#teatro, #video

El Rey Lear

El Rey Lear, NT Live Temporada 2019.

Desde 2009 el National Theatre de Londres comenzó a proyectar en salas de cine algunas de sus producciones en el ciclo conocido como National Theatre Live (NT Live) Con el tiempo pasó de salas en Reino Unido a cines de todo el mundo y se han incluido producciones de otras compañías.

El Rey Lear de William Shakespeare fue presentada por primera vez a principios del siglo XVII, se habla de varias versiones de la obra y años de estreno, pero pudiera ser 1606.

La historia trata del Rey Lear de Bretaña dividiendo su reino para darlo como herencia en vida a sus tres hijas, con la condición de seguir ejerciendo sus derechos de rey. Goneril y Regal ganan sus partes con adulaciones, pero la menor, Cordelia, es sincera en su discurso y es desheredada siendo su parte entregada a sus hermanas.

Posteriormente Goneril y Regal se alían para despojar de su autoridad a Lear, sumando que las facultades mentales del Rey van mermando. La naturaleza ambiciosa de las dos hermanas, agregando las intrigas de otro conspirador llevarán a la enemistad entre ellas. Todos estos factores se van uniendo, contribuyendo a la tragedia.

Personajes en la edición de Gramercy Books 1990

A finales de 2017, en el teatro Minerva del Chichester Festival Theatre, se presentó El Rey Lear, dirigida por Jonathan Munby, con Sir Ian McKellen como el protagonista.

Esta producción está planeada para teatros pequeños. McKellen inidica “donde los actores puedan ver al espectador a los ojos y los espectadores también puedan hacerlo con los actores”. Agrega que la obra trata de los peligros de la división y puede relacionarse con acontecimientos modernos. “Nosotros la presentamos y el público interpreta”.

El teatro Minerva cuenta con 300 asientos. Para su remontaje en el West End se trasladaron al Duke of York Theatre. Si bien, mas grande, logra conservar la intimidad planteada en el montaje original. Es desde este teatro que en 2018 se graba para el NT Live.

Esta versión está ambientada en tiempos modernos. Normalmente no me gusta cuando adaptan a Shakespeare a otras épocas pero en este caso no tengo inconveniente.

 Es un montaje muy bien trabajado, con excelentes actuaciones, muy demandante física y emocionalmente. Violento, sangriento, gráfico. Hay momentos en que hace reír, en que asusta, en que pone tenso al público, en que preocupa por las intrigas que conocemos y los personajes no, momentos en que conmueve, en que dan ganas de llorar. Que una obra logre todas esas emociones es algo que se aprecia.

Ian McKellen es conocido por su larga trayectoria en obras de Shakespeare y demuestra toda su experiencia. El Rey Lear tiene 80 años y McKellen 79, al ser casi de la misma edad, dice, le permite tener otra perspectiva en el personaje y si la interpretación es demandante y requiere especial esfuerzo, él lo hace con gusto. Hacia el final de la obra es impresionante verlo entrar cargando a Cordelia. El público lanzó una expresión de sorpresa.

Otros actores del reparto no son jóvenes y dan unas actuaciones extraordinarias con mucha energía, como Danny Webb en el papel de Gloucester quien es torturado y Sinéad Cusack interpretando a Kent, personaje que normalmente es hombre y en esta versión es mujer.

En la Ciudad de México el NT Live se proyecta en el Lunario. Con dos funciones agotadas todavía quedan boletos para una tercera el 28 de febrero.

Kirsty Bushell, Anthony Howell, Lloyd Hutchinson, Claire Prince, Daniel Rabin y Anita-Joy Uwajeh completan el elenco principal.

Comparado con las proyecciones del Teatro Bolshoi en cines donde no dan programa de mano, en el Lunario si se entregó, lo que se agradece enormemente.

Duración oficial: 3:40 horas incluyendo un intermedio de 20 minutos. Realmente se va prácticamente a 4 horas. Para mayores de 16 años.

