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Concierto Navideño

El cierre de la Segunda Temporada de la Orquesta Sinfónica Nacional fue el 8 y 10 de diciembre en el Palacio de Bellas Artes con el tradicional Concierto Navideño. La reseña corresponde a la función del día 10, fecha en que se retiró uno de los violinistas después de 30 años en la institución. Un pequeño homenaje se llevó a cabo previo a la función, donde se le dedicaron palabras y la orquesta interpretó Las golondrinas.

El programa consistió en la Obertura de la ópera Hansel y Gretel de Engelbert Humperdink, Paseo en Trineo de Leroy Anderson, Troika de Sergei Prokofiev, Suite del Cascanueces, versión de Ellington y StrayHorn sobre la original de Chaikovski, Suite de villancicos de Eduardo Hernández Moncada y Selección de Villancicos Internacionales.

El programa fue corto, planeado para 60 minutos sin intermedio, se alargó un poco por el homenaje y el encore.

Paseo en Trineo, Troika y los villancicos fue lo que más disfruté. La separación entre la suite de Eduardo Hernández y los villancicos internacionales no fue clara. Lo que menos me gustó fue la Suite de Cascanueces a ritmo de jazz, en varios momentos no se parecía a la original. Prefiero una instrumentación clásica.

Entre los villancicos interpretados estuvieron: Noche de Paz, Pequeño pueblo de Belén, Oh, árbol de Navidad, Dios les dé una feliz paz, Cántico de Navidad, Cántico de las campanas y Las posadas. Este listado corresponde a la Suite de villancicos. El número listado como Selección de Villancicos Internacionales no se detalla en el programa, aunque recuerdo Señora Santana, que más que villancico es canción de cuna. Los villancicos me trajeron recuedos cuando de niño oíamos en Navidad dichos cantos en discos LP, este año decidí desenterrar algunos para oirlos de nuevo, con ese gis caractéristico en el audio.

Como encore se ofreció Aleluya del Oratorio del Mesías.

El concierto estuvo a cargo de Ludwig Carrasco en la Dirección Artística de la Orquesta, David Arontes, Director Coral. Gilberto Amaro, tenor y Coro del Conservatorio Nacional de Música.

 La salida del inmueble fue por las escaleras traseras del recinto, se me hizo raro, pues faltaban horas para la siguiente función en el inmueble, al menos sirvió para conocer otra parte del Palacio. El tenor Gilberto Amaro atravesó el pasillo de las escaleras y aprovechó para agradecer a los asistentes. Se llevó la simpatía del público.

Como ha sucedido en otras funciones: el público se comportó como en festival escolar, fotografiando y filmando el concierto sin importar que esté prohibido. Gritos de “mucho Fulano”, “arriba mi hijo” y cosas por estilo. Sé que es un gran logro que sus hijos canten en el Palacio de Bellas Artes pero no es un festival escolar. Al ser un programa corto no hubo intermedio, a pesar de estipularse “una vez iniciado no hay acceso” la gente continuó entrando bastante avanzada la función. De igual forma saliendo y regresando del baño. Cual festival escolar.

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#danza, Ballet

Onegin

Erick Rodríguez en su depedida como Onegin

El pasado 12 de noviembre, el primer bailarín Erick Rodríguez se despidió de la Compañía Nacional de Danza de México con la obra Onegin. La temporada, del 5 al 12 de noviembre, contó con 4 funciones y dos elencos para los papeles principales (excepto para el Príncipe Gremin, que tuvo tres intérpretes) Erick Rodríguez bailó  los días 7 y 12.

