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#danza, Ballet

Antonija #Silmači

En una reciente visita a Riga, Letonia, pude asistir a la Ópera y Ballet Nacional Letón. Durante el mes de agosto, la compañía ofreció diferentes obras de danza.

El edificio de ópera es pequeño y muy bello. Tiene el estilo antiguo de una sala en forma de herradura. La decoración, butacas, tapizado y candiles son muy bonitos, a la usanza antigua. Un teatro elegante donde uno se siente cerca del escenario y es difícil imaginar un mal lugar en la sala.

Enmarcado en esta atmósfera íntima, tuve la oportunidad de disfrutar Antonija #Silmači. Se trata de un ballet contemporáneo presentado el 24 de agosto que será repetido en el mes de marzo. La puesta en escena está basada en la obra de teatro Los días del sastre en Silmači, del autor letón Rūdolfs Blaumanis.

La obra es muy bonita visualmente. Disfruté la danza y el diseño coreográfico, aunque el argumento me pareció confuso. Son escenas en un poblado donde hay varias parejas. Uno de los personajes me confundía al estar planeando una boda con dos personas diferentes. En varios momentos no estaba seguro de quién era pareja de quién.

Uno de los personajes, un patriarca que se opone a la boda, es escondido en un hueco y una paseante entra fumando, lo que provoca una explosión en el escondite. En el segundo acto la gente del pueblo reprocha a la causante del siniestro.

Poco a poco se van resolviendo enredos y las parejas terminan felices en bodas simultáneas.

El programa de mano, escrito en letón, inglés y ruso, provee una sinopsis a modo de pequeños cuadros. En realidad, creo que la obra está hecha justamente de cuadros un tanto sueltos. Gracias a él entiendo más como son las relaciones. Efectivamente, hay varias parejas y un personaje engañando a Antonija.

Siempre me ha parecido que en este tipo de teatros los mejores lugares son los ubicados en las logias o “dress circle”, el área que es primer piso o mezzanine. Se tiene una vista en perspectiva ligeramente elevado sin estar muy lejos. Se le suele llamar “dress circle” por ser un semicírculo donde los espectadores acostumbran ir vestidos elegantemente, lo que refuerza mi idea de que es la mejor sección.

Los boletos son relativamente baratos considerando que es un Ballet Nacional y que se trata de Europa. En general, Riga se considera una capital europea económica y su casa de ópera no es la excepción.

Eso y un golpe de suerte me permitieron encontrar el mejor lugar de la casa: el más centrado de la primera fila del “dress circle”.

Las diferencias que pude observar entre Letonia y México son que en Riga la gente efectivamente va elegantemente vestida a las funciones. Los programas de mano se siguen haciendo impresos y no digitales (gracias) sin embargo tienen un costo. A diferencia de otros teatros extranjeros en los que se vende el programa, en este caso es económico y sin mucha producción, solamente un díptico con un inserto con el reparto.

Por el tipo de clima, a pesar de ser agosto, la gente lleva abrigos y el guardarropa tiene filas larguísimas a la salida. Me llamó la atención que en el intermedio el público se vuelca al bar del teatro. Creo que es una costumbre muy arraigada en Europa, viendo algo similar en Bélgica.

Antonija #Silmači.
Ballet Nacional Letón.
Orquesta de la Ópera Nacional Letona.
Música: Juris Karlsons.
Coreografía: Aivars Leimanis.
Basada en la obra Los días del sastre en Silmači, de Rūdolfs Blaumanis.
Duración aproximada: 2:00 horas

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#danza, Ballet, musica

Lago de los Cisnes (CND)

Tras 40 años de presentarse en la isleta del lago menor de Chapultepec, El Lago de los Cisnes dejó de presentarse en dicho lugar en 2016. En su momento se indicó que se trataba de una versión mutilada y se apostaba a montar la versión completa. Además que el clima frecuentemente era un problema. Al ser la temporada en febrero – marzo siempre había cancelaciones por lluvias. Con una duración de apenas una hora y final feliz, era bonita de verse, pero muy alejada de la versión tradicional.

Posteriormente se han realizado temporadas en el Palacio de Bellas Artes, desafortunadamente, como siempre sucede con la Compañía Nacional de Danza, las temporadas son de pocas funciones y al ser Lago una de las obras que más gusta al público, los boletos se agotan en un par de días.

