#danza, #video, Ballet

Carmen (de Roland Petit)

Portada del DVD de Carmen con la Ópera de París. Se muestra con fines ilustrativos.

En 1949 por primera vez se hace una versión coreográfica de la ópera Carmen de Bizet. Roland Petit se toma libertades sobre el libreto y la música y en 5 escenas que suman aproximadamente 45 minutos narra la historia.

La acción inicia en una plaza donde Carmen pelea con otra mujer. Don José interviene y es como conoce a Carmen. En esta primer escena me llama la atención que la otra bailarina (personaje sin nombre) hace fouettés à la seconde que son más característicos de hombres y no es tan frecuente que las mujeres hagan.

Posteriormente están en una taberna donde se reúnen los amigos de Carmen, grupos de bandidos y rufianes. Don José se lleva a Carmen y tienen un dueto con mucho romanticismo.

Los amigos de Carmen irrumpen, están planeando un robo y Don José participará con ellos, le entregan un puñal para la tarea. Salen de noche a la calle y a un lado de una enorme carreta Don José mata al mensajero al que le roban la valija.

En la escena final, el torero Escamillo llega al pueblo, todos están muy emocionados por la corrida que comenzará en un momento. Hay coqueteos de Carmen con el torero y Don José se ve celoso. Escamillo, a diferencia de otras versiones no es el guapo Don Juan, mas bien parece un payaso presuntuoso, no solo en actitud sino vestuario y maquillaje me recuerdan a un payaso.

Todos entran a la plaza. Don José encara a Carmen y tras una escena de pelea montada muy bien con pasos y estética de ballet Don José la apuñala. La música de tambores crea una intensidad única durante la secuencia.

Carmen muere a los pies de Don José mientras salen sombreros de la plaza de toros. El pueblo, ajeno a lo que acaba de suceder, celebra a Escamillo. En la escenografía hay máscaras simulando el público en la plaza de toros. Al momento de la muerte de Carmen las máscaras parecen ser mudos testigos del crimen.

Es un ballet con mucha intensidad que entrelaza estéticas de ballet y de danzas españolas, transmite muy bien el ambiente. Haciendo una inevitable comparación con Carmen Suite, que es más conocida, la versión de Roland Petit es mas luminosa, colorida y terrenal, menos abstracta y las cosas suceden no por intervención del destino, sino porque así se van desarrollando los hechos.

La primera vez que vi esta obra fue aproximadamente hace 12 años, en una grabación de 1981 donde bailan Zizi Jeanmaire y Mikhai Baryshnikov, distribuida por Kultur. Jeanmaire fue quien estrenó la obra en 1949 al lado de Petit. Para la presente reseña vi la grabación con Clairemarie Osta y Nicolas Le Riche, en la Ópera de París, grabada en 2010 y distribuida por Arthaus Musik.

Tanto Osta como Le Riche tienen mucha fuerza en sus personajes. Como he mencionado antes Le Riche es señalado como uno de los bailarines favoritos de Petit en los últimos años de su vida. La bailarina del personaje sin nombre (tradicionalmente pensaría en Frasquita, amiga de Carmen) también me gustó mucho, tanto en su técnica como en interpretación.

Coreografía: Roland Petit
Sobre la historia de: Prosper Merimée
Música: Georges Bizet
Carmen: Clairemarie Osta
Don José: Nicolas Le Riche
Duración aproximada: 45 minutos

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Bhakti

Escena del tercer acto de Bhakti. Se muestra con fines ilustrativos.

La obra Bhakti fue creada por Maurice Béjart en 1968 y puesta en video en 1969 en formato película, grabada en estudio, no en un teatro con público y con escenas que no son parte de la obra de danza. La música es tradicional de la India, el vestuario es de Germinal Casado quien también bailó. Bhakti es sobre el amor, la adoración, un ritual hacia la divinidad, que de cierta forma es uno mismo. Se presentan 3 divinidades de la India y sus historias de amor.

La presente reseña corresponde a la película de 1969 con el Ballet du XXe Siècle

El primer acto es la historia de Rama y Sita, el amor fiel. Paolo Bortoluzzi interpreta a Rama, mientras que Hitomi Asakawa da vida a Sita. La danza se intercala con escenas en donde la pareja está en un café. La imagen es de una pareja estable, enamorada y contenta. El solo de Bortoluzzi hacia el final de este acto es impresionante.

La segunda parte es Krishna y Rhada, el amor humano y frívolo. Vemos un grupo de amigas platicando, leen sobre los dioses de la India, da la sensación de que se preparan a salir y leen horóscopos. Por otro lado vemos a un solitario joven escuchando música, pensativo, que finalmente se decide a llamar a una de las chicas. Jorge Donn interpreta a Krishna y Tania Bari a Radha. Donn fue de los bailarines más representativos de la época, estrella del Ballet du XXe Siècle y la grabación es una oportunidad para verlo. Resalta el baile en pareja que tiene con Bari. Cada tanto toca una flauta, según el texto introductorio es una especie de hechizo. Vemos a la pareja bien, se ven a gusto, pero parecen caer en la rutina y en el distanciamiento, aunque están frente a frente. Al cierre del acto al tocar la flauta otras bailarinas van saliendo de escena con mirada atenta. Acaso Krishna olvidó a Rhada y busca nueva compañía.