Para más información y cartelera del NT Live http://ntlive.nationaltheatre.org.uk/

Videos y entrevistas del Rey Lear en http://ntlive.nationaltheatre.org.uk/productions/ntlout29-king-lear

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#teatro

Murmullos

Detalle del programa de mano

Compañía Seña y Verbo: Teatro de Sordos, cumple 25 años y comienza los festejos con el estreno de Murmullos, escrita y dirigida por Nohemi Espinosa, que se presentó el pasado 2 de febrero en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris.

Una puesta en escena que recuerda el cine mudo, desarrollada en silencio, con gestos, expresión corporal, comedia y música acompañando las acciones (interpretada en vivo por La Sensacional Orquesta Lavadero)

La obra es de estilo clown (asesoría Jesús Díaz), se desarrolla en varias escenas cortas donde vemos una persona tratando de entrar sin éxito al cine, peleas cómicas durante el almuerzo de unos trabajadores, Drácula enamorando a su víctima, la grabación del famoso león de MGM, un comensal en un restaurante donde suceden cosas mágicas, entre otras.

No disfruté totalmente la función. Hubo varios chistes que no logré entender y me descubrí tratando de analizar lo que veía. Creo que el teatro resultó contraproducente. Estuve en el anfiteatro (segundo piso) y aparentemente la distancia hizo que perdiera los detalles. Varias veces escuché risas abajo y nada en mi piso, y todavía hay un nivel superior más, el cual al parecer estuvo vacío.

Es un placer ver el teatro con tanta gente pero creo que un recinto más pequeño hubiera sido mejor en este caso. Me gustaría ver de nuevo la obra en un espacio más chico para apreciarla mejor.

La obra es buena, bien actuada, con mucho trabajo corporal. Eduardo Domínguez, Socorro Casillas, Roberto Loera y Abraham Zúñiga le dan vida a numerosos personajes.

Como aficionado a la magia me interesó la secuencia del restaurante donde la magia es circunstancial, bien integrada a la historia, sucediendo como algo natural, no como “miren lo que puedo hacer”. La asesoría la dieron Mago Makartur y Ana Aparicio.

Por ser el 25 aniversario de Seña y Verbo, al finalizar, se develó placa. La ceremonia estuvo a cargo de Guadalupe Vergara, Carlos Corona y Enrique Singer. Alberto Lomnitz estuvo invitado pero por trabajo no pudo asistir.

Enrique Singer mencionó que hace 25 años cuando dirigió por primera vez en Seña y Verbo no fue a enseñarles, al contrario, fue a aprender y descubrió que el teatro es muy visual, donde el gesto tiene gran importancia.

Andrés Reynoso

Para ver actividades de Seña y Verbo consultar https://www.facebook.com/teatrodesordos/

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#danza, Ballet

Stravinsky & Balanchine

Sala del David H. Koch Theater, sede del New York City Ballet

Con este programa arrancó el 22 de enero la temporada de invierno del New York City Ballet (NYCB) siendo ese día particularmente especial por ser el 115 aniversario del natalicio de George Balanchine, cofundador de la compañía.

Antes de iniciar el programa dos bailarines (perdón, se me van los nombres) salieron a agradecer a la orquesta por tocar cada noche a la perfección la música con la que ellos bailan, así como comentar la forma en que Stravinsky y Balanchine trabajaron en colaboración numerosas ocasiones para lograr coreografías muy unidas a la música. El programa de mano indica que esta noche el foso de la orquesta fue bautizado como Stravisnky en honor al compositor por sus trabajos para el NYCB.

La primer parte del programa es Apolo, estrenada en 1928, cuando Balanchine tenía 24 años. En realidad es un fragmento ya que no se baila el prólogo. El ballet muestra a Apolo tocando el laúd, entran las musas Calíope (poesía), Polimnia (drama y arte mímico) y Terpsícore (música y danza) Apolo las guía e instruye en sus respectivos artes, ellas bailan solos. Calíope y Polimnia no satisfacen las expectativas de Apolo mientras que Terpsícore si lo logra.