Como anécdota personal: En la segunda mitad de 2017 pude conseguir realmente el último boleto de la temporada. Tras mostrarse en línea totalmente agotado, me apareció un solo boleto en todo el Palacio y en un buen lugar de la Luneta (plata baja) Rápidamente lo compré. El 19 de septiembre un fuerte sismo sacudió a la ciudad y por un par de semanas se cancelaron eventos masivos. La función para la que tenía boleto fue la única afectada. Cancelada sin posibilidad para reprogramar fecha.

Es hasta febrero de 2025 que pude ver por primera vez la obra completa con orquesta. Años atrás la había visto con una compañía rusa en el Metropólitan, pero sin orquesta. Nuevamente, en Chapultepec, era pista y una versión abreviada.

Cambia mucho con orquesta. No se por qué la Compañía lleva algunos años alternando funciones con y sin orquesta. Definitivamente es mejor con música en vivo.

Me gustó. Tiene motivos coreográficos bonitos, patrones que se van repitiendo, creando unidad y continuidad. Los momentos de los cisnes en verdad hacen ver una parvada. El único detalle, que frecuentemente tengo con la CND, es que los hombres suelen oírse pesados al caer de los saltos, haciendo mucho ruido en el piso.

La obra en vez de dividirse en cuatro actos, la presentan en dos actos de dos cuadros cada uno. Me llamó la atención que no tienen marcadas pausas para agradecer en las variaciones. Los momentos de saludos son entre los personajes, no hacia el público. Esto no impide que el público, como siempre, aplauda en momentos inoportunos. Las pausas, los silencios, están en la partitura por algo, no para que se aplauda en cada silencio presente.

El Palacio era de los recintos que tenían una política más estricta respecto al uso de cámaras. Desafortunadamente ya no se controla y mucha gente estuvo grabando y tomando fotografías durante la función, siendo notorio que lo hacían en las partes famosas mediáticamente, como en la danza de los cuatros cisnes, no así en el pas de deux de Odile con los 32 fouettés.

Con la salida de Lago en Chapultepec y La Bella Durmiente en el Castillo, solo ha quedado de manera regular El Cascanueces en el Auditorio Nacional, edificio que me parece muy malo para ballet. Me dio mucho gusto finalmente ver Lago de los Cisnes en el Palacio de Bellas Artes. Espero que pronto se considere tener temporada de manera regular en dicho recinto.

Lago de los Cisnes.
Coreografía: Cuauhtémoc Nájera sobre originales de petipa e Ivanov.
Música: Piotr Ilich Chaikovski.
Dirección de orquesta: Gavriel Heine.

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#danza, Ballet, pelicula

Swan Lake IMAX

El pasado mes de noviembre se presentó en una muy breve temporada, El Lago de los Cisnes en salas IMAX, con la Ópera de Paris, en versión de Rudolf Nureyev.

Los papeles principales fueron desempeñados por Sae Eun Park (Odette/Odile), Paul Marque (Príncipe Sigfrido) y Pablo Legasa (Rothbart)

La publicidad ofrecía por primera vez una experiencia inmersiva como nunca se había visto u oído, disfrutando el ballet en primera fila.

La cámara constantemente se mueve por el escenario, llevando al espectador no solo a la primera fila, sino dentro de la obra. No siempre con los mejores resultados. Pathe Live tiene experiencia con transmisiones en vivo del Ballet Bolshoi, sin embargo, en esta ocasión el trabajo de cámara no termina de gustarme.

Hay tomas muy bonitas con mucha estética donde se aprovecha muy bien la coreografía, pero hay otras donde no se aprecia correctamente. Por ejemplo, siguen en acercamiento a los bailarines principales dejando al cuerpo de baile fuera. Al ser una toma tan cerrada siguiendo a alguien que se desplaza por el espacio, todas las demás personas se ven difusas. En otras ocasiones se juega con el foco, desenfocando a quien baila y centrando la atención en el príncipe que está sentado.

Por otro lado, los acercamientos y la calidad de la imagen es tal, que se pueden ver las filigranas del vestuario como nunca lo habíamos hecho. Incluso algunos detalles que tal vez no debíamos notar, como seguros en la ropa y detalles estéticos.

Respecto a la historia, es un tanto confuso que Rothbart, al principio sale como el consejero del príncipe, quien parece estarlo manipulando ¿acaso establecer una relación sentimental con él? En los créditos Legasa recibe créditos separados, como si fueran dos personajes diferentes, sin embargo, en la fiesta cuando llega Rothbart con Odile, claramente vemos al consejero.

Parece ser una grabación de estudio, no en una presentación en vivo con público. Los detalles coreográficos y técnicos están muy bien cuidados, seguramente fue una ardua labor tener las tomas perfectas. Solo que por el lado de la cinematografía creo que quedaron a deber y no aprovecharon totalmente lo que podían lograr con el IMAX.