La parte final es Shiva y Shakti, el amor divino. Los intérpretes son Germinal Casado y Maïna Gielgud. Un dueto con mucha fuerza y flexibilidad por parte de los ejecutantes. Béjart indica que Shiva es dios de la destrucción, dios de la danza, su esposa, Shakti, no es otra que su energía vital que emana de él y retorna a él. Justo eso es lo que se ve, fuerza, energía que comparten. Este fragmento ha sido remontado por el Béjart Ballet Lausanne con el nombre Bhakti III.

Los 3 actos me llaman particularmente la atención por la manera en que incluyen movimientos de danza clásica que se modifican para tomar una estética de la India. En varios momentos la repetición y cadencia recuerdan Bolero (música de Ravel y coreografía de Béjart) Las 3 parejas entrelazan sus cuerpos y forman imágenes que claramente recuerdan a las estatuas hindúes, con las manos y brazos en ángulos característicos.

No son de mi gusto las partes adicionales a la danza, las escenas de introducción y cierre donde vemos a los 3 bailarines corriendo por una plaza, repitiendo movimientos, o los cambios de color que hay mientras bailan.

Es raro cómo se intercalan las imágenes de las parejas citadinas con ellos mismos interpretando a los dioses, pero ayuda a entender el concepto de las historias.

Tania Bari, Germinal Casado, Paolo Bortoluzzi y Jorge Donn son nombres muy relacionados al trabajo de Maurice Béjart. Bailarines característicos de sus obras. Bhakti fue hecho para ellos. Los 3 bailarines ya fallecieron, las 3 bailarinas todavía viven siendo de edad avanzada, por lo que esta grabación, a 50 años, es una verdadera joya, una ventana al pasado y a la época de esplendor del Ballet du XXe Siècle así como al trabajo de Béjart interpretado por los ejecutantes originales.

En Por los Teatros está disponible la reseña a la grabación de la Novena Sinfonía, también de Béjart.

Dirigido por Maurice Béjart.
Producción de Artium Summa.
Duración aproximada: 1:20.
Disponible en streaming en Medici.tv

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Le jeune homme et la mort

Portada de Le jeune homme et la mort. Se muestra con fines ilustrativos.

Le jeune homme et la mort (el hombre joven y la muerte) es un ballet creado por Roland Petit en 1946, la trama recuerda en cierta forma a Le rendez-vous, que la antecedió un año. El argumento es de Jean Cocteau, escenografía de Georges Wakhévitch y música de Bach.

El ballet inicia con el hombre joven acostado descuidadamente en su cama en algún ático de París. Hay una pintura colgada en la pared. Consiste solo en líneas, lo que me hace preguntarme si es decoración de su vivienda o si él es el artista que la pintó (época de arte abstracto) Fuma. Se ve perdido en sus pensamientos, no está a gusto, algo lo come desde dentro. Se levanta, corre, hace saltos a velocidades increíbles.

Una joven de amarillo entra a la habitación. Lo seduce pero al mismo tiempo es muy fría con él, parece querer atraerlo pero no tiene realmente interés en él. El hombre joven resiente el desdén. Hay momentos en que pareciera que él no está interesado en ella y hay momentos en que se nota muy lastimado por la frialdad de la muchacha.

Hay pasos con mucha fuerza, casi todo el tiempo el hombre hace saltos y giros a velocidades vertiginosas, se necesita mucha agilidad para esos pasos. Se para sobre los hombros, todo el tiempo atormentado.

La muchacha encuentra la respuesta: gira la cabeza del hombre que se sienta rendido, lo obliga a ver una viga en el ático donde ella acaba de amarrar una cuerda formando una horca. La chica sale corriendo dejando al joven solo. Él se coloca la cuerda y se ahorca.

La habitación se convierte en una azotea, entra la muerte con vestido blanco y máscara de calavera, la cual la pasa al hombre que ha bajado de la horca. Le indica el camino y comienzan a retirarse sobre los tejados. La muerte es la misma mujer que lo seducía.

En la sinopsis se indica que la mujer de quien el hombre está enamorado lo lleva al suicidio por la frialdad con que responde a sus lances mientras él está ardiendo por dentro. Yo veo otra cosa. A mi me parece un joven atormentado que es atraído pero al mismo tiempo hay una resistencia hacia la muerte: Para mi la muchacha todo el tiempo es la muerte, no un humano que lo lleva a la muerte, si no la muerte misma que viene con un claro propósito. Algo así como el Destino de Le rendez-vous.

