Nahuala nos presenta una historia donde Naya’ni crece en una familia donde se expresa poco el amor y la comunicación está ausente. Poco a poco conocerá el mundo de los Nahuales y las Tonas. Con sus acciones tendrá que decidir si se inclina al bien o al mal, si la ira gana o puede controlarla y si aceptará la guía de los seres que se le presentan.
La historia es musicalizada en vivo y las actrices interpretan a varios personajes. El uso de máscaras, tanto de humanos como de animales, le da un toque muy especial.
Las Tonas tienen un vestuario y máscaras muy coloridos, que remiten precisamente a las Tonas de artesanía de madera (no confundir con Alebrijes, que son estrictamente de cartonería)
En esta reseña estoy tratando de no revelar mucho de la historia, por el título de la obra, creo que no es ningún secreto que existe una nahuala. Las diferentes etapas de transformación son muy interesantes y el animal final es una mezcla de humano y marioneta con movimientos complejos.
Se trata de una obra interesante que une cosmogonía zapoteca, artesanía de talleres de Oaxaca con un mensaje sobre identidad, amor, ira, comunicación y desplazamiento de la sociedad por grupos de poder. Al finalizar, el elenco sale al vestíbulo a saludar y tomarse fotos con el público.
Nahuala es una obra de Ámonos recio con Los tres pies del gato y se presentará hasta el 14 de diciembre en el teatro El Galeón del Centro Cultural del Bosque.
Nahuala Idea original, dirección general y diseño de máscaras humanas: Elsi Yamel Salgado. Dramaturgia y direccón escénica: Andrómeda Mejía. Con: Jéssica Gámez, Isabel Raigosa, Elsi Yamel Slagado y Rosaura Pérez Sanz. Música en vivo y titiritero: Daniel Loyola. Diseño de máscaras Tonas y Nahuales: María Mendoza co-fundadora del Taller Jacobo y María Ángeles Diseño de títeres: Humberto Galicia. Música original y diseño sonoro: Félix Bailón. Duración aproximada: 75 minutos.
El teatro Noh tiene una tradición de aproximadamente 600 años. En este tiempo se ha interpretado de manera ininterrumpida.
El Nohgaku se compone del Noh, que es una obra seria, y el Kyogen, de carácter cómico, utilizado como intermedio.
El repertorio tradicional se compone de unas 250 obras, creadas entre hace 400 y 600 años. Existen también obras en japonés más recientes. A partir de la apertura de Japón hacia occidente en la segunda mitad del siglo XIX, el Noh comienza a conocerse fuera del país, lo que lleva a las primeras traducciones al inglés a principios del siglo XX y al interés, por parte de autores occidentales, por escribir obras inspiradas en, o basadas en la estructura del Noh.
Esto lleva a cuestionamientos de qué es el Noh ¿tiene que ser una obra clásica, estrictamente en japonés o puede ser un texto moderno en otro idioma?
Richard Emmert y Ashley Thorpe, editores de Intercultural Japanese Noh Theatre, Texts and Analyses of English-language Noh, presentan un análisis al respecto.
En capítulos introductorios, ambos maestros hablan del panorama del teatro Noh, historia, lo que es y lo que no es, elementos artísticos, estructura, métrica, musicalidad, instrumentos musicales, pequeñas muestras de textos y cómo se escriben diferentes indicaciones en ellos.
Se habla de la multiplicidad del Noh haciendo tablas y diagramas de cómo se relacionan o excluyen obras tradicionales, obras nuevas japonesas, obras nuevas en otros idiomas que respetan la estructura tradicional y obras inspiradas en el Noh, que toman elementos, pero nada más.
El trabajo se centra en obras escritas en idioma inglés que respetan en menor o mayor medida la estructura clásica, pudiendo incluir temática, uso de máscaras y escenografía.
Los capítulos introductorios resultan muy ilustrativos para entender la complejidad y la estética del teatro Noh.
El fuerte del libro son los libretos de siete obras: St. Francis, Eliza, Pine Barrens, Pagoda, Blue Moon Over Memphis, Zahdi Dates and Poppies y Emily, que cubren temas tan diversos como la guerra en Iraq, Emily Wilding Davidson y el sufragio femenino, leyendas de bosques en Estados Unidos, fanáticos visitando la tumba de Elvis o la búsqueda del padre después de emigrar durante la infancia.