El segundo ballet es Orfeo. Estrenado en 1948 es una reinterpretación un tanto surrealista del mito de Orfeo y Eurídice. Orfeo desciende al Hades para recuperar a Eurídice. El Ángel Oscuro lo guía por los infiernos donde encuentra espectros vestidos con ramas y moviendo rocas. Orfeo lleva puesta una máscara ya que Eurídice no debe ver su rostro hasta salir del Hades o perecerá irremediablemente. Orfeo con la música de su lira aplaca a los espíritus y recupera a Eurídice, pero camino a la salida se quita la máscara y pierde definitivamente a Eurídice. Las Bacantes posteriormente descuartizan a Orfeo. Apolo lo invoca como Dios de la Canción mientras cae el telón.

La pieza final fue Agon, estrenada en 1957. Se indica que las presentaciones de esta obra durante la presente temporada se dedican a la memoria de Arthur Mitchel quien originó el papel principal masculino y falleció el 19 de septiembre de 2018 a los 84 años. Los bailarines al inicio de la función lo recordaron como un maestro muy entregado que poco antes de su muerte seguía transmitiendo sus conocimientos de la obra a las nuevas generaciones de la compañía.

Agon fue la obra que menos me gustó. Es una pieza donde la danza es un pretexto, no hay historia y parecen más pasos ejecutados en una clase.

Orfeo es la obra que más me gustó. Tiene más historia y las imágenes que se crean en conjunto con los vestuarios y escenografía son muy interesantes.

Creo que el programa muestra la evolución del trabajo de Balanchine. En un principio contaba historias y más adelante prefiere la danza como elemento puro sin tema ni pantomima que la contamine. Se dice que llegó a un punto donde pedía que los bailarines no interpretaran ni pusieran sello personal en las obras. El paso cronológico de ApoloOrfeo y Agon puede servir para ver este proceso en su obra.

Para cerrar agregaré que el teatro David H. Koch, sede del NYCB tiene decoración con cristales que asemejan diamantes lo que me hace pensar en el ballet Joyas de Balanchine, en particular en el acto conocido como Diamantes, lo cual no creo que sea coincidencia.

Los bailarines principales fueron Taylor Stanley, Tiler Peck, Gonzalo García, Peter Walker, Sterling Hyltin y Tyler Angle.

Esta entrada fue publicada originalmente el 2 de febrero de 2019 antes de cambiarnos de plataforma.

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#danza, #video, Ballet

Nijinsky (de John Neumeier)

Vaslav Nijinsky nació en Kiev en 1889 (a veces se menciona 1890) fue un bailarín de gran fama por sus saltos, interpretaciones y por sentar las bases para pasar de la danza clásica a la moderna. Estudió ballet de 1898 a 1907, fue solista en el teatro Mariinsky, invitado en el Boshoi y bailarín principal en los Ballets Rusos de Sergey Diaghilev.

Michael Fokine creó algunos de sus ballets más conocidos especialmente para Nijinsky, tales como CarnavalLas SílfidesEl espectro de la rosaPetrushka y Sherezada por mencionar algunos. Vaslav coreografió Siesta de un faunoJuegosConsagración de la primavera y Till Eulespiegel.

Diaghilev fue su director, protector y amante, sin embargo Nijinsky se casa con Romola de Pulszky en un tour por América del Sur. A su regreso a Europa se da el rompimiento con el empresario.

En 1919 Vaslav tiene un colapso nervioso lo que lo obliga a dejar los escenarios, posteriormente es diagnosticado con esquizofrenia. Desde ese año y hasta su muerte en 1950 vive en Suiza, Francia e Inglaterra, entrando y saliendo de instituciones mentales.

Nijinsky baila en público por última vez el 19 de enero de 1919, a los 29 años de edad, teniendo una carrera de apenas 10 años, tiempo suficiente para lanzarlo a la fama y hacerlo una leyenda.