Se dice que cuando la obra fue estrenada se ensayó con una música y en la función se utilizó otra, de tal forma los bailarines estuvieron con una incomodidad por no saber que pasaba. Así estaba planeado.

Para esta reseña se vio la grabación de la Ópera de París de 2005 con Marie-Agnès Gillot y Nicolas Le Riche (quien baila en la versión de Le rendez-vous revisada aquí la semana pasada) La grabación es de Telemondis y Art Haus. En disco viene junto con Carmen también de Petit, que es la primer versión coreografiada de dicha historia. Está también disponible en streaming en medici.tv

La película White Nights comienza con un extracto de la obra interpretada por Mikhail Baryshnikov y Florence Faure.

Coreografía: Roland Petit
Argumento: Jean Cocteau
Escenografía: Georges Wakhévitch
Música: Bach.
El hombre joven: Nicolas Le Riche
La muerte: Marie-Agnès Gillot
Duración aproximada: 19 minutos

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Le rendez-vous

Escena de Le Rendez-Vous. Imagen tomada de medici.tv con fines ilustrativos.

Le Rendez-Vous (la cita) es un ballet corto hecho por Roland Petit en 1945 en lo que comienza a ser el París de la postguerra.

La música la hizo Joseph Kosma, quien realizara piezas para teatro de Brecht, cine y para poemas de varios autores, entre ellos Jaques Prévert de quien es el argumento de Le Rendez-Vous. El trabajo más conocido de Prévert puede ser Les Enfants du Paradise. Se menciona como la canción más conocida de Kosma, con letra de Prévert, a Les Feuilles Morts (las hojas muertas) El vestuario es de Mayo, quien pintaba y hacía decorados para cabarets y posteriormente vestuario para películas y teatro. La escenografía es de Brassaï, fotógrafo conocido por su trabajo sobre París. La escenografía consiste en grandes fotografías. Finalmente el telón de boca es realización de Pablo Picasso. Una época en la que artistas de varias disciplinas colaboraban en trabajos comunes.

La presente reseña es sobre la grabación del Ballet de la Ópera de París realizada en 2010.

Vemos varias parejas salir de un salón de baile. Se abrazan y bailan por la calle. Un jorobado (Hugo Vigliotti) pasea entre ellos y es víctima de sus bromas y burlas. Una chica de sonrisa maravillosa reparte flores. Pasa una pareja de jóvenes que bailan muy enamorados, son realmente tiernos de ver. Al poco rato llega ensimismado el protagonista de la obra, quien recibe el nombre de el hombre joven (Nicolas Le Riche). Después de ver a la pareja de jóvenes, el nombre parece un chiste. El hombre joven deambula, pasa un borracho repartiendo papeles (el argumento indica que son horóscopos, aunque no es tan claro en la obra) Cuando el hombre joven lee el papel que se le entrega, decae y hace gesto de muerte sobre su cuello.

El jorobado trata de animarlo, se hace una amistad entre ellos. Toda la gente se va y ellos bailan. El hombre joven se ve aliviado hasta que llega el destino (Michael Denard), vistiendo frac y gorguera de payaso. Una especie de payaso macabro que le trae de nuevo la tristeza. Al ser la personificación del destino insiste en la muerte anunciada en el panfleto. El hombre joven parece resistir, pero el destino le deja una navaja en el bolsillo por si acaso.

El hombre joven tiene una cita con el personaje conocido como la chica más bella en el mundo (Isabelle Ciarabola) quien ostenta totalmente la imagen de mujer fatal. Tienen un pas de deux donde Ciarabola muestra sus increíbles líneas de brazos y piernas. Se ve raro una bailarina con zapatos de tacón pero no se pierde la forma del empeine.

Después de bailar, la chica más bella en el mundo toma la navaja del bolsillo del hombre joven y le corta la garganta, cumpliendo lo que anunciaba el horóscopo y el destino.

Todos lo bailarines resaltan. Vigliotti como el jorobado desempeña muy bien su papel así como los pasos alterados para la fisonomía del personaje. Le Riche es mencionado como uno de los bailarines favoritos del coreógrafo Petit, quien murió al siguiente año de esta grabación. Le Riche y Ciarabola bailando juntos tienen una fuerza excepcional. La pareja de jóvenes, que no reciben créditos, me llama mucho la atención por la calidad de la interpretación donde en verdad se ve reflejado el amor juvenil.

La música es triste y hermosa a la vez, al principio de la obra se tiene un acordeonista y un cantante en escena paseando por la calle, lo que da un toque más melancólico.

Al ver la obra recuerdo por el tema, la estética y la trama a Le Jeune Homme et la Mort (El Hombre Joven y la Muerte) del mismo Petit. Al investigar las fechas, Le Jeune Homme fue estrenada un año después que Le Rendez-Vous, por lo que pudiera tratarse de una variación sobre el mismo argumento.