John Cranko coreografió la obra en 1965 para el Stuttgart Ballet, basándose en la novela de Alexander Pushkin, Eugenio Oneguin (también escrito Eugene Onegin. Creo que la forma correcta en español es con la u, produciendo un sonido suave, en la reseña usaré la ortografía del programa de mano)

El argumento es aproximadamente el siguiente: Olga está comprometida con Lensky. Su hermana Tatiana se enamora de Onegin, quién la trata de manera fría y frente a ella rompe la carta de amor que le ha hecho llegar. En una fiesta, Onegin coquetea con Olga, provocando el enojo de Lensky, quien lo reta a duelo. Onegin mata a su rival y se va de la ciudad. Diez años después regresa, encontrando a la princesa Tatiana casada con el príncipe Grevin. Onegin ahora es quien escribe una carta de amor. Tatiana no quiere que Grevin la deje sola, pero él tiene que salir, por lo que Onegin se presenta esperando una respuesta. Es turno de Tatiana de romper la carta frente a Onegin y pedirle que salga de su vida para siempre.

Ballets basados en novelas rusas del siglo XIX como Ana Karenina y Un héroe de nuestro tiempo no son de mis favoritos. A mi gusto tienen demasiadas escenas de bailes de corte, aunque lo admito, los ballets clásicos también tienen muchas escenas de danzas en palacio que agregan poco a la historia.

 En el caso de Onegin, tampoco es de mis obras favoritas, sin embargo, esas escenas de baile en la corte son interesantes por tener pasos muy elaborados y frecuentemente desplazamientos a gran velocidad por el escenario.

La escenografía me gustó mucho, transporta a los palacios y lugares de la historia. El uso del proscenio mientras se hacen cambios durante las escenas me pareció muy acertado.

En el primer acto Tatiana se ve frente al espejo, me gustó cómo lo resolvieron mediante otra bailarina. También cómo su sueño se va materializando a través del espejo. La danza triste de Lensky antes del duelo transmitió mucho sentimiento. El duelo y los recuerdos atormentando a Onegin desfilando en el proscenio son escenas muy bien hechas. El final, cuando Tatiana es quien desprecia a Onegin con las mismas acciones que él tuvo antes hacia ella, es algo muy fuerte. Tatiana queda llorando, ella en verdad lo quiso, pero han pasado demasiadas cosas y es muy tarde para que surja algo, aunque por un momento pareciera que ella va a ceder. El papel de Tatiana, en la función final fue interpretado por Elisa Ramos, esposa de Erick, quien es Primera Solista.

Erick Rodríguez nació en La Habana, fue parte del Ballet nacional de Cuba del 2000 al 2002. Ingresó a la Compañía Nacional de Danza de México en 2003 y en 2009 llegó a Primer Bailarín. Tras 20 años en esta agrupación, se despide con una obra que le gusta mucho y bailó 13 años atrás. Teniendo la oportunidad de reinterpretar el papel, ahora más maduro.

La tarde del 12 de noviembre, la última que bailó, la función fue suya y todo el Palacio de Bellas Artes estuvo para acompañarlo. En la Luneta (planta baja) se dieron cita personalidades de la danza: coreógrafas, ex primeras bailarinas y primeros bailarines, directores artísticos anteriores, gente que se ha despedido previamente y que compartieron escenario con Erick. Tras la función, se proyectó un video con compañeros, familiares y amigos enviando sus mejores deseos al homenajeado en la nueva etapa de su carrera. Me pareció muy importante eso: nadie lo vio como “retirarse” si no como una nueva etapa en su vida profesional. No sabemos que planes tenga, pero seguramente seguirá muy activo, ahora en otro papel.

Antón Joroshmanov, Elisa Ramos, Óliver, Díaz, Erick Rodríguez, Alexis Escamilla

Es la segunda vez que voy a una función de despedida, la primera vez fue en 2008 cuando la Primera Bailarina Irma Morales dijo adiós con Romeo y Julieta. En aquella ocasión si mal no recuerdo no hubo temporada, fue una sola función. En el vestíbulo de la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes se colocó una exposición con fotos, zapatillas y momentos de la carrera de Irma. En este caso, esperaba también alguna exposición sobre la trayectoria de Erick. No la hubo. A fin de cuentas, son 15 años de distancia y diferente administración. Algo que también extrañé fue el programa de mano impreso. Constantemente me he quejado en este espacio de los ahora omnipresentes programas digitales. Del 2008 incluso tengo el programa con una dedicatoria de la maestra Morales. Este año solo nos llevamos el programa digital. El formato impreso estuvo disponible exclusivamente para los invitados especiales en la mesa de cortesías.

