#danza, Ballet, musica

Lago de los Cisnes (CND)

Tras 40 años de presentarse en la isleta del lago menor de Chapultepec, El Lago de los Cisnes dejó de presentarse en dicho lugar en 2016. En su momento se indicó que se trataba de una versión mutilada y se apostaba a montar la versión completa. Además que el clima frecuentemente era un problema. Al ser la temporada en febrero – marzo siempre había cancelaciones por lluvias. Con una duración de apenas una hora y final feliz, era bonita de verse, pero muy alejada de la versión tradicional.

Posteriormente se han realizado temporadas en el Palacio de Bellas Artes, desafortunadamente, como siempre sucede con la Compañía Nacional de Danza, las temporadas son de pocas funciones y al ser Lago una de las obras que más gusta al público, los boletos se agotan en un par de días.

Como anécdota personal: En la segunda mitad de 2017 pude conseguir realmente el último boleto de la temporada. Tras mostrarse en línea totalmente agotado, me apareció un solo boleto en todo el Palacio y en un buen lugar de la Luneta (plata baja) Rápidamente lo compré. El 19 de septiembre un fuerte sismo sacudió a la ciudad y por un par de semanas se cancelaron eventos masivos. La función para la que tenía boleto fue la única afectada. Cancelada sin posibilidad para reprogramar fecha.

Es hasta febrero de 2025 que pude ver por primera vez la obra completa con orquesta. Años atrás la había visto con una compañía rusa en el Metropólitan, pero sin orquesta. Nuevamente, en Chapultepec, era pista y una versión abreviada.

Cambia mucho con orquesta. No se por qué la Compañía lleva algunos años alternando funciones con y sin orquesta. Definitivamente es mejor con música en vivo.

Me gustó. Tiene motivos coreográficos bonitos, patrones que se van repitiendo, creando unidad y continuidad. Los momentos de los cisnes en verdad hacen ver una parvada. El único detalle, que frecuentemente tengo con la CND, es que los hombres suelen oírse pesados al caer de los saltos, haciendo mucho ruido en el piso.

La obra en vez de dividirse en cuatro actos, la presentan en dos actos de dos cuadros cada uno. Me llamó la atención que no tienen marcadas pausas para agradecer en las variaciones. Los momentos de saludos son entre los personajes, no hacia el público. Esto no impide que el público, como siempre, aplauda en momentos inoportunos. Las pausas, los silencios, están en la partitura por algo, no para que se aplauda en cada silencio presente.

El Palacio era de los recintos que tenían una política más estricta respecto al uso de cámaras. Desafortunadamente ya no se controla y mucha gente estuvo grabando y tomando fotografías durante la función, siendo notorio que lo hacían en las partes famosas mediáticamente, como en la danza de los cuatros cisnes, no así en el pas de deux de Odile con los 32 fouettés.

Con la salida de Lago en Chapultepec y La Bella Durmiente en el Castillo, solo ha quedado de manera regular El Cascanueces en el Auditorio Nacional, edificio que me parece muy malo para ballet. Me dio mucho gusto finalmente ver Lago de los Cisnes en el Palacio de Bellas Artes. Espero que pronto se considere tener temporada de manera regular en dicho recinto.

Lago de los Cisnes.
Coreografía: Cuauhtémoc Nájera sobre originales de petipa e Ivanov.
Música: Piotr Ilich Chaikovski.
Dirección de orquesta: Gavriel Heine.

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#clown, #danza, #teatro, circo, musica

Mictlán

Poster de Mictlán.

Del 1 al 9 de noviembre, Cielo Azul Circo presenta Mictlán, en el Foro Cultural Coyoacanense Hugo Argüelles. Se trata de una obra de música, danza, circo y teatro que muestra elementos tradicionales de día de muertos y de la mitología que lo rodea, como el xoloitzcuintle, colibríes, las calaveras, ofrendas y cempasúchil.

Con 13 artistas en escena y 5 músicos, la obra muestra el recorrido de una artista aérea que muere en una función, en su paso hacia el Mictlán.

La función incluye diversos actos circenses como números aéreos en telas, aro, estructuras en forma de luna y espiral, cintas, malabares de contacto y tradicionales, pulsadas, acrobacia de piso, equilibrio en manos, contorsión, suspensión capilar, antipodismo, aro hula y rueda Cyr. Las presentaciones son complementadas con elementos de danza y teatro, así como con música en vivo con letras que de una u otra manera se relacionan con el acto realizado.