La imagen del payaso siniestro / destino que pretende empujar al protagonista a la muerte me hace recordar la obra Libre Albedrío de Briseida Hernández, montada en 2006 para el concurso interno de coreografía del hoy desaparecido Ballet Independiente (México) y remontada en 2007 para la escuela de la misma compañía.

La grabación está disponible en la plataforma de streaming medici.tv, no pude localizar información de la grabación en disco. Por las fechas de presentación, seguramente el programa completo consistió en Le Rendez-vous, Le Loup y Le Jeune Homme et la Mort.

En próxima entrega hablaré de Le Jeune Homme et la Mort.

Le rendez-vous
Coreografía: Roland Petit, 1945
Argumento: Jacques Prévert
Telón: Pablo Picasso
Escenografía: Brassaï
Vestuario: Mayo
Grabación de 2010 por Opéra National de Paris, Telmondis, Euro Media France, Mezzo.
La chica más bella en el mundo: Isabelle Ciaravola
El hombre joven: Nicolas Le Riche
Destino: Michael Denard
Jorobado: Hugo Vigliotti
Cantante: Pascal Aubin
Duración aproximada: 26 minutos

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Carmen Suite / Petrushka

Carmen Suite y Petrushka. Ballet Bolshoi. Póster se muestra con fines informativos.

El pasado 9 de junio finalizó para México la temporada 2018-2019 del Ballet Bolshoi en cines, presentando un programa doble: Suite Carmen y Petrushka, que fueron grabadas en la función del 19 de mayo.

Como siempre, Katerina Novikova, jefe de prensa del Teatro Bolshoi, es la encargada de presentar las obras, dar una pequeña semblanza y hacer entrevistas. No deja de impresionar la fluidez con que habla en ruso, francés e inglés así como su amplia sonrisa y el gusto con que hace las presentaciones, se nota que realmente disfruta su trabajo.

En 1949, el ballet de Roland Petit baila por primera vez  la música de la ópera Carmen de Georges Bizet. En 1964 Maya Plisetskaya pide a Dmitri Shostakóvich que componga una pieza para el ballet que tiene en mente, modificando la partitura de Bizet, a lo que Shostakóvich se niega. Posteriormente hay pláticas con Aram Khachaturian pero no se concreta nada, por lo que Rodion Schedrin, esposo de Plisetskaya, compone la música. Alberto Alonso se encarga de coreografiar y la Suite Carmen se estrena en el Teatro Bolshoi en 1967. Se hace otra versión con el solo de Carmen diferente para que lo baile Alicia Alonso.

La versión de Plisetskaya se usó durante 20 años en el Bolshoi y dejó de presentarse cuando Maya dejó de bailar el papel. La versión que se presenta en esta grabación es la que bailaba Alicia Alonso y se remontó especialmente para que la interprete Svetlana Zakharova quien es la única persona que actualmente la baila.

Se presenta un breve video mostrando a Maya Plisetskaya en el papel. Mandan saludos a Alicia Alonso quien vive en Suiza y tiene 95 años.

La obra dura aproximadamente 50 minutos, lo que es breve en comparación con la original de Bizet. Carmen enamora al militar Don José y al torero Escamillo, teniendo danzas tanto seductoras como despectivas. La escenografía remite a un ruedo. El Destino, que asemeja a un toro, baila entre las parejas. Poco a poco el triángulo amoroso se va complicando, se va notando la tensión y los celos. El destino cobra fuerza. En la escena final Escamillo baila con el toro/destino, lo torea. Al mismo tiempo Don José y Carmen tienen una danza tensa. Don José mata a Carmen y vemos al destino caído pero no parece muerto, simplemente se cumplió su designio y descansa un poco. Literalmente agarraron al toro por los cuernos y para Carmen no tuvo buen desenlace.

La música y la danza son intensas, a pesar de la modificación de la original y la falta de las voces contagia la intensidad. El audio del cine ayuda también. Zakharova es una gran bailarina reconocida por su interpretación y técnica. Sus líneas durante el solo son impresionantes. Es la estrella de la noche, al finalizar, muy al estilo ruso, Zakharova y Denis Rodkin (Don José) son llamados al frente del telón en repetidas ocasiones. Por alguna razón ella se nota tensa durante los agradecimientos.

Durante el intermedio Novikova entrevista a Edward Clug, quien presenta su nueva versión de Petrushka. Con música de Igor Stravisnky, la coreografía original de Mikhail Fokine se estrenó en 1911 teniendo en el papel principal a Vaslav Nijinsky. Para leer más sobre Nijinsky puedes visitar el post Nijinsky (de John Neumeier)

Clug indica que él estaba más asustado que Petrushka. Al hacer la nueva versión no fue tanto el reto como lo estimulante, esta nueva coreografía enfatiza el folclor ruso y los bits de la música. La obra nació en París lejos de casa y ahora renace en Moscú. Añade que Petrushka es un muñeco de madera dispuesto a dar su vida por los sentimientos.

