Momo

La Karpa de Mente ofrece la Licenciatura en Artes Circenses Contemporáneas, como trabajo de los alumnos de la Licenciatura, tuvieron la temporada de estreno de Momo o la extraña historia de los ladrones de tiempo, que duró tres semanas en la Karpa.

Acudí al cierre de temporada, atraído por la oferta de «circo, danza, teatro y música», todo bajo la dirección de Iván Mondragón y Edgar Zendejas, éste último ha trabajado con Cirque Eloize de Montreal, por ejemplo Sept moments de joie.

Lo que no me gustó: La impuntualidad. Comenzó 26 minutos tarde. Para una obra de una hora de duración es un retraso sustancial. Otro punto en contra fue el personal de la Karpa que trataba de jalar los aplausos del público, generalmente sin mucho éxito. Esto me llamó la atención, pues al ser fin de temporada había muchos familiares y amigos, sin embargo, se sentía una respuesta un tanto fría.

Por más que quise visualizar la historia de Momo de Michael Ende, no la encontré. Debe ser una interpretación muy abstracta de la novela. El montaje me parece interesante pues une muy bien las disciplinas que promete: circo, danza, teatro, música. Hay músicos en escena, existen secuencias coreografiadas y por supuesto hay circo.

Muy al estilo del circo contemporáneo canadiense, los números suelen ser hasta tres actos simultáneos: simultáneos: puede haber un acto aéreo mientras otra persona hace malabares y un grupo interpreta una coreografía. En ocasiones uno tiene que decidir a cuál de las cosas ponerle atención.

El espectáculo tiene malabares, equilibrio de manos, pulsadas, rueda Cyr, monociclo, números aéreos en trapecio y en plástico, entre otros. Hablando del plástico, hay exploración de materiales y objetos que no suelen usarse en los actos circenses. Eso me pareció muy interesante, aunque no necesariamente el resultado sea placentero.

La obra comienza con un hule enorme, a modo de tela, para acrobacia aérea. Nunca había visto eso, seguro tiene una dificultad particular al ser más rígido que una tela, pegajoso y adherirse con el sudor. No me gustó. Rechina con las evoluciones del artista y no tiene la caída fluida que da una tela.

Un acto de malabares con cajas de cartón fue interesante pues nunca había visto algo así, con objetos tan grandes, solo que falta fluidez. Los números de malabares en grupo de cuatro personas me gustaron a pesar de haber varias fallas.

La obra en general me pareció interesante. Tiene muchas cosas rescatables. Creo que todavía falta práctica para que se vea fluido. Me encantaría que no quede en esta temporada. Me gustaría que los alumnos sigan trabajando en ella y ver el resultado más adelante.

Respecto a “la respuesta fría del público” en un momento dado creo que entendí la razón. En un punto de la obra, una de las chicas vio hacia el público, pero parecía ver al infinito, no mirar al público sino más allá. Es decir, había cuarta pared, como en el teatro o en la danza. En el circo estamos más acostumbrados a que no exista esa pared y haya una comunicación más estrecha con la audiencia. Posiblemente el público lo sentía y por eso no se sentía invitado a aplaudir, sino hasta el final, como se hace en el teatro. Cabe mencionar que el aplauso final fue atronador.

El espectáculo se presentará el 29 de marzo a las 14:00 horas en el Pabellón Circense del Centro Nacional de Artes en el marco del programa Escenarios Convergentes por el Día Mundial del Teatro.

Momo o la extraña historia de los ladrones de tiempo.
Dirección: Iván Tonantzin Mondragón y Edgar Zendejas.
Música e interpretación: Hugo Morales Zendejas y Adrián Robledo.
Estudiantes LACC: Quetzalli Coyol, Grecia Gómez, Ericka Giovanna Gutiérrez, Juan de Dios Hernández, Luisa Lucía Hernández, Rodrigo Iván Hernández, María del Carmen Hudlet, Alma López, Alejandra Martínez, Xochiquetzalli Montiel, Mauricio Pretelin, Karol Lizeth Villegas.
Duración: 1:00 hora

#danza, contemporaneo

Carmina Burana (TCUNAM)

Del 24 al 27 de octubre, el Taller Coreográfico de la UNAM presentó en el Teatro de la Danza, Carmina Burana, de Irina Marcano, actual directora del TCUNAM.