A lo largo del montaje, el maestro de ceremonias alegra el ambiente con ocurrencias, bailes y acrobacias al ritmo de “yo no soy jaranero, soy un cenzontle, yo soy maromero”.  El número de telas se acompaña con letra alusiva al cabello por la espalda, su sonrisa y sus ojos, mientras la ejecutante realza con gestos la letra. De igual forma, el acto en el que un xoloitzcuintle hace acrobacias en la luna, va con una mezcla de “deja que salga la luna” y “luz de luna”. Así mismo, al mencionar “llorona de azul celeste” señalan el respectivo vestuario con ese color. En resumen, las letras estás muy bien elegidas para unirse a los actos realizados.

Los números están muy bien preparados, aunque algunas transiciones las siento un tanto bajas de energía, refiriéndome a la corporalidad.

Hubo actos con elementos o variaciones que nunca había visto, como la rueda Cyr que es usada como aro hula o en conjunto con un espectador. Nunca había visto una suspensión capilar doble y los movimientos de aro aéreo me sorprendieron por la fuerza, relacioné más el tipo de movimientos con trapecio. Por alguna razón las cintas aéreas no son muy de mi agrado, en esta ocasión me gustaron por la fuerza del número y la manera en que hicieron la introducción del acto.

Es un espectáculo que vale mucho la pena, la presentación a la que asistí fue la primera de la temporada, estuvo casi llena la sala. Se están dando dos funciones diarias, lo cual no es cualquier cosa. Muy recomendable. Lo único malo es que no hay programa de mano ni en QR, por lo que no sé los nombres de los artistas.

Mictlán
Cielo Azul Circo
Duración aproximada 1:30 horas

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#danza, Ballet

Onegin

Erick Rodríguez en su depedida como Onegin

El pasado 12 de noviembre, el primer bailarín Erick Rodríguez se despidió de la Compañía Nacional de Danza de México con la obra Onegin. La temporada, del 5 al 12 de noviembre, contó con 4 funciones y dos elencos para los papeles principales (excepto para el Príncipe Gremin, que tuvo tres intérpretes) Erick Rodríguez bailó  los días 7 y 12.

John Cranko coreografió la obra en 1965 para el Stuttgart Ballet, basándose en la novela de Alexander Pushkin, Eugenio Oneguin (también escrito Eugene Onegin. Creo que la forma correcta en español es con la u, produciendo un sonido suave, en la reseña usaré la ortografía del programa de mano)

El argumento es aproximadamente el siguiente: Olga está comprometida con Lensky. Su hermana Tatiana se enamora de Onegin, quién la trata de manera fría y frente a ella rompe la carta de amor que le ha hecho llegar. En una fiesta, Onegin coquetea con Olga, provocando el enojo de Lensky, quien lo reta a duelo. Onegin mata a su rival y se va de la ciudad. Diez años después regresa, encontrando a la princesa Tatiana casada con el príncipe Grevin. Onegin ahora es quien escribe una carta de amor. Tatiana no quiere que Grevin la deje sola, pero él tiene que salir, por lo que Onegin se presenta esperando una respuesta. Es turno de Tatiana de romper la carta frente a Onegin y pedirle que salga de su vida para siempre.

Ballets basados en novelas rusas del siglo XIX como Ana Karenina y Un héroe de nuestro tiempo no son de mis favoritos. A mi gusto tienen demasiadas escenas de bailes de corte, aunque lo admito, los ballets clásicos también tienen muchas escenas de danzas en palacio que agregan poco a la historia.

 En el caso de Onegin, tampoco es de mis obras favoritas, sin embargo, esas escenas de baile en la corte son interesantes por tener pasos muy elaborados y frecuentemente desplazamientos a gran velocidad por el escenario.

La escenografía me gustó mucho, transporta a los palacios y lugares de la historia. El uso del proscenio mientras se hacen cambios durante las escenas me pareció muy acertado.

En el primer acto Tatiana se ve frente al espejo, me gustó cómo lo resolvieron mediante otra bailarina. También cómo su sueño se va materializando a través del espejo. La danza triste de Lensky antes del duelo transmitió mucho sentimiento. El duelo y los recuerdos atormentando a Onegin desfilando en el proscenio son escenas muy bien hechas. El final, cuando Tatiana es quien desprecia a Onegin con las mismas acciones que él tuvo antes hacia ella, es algo muy fuerte. Tatiana queda llorando, ella en verdad lo quiso, pero han pasado demasiadas cosas y es muy tarde para que surja algo, aunque por un momento pareciera que ella va a ceder. El papel de Tatiana, en la función final fue interpretado por Elisa Ramos, esposa de Erick, quien es Primera Solista.

Erick Rodríguez nació en La Habana, fue parte del Ballet nacional de Cuba del 2000 al 2002. Ingresó a la Compañía Nacional de Danza de México en 2003 y en 2009 llegó a Primer Bailarín. Tras 20 años en esta agrupación, se despide con una obra que le gusta mucho y bailó 13 años atrás. Teniendo la oportunidad de reinterpretar el papel, ahora más maduro.