La obra dura aproximadamente 40 minutos. En un poblado ruso hay una fiesta y una feria en la que un mago presenta a sus títeres: Petrushka, la bailarina y un moro. Petrushka está enamorado de la bailarina pero ella lo desprecia y solo tiene ojos para el moro.

En la versión tradicional Petrushka es un muñeco de trapo. En esta ocasión todos son de madera. El mago utiliza unos bastones creando la imagen de estar manipulando a los títeres y creando la situación de amor y desamor. La escenografía son 6 figuras gigantes que al rotar muestran una cara. Por la forma pareciera que se trata de matrushkas. La gente del pueblo utiliza vestuario muy colorido con faldas con pliegues que hacen efecto de acordeón. Los muñecos traen líneas en las articulaciones haciendo alusión a figuras de madera.

Al final el moro mata a Petrushka, su fantasma se aparece en el teatro de títeres y queda solo un muñeco de madera desnuda sobre el piso. El mago confundido se encuentra de nuevo con Petrushka quien parece robarle el alma, da la idea de que Petrushka se hiciera humano y el mago quedara como muñeco.

La historia es confusa, si no fuera porque se conoce la misma o por la sinopsis que se da al inicio no quedaría claro lo que sucede. La versión tradicional acaba en que aparece el fantasma pero no se da el cambio de alma, por lo que no se exactamente si es lo que querían transmitir.

Se anuncia la temporada 2019 – 2020 que marca el décimo aniversario del ciclo del Bolshoi en cines, un esfuerzo que se hace con Pathé Live, dando transmisiones en vivo a las zonas horarias adecuadas y distribuyendo posteriormente al resto del mundo. Esperemos que en México sigan presentándolo. Hace unos años lo hacía Cinemex y las últimas 3 o 4 temporadas han sido en Cinépolis.

CARMEN SUITE: Svetlana Zakharova (Carmen), Denis Rodkin (Don José), Mikhail Lobukhin (Escamillo), Olga Marchenkova (Destino)
PETRUSHKA: Denis Savin (Petrushka), Ekaterina Krysanova (La Bailarina), Anton Savichev (El Moro), Vyacheslav Lopatin (El Mago)
Duración total aproximada 2:20 horas incluyendo previo e intermedio.
Para detalles de la próxima temporada visitar Bolshoi Ballet in Cinema

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#video, Ballet

Novena Sinfonía (Béjart)

Portada del disco de Novena Sinfonía. Se muestra con fines ilustrativos.

La Oda a la Alegría de Friedrich Schiller se publicó por primera vez en 1786. Ludwig van Beethoven le puso música estrenando en 1824 su Sinfonía n.º 9 en re menor, op. 125 «Coral» o popularmente conocida como Himno a la Alegría.

La obra consta de 4 movimientos, siendo el último el que incluye selecciones del poema de Schiller. Es una pieza muy conocida en todo el mundo que ha sido símbolo de libertad y hermandad.

En 1964 Maurice Béjart coreografío la obra completa bajo el título Novena Sinfonía, planeándola como un espectáculo para grandes escenarios como arenas. Originalmente se estrenó con el Ballet du XXe siècle que finaliza sus actividades en 1987. Posteriormente el coreógrafo crea el Béjart Ballet Lausanne. En el sitio de internet de esta compañía, en palabras de Béjart se menciona que la obra no tiene un concepto o tema, solo siguen al compositor del miedo a la alegría, de la sombra a la luz, participando en una obra maestra que pertenece a la humanidad, no solo tocado y cantado, sino también bailado como en las tragedias griegas y ritos religiosos de la antigüedad.

En 2014, 50 años después de su estreno y tras 3 años de preparación se vuelve a presentar en conjunto con el Tokyo Ballet en el NHK Hall de Tokyo, con la participación del coro Ritsuyukai y la Orquesta Filarmónica de Israel. EuroArts y NHK graban por primera vez esta obra, la cual está disponible en DVD, BluRay y streaming en medici.tv

Gil Roman, director del Béjart Ballet Lausanne se encarga de hacer el prólogo en el que narra fragmentos de El nacimiento de la tragedia de Nietzche acompañado de dos percusionistas.

Los 4 movimientos están muy bien logrados, los bailarines tienen soltura y mucha musicalidad, como en su tiempo lo dijo Béjart, parecen solo moverse siguiendo la música. Hay momentos en que se transmite melancolía, en otros alegría y en otros fuerza. Con gracia, soltura e impresionantes saltos se va llevando la obra.