Se trata de una versión minimalista donde la escenografía consiste solo en un piso rojo con apoyo de iluminación que nos lleva a diferentes atmósferas, iluminadas, coloridas y festivas u obscuras y agonizantes.

La coreografía me parece entre contemporánea y neoclásica. Definitivamente no es ballet clásico, tiene elementos contemporáneos y rompimiento de líneas, sin embargo, se baila con zapatillas de media punta y no descalzos como es más frecuente en el contemporáneo. Así mismo son reconocibles elementos clásicos.

Es el tipo de contemporáneo que me gusta: dinámico, sin tanto piso ni acrobático. Hay escenas en las que es muy grato cómo se van agregando poco a poco bailarines al escenario dentro de los compases musicales. En otros momentos, al finalizar alguno de los cantos, con el acento se suma repentinamente un personaje. Es un movimiento preciso. No esta ahí y en el siguiente segundo, igualando la música ya está en su lugar.

Uno de los cuadros que me resultó más interesante fue el del cisne. Un movimiento completamente descoyuntado que remite perfectamente al cisne asado que es devorado y posteriormente olvidado. Un ambiente negro, sombrío con los bailarines que lo comerán acechando. Globalmente no es una escena muy grata a la vista, por lo tanto, está muy bien lograda, con mucha plasticidad transmite el sufrimiento del ave.

23 bailarines dan vida a la obra, de aproximadamente una hora diez minutos con la conocida música de Carl Orff. En algunos momentos el cuerpo de baile se veía un poco disparejo o con diferente energía en los movimientos. Me fue grato que el público aplaudió hasta el final y no en cada escena.

Carmina Burana
Música: Carl Orff.
Coreografía: Irina Marcado.

#danza, Ballet, contemporaneo, folclor

DanZoología

Del 27 al 29 de octubre de 2023 se presentó en la Sala Miguel Covarrubias de la UNAM, el programa DanZoología. La biodiversidad animal en la danza. Una función colectiva que unió diferentes bailes alusivos a animales.

Únicamente el 28 y 29 presentó la Escuela Nacional de Danza Folklórica, con Quetzales. Con la participación especial de Antonio Hernández, maestro y músico de la danza de Quetzales del barrio de Tacopan, Atempan, Puebla. La danza es hipnótica, un tanto monótona. Sorprende que durante media hora los intérpretes bailen sin parar con la misma serie de saltitos, todo el tiempo con el acompañamiento musical del maestro Hernández. La energía que se requiere para bailar, así como tocar la flauta y tamborín durante media hora debe ser muy grande.

Continuó Diario de confinamiento, coreografía e interpretación de Irene Martínez. No me gustó. La solista se mueve en un recuadro frente a una proyección de unas palomas echadas. ¿representa una paloma en cautiverio? No me quedó muy claro y en todo caso los movimientos no me remitían a una paloma.

La Compañía Mexiquense de Danzas Regionales bailó El Alcaraván, La Tórtola y El paloma y la paloma. En el programa se anunció El Zopilote, pero no se interpretó. Me gustó la participación de la compañía. Obras alegres donde el movimiento si ilustra a los animales que representan.

Ícaro, de la Compañía Corpógrafos, siguió en el programa. Con coreografía de Isabel Beteta e Interpretación de Eustorgio Guzmán Sanvicente, muestra un Ícaro naciente, parece un ave saliendo del cascarón. Después la desesperación al perder las alas y caer. En el tema de los plásticos de un solo uso me da no se que pensar en un vestuario de una sábana de plástico que es rota en cada función, seguramente en cada ensayo.

4 cisnes del Lago de los Cisnes, coreografía de Reyna Pérez, de Ardentía, muestra la famosa variación en una versión “cómica” interpretada por hombres. Existen diversas versiones de este estilo. Siento que no terminó de amarrar y hubo una respuesta un tanto fría del público.

La Compañía Nacional de Danza presentó el Pas de deux de Lago de los Cisnes con Ana Elisa Mena y Alejandro Hidalgo. Lago siempre es favorita del público y no fue la excepción.

Continuó Isabel Beteta con Calling Me, un solo contemporáneo. No se si era un insecto eclosionando entre el lodo. No me gustó.

El programa finalizó con La danza del venado, con el Ballet Folklórico de México de Amalia Hernández. No cuenta con datos del intérprete.