La tarde del 12 de noviembre, la última que bailó, la función fue suya y todo el Palacio de Bellas Artes estuvo para acompañarlo. En la Luneta (planta baja) se dieron cita personalidades de la danza: coreógrafas, ex primeras bailarinas y primeros bailarines, directores artísticos anteriores, gente que se ha despedido previamente y que compartieron escenario con Erick. Tras la función, se proyectó un video con compañeros, familiares y amigos enviando sus mejores deseos al homenajeado en la nueva etapa de su carrera. Me pareció muy importante eso: nadie lo vio como “retirarse” si no como una nueva etapa en su vida profesional. No sabemos que planes tenga, pero seguramente seguirá muy activo, ahora en otro papel.

Antón Joroshmanov, Elisa Ramos, Óliver, Díaz, Erick Rodríguez, Alexis Escamilla

Es la segunda vez que voy a una función de despedida, la primera vez fue en 2008 cuando la Primera Bailarina Irma Morales dijo adiós con Romeo y Julieta. En aquella ocasión si mal no recuerdo no hubo temporada, fue una sola función. En el vestíbulo de la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes se colocó una exposición con fotos, zapatillas y momentos de la carrera de Irma. En este caso, esperaba también alguna exposición sobre la trayectoria de Erick. No la hubo. A fin de cuentas, son 15 años de distancia y diferente administración. Algo que también extrañé fue el programa de mano impreso. Constantemente me he quejado en este espacio de los ahora omnipresentes programas digitales. Del 2008 incluso tengo el programa con una dedicatoria de la maestra Morales. Este año solo nos llevamos el programa digital. El formato impreso estuvo disponible exclusivamente para los invitados especiales en la mesa de cortesías.

Uno de los nuevos retos con los programas digitales es la forma en la que se van a archivar y documentar los mismos, cómo se va a conservar la parte de la historia que va en esos registros, donde ahora se pierden las variaciones o pequeñas historias particulares en que puede puede haber algo dedicado o firmado.

Onegin
Coreografía: John Cranko.
Reposición: Jane Bourne.
Música: Piotr I. Chaikovki.
Orquesta del Teatro de Bellas Artes. Óliver Díaz, Director Invitado.
Solistas del 12 de noviembre: Erik Rodríguez, Elisa Ramos, Argenis Montalvo, Alexis Escamilla, Antón Joroshmanov, Sonia Jiménez, Irina Marcano.
Duración aproximada: 2 horas con 2 intermedios.

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#danza, Ballet, contemporaneo, folclor

DanZoología

Detalle del poster de Danzoología. Se miestra con fines ilustrativos.

Del 27 al 29 de octubre de 2023 se presentó en la Sala Miguel Covarrubias de la UNAM, el programa DanZoología. La biodiversidad animal en la danza. Una función colectiva que unió diferentes bailes alusivos a animales.

Únicamente el 28 y 29 presentó la Escuela Nacional de Danza Folklórica, con Quetzales. Con la participación especial de Antonio Hernández, maestro y músico de la danza de Quetzales del barrio de Tacopan, Atempan, Puebla. La danza es hipnótica, un tanto monótona. Sorprende que durante media hora los intérpretes bailen sin parar con la misma serie de saltitos, todo el tiempo con el acompañamiento musical del maestro Hernández. La energía que se requiere para bailar, así como tocar la flauta y tamborín durante media hora debe ser muy grande.

Continuó Diario de confinamiento, coreografía e interpretación de Irene Martínez. No me gustó. La solista se mueve en un recuadro frente a una proyección de unas palomas echadas. ¿representa una paloma en cautiverio? No me quedó muy claro y en todo caso los movimientos no me remitían a una paloma.

La Compañía Mexiquense de Danzas Regionales bailó El Alcaraván, La Tórtola y El paloma y la paloma. En el programa se anunció El Zopilote, pero no se interpretó. Me gustó la participación de la compañía. Obras alegres donde el movimiento si ilustra a los animales que representan.

Ícaro, de la Compañía Corpógrafos, siguió en el programa. Con coreografía de Isabel Beteta e Interpretación de Eustorgio Guzmán Sanvicente, muestra un Ícaro naciente, parece un ave saliendo del cascarón. Después la desesperación al perder las alas y caer. En el tema de los plásticos de un solo uso me da no se que pensar en un vestuario de una sábana de plástico que es rota en cada función, seguramente en cada ensayo.

4 cisnes del Lago de los Cisnes, coreografía de Reyna Pérez, de Ardentía, muestra la famosa variación en una versión “cómica” interpretada por hombres. Existen diversas versiones de este estilo. Siento que no terminó de amarrar y hubo una respuesta un tanto fría del público.