En el cuarto movimiento, cuando interviene el coro y los solistas, se tienen más de 200 artistas en escena entre bailarines, cantantes y músicos. Llegado el momento cumbre de la obra, con el famoso coro, se tiene una imagen muy fuerte en la que todos los bailarines avanzan a paso firme con la mirada en alto tomados de la mano. Bailarines europeos, asiáticos y africanos, se tiene todo tipo de colores de piel, unido a la intensidad de la música la imagen es verdaderamente fuerte, un símbolo de hermandad. Verlo en televisión provoca un estremecimiento y dan ganas de llorar de la emoción. Verlo en vivo debe ser algo que no se puede describir.

La obra finaliza en medio de júbilo, todos los bailarines corriendo en círculos concéntricos, algunas tomas aéreas dan una perspectiva que en el teatro no tendríamos.

He visto la obra transmitida en televisión, en streaming en medici.tv y en BluRay, cada vez que la veo me estremece de la misma forma. Recomiendo más el BluRay pues la alta definición permite ver muchos más detalles de los bailarines: expresión, trabajo muscular, incluso sudor. Al ver estos detalles se siente más la intensidad con que están bailando para dar su mensaje. Oírlo en 5.1 es un extra.

Alegría […] Todos los hombres vuelven a ser hermanos donde su ala posa – Schiller

Para más información de la obra y el Béjart Ballet Lausanne https://www.bejart.ch/en/ballet/ixe-symphonie/
Duración: 88 minutos.
Disco con notas impresas en inglés, francés y alemán. Subtítulos del prólogo de Nietzche y del poema de Schiller en inglés, alemán, coreano y japonés. Audio PCM Stereo y DTS 5.1.
Producción EuroArts, NHK, WDR arte.
Grabado en 2014 y comercializado en 2015.

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#danza, pelicula

White Nights

Portada del DVD White Nights. Se muestra con fines ilustrativos.

Conocida en español como noches de sol, sol de media noche o noches blancas que es la traducción directa. El título hace referencia a la época del año en que el sol es visible las 24 horas del día en regiones boreales, un fenómeno que se presenta en zonas de Rusia.

La película de 1985 con Mikhail Baryshnikov y Gregory Hines cuenta la historia de un bailarín soviético de ballet (Nikolái Ródchenko) que escapó a Estados Unidos y por un accidente aéreo aterriza en Rusia donde será retenido. Un bailarín y militar estadounidense que desertó y se fue a la Unión Soviética (Raymond Greenwood) será el encargado de custodiarlo y prepararlo con los ensayos necesarios para su regreso a los escenarios en Leningrado. Todo el tiempo vigilados por agentes de la KGB que monitorean toda su actividad y hacen ofertas que no necesariamente están dispuestos a cumplir. Ródchenko y Estados Unidos harán todo lo posible para que regrese a salvo al país que le dio asilo.

La película salió en plena guerra fría por lo que la historia se siente como propaganda. El papel de Ródchenko es interpretado por Baryshnikov quien es un bailarín soviético que escapó para hacer su vida en Nueva York. De alguna forma la película parece decir “esto le pasaría a Baryshnikov si regresara a la URSS”

La película cae en clichés como personajes que luchan por la libertad y sus contrapartes racistas, sin embargo la historia me parece interesante y me atrapó. Existen además varias escenas de danza muy buenas como el inicio de la película con Le jeune homme et la mort de Roland Petit, una secuencia de improvisación de tap con Gregory Hines, una escena donde Baryshnikov apuesta 11 rublos contra 11 piruetas y otra escena donde los dos protagonistas bailan juntos en el estudio de ensayos. El trabajo coreográfico lo hizo Twyla Tharp.

El director Taylor Hackford la describe como un thriller de danza y política. En sus palabras la idea era hacer algo musical con Baryshnikov y Hines, al buscar una trama salió la historia que conocemos. La danza es parte de la película, no un adorno dentro de la misma.

A diferencia de Bailando en el desierto, White Nights me parece una historia dinámica a pesar de ambas películas tratar temas similares.

En una escena Ródchenko habla con la directora del Ballet Kirov le dice que en la URSS bailan lo que se les pide, no lo que quieren, por lo que se pierde la individualidad del intérprete, en cambio en occidente son libres por bailar realmente lo que quieren. Hace mención que ella sueña con bailar a Balanchine (bailarín y coreógrafo que huyó de Rusia, por lo tanto prohibido en ese país) y él en cambio lo ha podido bailar. Me llamó la atención que se dice que Balanchine pedía a sus bailarines que no interpretaran con un estilo propio, sin un sello personal.

White Nights (noches blancas, sol de media noche o noches de sol, según el país)
Columbia Pictures
1985
136 minutos

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#danza, pelicula

Bailando en el desierto

Portada de Bailando en el desierto. Se muestra con fines ilustrativos.

Película de 2014, Desert Dancer (El bailarín del desierto) fue dirigida por Richard Raymond, con las actuaciones de Freida Pinto y Reece Ritchie.