La función en general me gustó, como función conjunta es un esfuerzo especial entre varias compañías y es interesante el concepto de que todo gire en torno a un tema: los animales. La dirección artística corrió a cargo de Héctor Garay e Isabel Beteta. A pesar de estar prohibido tomar fotografías y video no faltó quien sacó su celular a escondidas con ese fin. ¿Público regular? No. Quien lo hacía era gente de danza que debería estar más consciente del respeto por esas reglas.

#danza, Ballet, contemporaneo, documental

The International Competition for The Erik Bruhn Prize 2023

Captura de pantalla de los ganadores. Se muestra con fines ilustrativos.

Erik Bruhn fue un bailarín y coreógrafo danés que trabajó con varias compañías. Fue Director Artístico del National Ballet of Canada entre 1983 y 1986 cuando falleció. En su testamento estableció el Premio Erik Bruhn, el cual fue instaurado en 1988 y es organizado por dicho Ballet. El pasado 25 de marzo se llevó a cabo la más reciente edición de este premio, exactamente 37 años después de que Bruhn fuera internado y diagnosticado con cáncer de pulmón, falleciendo unos días después el 1 de abril.

Por primera vez la función realizada en el Four Seasons Centre for the Performing Arts en Toronto, pudo ser vista en todo el mundo gracias una transmisión en vivo de forma totalmente gratuita (livestreaming) El trabajo de cámara tuvo sus problemas, no estando bien balanceados los blancos, por lo que cada cambio de cámara daba imagen con un tono diferente.

En esta ocasión participaron The National Ballet of Canada, American Ballet Theatre, The Royal Ballet y Stuttgart Ballet. Cada compañía manda una pareja de bailarines, de entre 18 y 23 años. Bailan un pas de deux de repertorio clásico y posteriormente se baila una obra de contemporáneo realizada especialmente para el premio, concursando también por coreografía. En el caso de contemporáneo puede ser un solo o un dueto. Los bailarines, a pesar de bailar juntos, son calificados individualmente. Los jueces no pueden evaluar a los miembros de su propia compañía. Al finalizar, las calificaciones se entregan para un conteo final, los jueces no se reúnen a deliberar y no saben quiénes son los ganadores, enterándose al mismo tiempo que la audiencia en el momento en que el maestro de ceremonias abre el sobre y anuncia los resultados.

Los primeros en bailar fueron Tristan Brosnan y Chloe Misseldine del ABT. Participaron con el Grand Pas Clasique. Me gustó, fue una danza con mucha frescura, se veían conectados, con naturalidad. Me gustó particularmente la variación de Misseldine. Al finalizar Brosnan tuvo una mala caída a pose sobre una rodilla, metiendo la mano al piso para detenerse. Desafortunadamente eso le valdrá puntos.

Siguieron Mackenzie Brown y Adhonay Soares da Silva del Suttgart, presentando también el Grand Pas Clasique. Mucho se ha comentado sobre lo subjetivo que es evaluar una competencia artística. En este caso ¿es bueno o malo ver la misma obra? Puede ser mejor pues se evalúa sobre lo mismo, pero las comparaciones se vuelven inevitables. Técnicamente mucho mejores que los participantes del ABT, no está a discusión. Pero …. Me gustó más la variación de Missledine en comparación con la de Brown. La ejecución fue tan técnicamente perfecta que por momentos la sentí mecánica. Sin la frescura de los bailarines anteriores. Las poses, las sonrisas, eran en momentos tan exactos que se perdía naturalidad. El momento que más me gustó fue al finalizar cuando Soares dejó salir una amplia sonrisa honesta y agradeció a Brown. Eso se ve poco, normalmente las gracias entre bailarines están tan ensayadas que no hay esos momentos de auténtica conexión y agradecimiento entre ellos. Soares no concursó pues sustituyó a Gabriel Figueredo que por circunstancias imprevistas no pudo participar. Por técnica, Brown puede ganar el premio de bailarina.

Siguió el turno para los anfitriones: The National Ballet of Canada. Emerson Dayton y Noah Parets interpretaron el Pas de Deux del cuarto acto de La Bella Durmiente. Bien interpretado, la obra nunca ha sido de mis favoritas, son pocos momentos del Pas de Deux que me gustan.