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#danza, Ballet

Don Quijote

Poster de Don Quijote, se muestra con fines ilustrativos

Del 17 de mayo al 9 de junio en el Teatro de las Artes del Centro Nacional de las Artes, la Compañía Nacional de Danza presentó la temporada de Don Quijote.

Las últimas presentaciones que recuerdo de dicha obra no han sido en el Palacio de Bellas Artes, sino en el Teatro de la Ciudad o como en esta ocasión, en el Teatro de las Artes, no se cuál sea la razón.

Don Quijote es uno de mis ballets favoritos, tenía aproximadamente 15 años que no lo veía en vivo y tiene menos tiempo, pero también un largo rato, que no lo veo en video. No estoy completamente seguro, pero diría que esta versión modifica algunas partes quitando o agregando secciones, respecto a la coreografía tradicional.

Los espacios que se crean mediante la escenografía son mágicos, sobre todo el sueño de Don Quijote.

Algo que me ha parecido atinado de la presente administración de la compañía, es que se está dejando de centralizar las actividades en el Palacio de Bellas Artes. Si bien, todo sigue en la Ciudad de México, ahora hay temporadas en el Centro Cultural del Bosque y en el Centro Nacional de las Artes. En estos dos recintos se han tenido funciones gratuitas o con precios muy económicos con lo que se puede acercar las actividades de la compañía a más público. Sin embargo, me encantaría ver en algún momento la obra en el Palacio con orquesta, ya que en los otros espacios es música grabada.

La temporada fue más larga que las acostumbradas en el Palacio (normalmente unas 5 funciones) y contó varios días con localidades agotadas, por lo que ha sido un éxito al acercarse al público. En estas semanas, en el mismo teatro, con entrada libre, se presentará La Fille mal Gardée también con la Compañía Nacional de Danza.

Adaptación coreográfica: Cuauhtémoc Nájera, Jacqueline López, Sonia Jiménez, Antón Joroshmanov y Agustina Galizzi sobre la coreografía original de Marius Petipa.
Dirección artística: Elisa Carrillo y Cuauhtémoc Nájera.

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#danza, Ballet

Onegin

Erick Rodríguez en su depedida como Onegin

El pasado 12 de noviembre, el primer bailarín Erick Rodríguez se despidió de la Compañía Nacional de Danza de México con la obra Onegin. La temporada, del 5 al 12 de noviembre, contó con 4 funciones y dos elencos para los papeles principales (excepto para el Príncipe Gremin, que tuvo tres intérpretes) Erick Rodríguez bailó  los días 7 y 12.

John Cranko coreografió la obra en 1965 para el Stuttgart Ballet, basándose en la novela de Alexander Pushkin, Eugenio Oneguin (también escrito Eugene Onegin. Creo que la forma correcta en español es con la u, produciendo un sonido suave, en la reseña usaré la ortografía del programa de mano)

El argumento es aproximadamente el siguiente: Olga está comprometida con Lensky. Su hermana Tatiana se enamora de Onegin, quién la trata de manera fría y frente a ella rompe la carta de amor que le ha hecho llegar. En una fiesta, Onegin coquetea con Olga, provocando el enojo de Lensky, quien lo reta a duelo. Onegin mata a su rival y se va de la ciudad. Diez años después regresa, encontrando a la princesa Tatiana casada con el príncipe Grevin. Onegin ahora es quien escribe una carta de amor. Tatiana no quiere que Grevin la deje sola, pero él tiene que salir, por lo que Onegin se presenta esperando una respuesta. Es turno de Tatiana de romper la carta frente a Onegin y pedirle que salga de su vida para siempre.

Ballets basados en novelas rusas del siglo XIX como Ana Karenina y Un héroe de nuestro tiempo no son de mis favoritos. A mi gusto tienen demasiadas escenas de bailes de corte, aunque lo admito, los ballets clásicos también tienen muchas escenas de danzas en palacio que agregan poco a la historia.

 En el caso de Onegin, tampoco es de mis obras favoritas, sin embargo, esas escenas de baile en la corte son interesantes por tener pasos muy elaborados y frecuentemente desplazamientos a gran velocidad por el escenario.

La escenografía me gustó mucho, transporta a los palacios y lugares de la historia. El uso del proscenio mientras se hacen cambios durante las escenas me pareció muy acertado.