Desde los primeros minutos se ve el tono de la película, comenzando con la leyenda “basada en una increíble historia real” promete apostar por el sentimiento. Desde el inicio queda la trama muy clara: el protagonista será golpeado por la policía moral de Irán por seguir su sueño de bailar.

Afshin Gaffarian quiere ser bailarín y en medio de los problemas políticos de Irán de 2009 decide formar una compañía clandestina de danza con sus amigos. Tendrán que reunirse a escondidas para no ser detenidos por la policía moral pues la actividad está prohibida. Dan una función en el desierto frente una veintena de jóvenes de la universidad, lo que le da título a la película.

Llena de clichés no logra provocar los sentimientos. Melodrama con ritmo lento, personajes planos, diluyendo la trama principal con una historia de amor que tampoco es firme, es predecible hasta el momento del beso.

Investigando sobre Afshin, hay inconsistencias dentro de la película, si bien se ve forzado a abandonar Irán formando su compañía en París (Reformances, no mencionada en la película) difieren ligeramente los años y la manera en que sale de Irán es completamente diferente.

La escena de la danza en el desierto debería ser lo mejor de la cinta, la coreografía la hizo Akram Khan, uno de los más reconocidos coreógrafos de la actualidad en el campo de la danza contemporánea. En ese momento ya estaba cansado de la película y no me interesó lo suficiente la secuencia aunque me llamó la atención que es una especie de danza de contacto sin contacto.

La cinta falla en entregar la historia y para mi gusto es más que nada propaganda política. Curiosamente no es la única película que existe sobre bailarines huyendo de sus gobiernos. Más adelante aquí en Por los Teatros se darán las reseñas.

Desert Dancer (El bailarín del desierto o Bailando en el desierto, según el país hispano)
6Sales, IDC Films, May 13 Films
104 minutos

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#danza, libros

Bailando sobre mi tumba

Portada de Bailando sobre mi tumba. Edición del INBA, 2013. Imagen con fines ilustrativos.

Gelsey Kirkland nació en 1952, entró al New York City Ballet (NYCB) en 1968, fue nombrada solista en 1969 y bailarina principal en 1972. Se va al American Ballet Theatre (ABT) en 1974 y lo deja en 1984. Se hace famosa con el público en general sobre todo por su participación en la versión para televisión de Cascanueces con Mikhail Baryshnikov (1977).

En 1986 publica junto con su esposo, Greg Lawrence, su autobiografía Bailando sobre mi tumba. Un libro muy difícil de leer. Lo dejé varias veces y al retomarlo, tras avanzar unas líneas decía “ya recordé por qué lo había dejado”.

Narra su vida y problemas durante sus años como bailarina en las dos compañías. A lo largo de toda la historia responsabiliza a los demás de lo que le pasaba. Inicialmente a sus padres y hermana, posteriormente a maestros y finalmente a parejas sentimentales.

A Balanchine, su director y mentor en el NYCB, lo responsabiliza de sus lesiones, de iniciarla en las drogas por darle medicamentos para aguantar el dolor (aparentemente anfetaminas) y ser el causante de sus desordenes alimenticios al introducir la estética de bailarinas delgadas. En un pasaje dice que Balanchine cayó de su gracia cuando lo vio salir del baño de hombres “¿cómo podía tener necesidades tan mundanas? Además se rumoraba que era impotente” El comentario me hace pensar que tenía sentimientos especiales hacia él a pesar de la diferencia de 48 años.

En un principio presume que Baryshnikov la eligió para bailar estando ya en América, casi casi que por ella desertó de la Unión Soviética. Posteriormente dedica más de la mitad del libro a hablar mal de él. Una vez más parece que a quien endiosa cae del pedestal.

Habla de otras parejas: bailarines y distribuidores de droga con los que consume cocaína, teniendo múltiples salidas y reingresos al ABT por su falta de compromiso a las funciones y los problemas personales con Baryshnikov.

Constantemente se presenta como la víctima que quería trascender como artista, los demás la frenaban y tenía que entrenarse a escondidas con maestros que la entendían. Con algunos de ellos también termina con problemas.

Muy de pasada menciona con dejos de rencor que trató de seducir a Fernando Bujones y él no se interesó. No lo vuelve a mencionar en el libro y creo que fue lo mejor para él.

Lo rescatable para mí son los comentarios que hace sobre la interpretación o no en la danza.

Básicamente existen dos posturas: Tradicionalmente los ballets son narrativos. Se cuenta una historia y para lograrlo se recurre a la pantomima. La otra postura es que la pantomima contamina la danza y se debe bailar en su estado más puro, sin historias y sin recursos de adorno.