El final de la primera parte fue con el Royal Ballet. Daichi Ikarashi y Viola Pantuso interpretaron Diana y Acteón. Muy buena ejecución. Ikarashi tiene saltos impresionantes y buena técnica. Lo veo como ganador del premio a bailarín.

Después de un intermedio de 20 minutos la función continuó con el bloque contemporáneo.

Tristan Brosnan y Chloe Misseldine regresaron para bailar Game On de Laurren Lovette. Mackenzie Brown y Adhonay Soares da Silva interpretaron A Dialog de Roman Novitzky. Noah Parets y Emerson Dayton bailaron la creación de Ethan Colangelo titulada fractured. Finalmente Viola Pantuso y Daichi Ikarashi dieron vida a Things left unsaid de Joshua Junker.

La parte contemporánea no la disfruté tanto. Game On del ABT y Things left unsaid del Royal Ballet fueron las que más me gustaron aunque no terminaron de agradarme. La que menos disfruté fue A Dialog del Stuttgart. Movimientos muy cortados, técnicamente difíciles, pero no terminó de agradarme, no me parecía un diálogo, era más como dos monólogos.

El maestro de ceremonias Rex Harrington anunció la proyección de un fragmento del documental I’m the same, only more donde pudimos ver un poco del trabajo de Bruhn. El corto termina con la pregunta “¿Cómo estás? Soy el mismo, solo más”. Al finalizar la proyección se tuvieron los ganadores. Harrington los anunció quedando de esta manera:

Mejor coreografía: A Dialog de Roman Novitzki por el Stuttgart Ballet.

Mejor bailarina: Mackenzie Brown del Stuttgart Ballet.

Mejor bailarín: Daichi Ikarashi del Royal Ballet.

De esta forma concluye la edición 2023 del premio Erik Bruhn, con una duración de aproximadamente dos horas. Por primera vez pudimos disfrutarlo desde otros países en la comodidad de la casa y de forma totalmente gratuita. En días siguientes reportan más de 8000 espectadores en línea. Un agradecimiento especial a quienes hicieron esto posible.

#danza, Ballet, contemporaneo

La Sirenita (ballet)

El conocido cuento de Hans Christian Andersen fue publicado por primera vez en 1837, desde entonces se ha mantenido en el gusto del público, teniendo múltiples adaptaciones.

Jan Kodet, con el Ballet Nacional Checo, realiza una coreografía contemporánea del cuento, con música de Zbyněk Matějů.

La obra se divide en dos actos, cada uno aproximadamente de 50 minutos de duración. En el primero vemos a las sirenas en su mundo acuático y a un grupo de jóvenes humanos ¿surfeando? Las sirenas con movimientos hipnóticos atraen a los humanos que naufragan, una sirena intercede por uno de ellos. Las sirenas siempre tienen caras inexpresivas, sobre todo la reina, dura como un palo. El vestuario no me gusta, parecen camisones. Me resulta mas interesante el vestuario del muchacho que habita en el mar con la sirenita ¿un tritón, un pez? ¿amigo, pretendiente? Nunca queda claro su papel.

La sirenita busca a la bruja, quien tiene el personaje más interesante de la obra. Al dirigirse a las profundidades del océano, la sirenita se encuentra con peces abismales, le da un buen toque, sin embargo los secuaces de la bruja no queda claro que son, parecen momias. En algún momento traen a un humano muerto en un ataúd de cristal con un cuchillo en el pecho, hacia el final vuelven a él. No entiendo para nada que tiene que ver con la historia. El primer acto concluye cuando la sirenita hace el trato con la bruja.

Durante el segundo acto la sirenita conoce al príncipe, posteriormente él conoce a otra muchacha con quien se casará. En las profundidades la reina de las sirenas, el amigo y la bruja discuten respecto al muerto y al cuchillo (?) el amigo intercede tomando el cuchillo con lo que se sacrifica (?) en la superficie los novios van en una balsa que está a punto de naufragar y la sirenita tiene la posibilidad de matarlos con el cuchillo. No lo hace. Al final vemos al amigo muerto llevándose el cuerpo de la sirenita.

No me gustó la obra, me parece muy abstracta, muchos momentos son poco claros y apuesta a que la historia es de dominio público (aunque tal vez no sea tan conocido el cuento original, como las películas de animación) La música es disonante, me recuerda a Stravisnky que no me gusta. El vestuario tampoco me gusta.