Uno de los nuevos retos con los programas digitales es la forma en la que se van a archivar y documentar los mismos, cómo se va a conservar la parte de la historia que va en esos registros, donde ahora se pierden las variaciones o pequeñas historias particulares en que puede puede haber algo dedicado o firmado.

Onegin
Coreografía: John Cranko.
Reposición: Jane Bourne.
Música: Piotr I. Chaikovki.
Orquesta del Teatro de Bellas Artes. Óliver Díaz, Director Invitado.
Solistas del 12 de noviembre: Erik Rodríguez, Elisa Ramos, Argenis Montalvo, Alexis Escamilla, Antón Joroshmanov, Sonia Jiménez, Irina Marcano.
Duración aproximada: 2 horas con 2 intermedios.

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#danza, Ballet, contemporaneo, folclor

DanZoología

Detalle del poster de Danzoología. Se miestra con fines ilustrativos.

Del 27 al 29 de octubre de 2023 se presentó en la Sala Miguel Covarrubias de la UNAM, el programa DanZoología. La biodiversidad animal en la danza. Una función colectiva que unió diferentes bailes alusivos a animales.

Únicamente el 28 y 29 presentó la Escuela Nacional de Danza Folklórica, con Quetzales. Con la participación especial de Antonio Hernández, maestro y músico de la danza de Quetzales del barrio de Tacopan, Atempan, Puebla. La danza es hipnótica, un tanto monótona. Sorprende que durante media hora los intérpretes bailen sin parar con la misma serie de saltitos, todo el tiempo con el acompañamiento musical del maestro Hernández. La energía que se requiere para bailar, así como tocar la flauta y tamborín durante media hora debe ser muy grande.

Continuó Diario de confinamiento, coreografía e interpretación de Irene Martínez. No me gustó. La solista se mueve en un recuadro frente a una proyección de unas palomas echadas. ¿representa una paloma en cautiverio? No me quedó muy claro y en todo caso los movimientos no me remitían a una paloma.

La Compañía Mexiquense de Danzas Regionales bailó El Alcaraván, La Tórtola y El paloma y la paloma. En el programa se anunció El Zopilote, pero no se interpretó. Me gustó la participación de la compañía. Obras alegres donde el movimiento si ilustra a los animales que representan.

Ícaro, de la Compañía Corpógrafos, siguió en el programa. Con coreografía de Isabel Beteta e Interpretación de Eustorgio Guzmán Sanvicente, muestra un Ícaro naciente, parece un ave saliendo del cascarón. Después la desesperación al perder las alas y caer. En el tema de los plásticos de un solo uso me da no se que pensar en un vestuario de una sábana de plástico que es rota en cada función, seguramente en cada ensayo.

4 cisnes del Lago de los Cisnes, coreografía de Reyna Pérez, de Ardentía, muestra la famosa variación en una versión “cómica” interpretada por hombres. Existen diversas versiones de este estilo. Siento que no terminó de amarrar y hubo una respuesta un tanto fría del público.

La Compañía Nacional de Danza presentó el Pas de deux de Lago de los Cisnes con Ana Elisa Mena y Alejandro Hidalgo. Lago siempre es favorita del público y no fue la excepción.

Continuó Isabel Beteta con Calling Me, un solo contemporáneo. No se si era un insecto eclosionando entre el lodo. No me gustó.

El programa finalizó con La danza del venado, con el Ballet Folklórico de México de Amalia Hernández. No cuenta con datos del intérprete.