En el primer acto Tatiana se ve frente al espejo, me gustó cómo lo resolvieron mediante otra bailarina. También cómo su sueño se va materializando a través del espejo. La danza triste de Lensky antes del duelo transmitió mucho sentimiento. El duelo y los recuerdos atormentando a Onegin desfilando en el proscenio son escenas muy bien hechas. El final, cuando Tatiana es quien desprecia a Onegin con las mismas acciones que él tuvo antes hacia ella, es algo muy fuerte. Tatiana queda llorando, ella en verdad lo quiso, pero han pasado demasiadas cosas y es muy tarde para que surja algo, aunque por un momento pareciera que ella va a ceder. El papel de Tatiana, en la función final fue interpretado por Elisa Ramos, esposa de Erick, quien es Primera Solista.

Erick Rodríguez nació en La Habana, fue parte del Ballet nacional de Cuba del 2000 al 2002. Ingresó a la Compañía Nacional de Danza de México en 2003 y en 2009 llegó a Primer Bailarín. Tras 20 años en esta agrupación, se despide con una obra que le gusta mucho y bailó 13 años atrás. Teniendo la oportunidad de reinterpretar el papel, ahora más maduro.

La tarde del 12 de noviembre, la última que bailó, la función fue suya y todo el Palacio de Bellas Artes estuvo para acompañarlo. En la Luneta (planta baja) se dieron cita personalidades de la danza: coreógrafas, ex primeras bailarinas y primeros bailarines, directores artísticos anteriores, gente que se ha despedido previamente y que compartieron escenario con Erick. Tras la función, se proyectó un video con compañeros, familiares y amigos enviando sus mejores deseos al homenajeado en la nueva etapa de su carrera. Me pareció muy importante eso: nadie lo vio como “retirarse” si no como una nueva etapa en su vida profesional. No sabemos que planes tenga, pero seguramente seguirá muy activo, ahora en otro papel.

Antón Joroshmanov, Elisa Ramos, Óliver, Díaz, Erick Rodríguez, Alexis Escamilla

Es la segunda vez que voy a una función de despedida, la primera vez fue en 2008 cuando la Primera Bailarina Irma Morales dijo adiós con Romeo y Julieta. En aquella ocasión si mal no recuerdo no hubo temporada, fue una sola función. En el vestíbulo de la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes se colocó una exposición con fotos, zapatillas y momentos de la carrera de Irma. En este caso, esperaba también alguna exposición sobre la trayectoria de Erick. No la hubo. A fin de cuentas, son 15 años de distancia y diferente administración. Algo que también extrañé fue el programa de mano impreso. Constantemente me he quejado en este espacio de los ahora omnipresentes programas digitales. Del 2008 incluso tengo el programa con una dedicatoria de la maestra Morales. Este año solo nos llevamos el programa digital. El formato impreso estuvo disponible exclusivamente para los invitados especiales en la mesa de cortesías.

Uno de los nuevos retos con los programas digitales es la forma en la que se van a archivar y documentar los mismos, cómo se va a conservar la parte de la historia que va en esos registros, donde ahora se pierden las variaciones o pequeñas historias particulares en que puede puede haber algo dedicado o firmado.

Onegin
Coreografía: John Cranko.
Reposición: Jane Bourne.
Música: Piotr I. Chaikovki.
Orquesta del Teatro de Bellas Artes. Óliver Díaz, Director Invitado.
Solistas del 12 de noviembre: Erik Rodríguez, Elisa Ramos, Argenis Montalvo, Alexis Escamilla, Antón Joroshmanov, Sonia Jiménez, Irina Marcano.
Duración aproximada: 2 horas con 2 intermedios.

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#danza, Ballet, contemporaneo, folclor

DanZoología

Detalle del poster de Danzoología. Se miestra con fines ilustrativos.

Del 27 al 29 de octubre de 2023 se presentó en la Sala Miguel Covarrubias de la UNAM, el programa DanZoología. La biodiversidad animal en la danza. Una función colectiva que unió diferentes bailes alusivos a animales.

Únicamente el 28 y 29 presentó la Escuela Nacional de Danza Folklórica, con Quetzales. Con la participación especial de Antonio Hernández, maestro y músico de la danza de Quetzales del barrio de Tacopan, Atempan, Puebla. La danza es hipnótica, un tanto monótona. Sorprende que durante media hora los intérpretes bailen sin parar con la misma serie de saltitos, todo el tiempo con el acompañamiento musical del maestro Hernández. La energía que se requiere para bailar, así como tocar la flauta y tamborín durante media hora debe ser muy grande.

Continuó Diario de confinamiento, coreografía e interpretación de Irene Martínez. No me gustó. La solista se mueve en un recuadro frente a una proyección de unas palomas echadas. ¿representa una paloma en cautiverio? No me quedó muy claro y en todo caso los movimientos no me remitían a una paloma.