Tras ver la obra me remití al cuento. El amigo no existe en el mismo, por lo que solo puedo pensar en la jaiba de Disney. Las sirenas del ballet son del tipo que guía a los marinos al naufragio, en el cuento son personajes sin malicia hacia los humanos. Por otro lado, en el ballet me parecen demasiado inexpresivas como para “tentar” a los marinos y un camisón de vestuario no ayuda. El cadáver en poder de la bruja me es totalmente inexplicable y en el cuento tampoco existe. Al ser tan abstracto el final falla en transmitir la redención de la sirenita a su buena acción de no matar al príncipe.

Los momentos más interesantes son las danzas de los varones, tanto los tritones en el fondo del mar como los marinos cuando surfean. Fuera de eso no me gustó.

Disponible en medici.tv

Magdaléna Matějková (La Sirenita)
Coreografía: Jan Kodet
Música: Zbyněk Matějů
Czech National Ballet
Producción: Les Films Figures Libres – Česká televize – Mezzo – The National Theatre Prague
2017
Duración: 1:40 horas

#danza, #video, Ballet, contemporaneo

Gala de Ballet Chino

En el marco del 72 aniversario de la fundación de la República Popular China, el 30 de septiembre de 2021 Canal 22 transmitió La Gala de Ballet Chino, programa auspiciado por el Centro Cultural de China en México y la Embajada.

El programa, formado principalmente por fragmentos de obras, ha sido difundido en otros países.

La gala incluye piezas clásicas como Giselle y una reinterpretación de Cascanueces, en este caso titulado Año nuevo chino. El fragmento presentado es el Vals de las flores que en esta versión se llama Porcelana China. Los tutús de plato realmente parecen platitos de dicho material.

El Pabellón de Peonia combina elementos de cultura china con danza contemporánea y algunos elementos de clásico, lo que lo lleva más hacia lo neoclásico. La ejecución me parece muy buena, con expresiones llenas de sentimiento. Otra obra, Los farolillos rojos colgados en lo alto, une muy bien estética tradicional china con elementos de ballet.

Canto de la Grulla, es una hermosa coreografía de Ma Cong y Zhang Zhenxin. Los bailarines con gran plasticidad emulan muy bien los movimientos de dichas aves. Es de mis favoritas de la gala, al igual que El ciervo de nueve colores, primer ballet chino de cuento de hadas. Fue creado para los alumnos de la Escuela de Danza del Ballet Nacional de China. El extracto presentado muestra a los ciervos en el bosque. Me deja con ganas de conocer la obra completa.

Canon en Re mayor es producto del Taller de Ballet lanzado por la Compañía para promover jóvenes talentos. Con coreografía de Jiri Bubenicek es otra de las obras que más me gustaron por la fluidez del movimiento. Sin embargo se siente muy editada, es la pieza en que más me molestó el trabajo de cámara ya que no se aprecia totalmente la coreografía. Con Carmen de Roland Petit, nuevamente el trabajo de cámara hace sentir que hay cortes, uno evidente es al final donde eliminan un par de segundos pero se nota que Carmen está de pronto más alejada de Don José de la posición en que estaba.

Canción de la vida continúa el programa. Coreografiada por Ying E Ding y Yang Minjian es una obra de danza contemporánea bastante pulida. Es la pieza a la que se le da más tiempo en la gala y se agradece que no esté editada.

Asparas Voladoras de Dunhuang cierra el programa. No me gustó. En el ciclorama se proyectan imágenes en movimiento que distraen de la acción en el escenario.

En general el programa es bueno, muestra una amplia variedad de estilos: clásico, neoclásico, contemporáneo y tradición china. Lo que no me gusta es que varias obras están editadas sin ocultar los cortes. Al resumir la gala en un programa de televisión de una hora quedaron incompletas las obras. Me hubiera gustado un programa más largo o eliminar piezas pero no cortar otras.

El video está disponible en el canal de You Tube del Centro Cultural de China en México.

#danza, #video, circo, contemporaneo, pelicula

Sept moments de joie

Cirque Éloize, compañía de circo con sede en Montreal, ha realizado una nueva producción durante la pandemia. La misma es una película para mostrarse por medio de streaming. Se trata del espectáculo Sept moments de joie (siete momentos de alegría), que une a 7 coreógrafos haciendo igual número de obras que mezclan danza con artes circenses.