Cada obra va acompañada por una introducción del autor y un análisis posterior por otro académico. Todos los textos están plenamente documentados con sus respectivas referencias.
El libro es para lectores muy específicos, particularmente interesados en el teatro Noh, de manera especial en el escrito en idioma inglés. Este sector no se sentirá decepcionado y encontrará análisis detallados que ayudarán a entender este arte ancestral.
El trabajo en progreso de Rio Sumida, obra del repertorio tradicional, se presentará de forma gratuita el lunes 8 de diciembre a las 19:00 horas en el Jardín Escénico del Centro Cultural del Bosque, bajo la dirección de Richard Emmert.
Intercultural Japanese Noh Theatre Editado por Dr. Ashley Thorpe, Prof. Richard Emmert. Con obras de: Arthur Little, Allan Marett, Greg Giovanni, Jannette Cheong, Deborah Brevoort, Carrie J. Preston y Ashley Thorpe. Methuen Drama, 2025. 230 páginas.
Del 14 al 16 de noviembre, se llevó a cabo la quinta edición del Festival Nacional de Máscaras Danzantes en Coscomatepec de Bravo, Veracruz, el cual se enfoca en las danzas tradicionales del país que utilizan máscaras, como Cúrpites, Santiagos, Diablos, Carnaval de Charros, Parachicos, Tastoanes, entre muchos otros.
En esta ocasión se contó con la presencia de los maestros Richard Emmert, Hideta Kitazawa y Miyoko Yoshiya, quienes ofrecieron ponencias sobre Teatro Noh, máscaras y textiles utilizados en escena, y una demostración del tallado de las máscaras. La presente reseña se centrará en su participación, pues es de quienes estuve más cerca y fueron la razón de mi asistencia al Festival.
Maestro Richard Emmert y Víctor Siáñez
El sábado 15, el maestro Richard Emmert, en el Teatro Benito Juárez realizó su presentación donde habló sobre Nohgaku, expresión artística de Japón con más de 600 años de tradición.
Su excelente ponencia fue una cátedra donde habló de la historia de esta forma de teatro, explicó la división entre Noh y Kyogen, de corte serio y cómico, respectivamente. Mostró algunos de los movimientos utilizados en las representaciones, la posición básica del cuerpo, la forma de caminar, instrumentos musicales y parte de los cantos.
En adición a esto, actuó fragmentos de obras en japonés, con y sin uso de máscara.
La tarde del mismo sábado, el maestro Hideta Kitazawa tuvo una Charla Magistral en el Pabellón de Maestros Mascareros, donde realizó una demostración del tallado de una máscara del personaje Okina. El tiempo limitado permitió ver solo una parte del proceso, pero resultó muy ilustrativo, donde el público pudo observar el trabajo a la usanza tradicional, completamente a mano, sin herramientas eléctricas.
Charla magistral del maestro Kitazawa
El domingo 16, nuevamente en el Teatro Benito Juárez, los maestros Kitazawa y Yoshiya ofrecieron otra conferencia, en esta ocasión sobre las máscaras y vestuario del teatro Nohgaku. El maestro Kitazawa mostró varias de sus máscaras, hablando de los personajes que representan, mientras que su esposa, la maestra Yoshisha explicó diferentes estampados empleados en el vestuario y su significado.
Kitazawa-san representó un fragmento de una obra Kyogen, utilizando una de sus máscaras.
También se mostró una máscara de diseño moderno con rasgos mexicanos que se hizo especialmente para el montaje en español de la obra tradicional Rio Sumida, que Tusitalas, artes escénicas, prepara bajo la dirección del maestro Emmert.
En el pabellón de mascareros, tuvieron una mesa donde se exhibió parte de su trabajo, así como el de Damon Woodcarving (Gerardo Vázquez) , uno de sus alumnos más avanzados en México. Se podía participar en un taller de estampado con Yoshiya-san o comprar un recuerdo alusivo. Adicionalmente estuvieron disponibles los libros Intercultural Japanese Noh Theatre: Texts and Analyses of English-Language Noh y Noh and Kyogen Masks: Tradition and Modernity in the Art of Kitazawa Hideta.