La Compañía Mexiquense de Danzas Regionales bailó El Alcaraván, La Tórtola y El paloma y la paloma. En el programa se anunció El Zopilote, pero no se interpretó. Me gustó la participación de la compañía. Obras alegres donde el movimiento si ilustra a los animales que representan.

Ícaro, de la Compañía Corpógrafos, siguió en el programa. Con coreografía de Isabel Beteta e Interpretación de Eustorgio Guzmán Sanvicente, muestra un Ícaro naciente, parece un ave saliendo del cascarón. Después la desesperación al perder las alas y caer. En el tema de los plásticos de un solo uso me da no se que pensar en un vestuario de una sábana de plástico que es rota en cada función, seguramente en cada ensayo.

4 cisnes del Lago de los Cisnes, coreografía de Reyna Pérez, de Ardentía, muestra la famosa variación en una versión “cómica” interpretada por hombres. Existen diversas versiones de este estilo. Siento que no terminó de amarrar y hubo una respuesta un tanto fría del público.

La Compañía Nacional de Danza presentó el Pas de deux de Lago de los Cisnes con Ana Elisa Mena y Alejandro Hidalgo. Lago siempre es favorita del público y no fue la excepción.

Continuó Isabel Beteta con Calling Me, un solo contemporáneo. No se si era un insecto eclosionando entre el lodo. No me gustó.

El programa finalizó con La danza del venado, con el Ballet Folklórico de México de Amalia Hernández. No cuenta con datos del intérprete.

La función en general me gustó, como función conjunta es un esfuerzo especial entre varias compañías y es interesante el concepto de que todo gire en torno a un tema: los animales. La dirección artística corrió a cargo de Héctor Garay e Isabel Beteta. A pesar de estar prohibido tomar fotografías y video no faltó quien sacó su celular a escondidas con ese fin. ¿Público regular? No. Quien lo hacía era gente de danza que debería estar más consciente del respeto por esas reglas.

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#danza, Ballet

Carmina Burana y Noche de Walpurgis

Detalle del poster del Ballet de Jalisco. Se muestra con fines ilustrativos.

El Ballet de Jalisco presentó el pasado 10 de junio en el Palacio de Bellas Artes el programa compuesto por Carmina Burana y La Noche de Walpurgis.

La velada comenzó con La Noche de Walpurgis, sobre el ballet de la ópera Fausto, con música de Gounod. Sin leer el programa de mano, uno de los personajes, con cuernos, me remite a un Fauno, probablemente Dionisio. Su maquillaje me parece excesivo, con los cuernos era suficiente. Los bailes son muy dinámicos. El cuerpo de baile posiblemente son Bacantes, no me sorprendería que el otro personaje masculino sea Apolo. Tras la función, al leer el programa de mano, veo que son Paris, Helena, un fauno y ninfas.

La escenografía (Lucía Ortíz) nos transporta a un bosque en la noche de Walpurgis, como bien dijo un espectador, se parece a Sueño de una Noche de Verano (coreografía de James Kelly con escenografía de Juliana Fraesler Y Erika Gómez, presentada por la Compañía Nacional de Danza en el mismo Palacio de Bellas Artes) Los árboles y la iluminación hacen muy buenos efectos.

La primer parte de la función duró aproximadamente media hora, viene un intermedio y posteriormente el cierre con Carmina Burana, con música de Carl Orff. Nuevamente la escenografía e iluminación crean diversos efectos mágicos jugando con las profundidades de la escena.

No sé por qué razón la música de Orff no se presentó en el orden establecido por el compositor. Los Carmina Burana son un conjunto de cantos, Orff seleccionó algunos de ellos, les hizo un arreglo sinfónico y los organizó de una manera en particular. Si se presenta Carmina Burana de Carl Orff espero oír la cantata como fue concebida por Orff. En su lugar se presentó en diferente orden. En un momento dado comenzó a distraerme el tratar de recordar si una pieza debía seguir a otra o no. Para una obra tan conocida no creo que sea buena idea alterar el orden.