La realización corre a cargo de Lilli Marcotte y la puesta en escena es de Benoit Landry. Las obras son:

Fine Ligne, de Virginie Brunelle. Danza contemporánea y danza en bungee. Cuenta con 3 bailarines y un cuarteto de cuerdas interpretando música de Philip Glass. Se explota muy bien el espacio haciendo que por momentos los bailarines y la cámara se muevan entre los músicos.

Slick, de Christian Garmatter. Con la famosa música Sing, sing, sing de Louis Prima en versión de Benny Goodman, es una mezcla de swing, break, pole dance y malabares. El resultado es una obra con mucho frenesí que fácilmente nos traslada a los salones de principios de siglo XX. La iluminación complementa muy bien la escenografía, incluso se producen reflejos en las ventanas que hacen pensar en la existencia de anuncios luminosos en el exterior. Los encuadres no me gustaron del todo, hay acercamientos que dificultan apreciar partes de la obra. En particular me llama mucho la atención el malabarista, sobre todo un movimiento en el que las pelotas pasan describiendo un círculo de atrás hacia adelante.

Ravissement 42 45 de Claudia Chan Tak presenta una especie de desfile de modas con telas de animales y posteriormente algo que parece una batalla de una pareja sobre mástil chino.

Souffle de Axelle Munezero une danza contemporánea con aros hula. Las mariposas son un tema recurrente. Son parte del vestuario y hay movimientos de brazos que remiten a un aleteo desesperado. El vestuario de la solista es un vestido muy elaborado y en el cabello chino lleva varias mariposas, algo que requirió mucho trabajo de realizar.

Yalapasicik de Ivanie Aubin-Malo. Coreógrafa perteneciente a la nación Malecite de Cacouna, en Quebec, sus obras se enfocan en dar presencia a los grupos originales de Canadá. Yalapasicik involucra pasos de la tribu Pow Wow y mezcla contorsionismo. El vestuario y la escenografía remiten a la indumentaria tradicional. Con música de Kìzis con quien Aubin-Malo ha trabajado antes, la obra logra una atmósfera ritual, incluso alucinógena. La música se siente entre tradicional y electrónica, lo que logra un ritmo hipnótico que ayuda con la sensación alucinada.

Ojas de Edgar Zendejas une danza contemporánea con acrobacia aérea y música en vivo: un guitarrista y cantante español. La voz no es de mi agrado.

Furie de Manuel Roque termina el programa. Une danza y acrobacia. Aprovecha totalmente el espacio del estudio del Cirque Éloize donde se realizó la grabación. La solista se mueve por varios salones. Se utiliza muy bien la iluminación natural y los grandes ventanales del edificio. Es una grabación que se presenta en cámara lenta dando un toque muy especial al frenesí mostrado por la intérprete. Es la única obra en la que en realidad veo alegría. Al final observamos a la bailarina abrir la puerta del estudio y salir a la calle. Acaso el fin de la cuarentena.

La película en general me parece muy buena. Un gran esfuerzo que Cirque Éloize hace en estos momentos para seguir produciendo material. Las obras llevan una breve introducción de los coreógrafos (en francés) y en general se expresa el gusto de estar trabajando juntos. Se pueden ver imágenes de ensayos con cubrebocas. No hay duda, ésta es una creación durante la pandemia.

Se hizo muy buen uso de la cámara dando planos muy interesantes que no se lograrían con público en vivo. Se propusieron hacer un film y se logró, dando escenas en las que la cámara recorre 360 grados y no se ve nada del equipo de producción. El tema es 7 momentos de alegría aunque solo veo alegría en la obra Furie.

Fine Ligne, Slick, Yalapasicik y Furie son las obras que más me gustaron.

El streaming está disponible hasta el 6 de enero en la página de Cirque Éloize. Tiene un precio de 15 dólares canadienses y un boleto es válido por 48 horas a partir del primer acceso. Todos los ingresos se donarán a la Fundación Éloize para contribuir al desarrollo de las artes escénicas.