La Compañía Nacional de Danza presentó el Pas de deux de Lago de los Cisnes con Ana Elisa Mena y Alejandro Hidalgo. Lago siempre es favorita del público y no fue la excepción.

Continuó Isabel Beteta con Calling Me, un solo contemporáneo. No se si era un insecto eclosionando entre el lodo. No me gustó.

El programa finalizó con La danza del venado, con el Ballet Folklórico de México de Amalia Hernández. No cuenta con datos del intérprete.

La función en general me gustó, como función conjunta es un esfuerzo especial entre varias compañías y es interesante el concepto de que todo gire en torno a un tema: los animales. La dirección artística corrió a cargo de Héctor Garay e Isabel Beteta. A pesar de estar prohibido tomar fotografías y video no faltó quien sacó su celular a escondidas con ese fin. ¿Público regular? No. Quien lo hacía era gente de danza que debería estar más consciente del respeto por esas reglas.

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#danza, Ballet

Carmina Burana y Noche de Walpurgis

Detalle del poster del Ballet de Jalisco. Se muestra con fines ilustrativos.

El Ballet de Jalisco presentó el pasado 10 de junio en el Palacio de Bellas Artes el programa compuesto por Carmina Burana y La Noche de Walpurgis.

La velada comenzó con La Noche de Walpurgis, sobre el ballet de la ópera Fausto, con música de Gounod. Sin leer el programa de mano, uno de los personajes, con cuernos, me remite a un Fauno, probablemente Dionisio. Su maquillaje me parece excesivo, con los cuernos era suficiente. Los bailes son muy dinámicos. El cuerpo de baile posiblemente son Bacantes, no me sorprendería que el otro personaje masculino sea Apolo. Tras la función, al leer el programa de mano, veo que son Paris, Helena, un fauno y ninfas.

La escenografía (Lucía Ortíz) nos transporta a un bosque en la noche de Walpurgis, como bien dijo un espectador, se parece a Sueño de una Noche de Verano (coreografía de James Kelly con escenografía de Juliana Fraesler Y Erika Gómez, presentada por la Compañía Nacional de Danza en el mismo Palacio de Bellas Artes) Los árboles y la iluminación hacen muy buenos efectos.

La primer parte de la función duró aproximadamente media hora, viene un intermedio y posteriormente el cierre con Carmina Burana, con música de Carl Orff. Nuevamente la escenografía e iluminación crean diversos efectos mágicos jugando con las profundidades de la escena.

No sé por qué razón la música de Orff no se presentó en el orden establecido por el compositor. Los Carmina Burana son un conjunto de cantos, Orff seleccionó algunos de ellos, les hizo un arreglo sinfónico y los organizó de una manera en particular. Si se presenta Carmina Burana de Carl Orff espero oír la cantata como fue concebida por Orff. En su lugar se presentó en diferente orden. En un momento dado comenzó a distraerme el tratar de recordar si una pieza debía seguir a otra o no. Para una obra tan conocida no creo que sea buena idea alterar el orden.

Lo que no me gustó de la función:

  • La edición de la música de Orff.
  • El público compuesto por familiares y amigos. Aplaudían prácticamente en cualquier silencio musical, gritaban “Bravo [nombre de algún bailarín]” y hasta sacaban el celular para tomar fotos y video a pesar de estar prohibido hacerlo en el Palacio. Sé que es un gran logro que sus familiares bailen en Bellas Artes, pero parecía festival escolar. Mis vecinos de butaca incluso me preguntaban si había algo después del intermedio (no conocían el programa)

Lo que me gustó:

  • Ambas coreografías fueron muy dinámicas, la iluminación hizo efectos muy bonitos. La compañía es un conjunto de bailarines muy talentosos. Estuve en quinta fila y no se oían los pies al caer de los saltos, muy buena señal de que están bailando alargados, quitando peso y amortiguando perfectamente las caídas. Cosas que pocas veces veo aún con compañías profesionales.

Disfruté mucho la función, nunca había visto al Ballet de Jalisco y me gustó mucho su trabajo y técnica.

Noche de Walpurgis
Coreografía: Lucy Arce sobre original de Mikhail Labrovsky
Música: Charles Gounod
Carmima Burana
Coreografía: Lucy Arce
Música: Carl Orff

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#danza, Ballet

Coppelia

Detalle del programa de mano. Se muestra con fines ilustrativos.

Coppelia o La muchacha con ojos de esmalte fue estrenada en 1870 en la Ópera de París, con música de Léo Delibes, libreto de Charles Nuittier y Arthur Saint-León. Coreografía de Saint-León. El argumento se basa en el cuento El Hombre de Arena de E.T.A. Hoffman. Desde entonces este ballet pantomímico se ha mantenido entre los favoritos del público por ser además cómico, siendo conocido simplemente como Coppelia. Ha tenido varias versiones coreográficas a lo largo de sus más de 150 años de existencia.