Lo que no me gustó de la función:

  • La edición de la música de Orff.
  • El público compuesto por familiares y amigos. Aplaudían prácticamente en cualquier silencio musical, gritaban “Bravo [nombre de algún bailarín]” y hasta sacaban el celular para tomar fotos y video a pesar de estar prohibido hacerlo en el Palacio. Sé que es un gran logro que sus familiares bailen en Bellas Artes, pero parecía festival escolar. Mis vecinos de butaca incluso me preguntaban si había algo después del intermedio (no conocían el programa)

Lo que me gustó:

  • Ambas coreografías fueron muy dinámicas, la iluminación hizo efectos muy bonitos. La compañía es un conjunto de bailarines muy talentosos. Estuve en quinta fila y no se oían los pies al caer de los saltos, muy buena señal de que están bailando alargados, quitando peso y amortiguando perfectamente las caídas. Cosas que pocas veces veo aún con compañías profesionales.

Disfruté mucho la función, nunca había visto al Ballet de Jalisco y me gustó mucho su trabajo y técnica.

Noche de Walpurgis
Coreografía: Lucy Arce sobre original de Mikhail Labrovsky
Música: Charles Gounod
Carmima Burana
Coreografía: Lucy Arce
Música: Carl Orff

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#danza, Ballet

Coppelia

Detalle del programa de mano. Se muestra con fines ilustrativos.

Coppelia o La muchacha con ojos de esmalte fue estrenada en 1870 en la Ópera de París, con música de Léo Delibes, libreto de Charles Nuittier y Arthur Saint-León. Coreografía de Saint-León. El argumento se basa en el cuento El Hombre de Arena de E.T.A. Hoffman. Desde entonces este ballet pantomímico se ha mantenido entre los favoritos del público por ser además cómico, siendo conocido simplemente como Coppelia. Ha tenido varias versiones coreográficas a lo largo de sus más de 150 años de existencia.

La Compañía Nacional de Danza presenta la obra como el programa 2 de la temporada 2023, después de 7 años de no montarla. Esta versión fue coreografiada por Enrique Martínez, quien falleció en 1998.

A pesar de ser una obra bastante conocida, creo nunca la había visto en vivo, solo en videos. Además, esta visita al Palacio de Bellas Artes marca mi primer asistencia al recinto después de iniciada la pandemia, la última vez que estuve fue para la Gala Contemporánea, justo una semana después de confirmado el primer caso en México. En esa ocasión hubo muy poco público. Esta vez me dio gusto ver bastante gente, aunque no lleno total y con promociones en internet con el operador de boletos, lo que puede indicar bajas ventas.

La temporada se realiza en dos versiones: con o sin orquesta (música grabada) Hace años todas las funciones eran con orquesta, no sé por qué hace tiempo comenzaron a hacerse las presentaciones con grabación. Al menos ahora hay oportunidad de seleccionar la función y, para mi gusto, ver el ballet con orquesta.

El ballet se divide en tres actos y cuenta la historia de Swanilda y Franz quienes están comprometidos, sin embargo, Franz coquetea con la misteriosa Coppelia, hija del Doctor Coppelius. Coppelia es una muchacha guapa que sale a leer a su balcón y no interactúa con nadie …excepto para mandarle besos a Franz. Swanilda se enoja y no quiere saber nada del matrimonio con Franz. Él se va con sus amigos a una taberna, Coppelius sale a la calle y los bribones se divierten a su costa atacándolo. En el jaloneo pierde sus llaves. Las muchachas que ven todo, toman la llave y se meten a casa de Coppelius. Franz mientras tanto busca una escalera para subir al balcón y visitar a Coppelia.

En el segundo acto, las muchachas descubren que la casa de Coppelius es un taller donde fabrica autómatas y Coppelia es una muñeca. Coppelius mientras tanto, regresa a casa y encuentra la puerta abierta, las chicas salen huyendo excepto Swanilda que toma el papel de Coppelia. Mientras, Franz ha entrado por la ventana. Coppelius lo emborracha para hacer un hechizo y transferirle su alma a Coppelia y que así tome vida. La tarea parece funcionar, ya que la muñeca se mueve, aunque tomándose demasiadas libertades. En realidad, Swanilda se divierte a costa del Doctor.

Franz despierta y ambos huyen, sin antes dejar revuelto el laboratorio y hacerle ver al Doctor la triste realidad de que todo fue un engaño y Coppelia sigue siendo no más que una muñeca.

Durante el tercer acto se celebra la boda entre Franz y Coppelia. Como sucede en la mayoría de los ballets, el acto está dedicado en su totalidad a los festejos.

El ballet es bastante dinámico y divertido. Al ser pantomima, gran parte de la historia se va narrando con gestos. La mazurka siempre es de las favoritas del público. A mi alrededor escuché gente reaccionando con alegría al escuchar las piezas más conocidas. Mucho colorido, limpieza en el movimiento, la ambientación que crea la escenografía es muy bonita, sensación de profundidad en la plaza. Me gustó particularmente que podemos ver, aunque sea un poco, el interior de la taberna, donde se vislumbra a una persona disfrutando su estancia en el lugar. También me impresionó que los bailarines que hacen de muñecos permanecieron gran parte del segundo acto en una sola posición.