Durante la feria, la mesa tuvo una constante afluencia de gente, agotando el material de la maestra Yoshiya y teniendo alumnos para el taller incluso en lista de espera.
Los maestros participaron durante las calendas realizadas al final de cada día, siendo la última la más calurosa, con porras de parte del público con menciones especiales para Japón.
Maestro Kitazawa en una Calenda
En anteriores visitas al país, los maestros han ofrecido diferentes talleres en la Ciudad de México, incluyendo tallado tradicional de máscaras de Noh, diseño textil (Shokkan, Utsukushi, Soshoku y Edo Baggu) prácticas escénicas para montaje de Río Sumida; interpretación, danza y canto para la escena de Teatro Noh y Escritura dramática del Teatro Noh. Durante el Festival Nacional de Máscaras Danzantes, personas que se acercaron a la mesa, mostraron su interés en tener actividades en el futuro en otras partes de la república.
El trabajo en progreso de Rio Sumida se presentará de forma gratuita el lunes 8 de diciembre a las 19:00 horas en el Jardín Escénico del Centro Cultural del Bosque.
En un taller de tejido, viven cinco abuelitas, una de ellas, Boyena, no teje más por la tristeza de los recuerdos.
El taller en ocasiones parece una maquila o un asilo, un lugar donde las viejecitas fueron relegadas al olvido y a trabajos forzados guiándose por “las reglas” que en realidad nadie ha visto.
El miedo a desenterrar el pasado, crear un futuro y a cuestionar lo que se nos ha dicho están presentes. Tejer el mundo es uno de los temas recurrentes de la obra. Las decisiones y las acciones que tomaremos para tejerlo o no.
Sin dar más detalles para no vender la trama, la obra tiene un mensaje bonito, por momentos es un tanto densa, alejándose de la idea de que una obra infantil debe ser simple.
Las máscaras, títeres y vestuario llevan un concepto muy bien unificado donde todo tiene elementos del estambre de bordado.
Boyena fusiona teatro, trabajo corporal, máscaras, títeres y unos toques de magia para tejer el mundo al que nos invitan a pasar.
Para los niños será una experiencia mágica y para los adultos será un reflejo en los personajes.
Boyena se presenta en el Teatro Orientación del Centro Cultural del Bosque, los sábados y domingos a las 12:30 horas, del 18 de octubre al 14 de diciembre, suspendiendo el 1, 2 de noviembre. Según el programa de mano se suspende también el 8 de noviembre. La página de internet no menciona nada particular sobre ese día e indica reposición el 14 de diciembre a las 10:30 y 12:30. Hay boletos disponibles para el 8 y las dos funciones del 14. A la entrada se entregó un separador de la obra, se agradece mucho hoy en día en tiempos de programas digitales.
Boyena De: Itzel Lara. Dirección: Alejandro Cervantes. Con: Maira Carrillo, Yunuenn Hidalgo, Elba Nallely Maros,Nycolle González, Dano Ramírez, Fabo Verona y Marco Torres. Duración aproximada 70 minutos.
Hace unos años vi Un Tranvía Llamado Deseo en el Teatro Helénico. Acababa de leer la obra en inglés y eso me ayudó a tener fresca la historia e identificar frases que en el original están en español, a mi modo de ver, poniendo de manifiesto que los personajes viven en la zona pobre y marginal de la ciudad por ser el área de inmigrantes. Ese montaje fue muy malo. Salí decepcionado, no le creí nada a los actores y trataron de hacer la obra políticamente correcta. No hay manera que el Tranvía sea políticamente correcto. Posteriormente encontré en un periódico de circulación nacional una reseña que parecía nota de sociales hablando del modelo que debutaba como Stanley y su prometida entregándole flores al final de la función. Se notaba que no era actor y la nota cubría el estreno con prensa, familiares y amigos, donde todo es bonito. La función a la que asistí fue la siguiente, es decir la primera con público general. Esa reseña en particular fue una de las razones por las que comencé a incubar la idea de hacer Por los Teatros.