La Compañía Nacional de Danza presenta la obra como el programa 2 de la temporada 2023, después de 7 años de no montarla. Esta versión fue coreografiada por Enrique Martínez, quien falleció en 1998.

A pesar de ser una obra bastante conocida, creo nunca la había visto en vivo, solo en videos. Además, esta visita al Palacio de Bellas Artes marca mi primer asistencia al recinto después de iniciada la pandemia, la última vez que estuve fue para la Gala Contemporánea, justo una semana después de confirmado el primer caso en México. En esa ocasión hubo muy poco público. Esta vez me dio gusto ver bastante gente, aunque no lleno total y con promociones en internet con el operador de boletos, lo que puede indicar bajas ventas.

La temporada se realiza en dos versiones: con o sin orquesta (música grabada) Hace años todas las funciones eran con orquesta, no sé por qué hace tiempo comenzaron a hacerse las presentaciones con grabación. Al menos ahora hay oportunidad de seleccionar la función y, para mi gusto, ver el ballet con orquesta.

El ballet se divide en tres actos y cuenta la historia de Swanilda y Franz quienes están comprometidos, sin embargo, Franz coquetea con la misteriosa Coppelia, hija del Doctor Coppelius. Coppelia es una muchacha guapa que sale a leer a su balcón y no interactúa con nadie …excepto para mandarle besos a Franz. Swanilda se enoja y no quiere saber nada del matrimonio con Franz. Él se va con sus amigos a una taberna, Coppelius sale a la calle y los bribones se divierten a su costa atacándolo. En el jaloneo pierde sus llaves. Las muchachas que ven todo, toman la llave y se meten a casa de Coppelius. Franz mientras tanto busca una escalera para subir al balcón y visitar a Coppelia.

En el segundo acto, las muchachas descubren que la casa de Coppelius es un taller donde fabrica autómatas y Coppelia es una muñeca. Coppelius mientras tanto, regresa a casa y encuentra la puerta abierta, las chicas salen huyendo excepto Swanilda que toma el papel de Coppelia. Mientras, Franz ha entrado por la ventana. Coppelius lo emborracha para hacer un hechizo y transferirle su alma a Coppelia y que así tome vida. La tarea parece funcionar, ya que la muñeca se mueve, aunque tomándose demasiadas libertades. En realidad, Swanilda se divierte a costa del Doctor.

Franz despierta y ambos huyen, sin antes dejar revuelto el laboratorio y hacerle ver al Doctor la triste realidad de que todo fue un engaño y Coppelia sigue siendo no más que una muñeca.

Durante el tercer acto se celebra la boda entre Franz y Coppelia. Como sucede en la mayoría de los ballets, el acto está dedicado en su totalidad a los festejos.

El ballet es bastante dinámico y divertido. Al ser pantomima, gran parte de la historia se va narrando con gestos. La mazurka siempre es de las favoritas del público. A mi alrededor escuché gente reaccionando con alegría al escuchar las piezas más conocidas. Mucho colorido, limpieza en el movimiento, la ambientación que crea la escenografía es muy bonita, sensación de profundidad en la plaza. Me gustó particularmente que podemos ver, aunque sea un poco, el interior de la taberna, donde se vislumbra a una persona disfrutando su estancia en el lugar. También me impresionó que los bailarines que hacen de muñecos permanecieron gran parte del segundo acto en una sola posición.

Nuevamente, extraño los programas de mano físicos. Al menos el QR funciona y el PDF está bellamente elaborado. Después de tres años de no ver ballet, fue bastante revitalizante y lo hizo mejor la orquesta en vivo. La temporada termina el 30 de abril, quedando aun con y sin orquesta. La función empieza puntual, lo cual se agradece y cuenta con dos intermedios de aproximadamente 10 minutos, teniendo una duración total de alrededor de 2:00 horas.

Coppelia
Coreografía: Enrique Martínez
Adaptación Coreográfica: Compañía Nacional de Danza
Música: Léo Delibes
Director Musical: Luis Manuel Sánchez
Escenografía y vestuario: Eugenio Servin
Iluminación: Compañía Nacional de Danza
Estreno con la CND: 28 de septiembre de 1989, Sala Principal del Palacio de Bellas Artes

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#danza, Ballet

Sueño de una Noche de Verano (Neumeier)

Portada de Sueño de una Noche de Verano, se muestra con fines ilustrativos.

John Neumeier en 1977 creó su versión de Sueño de una Noche de Verano, basado en la obra de Shakespeare. Historia llevada a la escena de la danza en numerosas ocasiones, esta versión es diferente a las otras por no llevar solo la música del mismo nombre de Mendelssohn.