Nuevamente, extraño los programas de mano físicos. Al menos el QR funciona y el PDF está bellamente elaborado. Después de tres años de no ver ballet, fue bastante revitalizante y lo hizo mejor la orquesta en vivo. La temporada termina el 30 de abril, quedando aun con y sin orquesta. La función empieza puntual, lo cual se agradece y cuenta con dos intermedios de aproximadamente 10 minutos, teniendo una duración total de alrededor de 2:00 horas.

Coppelia
Coreografía: Enrique Martínez
Adaptación Coreográfica: Compañía Nacional de Danza
Música: Léo Delibes
Director Musical: Luis Manuel Sánchez
Escenografía y vestuario: Eugenio Servin
Iluminación: Compañía Nacional de Danza
Estreno con la CND: 28 de septiembre de 1989, Sala Principal del Palacio de Bellas Artes

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#danza, Ballet, contemporaneo, documental

The International Competition for The Erik Bruhn Prize 2023

Captura de pantalla de los ganadores. Se muestra con fines ilustrativos.

Erik Bruhn fue un bailarín y coreógrafo danés que trabajó con varias compañías. Fue Director Artístico del National Ballet of Canada entre 1983 y 1986 cuando falleció. En su testamento estableció el Premio Erik Bruhn, el cual fue instaurado en 1988 y es organizado por dicho Ballet. El pasado 25 de marzo se llevó a cabo la más reciente edición de este premio, exactamente 37 años después de que Bruhn fuera internado y diagnosticado con cáncer de pulmón, falleciendo unos días después el 1 de abril.

Por primera vez la función realizada en el Four Seasons Centre for the Performing Arts en Toronto, pudo ser vista en todo el mundo gracias una transmisión en vivo de forma totalmente gratuita (livestreaming)  El trabajo de cámara tuvo sus problemas, no estando bien balanceados los blancos, por lo que cada cambio de cámara daba imagen con un tono diferente.

En esta ocasión participaron The National Ballet of Canada, American Ballet Theatre, The Royal Ballet y Stuttgart Ballet. Cada compañía manda una pareja de bailarines, de entre 18 y 23 años. Bailan un pas de deux de repertorio clásico y posteriormente se baila una obra de contemporáneo realizada especialmente para el premio, concursando también por coreografía. En el caso de contemporáneo puede ser un solo o un dueto. Los bailarines, a pesar de bailar juntos, son calificados individualmente. Los jueces no pueden evaluar a los miembros de su propia compañía. Al finalizar, las calificaciones se entregan para un conteo final, los jueces no se reúnen a deliberar y no saben quiénes son los ganadores, enterándose al mismo tiempo que la audiencia en el momento en que el maestro de ceremonias abre el sobre y anuncia los resultados.

Los primeros en bailar fueron Tristan Brosnan y Chloe Misseldine del ABT. Participaron con el Grand Pas Clasique. Me gustó, fue una danza con mucha frescura, se veían conectados, con naturalidad. Me gustó particularmente la variación de Misseldine. Al finalizar Brosnan tuvo una mala caída a pose sobre una rodilla, metiendo la mano al piso para detenerse. Desafortunadamente eso le valdrá puntos.

Siguieron Mackenzie Brown y Adhonay Soares da Silva del Suttgart, presentando también el Grand Pas Clasique. Mucho se ha comentado sobre lo subjetivo que es evaluar una competencia artística. En este caso ¿es bueno o malo ver la misma obra? Puede ser mejor pues se evalúa sobre lo mismo, pero las comparaciones se vuelven inevitables. Técnicamente mucho mejores que los participantes del ABT, no está a discusión. Pero …. Me gustó más la variación de Missledine en comparación con la de Brown. La ejecución fue tan técnicamente perfecta que por momentos la sentí mecánica. Sin la frescura de los bailarines anteriores. Las poses, las sonrisas, eran en momentos tan exactos que se perdía naturalidad. El momento que más me gustó fue al finalizar cuando Soares dejó salir una amplia sonrisa honesta y agradeció a Brown. Eso se ve poco, normalmente las gracias entre bailarines están tan ensayadas que no hay esos momentos de auténtica conexión y agradecimiento entre ellos. Soares no concursó pues sustituyó a Gabriel Figueredo que por circunstancias imprevistas no pudo participar. Por técnica, Brown puede ganar el premio de bailarina.

