Archivos Mensuales: enero 2020

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THE OFFICIAL BOLSHOI BALLET BOOK OF SWAN LAKE

Portada del libro. Se muestra con fines ilustrativos.

En 1986 fue publicado el libro The Official Bolshoi Ballet Book of Swan Lake por Yuri Grigorovich y Alexander Demidov. Originalemnte en ruso, traducido al inglés por Yuri Shirokov. T.F.H. Publications en 1984 obtuvo los derechos en excluisva para la traducción y distribución fuera de Rusia de la literatura soviética de música y ballet.

El libro cuenta a grandes rasgos cómo es que Tchaikovsky llegó a componer la música de éste ballet. Con más profundidad entra a la historia de la obra. Su desafortunado debut en 1877, los cambios mayores realizados en 1895 con el compositor ya fallecido, otros cambios en 1901 y finaliza con la versión del propio Grigorovich en 1969.

Sobre el estreno en 1877 se menciona que el libreto no era lo suficientemente fuerte ni tenía mucha lógica. El coreógrafo, libretista y compositor apenas trabajaron juntos, lo que desesperaba mucho a Tchaikovsky. La obra fue quedando en el olvido y el compositor murió convencido de que su obra no perduraría. En ese tiempo el ballet no se consideraba un arte que valiera mucho la pena, por lo que componerle música no era muy bien visto entre el gremio. Tchaikovsky tomó el riesgo y a pesar de que otras de sus obras para ballet tuvieron éxito, su primer intetno, El Lago de los Cisnes, no lo tuvo.

En 1895 la partitura es modificada, se le hacen «arreglos», algunos fragmentos del primer acto se pasan al tercer acto. Hay música adicional de Riccardo Drigo. Marius Petipa hace las coreografías del primero y tercer acto y los actos segundo y cuarto quedan a cargo de Lev Ivanov.

A decir de Petipa, Odette, el cisne blanco, es un personaje soso, con gusto le deja los «actos blancos» a Ivanov, aquellos más tradicionales con cuerpo de baile y violines tristes. Él toma los actos de fiesta y en particular le interesa Odile, el cisne negro, la verdadera heroína para Petipa.

La versión de 1895 es la que catapulta al Lago de los Cisnes a la fama y todas las versiones del sigo XX y hasta la fecha tienen elementos de la de Ivanov-Petipa.

Habla también un poco de la versión de Grigorovich, que ha ido evolucionando poco a poco. Entre los cambios respecto a la versión tradicional es que Rothbard, el hechicero, recibe el nombre de «El Genio Malvado»

El libro finaliza con una sinopsis fotográfica de la obra.

La historia presentada es muy interesante, además del análisis de los personajes y situaciones. La música de Tchaikovsky se cree incluye elementos de su ópera Ondine, que fue destruida por él mismo. Tanto Ondine como El Lago tratan de un ser mágico que pierde la vida al conocer las maldades de la humanidad. Básicamente es la historia de un primer amor (los personajes tienen alrededor de 17 años) que acaba en tragedia debido a las debilidades humanas. Algo como en La Sirenita, Ondine y Romeo y Julieta.

«Finalmente, Odile usa el hechizo mas viejo del mundo. Estas palabras han hecho magia por millones de años …. ‘Te amo’, ella dice. Inmediatamente, el Príncipe la levanta, actuando como si ella fuera la única persona perfecta en el mundo […] Él solo tiene ojos para Odile … ha sido atrapado por el hechizo del amor … amor ciego» – páginas 126 y 127

The Official Bolshoi Ballet Book of Swan Lake
Yuri Grigorovich y Alexander Demidov
Traducido al inglés por Yuri Shirokov T. F. H. Publications Inc
1986
140 páginas

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#teatro

Enemigo del Pueblo

Detalle del poster de Enemigo del Pueblo. Se muestra con fines ilustrativos.

Henrik Ibsen publicó Un Enemigo del Pueblo en 1882, estrenándose el 13 de enero de siguiente año. Una obra que 137 años después de su presentación sigue estando vigente.

Bajo la dirección de David Gaitan, La Compañía Nacional de Teatro presenta Enemigo del Pueblo, versión de Gaitán de la obra de Ibsen. la temporada en el Teatro Julio Castillo está por concluir el 19 de enero.

En el vestíbulo del teatro y al comenzar la función, el público es instruido a disparar unas pistolas de burbujas siempre que se cumpla una condición en escena. Solo una parte de la audiencia participa activamente en esta dinámica, pero los demás como observadores también se llevan algo de la experiencia. No entraré en más detalles sobre el uso o significado de las burbujas, es una sorpresa que debe tener el espectador.