John Neumeier, director del Ballet de Hamburgo, estrenó en el año 2000 Nijinsky, ballet en dos actos que rinde homenaje al conocido bailarín. La versión que revisaré a continuación es el video producido en 2017 por C Major Entertainment, NHK, NDR, Arte y Hamburg Ballett John Neumeir. También disponible en medici.tv

El primer acto se centra en la última presentación de Vaslav. Se entrelazan música, vestuarios, personajes y motivos coreográficos de varias de las obras que bailó (enumeradas anteriormente). Se van mezclando también episodios de su vida. Es una alusión a todo lo que pasaba por su cabeza ese día, tal vez una alegoría a aquello de “ver pasar toda tu vida un momento antes de morir”.

Particularmente me llamaron la atención los pasajes coreografiados con la música de Sherezada. Donde en la versión de Fokine, Sherezada y el esclavo dorado (creado para Nijinsky) bailan un pas de deux, en la obra de Neumeier, Vaslav y Romola se conocen. Más adelante, con la música que Fokine usó para mostrar la orgía entre el harem y los esclavos, y el posterior retorno del sultán descubriendo la traición, Neumeier presenta la boda entre Nijinsky y Romola así como el descubrimiento de la misma por parte de Diaghilev. Así como el sultán decidió si le perdonaba la vida o no a Sherezada (su favorita), Diaghilev decide si perdona o no a Nijinsky (su favorito)

En el segundo acto se presentan los días de Nijinsky en las instituciones psiquiátricas, siguen mezclándose pasajes de su vida y cuerpos de baile vestidos de militar. Le tocó vivir ambas Guerras Mundiales. Es un acto más oscuro. Hay personajes de su familia como su esposa y hermano. Se enumera a su mamá y a Leonid Massine que en lo particular se me escapa exactamente quienes son dentro de la obra.

A mi gusto destacan los papeles de Aleix Martínez como Stanislav Nijinsky, su hermano, quien también padece problemas mentales y Lloyd Riggins que interpreta a Petrushka, un muñeco melancólico. Es verdaderamente triste ver a Petrushka como reflejo de Nijinsky. El papel de Vaslav lo desempeña muy bien Alexandre Riabko

El ballet me parece magistralmente bien logrado. Muy difícil de bailarse por la técnica e interpretación. Seguramente difícil de coreografiar y para apreciar sus recovecos es necesario conocer sobre Nijinsky. El periódico El País, el 6 de septiembre de 2003 citó a Neumeier diciendo “Nijisnky tuvo 10 años para crecer, 10 años para aprender, otros 10 años para bailar y, en segundo lugar, 30 años para morir”

Para conmemorar los 100 años de la última presentación en público de Vaslav Nijinsky, Por los Teatros inicia su vida presentado la reseña de esta obra.

Andrés Reynoso.

Esta entrada fue publicada originalmente el 19 de enero de 2019 en porlosteatros.tumblr.com, después de unas semanas cambiamos de plataforma. Para más detalles de la obra Nijinsky puede vistarse la página del Hamburg Ballett John Neumeier. En la misma hay un video donde pueden verse fragmentos de la obra. En el minuto 2:43 hay una breve escena ente Alexandre Riabko (Vaslav) y Aleix Martínez (su hermano Stanislav) . https://www.hamburgballett.de/en/spielplan/play%E2%80%93repertoire.php?SNr=448 

El artículo de el país puede leerse en https://elpais.com/diario/2003/09/06/espectaculos/1062799204_850215.html

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Bienvenidos

Hace varios meses, posiblemente ya años, un par de familiares y amigos me propusieron que hiciera un blog sobre artes escénicas donde comentara las obras que veo. Tras dejarlo de lado por mucho tiempo finalmente comienza este proyecto.

Por los Teatros será un blog para comentar danza, teatro, magia y circo principalmente. Se darán reseñas tanto de funciones en vivo como de grabaciones, así como de libros relacionados con la materia.

Inicialmente se publicará material nuevo cada dos semanas, pudiendo aumentar la frecuencia posteriormente.

El 19 de enero de 2019 a las 10:00 am se publicó la primer entrada en otra plataforma pero unas semanas después nos mudamos hacia acá.

Muchas gracias a quienes han empujado para que Por los Teatros sea posible y a ustedes, futuros lectores.

Andrés Reynoso

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