Balanchine fue pasando poco a poco de lo interpretativo a la postura de la danza pura (se puede visitar el post Stravinsky & Balanchine para leer comentarios sobre algunas de sus obras) Kirkland menciona que ella quería interpretar, darle un toque personal a los personajes que bailaba y Balanchine no lo permitía lo que producía bailarines que repetían mecánicamente los pasos y eran totalmente intercambiables o reemplazables pues no había diferencia entre uno y otro. La búsqueda de significado de la danza para Kirkland la llevó a trabajar con otros maestros que le permitían experimentar.

El libro está dedicado “a la memoria de Joseph Duell (1956-1986) Que el grito de ayuda aún pueda escucharse”. Si fue publicado con la intención de reportar la parte mala del ambiente dancístico creo que el mensaje se diluye con el siempre presente papel de víctima y medio libro atacando a una sola persona.

Joseph Duell era bailarín principal del NYCB. Padecía depresión. Se suicidó.

Existen varias ediciones. Para la presente reseña se leyó la versión en español publicada por el CENIDI-Danza José Limón. Título original: Dancing on my grave. 1986.

Bailando sobre mi tumba
Gelsey Kirkland y Greg Lawrence
Traducción María Dolores Ponce G.
CENIDI-Danza José Limón, INBA
México 2013
353 páginas

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#danza, Ballet

Stravinsky & Balanchine

Sala del David H. Koch Theater, sede del New York City Ballet

Con este programa arrancó el 22 de enero la temporada de invierno del New York City Ballet (NYCB) siendo ese día particularmente especial por ser el 115 aniversario del natalicio de George Balanchine, cofundador de la compañía.

Antes de iniciar el programa dos bailarines (perdón, se me van los nombres) salieron a agradecer a la orquesta por tocar cada noche a la perfección la música con la que ellos bailan, así como comentar la forma en que Stravinsky y Balanchine trabajaron en colaboración numerosas ocasiones para lograr coreografías muy unidas a la música. El programa de mano indica que esta noche el foso de la orquesta fue bautizado como Stravisnky en honor al compositor por sus trabajos para el NYCB.

La primer parte del programa es Apolo, estrenada en 1928, cuando Balanchine tenía 24 años. En realidad es un fragmento ya que no se baila el prólogo. El ballet muestra a Apolo tocando el laúd, entran las musas Calíope (poesía), Polimnia (drama y arte mímico) y Terpsícore (música y danza) Apolo las guía e instruye en sus respectivos artes, ellas bailan solos. Calíope y Polimnia no satisfacen las expectativas de Apolo mientras que Terpsícore si lo logra.

El segundo ballet es Orfeo. Estrenado en 1948 es una reinterpretación un tanto surrealista del mito de Orfeo y Eurídice. Orfeo desciende al Hades para recuperar a Eurídice. El Ángel Oscuro lo guía por los infiernos donde encuentra espectros vestidos con ramas y moviendo rocas. Orfeo lleva puesta una máscara ya que Eurídice no debe ver su rostro hasta salir del Hades o perecerá irremediablemente. Orfeo con la música de su lira aplaca a los espíritus y recupera a Eurídice, pero camino a la salida se quita la máscara y pierde definitivamente a Eurídice. Las Bacantes posteriormente descuartizan a Orfeo. Apolo lo invoca como Dios de la Canción mientras cae el telón.

La pieza final fue Agon, estrenada en 1957. Se indica que las presentaciones de esta obra durante la presente temporada se dedican a la memoria de Arthur Mitchel quien originó el papel principal masculino y falleció el 19 de septiembre de 2018 a los 84 años. Los bailarines al inicio de la función lo recordaron como un maestro muy entregado que poco antes de su muerte seguía transmitiendo sus conocimientos de la obra a las nuevas generaciones de la compañía.

Agon fue la obra que menos me gustó. Es una pieza donde la danza es un pretexto, no hay historia y parecen más pasos ejecutados en una clase.

Orfeo es la obra que más me gustó. Tiene más historia y las imágenes que se crean en conjunto con los vestuarios y escenografía son muy interesantes.

Creo que el programa muestra la evolución del trabajo de Balanchine. En un principio contaba historias y más adelante prefiere la danza como elemento puro sin tema ni pantomima que la contamine. Se dice que llegó a un punto donde pedía que los bailarines no interpretaran ni pusieran sello personal en las obras. El paso cronológico de ApoloOrfeo y Agon puede servir para ver este proceso en su obra.

Para cerrar agregaré que el teatro David H. Koch, sede del NYCB tiene decoración con cristales que asemejan diamantes lo que me hace pensar en el ballet Joyas de Balanchine, en particular en el acto conocido como Diamantes, lo cual no creo que sea coincidencia.

Los bailarines principales fueron Taylor Stanley, Tiler Peck, Gonzalo García, Peter Walker, Sterling Hyltin y Tyler Angle.

Esta entrada fue publicada originalmente el 2 de febrero de 2019 antes de cambiarnos de plataforma.

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