Sept moments de joie
Cirque Éloize
Realización: Lilli Marcotte
Puesta en escena:Benoit Landry
Coreógrafos: Virginie Brunelle, Christian Garmatter, Claudia Chan Tak, Axelle Munezero, Ivanie Aubin-Malo, Edgar Zendejas y Manuel Roque
Duración aproximada: 1:20 horas

#danza, Ballet, contemporaneo, documental, musica

Ballet for Life

En noviembre de 1991 Freddie Mercury fallecía. Un año después, en noviembre de 1992, Jorge Donn también moría. Ambos por complicaciones a causa del SIDA. En 1996, Maurice Béjart estrenó Ballet for Life, como un homenaje a la vida y talentos de Mercury y Donn (que fuera bailarín principal en la compañía de Béjart) A finales de junio, como parte del ciclo Béjart Ballet at Home, la compañía tuvo la obra un par de días en streaming junto con un documental de su realización. También se encuentra disponible a la venta en Blu-Ray y DVD.

La obra incluye música de Queen y Mozart. Reconozco que no soy seguidor de Queen, no estoy familiarizado con sus canciones, letras ni videos. Ballet for Life se me hizo un poco pesado para ver, sin embargo, me doy cuenta que al no conocer a Queen me perdí mucho del encanto de la obra. El público se nota muy emocionado y aplaude como si estuvieran viendo a Queen en un concierto. Posteriormente al ver algunos videos de la agrupación, noté que parte de la escenografía, utilería y coreografía hacía referencia a ellos. Incluso el público sabe en que momento de las canciones acompañar con las palmas según es costumbre en ciertos temas.

Durante el documental se menciona que los bailarines interpretan las letras, las sienten y en los movimientos hay algo de ellas. El ballet termina con la canción The show must go on mientras los bailarines van levantándose después de estar acostados cubiertos con sábanas. Durante la canción van agradeciendo.

Uno de los momentos que mas me gustó, no por “bonito”, sino por lo que hace sentir, es cuando se ven dos personas en camillas desplazadas por el escenario. Una escena triste. En el contexto en que fue creada la obra seguramente es referencia a los hospitalizados por SIDA. La música de Mozart, Concierto de piano 21 “Elvira Madigan”, también ha sido usada por José Rivera en la obra Bailemos a Mozart por los ángeles que se han ido, que de igual manera es un homenaje a quienes han muerto de SIDA. Esta escena de las camillas, donde la pareja interactúa en una especie de pas de deux, el día de hoy, en medio de la pandemia de COVID-19, cobra otro significado y a la vez es el mismo que cuando fue creado.

Ballet for Life es una colaboración entre tres grandes instituciones: Béjart Ballet Laussane, Queen y Gianni Versace quien diseñó el vestuario. En el documental se ve además que, si no me equivoco, durante el estreno, al finalizar la obra se levantó el telón de fondo dejando ver a los músicos de Queen interpretando The show must go on con Elton John cantando. Así que logró reunir a cuatro instituciones. Algo de ese tamaño seguro requirió un gran esfuerzo y solo Béjart podía haberlo logrado.

Ballet for life
Coreografía: Maurice Béjart
Música: Queen, Mozart
Vestuario: Gianni Versace
Duración aproximada: 1:20 horas y 58 minutos documental.

#danza, #video, contemporaneo

Anne Teresa De Keersmaeker en la Ópera Nacional de París

En 2015 el Ballet de la Ópera de París incluyó en su repertorio el programa Anne Teresa De Keersmaeker à l’Opéra national de París con tres obras de dicha coreógrafa belga. Debido al cierre del Palais Garnier por la pandemia de COVID-19, el video realizado por ARTE France está disponible en streaming hasta el 5 de julio en la página de Octave Magazine de la misma Ópera de París.

El programa consiste en Quatuor No. 4 con música de Béla Bartók, La grande fugue con música de Beethoven y La nuit transfigurée de Schönberg.

En Quatuor No. 4 hay en el escenario un cuarteto de cuerdas y cuatro muchachas bailando, en momentos parecen hacer juegos juveniles como pararse de manos o levantarse la falda. Frecuentemente ejecutan saltos donde golpean los talones produciendo sonido perfectamente audible y bastante sincronizado. El tipo de salto también remite a ambiente juvenil. Los relevés son muy buenos y altos, pueden apreciarse muy bien a pesar de calzar botines. Me llama particularmente la atención las sonrisas y miradas cómplices entre las bailarinas, algo que no se ve mucho en los escenarios.

La grande fugue es la obra que mas me gustó, también es la mas corta del programa. No encuentro un argumento, simplemente me gustó. Los movimientos, al igual que en Quatuor No. 4, son repetitivos, se trata de un par de secuencias ejecutadas varias veces, a veces en grupos, a veces individual, en ocasiones en canon. El movimiento es muy fluido con trabajo de caídas y rodadas. La música, ejecutada por un cuarteto en el escenario, da un tono animado.