Pasando a 2025, Un Tranvía Llamado Deseo se presenta en su tercera temporada (Teatros Julio Castillo, Salvador Novo y nuevamente Julio Castillo) siendo algo totalmente diferente a lo que vi aquella vez.
El montaje no es muy convencional en el sentido de tener música, canciones y efectos de voces en vivo. Los personajes secundarios interpretan también esa parte sonora. El escenario es un entarimado que se convierte en el departamento de Stanley y Stella, teniendo público en todo el rededor de éste. Al ser un escenario prácticamente en 360 grados, hay momentos en que las luces son incómodas al dirigirse hacia los espectadores.
La obra está muy bien trabajada. A pesar de ser escenografía minimalista, prácticamente inexistente (solo el entarimado con puertas en el piso y un baúl) nos trasladan perfectamente a esa habitación con baño.
En ocasiones la violencia verdaderamente incomoda. Como decía, no hay forma de que la obra sea políticamente correcta. Sin embargo, hay veces en que hay tantos gritos al mismo tiempo que no se entiende lo que se dice. También se pierden algunos diálogos cuando hablan hacia el otro lado de la audiencia.
Cuando la obra se estrenó en 1947 causó furor por la temática y fue censurada. Casi 80 años después sigue siendo muy actual. La escena en que Stella perdona a Stanley, lo disculpa ante Blanche y todo es normal, parte de lo cotidiano, rompe el corazón. Durante el intermedio, las muchachas de atrás dijeron “Stanley está guapo”. Justo es una de las razones por las que Stella disculpa su violencia.
Durante el segundo acto, hubo un momento hacia el final en que se empezó a sentir mucho calor en la sala. Me pregunto si es a causa de la energía contenida del público y la energía desbordada en el escenario.
La actuación final de Mitch borracho no me gustó, me pareció demasiado, casi acrobática.
El público de pronto se ríe en los momentos menos adecuados ¿risa de nervios? Situaciones nada cómicas produjeron varias risas.
La obra es larga, está anunciada de 3 horas. Antes de empezar en el vestíbulo hubo una intervención de poesía con lo que el acceso a la sala y el inicio se la presentación se retrasó. Recomiendo considerar 3 horas y media. Debido a la duración todas funciones, incluso entre semana son a las 6:30.
Un Tranvía llamado Deseo. De Tennessee Williams. Adaptación y dirección: Diego del Río. Con: Mariana de Tavira, Rodrigo Virago, Astrid Mariel Romo, Alejandro Morales, Mónica Jiménez, Andrés Panella, Rodolfo Zarco, Federico Di Lorenzo, Gonzalo de Esesarte, Diego Santana, Patricia Vaca.
Actualmente en el Foro 37 se presenta Oficínico con el Mago Dínez (Daniel Haddad). Se trata de un espectáculo unipersonal que puede describirse como teatro, magia, monólogo con humor para oficinistas.
De lo que me quejo con más frecuencia es de los programas QR y la impuntualidad. La función inició 32 minutos tarde, no se si se sea lo normal en el 37 con la intención de generar consumo en el bar.
Dínez da la bienvenida al público a una mezcla de conferencia motivacional empresarial con capacitación laboral. Comienza a dar una cátedra sobre la mujer barbuda y prosigue contando su propia historia y cómo desde niño quería ser un oficínico.
A lo largo de la exposición, vemos a Dínez escalar en los puestos de su oficina, mientras tanto, va ilustrando la historia con trucos de magia.
Saldrán a la luz situaciones del día a día de todo «Godín», como engrapadoras, tuppers calentados en el microondas, personal que quiere todos los informes en papel y por supuesto, no pueden faltar las impresoras que fallan en el momento menos oportuno.
Daniel es actor y se nota, pues los textos fluyen de manera natural sin sentirse aprendidos. Las situaciones y chistes harán reír no solo a los oficinistas, aunque seguro se identificarán más.
La magia en su mayor parte es aderezada con humor. Algunos efectos son clásicos y otros son bastante novedosos, de cualquier forma, bien integrados con la historia.