Siguió el turno para los anfitriones: The National Ballet of Canada. Emerson Dayton y Noah Parets interpretaron el Pas de Deux del cuarto acto de La Bella Durmiente. Bien interpretado, la obra nunca ha sido de mis favoritas, son pocos momentos del Pas de Deux que me gustan.

El final de la primera parte fue con el Royal Ballet. Daichi Ikarashi y Viola Pantuso interpretaron Diana y Acteón. Muy buena ejecución. Ikarashi tiene saltos impresionantes y buena técnica. Lo veo como ganador del premio a bailarín.

Después de un intermedio de 20 minutos la función continuó con el bloque contemporáneo.

Tristan Brosnan y Chloe Misseldine regresaron para bailar Game On de Laurren Lovette. Mackenzie Brown y Adhonay Soares da Silva interpretaron A Dialog de Roman Novitzky. Noah Parets y Emerson Dayton bailaron la creación de Ethan Colangelo titulada fractured. Finalmente Viola Pantuso y Daichi Ikarashi dieron vida a Things left unsaid de Joshua Junker.

La parte contemporánea no la disfruté tanto. Game On del ABT y Things left unsaid del Royal Ballet fueron las que más me gustaron aunque no terminaron de agradarme. La que menos disfruté fue A Dialog del Stuttgart. Movimientos muy cortados, técnicamente difíciles, pero no terminó de agradarme, no me parecía un diálogo, era más como dos monólogos.

El maestro de ceremonias Rex Harrington anunció la proyección de un fragmento del documental I’m the same, only more donde pudimos ver un poco del trabajo de Bruhn. El corto termina con la pregunta “¿Cómo estás? Soy el mismo, solo más”. Al finalizar la proyección se tuvieron los ganadores. Harrington los anunció quedando de esta manera:

Mejor coreografía: A Dialog de Roman Novitzki por el Stuttgart Ballet.

Mejor bailarina: Mackenzie Brown del Stuttgart Ballet.

Mejor bailarín: Daichi Ikarashi del Royal Ballet.

De esta forma concluye la edición 2023 del premio Erik Bruhn, con una duración de aproximadamente dos horas. Por primera vez pudimos disfrutarlo desde otros países en la comodidad de la casa y de forma totalmente gratuita. En días siguientes reportan más de 8000 espectadores en línea. Un agradecimiento especial a quienes hicieron esto posible.

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#danza, #historia, Ballet

Marie-Antoinette

Presentación de Marie-Antoinette. Se muestra con fines ilustrativos.

He visto algunas obras en video de Thierry Malandain y la mayoría me han gustado. Maria Antonieta no es la excepción.

Con música de Haydn y Gluck, Malandain nos lleva al Palacio de Versalles, donde vemos a la corte en fiestas, juegos pueriles y entretenimientos frívolos. También vemos desenvolverse romances entre gente de la corte.

Presenciamos la inauguración de la Opera Real de Versalles, un escenario dentro del palacio. Esta grabación en particular fue realizada en ese preciso escenario.

Se va presentando de igual forma la relación de María Antonieta con Luis XVI. En un principio somos testigos de una pareja amorosa, poco a poco se van separando, la frialdad y rechazo por parte de Luis XVI hacia María Antonieta se van haciendo más y más evidentes.

Hacia el final se escuchan estruendos. Los cañones y disparos que anuncian la revolución. Los dos reyes quedan en el escenario, levantan la cabeza al tiempo que se hace oscuro implicando la caída de la guillotina. Un final impresionante.

Como es frecuente en los trabajos de Malandain, la música y movimiento son alegres, con mucho dinamismo, incluso en escenas lentas. La sincronía de los bailarines con la música y del cuerpo de baile es perfecta. Un trabajo muy bien pulido. La escena final es una imagen con mucha fuerza, sin ser explícitos se insinúa el cadalso y la caída de la cuchilla.

El teatro principal del Palacio de Versalles fue inaugurado en 1770 para celebrar la boda del Delfín (Dauphin, título que se le da al hijo del rey y futuro heredero) con María Antonieta. El hecho de que este ballet sea grabado en ese escenario le da un toque histórico especial.

Una obra recomendable que puede ser vista en medici.tv

Marie-Antoinette
Dirección: Thierry Malandain
Bailarines: Claire Lonchampt, Mickaël Conte, Irma Hoffren, Frederik Deberdt, Miyuki Kanei, Arnaud Mahouy, Raphaël Canet
Música: Joseph Haydn y Christoph Willibald Gluck
Disponible en medici.tv con suscripción

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