La historia transcurre en un poblado donde un balneario recién abierto trae riqueza al lugar, sin embargo el doctor Stockmann descubre contaminación en las aguas y pide cerrarlo mientras se remedia la situación. La resistencia será impresionante: el gobierno, la prensa «imparcial» que inclina la balanza de un lado a otro a conveniencia, incluso su familia.

Se verán las trampas del gobierno, la prensa manipulante que se hace llamar «la voz del pueblo», el típico sonsonete de si se hace lo que dices perderás todos tus ahorros. Ese temor que tanto se le mete al pueblo de perderás todo si haces algo que cambie el statu quo.

En la escenografía, a cargo de Alejandro Luna se ve constantemente una mancha de luz en la pared, solo se apaga un momento después de tronar un cohete que apaga unos micrófonos de espionaje. Esa luz pareciera un ojo que lo vigila todo.

Lo privado se hace público, hay micrófonos escuchando al doctor, la correspondencia es interceptada sin reparo, a la gente en la plaza pública se le ordena retirarse o no y leer en el templete papeles personales. En el programa de mano se indica también la «administración de la plataforma pública» Estar observados todo el tiempo con el temor de hacer o decir algo que contradiga a la mayoría. Una línea de la obra dice algo así como que al ser mayoría los idiotas que hay en el mundo, no significa que estén en lo correcto. El que dice la verdad que incomoda a la mayoría puede ser reducido a nada por los que se sienten atacados.

La censura disfrazada de estar siendo ofendido, de ser políticamente correctos, criticar a alguien más escondiéndose en la masa, en el anonimato ¿atrás de una computadora juzgando el mundo en redes sociales? Ser juez y parte: juzgar a otros, en la vida pública conducirse por el camino correcto cuando en privado se tiene el mismo comportamiento o peor incluso que a quien juzgamos.

Al evitar incomodar a otos y seguir la corriente mientras «protegemos nuestros intereses» nos convertimos en marionetas. El changuito que no oye, no ve, no habla. Sin voz propia.

Algo interesante es que aparentemente para el público la violencia contra la mujer es reprobable pero no contra los hombres ¿Es por que la corriente marca eso y no hay que contradecirlo?

Enemigo del Pueblo
De Henrik Ibsen
Compañía Nacional de Teatro Versión y Dirección: David Gaitán
Iluminación y escenografía: Alejandro Luna
Actuaciones: Miguel Cooper, Ana Paola Loaiza, Luis Rábago, Antonio Rojas, Amanda Schmelz, Alan Uribe Villarruel
Duración aproximada: 1:30 horas

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#danza, #video

Xenos

Escena de Xenos. Imagen mostrada con fines ilustrativos.

Akram Khan es un coreógrafo británico de origen bangadesí, aclamado como uno de los coreógrafos más inventivos de los últimos años.

Xenos se estrenó el 21 de febrero de 2018. Es un solo interpretado por el mismo Khan, siendo éste su último trabajo en el que participará como bailarín de una obra de larga duración.

Xenos significa extranjero en griego. La obra fue comisionada por el centenario del inicio de la Primera Guerra Mundial. Mezcla danza contemporánea y kathak. Según la información de la compañía trata de los soldados indios enrolados.

El 14 de diciembre de 2019 fue grabada en el teatro La Villete de París. El video está disponible en streaming por tiempo limitado, de manera gratuita, en arte.tv Pueden aplicarse restricciones según el país. Esta reseña corresponde a dicha grabación.

Inicia una persona cayendo hacia el escenario, tomado de una soga. Un percusionista y un cantante están en escena. El personaje (Khan) se ve desubicado, hace movimientos frenéticos. El cantante parece querer interactuar con él, pareciera que le habla pero nunca se conectan. Khan baila kathak. El escenario está lleno de cuerdas. Los músicos se van, la escena comienza a cambiar, las cuerdas se van, hay tierra en el escenario y se vuelve más ambigua la historia.

Con diferentes ritmos Akram Khan continúa con movimientos nerviosos, frenéticos. Frecuentemente se mira las manos con miedo, sobre todo la derecha, y parece pelear con ella. Toma las cuerdas, tierra, un fonógrafo que pasa lista acaso a soldados caídos. Por momentos 5 músicos se ven en una parte alta de la escena, son el percusionista, el cantante, un violinista, un contrabajista y un saxofonista. Los sonidos son disonantes en general.

La obra me parece pesada, difícil de entender. Si no fuera porque se da información de que es un saldado en la Primera Guerra Mundial no hubiera entendido nada. Siento que es de esos casos donde el trabajo es tan vanguardista que solo sus creadores lo comprenden.

Khan tiene un trabajo corporal tremendo. La velocidad y precisión con que hace giros es sorprendente. Los brazos tienen mucha fluidez. Físicamente el trabajo tiene mucho mérito. Como obra, como un todo, me parece sumamente abstracta, con demasiados movimientos que no les veo sentido, como si en su despedida como solista quisiera demostrar todo el rango del que es capaz.