Ofícinico muestra la historia de todo empleado que ha dejado sueños a un lado para subir en la escala Godín. Pero ¿hasta dónde es bueno dejar los sueños?
Muy recomendable y no ahondo más ni en la historia ni en la magia para no revelar lo que les espera en la presentación que estará haciendo el Mago Dínez todos los jueves de abril en el Foro 37 de la Colonia Juárez.
Oficínico Con el Mago Dínez (Daniel Haddad) Duración aproximada 1:30 horas.
En las artes escénicas japonesas están el teatro Noh y el Kyogen. Sé muy poco de ellos, pero lo que he aprendido es que tienen una estructura muy definida y temas recurrentes. El Noh se divide en 5 categorías y trata temas complejos. Por otro lado, el Kyogen son obras cómicas para compensar la complejidad de su contraparte. En conjunto se les conoce como Nohgaku. En ambos se utilizan máscaras, algunas de ellas han entrado al imaginario de occidente con sus modificaciones.
Algunas máscaras, a la vista, perecen de porcelana, sin embargo, son de madera. Hoy en día son muy pocos los maestros especializados en la elaboración de máscaras de tetro Noh, sobre todo, que sean funcionales y en verdad se puedan utilizar en escena. Uno de los ellos es Kitazawa Hideta, que ha trabajado por varios años con el profesor emérito de la Universidad Musashina, Richard Emmert, quien es especialista en teatro Noh.
Jannette Cheong y Richard Emmert escribieron el libro Noh and Kyogen Masks, Tradition and Modernity in the Art of Kitazawa Hideta, volumen especializado en el trabajo del maestro Kitazawa. El libro está profusamente ilustrado con fotografías de Kitazawa Sohta, hermano de Hideta-san.
El libro habla un poco de la familia Kitazawa y su tradición con el trabajo de la madera, se explica a grandes rasgos el Nohgaku, y el proceso de elaboración de la máscara a partir de la madera Hinoki. El contenido principal, muestra fotografías y explicaciones de máscaras divididas en cuatro secciones: máscaras clásicas de Noh, de Kyogen, de Noh contemporáneo y misceláneas.
A su vez, la sección de máscaras clásicas se divide en femeninas, masculinas, dioses y demonios, y máscaras basadas en Noh clásico.
Las máscaras clásicas pudiéramos decir que son arquetipos, llevan nombres y rasgos definidos y suelen usarse para personajes con características muy particulares. A lo largo del libro vamos viendo fotografías de las máscaras acompañadas de una descripción de la misma y/o una sinopsis de alguna obra donde se utiliza.
Tusitalas Artes Escénicas ha traído a México en repetidas ocasiones a los maestros Emmert y Kitazawa, gracias al apoyo de Toshiba International Foundation (TIFO). La ocasión más reciente, a principios de febrero, se aprovechó la visita al país para presentar en el Aula Magna José Vasconcelos del Centro Nacional de las Artes tanto este libro como Intercultural Japanese Noh Theatre de Richard Emmert y Ashley Thorpe, del cual en un futuro tendremos la reseña.
Lo que me hubiera gustado: que tuviera un índice comprehensivo para ayudarnos a encontrar más rápido las máscaras, personajes y obras. Me hubiera encantado que fuera posible colocar las máscaras lado a lado para apreciar las diferencias. Hay un índice al estilo de hoja de contactos que ayuda para dicho fin, pero son imágenes pequeñas. A tomar en cuenta: al ser hojas negras lustrosas se manchan muy fácilmente con la grasa de las manos, he procurado usar guantes al ver el libro, pero no he podido evitar un par de manchas.
El tomo es un deleite visual para los amantes de las máscaras. Para los que no conocemos mucho del tratro Noh, nos va guiando poco a poco para entender a grandes rasgos dicho arte escénico con más de 600 años de antigüedad. La editorial, Prestel, se especializa en libros de arte, fotografía y arquitectura, por lo que tiene excelente calidad.
Noh and Kyogen Masks, Tradition and Modernity in the Art of Kitazawa Hideta. Jannette Cheong y Richard Emmert. Prestel, 2024. 224 páginas.