La historia es la comedia de errores donde dos parejas se adentran en el bosque, una correspondida y la otra no. El bosque es el dominio de las hadas, donde Titania y Oberón tienen sus propias rencillas. Oberón planea verter un hechizo de amor sobre Titania y así burlarse de ella. Puck le ayuda pero el travieso duende comienza a inmiscuirse con las dos parejas de humanos creando una confusión. Al final todo se resuelve y los humanos se casan con la venia de Hipólita y Teseo, los duques, que también celebran su boda.

En la presente versión con el Hamburg Ballet se alterna música de Félix Mendelssohn, no limitada a la Música Incidental a Sueño de una Noche de Verano, con la de György Ligeti. Otro cambio sustancial es que las parejas de Titania/Oberón e Hipólita/Teseo son interpretadas por los mismos bailarines. De igual forma Puck y Filóstrato, que serían los sirvientes de una y otra pareja, son ejecutados por el mismo bailarín.

Vemos a Hipólita y Teseo no como una pareja feliz, están a punto de casarse, pero a Teseo se le ve distante e interesado en otras mujeres. Puede ser un reflejo de la historia tradicional en que Titania y Oberón están peleando por la custodia de un paje ¿hijo?

Las escenas en el bosque, en el reino de las hadas, llevan música de Ligeti. En general no me gusta, me parece muy disonante. Los pas de deux entre Titania y Oberón son de muchas cargadas casi circenses.

Los bailes grupales están muy bien realizados, las escenas del mundo de los humanos son muy luminosas y las escenas de las hadas son muy abstractas y obscuras.

Las escenas de los comediantes que preparan el divertimento para la boda de Hipólita y Teseo son francamente divertidas. Su representación de la tragedia de Píramo y Tisbe es divertida, bien contada y se le dedica su tiempo. Usualmente es un pasaje que se deja de lado o se representa muy de pasada. En la obra de Shakespeare está establecido que un hombre representa a Tisbe, en esta versión cabe destacar que lo hace en puntas aparentando no saber usarlas.

Teseo me parecía conocido. Caí en cuenta que Edvin Revazov es el mismo bailarín que participa en la grabación de La Dama de las Camelias con el Bolshoi al lado de Svetlana Zakharova. La Dama de las Camelias es también de Neumeier, estrenado con el mismo Hamburg Ballet. Para la presentación con el Bolshoi, Neumeier se llevó especialmente a Revazov.

Otros trabajos de John Neumeier me han gustado mucho. Éste me pareció interesante por los paralelismos entre las parejas, sin embargo, no me gustó lo oscuro y la música para las hadas. La grabación, realizada en 2021 se encuentra disponible en medici.tv y fue hecha especialmente para cámara, no es con público en vivo y permite cambios de personaje más rápidos que si fuera en un escenario en vivo.

A Midsummer Night’s Dream
Coreografía: John Neumeier
Bailarines: Anna Laidere, Alexandr Trusch, Edvin Revazov, H´lène Bouchet, Madoka Sugai, Karen Azatyan, Jacopo Bellussi, Marc Jubete
Dirección: Myriam Hoyer
Duración: 2:00 horas

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#danza, Ballet, contemporaneo

La Sirenita (ballet)

El conocido cuento de Hans Christian Andersen fue publicado por primera vez en 1837, desde entonces se ha mantenido en el gusto del público, teniendo múltiples adaptaciones.

Jan Kodet, con el Ballet Nacional Checo, realiza una coreografía contemporánea del cuento, con música de Zbyněk Matějů.

La obra se divide en dos actos, cada uno aproximadamente de 50 minutos de duración. En el primero vemos a las sirenas en su mundo acuático y a un grupo de jóvenes humanos ¿surfeando? Las sirenas con movimientos hipnóticos atraen a los humanos que naufragan, una sirena intercede por uno de ellos. Las sirenas siempre tienen caras inexpresivas, sobre todo la reina, dura como un palo. El vestuario no me gusta, parecen camisones. Me resulta mas interesante el vestuario del muchacho que habita en el mar con la sirenita ¿un tritón, un pez? ¿amigo, pretendiente? Nunca queda claro su papel.

La sirenita busca a la bruja, quien tiene el personaje más interesante de la obra. Al dirigirse a las profundidades del océano, la sirenita se encuentra con peces abismales, le da un buen toque, sin embargo los secuaces de la bruja no queda claro que son, parecen momias. En algún momento traen a un humano muerto en un ataúd de cristal con un cuchillo en el pecho, hacia el final vuelven a él. No entiendo para nada que tiene que ver con la historia. El primer acto concluye cuando la sirenita hace el trato con la bruja.