El programa cierra con La nuit transfigurée. Es la obra que menos me gustó. La Ópera de París indica que «es la evocación casi narrativa de una pareja transfigurada por el don del amor» Yo veo una pareja en el bosque, poco a poco hay más parejas. En algún momento perdí el hilo de la historia y de los personajes, vi varias parejas pero no noté que fuera la misma transfigurándose. Se nota que hay una historia, sin embargo me pareció bastante abstracta y nada clara.

De esta manera la Ópera de París incluye a su repertorio parte del trabajo de Keersmaeker, una de las más reconocidas coreógrafas de Bélgica en danza contemporánea y fundadora y directora artística de la compañía Rosas. Las obras presentadas fueron creadas entre 1986 y 1995.

Anne Teresa de Keersmaeker à l’Opéra national de París
Coreografía: Anne Teresa de Keersmaeker
Música: Béla Bartók, Beethoven, Schönberg
Duración aproximada: 1:30 horas

#danza, Ballet, contemporaneo, documental

BBL en Tour por China

BBL en tour en China. La imagen se muestra con fines ilustrativos.

El Béjart Ballet Lausanne como parte del ciclo BBL at home durante la cuarentena por COVID-19 tiene en streaming del 21 al 24 de mayo el documental The Béjart Ballet Lausanne on China Tour.

Se trata de una remembranza sobre la gira que la compañía tuvo en 2011 por dicho país, presentándose en Pekín, Hangzhou y Shangai. Se muestran detalles de la vida cotidiana durante el tour como la llegada al aeropuerto, traslado en autobuses, trenes, arribo a los teatros. Vistazos más íntimos a los bailarines y al director Gil Román, quienes comentan lo que sienten al trabajar ciertas obras.

Las obras que se cubren son Dionysus, de Maurice Béjart; Là où sont les oiseaux, de Román, y Bolero, de Béjart. No se muestran las obras completas, se ven fragmentos de los ensayos y presentaciones en los teatros de China.

Dionysus me llamó mucho la atención, no conozco la obra, me gustaría verla completa, los fragmentos muestran una danza con mucha energía. Se muestra a técnicos, invitados, gente fuera de escena y público reaccionando con alegría a la obra, gente haciendo señas a la cámara para que gire y vea el escenario. Se muestran unas palabras de Maurice Béjart quien decía «Me gustan las celebraciones, momentos, eventos, explosiones. Mi trabajo es organizar celebraciones». Con Dionysus vemos una celebración. El mito de Dioniso cobra vida.

La siguiente obra es Là où sont les oiseaux, de Gil Román. En dónde están los pájaros. Román contesta «donde están Maurice Béjart y Marta Pan». Ambos finados. La obra contiene una escultura de Marta Pan. Este ballet fue creado particularmente para la gira, inspirado por un poema sobre el encanto de la vida.

Gil Román comenta «El trabajo de un coreógrafo, cuando funciona, es sacar la personalidad del bailarín. Desarrollo sobre eso, yo dirijo, pero los sigo a ellos». Es una obra por estrenarse, tanto el director como los bailarines están a la expectativa.

Finalmente viene Bolero, de Béjart. Posiblemente su obra más famosa. Comentan que todos los bailarines quieren bailarla (Yo diría que todos los entusiastas de la danza deseamos verla) Román menciona que se necesita cierta madurez para interpretar el papel principal, no es para los más jóvenes. Vemos a los bailarines dar sus ideas propias sobre la obra.

Y como las giras no están libres de problemas, también se muestran incidentes sobre el pago de los figurantes, intérpretes de idioma que evidentemente traducen muchísimo menos de lo que se dijo, técnicos locales que se están durmiendo en la función o que miran videos en la computadora mientras se hace el ensayo técnico.

Un excelente documental sobre una de las mejores compañías de danza que he visto. Estará disponible solo un día mas en la página del BBL. También se puede consultar la cartelera de lo que resta del ciclo.

The Béjart Ballet Lausanne on China Tour
Realización: Arantxa Aguirre.
Duración aproximada: 1:02 Horas.
Año: 2012 (sobre Tour 2011)

Por los Teatros

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