivo. Al finalizar el cuarto movimiento se llevaron la ovación que merecían.
La función a la que asistí fue la del viernes 27. La del domingo 29 fue transmitida en Radio Educación, sin querer mi papá la encontró cuando estaba comenzando la Sinfonía, por lo que la emisión radiofónica pudimos disfrutarla juntos. Efectivamente, fue diferente oírla en radio, no es lo mismo que en vivo, la forma en que están colocados los micrófonos influye. Nuevamente se oyeron aplausos donde no deberían e incluso “shhh” pidiendo silencio.
Como nota al margen: el viernes 27 la llegada al recinto fue un poco difícil, había mucho tráfico en la zona por las festividades en el Templo de San Hipólito. Al escribir la reseña, el 4 de noviembre, me entero que varios conocidos no pudieron llegar a la función de CEPRODAC con 4 Miradas de Inez debido al desfile de muertos que dejó inaccesible al Palacio, incluso sin metro. Solo queda ir cada vez más y más temprano y prevenirse por todo tipo de eventualidades y festejos que suceden en esta ciudad.
Orquesta Sinfónica Nacional, Segunda Temporada Ceiba de Luz y Sombra (Javier Álvarez), Sinfonía núm. 9 en Re menor, op 125 Coral (Beethoven) Ludwig Carrasco, director artístico Wendy Holdaway, fagot Coro de Madrigalistas de Bellas Artes Carlos Aransay, director Coro del Teatro de Bellas Artes Rodrigo Elorduy, director huésped Solistas: (27 de noviembre) Lucía Salas, Frida Portillo, Álvaro Anzaldo, Jehú Sánchez. (29 de noviembre) Akemi Endo, Rosa Muñóz, Josué Hernández, José Luis Reynoso Duración aproximada: 1:30 horas
En noviembre de 1991 Freddie Mercury fallecía. Un año después, en noviembre de 1992, Jorge Donn también moría. Ambos por complicaciones a causa del SIDA. En 1996, Maurice Béjart estrenó Ballet for Life, como un homenaje a la vida y talentos de Mercury y Donn (que fuera bailarín principal en la compañía de Béjart) A finales de junio, como parte del ciclo Béjart Ballet at Home, la compañía tuvo la obra un par de días en streaming junto con un documental de su realización. También se encuentra disponible a la venta en Blu-Ray y DVD.
La obra incluye música de Queen y Mozart. Reconozco que no soy seguidor de Queen, no estoy familiarizado con sus canciones, letras ni videos. Ballet for Life se me hizo un poco pesado para ver, sin embargo, me doy cuenta que al no conocer a Queen me perdí mucho del encanto de la obra. El público se nota muy emocionado y aplaude como si estuvieran viendo a Queen en un concierto. Posteriormente al ver algunos videos de la agrupación, noté que parte de la escenografía, utilería y coreografía hacía referencia a ellos. Incluso el público sabe en que momento de las canciones acompañar con las palmas según es costumbre en ciertos temas.
Durante el documental se menciona que los bailarines interpretan las letras, las sienten y en los movimientos hay algo de ellas. El ballet termina con la canción The show must go on mientras los bailarines van levantándose después de estar acostados cubiertos con sábanas. Durante la canción van agradeciendo.
Uno de los momentos que mas me gustó, no por “bonito”, sino por lo que hace sentir, es cuando se ven dos personas en camillas desplazadas por el escenario. Una escena triste. En el contexto en que fue creada la obra seguramente es referencia a los hospitalizados por SIDA. La música de Mozart, Concierto de piano 21 “Elvira Madigan”, también ha sido usada por José Rivera en la obra Bailemos a Mozart por los ángeles que se han ido, que de igual manera es un homenaje a quienes han muerto de SIDA. Esta escena de las camillas, donde la pareja interactúa en una especie de pas de deux, el día de hoy, en medio de la pandemia de COVID-19, cobra otro significado y a la vez es el mismo que cuando fue creado.
Ballet for Life es una colaboración entre tres grandes instituciones: Béjart Ballet Laussane, Queen y Gianni Versace quien diseñó el vestuario. En el documental se ve además que, si no me equivoco, durante el estreno, al finalizar la obra se levantó el telón de fondo dejando ver a los músicos de Queen interpretando The show must go on con Elton John cantando. Así que logró reunir a cuatro instituciones. Algo de ese tamaño seguro requirió un gran esfuerzo y solo Béjart podía haberlo logrado.
Ballet for life Coreografía: Maurice Béjart Música: Queen, Mozart Vestuario: Gianni Versace Duración aproximada: 1:20 horas y 58 minutos documental.
En 1976 Phillip Glass y Robert Wilson estrenaron en el Festival de Avignon la ópera Einstein on the beach, la cual dura aproximadamente 5 horas sin intermedios y el público puede salir y entrar de la sala según lo necesite.
En 2019 una nueva producción de la obra se hizo en conjunto entre el Grand Théâtre de Genève y la Compagnia Finzi Pasca, con una duración de 4 horas. La ópera estuvo disponible en streaming en el sitio del teatro del 14 al 19 de abril de 2020.
En el programa de mano, que también estuvo disponible en el sitio, el compositor Phillip Glass indica que buscó «la integración de la música rítmica, armónica y cíclica en un sistema coherente» y agrega que transmite «La idea de una energía que no se puede parar».
La música a mi gusto es disonante. El coro canta números y nombres de notas musicales. Escuchar cantar la-re-la-re-la-re por 4 horas no es lo que prefiero para un espectáculo. La música me recordó la de John Cage. Se utilizan diferentes calificativos para describirlos pero frecuentemente para ambos se usa «minimalista» y «experimental».
Los integrantes de la Compagnia Finzi Pasca, que son quienes están en escena, tienen esporádicamente textos inconexos entre ellos. No se siente un argumento. Daniele Finzi Pazca indica que es una obra surrealista y ha plasmado sus sueños. Es una excelente descripción. Bastante surrealista, y como los sueños, no parece tener sentido una escena con la siguiente.
Visualmente hay gente moviendo libros en la oficina de Eisntein, personas jugando en la playa, sirenas flotando en el aire, bicicletas volando, un caballo entre la niebla, espejos, muchas lámparas, juegos de sombras. Por momentos los números me recuerdan a Donka, incluso un vestuario y las referencias a los zapatos de ese vestuario son muy claros de dicha obra.
Precisamente las cosas que no me gustaron son por las que Einstein on the beach es reconocida. Se menciona esta obra como una muestra de lo que cambiante que es la ópera, marca nuevos rumbos. El hecho de no tener un argumento como tal y mostrar «la historia» en la parte visual y no en la letra. Como decía, la letra cantada son números y nombres de notas musicales. Hace referencia a las matemáticas y «esa energía que no puede parar» nos remite a la física de Eisntein.
De vanguardia hace 40 años sigue siendo algo extraño para verse. No es para mí.
Einstein on the beach Ópera de Phillip Glass y Robert Wilson Einstein-Ensemble: Orquesta y Coro compuesto por alumnos de la Alta Escuela de Música de Genève Dirección Musical: Titus Engel En escena: Compagnia Finzi Pasca Dirección Escénica: Daniele Finzi Pasca Duración aproximada: 4:00 horas sin intermedio.
Por los Teatros 