Durante el segundo acto la sirenita conoce al príncipe, posteriormente él conoce a otra muchacha con quien se casará. En las profundidades la reina de las sirenas, el amigo y la bruja discuten respecto al muerto y al cuchillo (?) el amigo intercede tomando el cuchillo con lo que se sacrifica (?) en la superficie los novios van en una balsa que está a punto de naufragar y la sirenita tiene la posibilidad de matarlos con el cuchillo. No lo hace. Al final vemos al amigo muerto llevándose el cuerpo de la sirenita.

No me gustó la obra, me parece muy abstracta, muchos momentos son poco claros y apuesta a que la historia es de dominio público (aunque tal vez no sea tan conocido el cuento original, como las películas de animación) La música es disonante, me recuerda a Stravisnky que no me gusta. El vestuario tampoco me gusta.

Tras ver la obra me remití al cuento. El amigo no existe en el mismo, por lo que solo puedo pensar en la jaiba de Disney. Las sirenas del ballet son del tipo que guía a los marinos al naufragio, en el cuento son personajes sin malicia hacia los humanos. Por otro lado, en el ballet me parecen demasiado inexpresivas como para “tentar” a los marinos y un camisón de vestuario no ayuda. El cadáver en poder de la bruja me es totalmente inexplicable y en el cuento tampoco existe. Al ser tan abstracto el final falla en transmitir la redención de la sirenita a su buena acción de no matar al príncipe.

Los momentos más interesantes son las danzas de los varones, tanto los tritones en el fondo del mar como los marinos cuando surfean. Fuera de eso no me gustó.

Disponible en medici.tv

Magdaléna Matějková (La Sirenita)
Coreografía: Jan Kodet
Música: Zbyněk Matějů
Czech National Ballet
Producción: Les Films Figures Libres – Česká televize – Mezzo – The National Theatre Prague
2017
Duración: 1:40 horas

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#danza, #video, Ballet, contemporaneo

Gala de Ballet Chino

Portada de Gala de Ballet Chino. Se muestra con fines ilustrativos.

En el marco del 72 aniversario de la fundación de la República Popular China, el 30 de septiembre de 2021 Canal 22 transmitió La Gala de Ballet Chino, programa auspiciado por el Centro Cultural de China en México y la Embajada.

El programa, formado principalmente por fragmentos de obras, ha sido difundido en otros países.

La gala incluye piezas clásicas como Giselle y una reinterpretación de Cascanueces, en este caso titulado Año nuevo chino. El fragmento presentado es el Vals de las flores que en esta versión se llama Porcelana China. Los tutús de plato realmente parecen platitos de dicho material.

El Pabellón de Peonia combina elementos de cultura china con danza contemporánea y algunos elementos de clásico, lo que lo lleva más hacia lo neoclásico. La ejecución me parece muy buena, con expresiones llenas de sentimiento. Otra obra, Los farolillos rojos colgados en lo alto, une muy bien estética tradicional china con elementos de ballet.

Canto de la Grulla, es una hermosa coreografía de Ma Cong y Zhang Zhenxin. Los bailarines con gran plasticidad emulan muy bien los movimientos de dichas aves. Es de mis favoritas de la gala, al igual que El ciervo de nueve colores, primer ballet chino de cuento de hadas. Fue creado para los alumnos de la Escuela de Danza del Ballet Nacional de China. El extracto presentado muestra a los ciervos en el bosque. Me deja con ganas de conocer la obra completa.

Canon en Re mayor es producto del Taller de Ballet lanzado por la Compañía para promover jóvenes talentos. Con coreografía de Jiri Bubenicek es otra de las obras que más me gustaron por la fluidez del movimiento. Sin embargo se siente muy editada, es la pieza en que más me molestó el trabajo de cámara ya que no se aprecia totalmente la coreografía. Con Carmen de Roland Petit, nuevamente el trabajo de cámara hace sentir que hay cortes, uno evidente es al final donde eliminan un par de segundos pero se nota que Carmen está de pronto más alejada de Don José de la posición en que estaba.

Canción de la vida continúa el programa. Coreografiada por Ying E Ding y Yang Minjian es una obra de danza contemporánea bastante pulida. Es la pieza a la que se le da más tiempo en la gala y se agradece que no esté editada.

Asparas Voladoras de Dunhuang cierra el programa. No me gustó. En el ciclorama se proyectan imágenes en movimiento que distraen de la acción en el escenario.

En general el programa es bueno, muestra una amplia variedad de estilos: clásico, neoclásico, contemporáneo y tradición china. Lo que no me gusta es que varias obras están editadas sin ocultar los cortes. Al resumir la gala en un programa de televisión de una hora quedaron incompletas las obras. Me hubiera gustado un programa más largo o eliminar piezas pero no cortar otras.

El video está disponible en el canal de You Tube del Centro Cultural de China en México.