Del 1 al 9 de noviembre, Cielo Azul Circo presenta Mictlán, en el Foro Cultural Coyoacanense Hugo Argüelles. Se trata de una obra de música, danza, circo y teatro que muestra elementos tradicionales de día de muertos y de la mitología que lo rodea, como el xoloitzcuintle, colibríes, las calaveras, ofrendas y cempasúchil.
Con 13 artistas en escena y 5 músicos, la obra muestra el recorrido de una artista aérea que muere en una función, en su paso hacia el Mictlán.
La función incluye diversos actos circenses como números aéreos en telas, aro, estructuras en forma de luna y espiral, cintas, malabares de contacto y tradicionales, pulsadas, acrobacia de piso, equilibrio en manos, contorsión, suspensión capilar, antipodismo, aro hula y rueda Cyr. Las presentaciones son complementadas con elementos de danza y teatro, así como con música en vivo con letras que de una u otra manera se relacionan con el acto realizado.
A lo largo del montaje, el maestro de ceremonias alegra el ambiente con ocurrencias, bailes y acrobacias al ritmo de “yo no soy jaranero, soy un cenzontle, yo soy maromero”. El número de telas se acompaña con letra alusiva al cabello por la espalda, su sonrisa y sus ojos, mientras la ejecutante realza con gestos la letra. De igual forma, el acto en el que un xoloitzcuintle hace acrobacias en la luna, va con una mezcla de “deja que salga la luna” y “luz de luna”. Así mismo, al mencionar “llorona de azul celeste” señalan el respectivo vestuario con ese color. En resumen, las letras estás muy bien elegidas para unirse a los actos realizados.
Los números están muy bien preparados, aunque algunas transiciones las siento un tanto bajas de energía, refiriéndome a la corporalidad.
Hubo actos con elementos o variaciones que nunca había visto, como la rueda Cyr que es usada como aro hula o en conjunto con un espectador. Nunca había visto una suspensión capilar doble y los movimientos de aro aéreo me sorprendieron por la fuerza, relacioné más el tipo de movimientos con trapecio. Por alguna razón las cintas aéreas no son muy de mi agrado, en esta ocasión me gustaron por la fuerza del número y la manera en que hicieron la introducción del acto.
Es un espectáculo que vale mucho la pena, la presentación a la que asistí fue la primera de la temporada, estuvo casi llena la sala. Se están dando dos funciones diarias, lo cual no es cualquier cosa. Muy recomendable. Lo único malo es que no hay programa de mano ni en QR, por lo que no sé los nombres de los artistas.
Alumnos de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT) presentaron como parte de la Temporada Académica 2023 Ui did it. La obra participó en el Festival Internacional de Teatro Universitario (FITU), ganando en la categoría C2 montajes de estudiantes dirigidos por docentes. Del 26 al 31 de marzo de 2024, como parte del ciclo La ENAT en Escena, se presentó en el Centro Cultural del Bosque. Fue hasta entonces que se me hizo verla.
La obra es una adaptación de La resistible ascensión de Arturo Ui (o la inevitable ascensión, dependiendo de la traducción) de Bertolt Brecht. El título hace un juego de palabras entre We did it (nosotros lo hicimos) y Ui did it ([Arturo] Ui lo hizo)
Siendo obra de Brecht es de esperarse que sea una historia muy cruda. La historia cuenta cómo el mafioso Arturo Ui va rodeándose de empresarios, políticos y jueces a los que ofrece su protección. Protección de él mismo, si no estás con él, seguro alguna desgracia te sucederá. Él puede encargarse de brindarte la protección para que nada te pase.
Desvíos de fondos, traiciones, falsificación de documentos, ataques a los detractores, fabricación de culpables, sobornos, cualquier cosa es válida. La obra fue concebida como un paralelismo a la subida de Hitler al poder, sin embargo, a 83 años de ser escrita (1941) sigue sintiéndose muy actual. Como se indica: cualquier parecido con la realidad, no es mera coincidencia.
Con adaptación de Samuel Arcadia y dirección de Nohemí Espinosa, es un trabajo con situaciones ridículas y muchos elementos de clown. No es como imaginaba la obra, hubiera esperado un tono serio, pero viendo las notas en la edición de Miguel Saenz1 creo que en realidad la obra fue concebida de una forma un tanto fársica, así que es una adaptación bastante atinada, salpicada con numerosas desafortunadas frases célebres de la política mexicana.