Al finalizar el público tarda varios segundos en comprender que ha terminado.

Xenos
Akram Khan Company
Dirección artística, coreografía e interpretación: Akram Khan. Músicos: B. C. Manjunath, Aditya Prakash, Nina Harries, Clarice Rarity y Tamar Osborn.
Duración aproximada: 1 hora 8 minutos

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#danza, #video, Ballet

La Pastorale

La Pastorale. Imágen con fines ilustrativos

Este 2020 se celebra el 250° aniversario del natalicio de Beethoven. Para la ocasión se preparan diversos festejos. Invitado por la Ópera de Bonn, ciudad natal del compositor, Thierry Malandain, director del Malandain Ballet Biarritz, ha creado el ballet La Pastorale, con música de la 6° Sinfonía «Pastoral», Cantata Opus 112 y fragmentos de Las Ruinas de Aténas.

La obra se estrenó, a manera de previo, con una temporada del 13 al 19 de diciembre de 2019 en el Théâtre de Chaillot, París y posteriormente como estreno mundial el 22 y 23 de diciembre en el Theater Bonn en Alemania.

La función del 17 de diciembre está disponible en streaming de manera gratuita y por tiempo limitado en arte.tv, pueden aplicarse restricciones según el país. La presente reseña corresponde a dicha grabación.

La obra con una duración de 79 minutos sin intermedio, se puede decir que tiene 3 partes y gira en torno a un personaje principal, interpretado si no me equivoco por el bailarín Hugo Layer.

El principio tiene una atmósfera oscura y pesada. Los bailarines usan vestidos largos y pesados, se mueven entre una serie de barras que si bien obstruyen un libre tránsito por el escenario, los movimientos son muy fluidos. En general en este bloque se ve al protagonista con pesar, parece atrapado, los movimientos y las barras así lo muestran. Varias veces está en el piso derrotado. Hay momentos en que camina agachado, a pasos cortos con las manos en la cabeza, se ve desesperado.

El bloque finaliza con él nuevamente en el piso, las barras son levantadas, otros bailarines le quitan el vestido quedando en un vestido corto, blanco, de tela ligera, a la manera de túnica griega. Comienza lo que ubico como un segundo bloque con música y ambientación más ligera. Los movimientos son más joviales. Toda la compañía ha cambiado los vestidos tipo victorianos por los más cortos que recuerdan a Grecia. Repetidas veces un grupo de 2 o 3 bailarines acompaña al protagonista quien frecuentemente se acuesta en el suelo, pero ya no se ve derrotado como al principio, ahora parece dormir o descansar tranquilamente.

El cuerpo de baile tiene múltiples entradas y un motivo que se repite a lo largo de la obra son cadenas humanas, agarrados de las manos haciendo formas estéticas con los brazos.

Un tercer bloque hacia el final sustituye nuevamente el vestuario por leotardos color piel con brillos en el pecho. Son aproximadamente los 10 minutos finales que van marcando el desenlace de la obra.

Malandain se caracteriza por hacer obras muy musicales, donde la danza sigue completamente a la música. Esta no es la excepción, el movimiento y las composiciones de Beethoven están perfectamente integradas.

La danza es de un estilo contemporáneo / neoclásico de un tipo que me gusta mucho y tenía años sin ver. Un estilo en el que todo está cuidado meticulosamente, el cuerpo de baile moviéndose al unísono, cánones perfectamente escalonados y entradas y salidas de bailarines, donde se agrega o disminuye gente en el escenario con un movimiento tan fluido que resulta increíble de ver. Es tan natural e integrado a la música que hasta pasaría inadvertido si no fuera porque es notorio que cambió la cantidad de gente en escena.

El hecho de que la grabación estuviera disponible 3 días después de la función es también digno de mención.

Una joya de la danza reciente al alcance del público gracias a arte.tv

La Pastorale
Malandain Ballet Biarritz
Coreografía: Thierry Malandain
Música: Ludwig Van Beethoven
Decorado y Vestuario: Jorge Gallardo
Bailarines: Giuditta Banchetti, Raphaël Canet, Clémence Chevillotte, Mickaël Conte, Jeshua Costa, Frederik Deberdt, Clara Forgues, Loan Frantz, Michaël Garcia, Irma Hoffren, Cristiano La Bozzetta, Hugo Layer, Guillaume Lillo, Claire Lonchampt, Nuria López Cortés, Arnaud Mahouy, Alessia Peschiulli, Ismael Turel Yagüe, Yui Uwaha, Patricia Velazquez, Allegra Vianello, Laurine Viel
Duración aproximada: 1:18 horas.

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