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#danza, #video, circo, contemporaneo, pelicula

Sept moments de joie

Siete momentos de algería

Cirque Éloize, compañía de circo con sede en Montreal, ha realizado una nueva producción durante la pandemia. La misma es una película para mostrarse por medio de streaming. Se trata del espectáculo Sept moments de joie (siete momentos de alegría), que une a 7 coreógrafos haciendo igual número de obras que mezclan danza con artes circenses.

La realización corre a cargo de Lilli Marcotte y la puesta en escena es de Benoit Landry. Las obras son:

Fine Ligne, de Virginie Brunelle. Danza contemporánea y danza en bungee. Cuenta con 3 bailarines y un cuarteto de cuerdas interpretando música de Philip Glass. Se explota muy bien el espacio haciendo que por momentos los bailarines y la cámara se muevan entre los músicos.

Slick, de Christian Garmatter. Con la famosa música Sing, sing, sing de Louis Prima en versión de Benny Goodman, es una mezcla de swing, break, pole dance y malabares. El resultado es una obra con mucho frenesí que fácilmente nos traslada a los salones de principios de siglo XX. La iluminación complementa muy bien la escenografía, incluso se producen reflejos en las ventanas que hacen pensar en la existencia de anuncios luminosos en el exterior. Los encuadres no me gustaron del todo, hay acercamientos que dificultan apreciar partes de la obra. En particular me llama mucho la atención el malabarista, sobre todo un movimiento en el que las pelotas pasan describiendo un círculo de atrás hacia adelante.

Ravissement 42 45 de Claudia Chan Tak presenta una especie de desfile de modas con telas de animales y posteriormente algo que parece una batalla de una pareja sobre mástil chino.

Souffle de Axelle Munezero une danza contemporánea con aros hula. Las mariposas son un tema recurrente. Son parte del vestuario y hay movimientos de brazos que remiten a un aleteo desesperado. El vestuario de la solista es un vestido muy elaborado y en el cabello chino lleva varias mariposas, algo que requirió mucho trabajo de realizar.

Yalapasicik de Ivanie Aubin-Malo. Coreógrafa perteneciente a la nación Malecite de Cacouna, en Quebec, sus obras se enfocan en dar presencia a los grupos originales de Canadá. Yalapasicik involucra pasos de la tribu Pow Wow y mezcla contorsionismo. El vestuario y la escenografía remiten a la indumentaria tradicional. Con música de Kìzis con quien Aubin-Malo ha trabajado antes, la obra logra una atmósfera ritual, incluso alucinógena. La música se siente entre tradicional y electrónica, lo que logra un ritmo hipnótico que ayuda con la sensación alucinada.

Ojas de Edgar Zendejas une danza contemporánea con acrobacia aérea y música en vivo: un guitarrista y cantante español. La voz no es de mi agrado.

Furie de Manuel Roque termina el programa. Une danza y acrobacia. Aprovecha totalmente el espacio del estudio del Cirque Éloize donde se realizó la grabación. La solista se mueve por varios salones. Se utiliza muy bien la iluminación natural y los grandes ventanales del edificio. Es una grabación que se presenta en cámara lenta dando un toque muy especial al frenesí mostrado por la intérprete. Es la única obra en la que en realidad veo alegría. Al final observamos a la bailarina abrir la puerta del estudio y salir a la calle. Acaso el fin de la cuarentena.

La película en general me parece muy buena. Un gran esfuerzo que Cirque Éloize hace en estos momentos para seguir produciendo material. Las obras llevan una breve introducción de los coreógrafos (en francés) y en general se expresa el gusto de estar trabajando juntos. Se pueden ver imágenes de ensayos con cubrebocas. No hay duda, ésta es una creación durante la pandemia.

Se hizo muy buen uso de la cámara dando planos muy interesantes que no se lograrían con público en vivo. Se propusieron hacer un film y se logró, dando escenas en las que la cámara recorre 360 grados y no se ve nada del equipo de producción. El tema es 7 momentos de alegría aunque solo veo alegría en la obra Furie.

Fine Ligne, Slick, Yalapasicik y Furie son las obras que más me gustaron.

El streaming está disponible hasta el 6 de enero en la página de Cirque Éloize. Tiene un precio de 15 dólares canadienses y un boleto es válido por 48 horas a partir del primer acceso. Todos los ingresos se donarán a la Fundación Éloize para contribuir al desarrollo de las artes escénicas.

Sept moments de joie
Cirque Éloize
Realización: Lilli Marcotte
Puesta en escena:Benoit Landry
Coreógrafos: Virginie Brunelle, Christian Garmatter, Claudia Chan Tak, Axelle Munezero, Ivanie Aubin-Malo, Edgar Zendejas y Manuel Roque
Duración aproximada: 1:20 horas

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