La historia está basada en hechos de Alemania, narrados en Chicago, pero bien pueden estar sucediendo hoy en día en cualquier parte del mundo. En 83 años no se ha aprendido nada ni ha habido cambios en cómo se mueve la sociedad. El título juega con el Arturo Ui lo hizo y nosotros lo hicimos, porque nosotros también somos los culpables al no hacer nada para detener a ascensión de Arturo Ui, de ahí la “evitable” o “resistible” es algo que se pudo haber detenido, pero no se hizo. Este montaje nos insta a esa reflexión y a actuar en su momento.
Si llegan a ver nuevamente en cartelera la obra, no duden en asistir.
1 Teatro Completo Bertolt Brecht. Edición de Miguel Sánez. Ediciones Cátedra. 2012.
Ui did it Basada en La resistible ascención de Arturo Ui por Betolt Brecht Dirección: Nohemí Espinosa Con: Samuel Arcadia, Andrea Marentes, Karina Ávila, Alejandra Dominguez, Joshua El Árbol, Leo Ledesma, Hazza, Leonardo Garrez, Paulina Hegewisch, Cristian Ramos, Paulina Ibargüengoytia, Ismael Robles Tovar, Ana Rojas, Harriet Vázquez, Doroty ó Melanie y Guillermo Aguilar Duración aproximada: 150 minutos
Poster de El Carretón del Desierto. Se muestra con fines ilustrativos.
Jorge Prior dirigió este documental fechado en 2022, pero es hasta ahora que llegó a salas de cine, particularmente a la Cineteca Nacional.
Kasia y Jaime vinieron a México desde Europa. Ella de Polonia, él de España. Se conocieron en la India acercando el teatro a la gente. En México han estado recorriendo el Altiplano, los estados de San Luis Potosí, Zacatecas, Durango, una parte de Coahuila y recientemente Nuevo León. Llevan su carretón de títeres a las comunidades que encuentran, poblados y rancherías en medio de la nada.
Nos narran cómo inicialmente recorrían a pie kilómetros y kilómetros con una mochila con títeres y sus víveres a las espaldas. Posteriormente consiguieron hacerse de un carretón tirado por caballos, mulas y/o burros. Ha sido un trabajo de varios años, de ir y venir entre los poblados y entre México Y Europa. Lo que ganan en Europa se ha quedado en los pasajes de avión. Acá en México solo tienen su carretón y sus títeres, eso les basta. Siguen el sueño de vivir del teatro y acercarlo a la gente que de manera regular no tiene acceso a él.
No solo llevan historias con sus títeres, también ofrecen talleres a los niños de las comunidades. Se les ve dar clases de acrobacia y teatro y montar pequeñas funciones con los niños.
Ellos comentan que es una vida que cualquiera puede hacer, renunciar a las comodidades a las que estamos acostumbrados en la ciudad y seguir el sueño, vivir de la tierra. Como lo indican, ellos no son campesinos ni arrieros, pero al final, viven de la tierra.
No ha sido un camino fácil, han tenido que aprender cosas que no imaginaban, han tenido caballos enfermos, han pasado hambre a 40 km del poblado más cercano, donde lo único que encontraban en algún lugar recóndito era Coca-Cola y Sabritas ¿esas cosas llegan a cualquier rincón del mundo? Han tenido que ser pacientes, bajar el ritmo al que estamos acostumbrados en las ciudades y pasar al ritmo del campo. Lo más importante: se han ganado la confianza de los pobladores que al principio veían con recelo a los europeos que habían llegado con quién sabe qué intenciones.
El documental es un excelente trabajo que muestra la labor de amor realizada por Kasia y Jaime. No es una película de acción, no es un documental que retrate desgracias. Creo que no es un filme para todo el mundo, pero vale mucho la pena verlo. Hay artistas con aires de grandeza que si no es en un teatro elegante no se presentan, y hay otros como Kasia y Jaime que lo dejan todo para llevarle el arte a la gente.
Por los Teatros 