La función en general me gustó, como función conjunta es un esfuerzo especial entre varias compañías y es interesante el concepto de que todo gire en torno a un tema: los animales. La dirección artística corrió a cargo de Héctor Garay e Isabel Beteta. A pesar de estar prohibido tomar fotografías y video no faltó quien sacó su celular a escondidas con ese fin. ¿Público regular? No. Quien lo hacía era gente de danza que debería estar más consciente del respeto por esas reglas.

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musica

Novena Sinfonía

Los pasados días 27 y 29 de octubre, la Orquesta Sinfónica Nacional presentó la Novena Sinfonía de Beethoven.

El programa inició con Ceiba de Luz y Sombra, de Javier Álvarez (en memoria) concierto para fagot y orquesta creado en 2012 y estrenado en 2013. La fagotista que tocó por primera vez la obra y a quien fue dedicada la partitura es Wendy Holdaway, quien interpretó la pieza en esta temporada a la memoria del maestro Álvarez.

La obra en general no me gustó, el estilo me recuerda a Stravinsky, quien no me gusta. El trabajo del fagot es impresionante, no soy experto en música, pero me parece que no hay muchas obras con grandes solos para dicho instrumento.

Tras un intermedio, el plato fuerte del programa es la Novena Sinfonía “Coral” popularmente conocida por el cuarto movimiento que lleva la Oda o Himno a la Alegría.

Es la primera vez que oigo la Sinfonía en vivo, solo la conocía en grabaciones, de momentos sentía rara la instrumentación, pero puede ser porque estoy acostumbrado a una grabación donde los micrófonos y mezclas difieren de algo interpretado en vivo. Hubo momentos que me hicieron estremecer, aunque no tanto como lo imaginaba.

Al ser una obra muy popular, cuando se presenta los boletos suelen agotarse desde semanas antes. Recuerdo cuando era niño, mi papá quería comprar y no había localidades, de inmediato en la explanada de Bellas Artes se acercaron los revendedores a ofrecer a sobreprecio. Mi papá se fue muy enojado y no quiso hacerles el juego. Muchos años después, finalmente pude asistir a ver la obra, desafortunadamente, por motivos de salud, sin la compañía de mi papá.

Como siempre, me llama la atención que el público de Bellas Artes no sabe que no se aplaude hasta que termine la obra. Hubo aplausos al finalizar los dos primeros movimientos. Al terminar el tercero quedé sorprendido de que nadie aplaudió, un movimiento del director parecía indicar el silencio no solo a la orquesta, sino también al público. Fue bastante efectivo. Al finalizar el cuarto movimiento se llevaron la ovación que merecían.

La función a la que asistí fue la del viernes 27. La del domingo 29 fue transmitida en Radio Educación, sin querer mi papá la encontró cuando estaba comenzando la Sinfonía, por lo que la emisión radiofónica pudimos disfrutarla juntos. Efectivamente, fue diferente oírla en radio, no es lo mismo que en vivo, la forma en que están colocados los micrófonos influye. Nuevamente se oyeron aplausos donde no deberían e incluso “shhh” pidiendo silencio.

Como nota al margen: el viernes 27 la llegada al recinto fue un poco difícil, había mucho tráfico en la zona por las festividades en el Templo de San Hipólito. Al escribir la reseña, el 4 de noviembre, me entero que varios conocidos no pudieron llegar a la función de CEPRODAC con 4 Miradas de Inez debido al desfile de muertos que dejó inaccesible al Palacio, incluso sin metro. Solo queda ir cada vez más y más temprano y prevenirse por todo tipo de eventualidades y festejos que suceden en esta ciudad.

Orquesta Sinfónica Nacional, Segunda Temporada
Ceiba de Luz y Sombra (Javier Álvarez), Sinfonía núm. 9 en Re menor, op 125 Coral (Beethoven)
Ludwig Carrasco, director artístico
Wendy Holdaway, fagot
Coro de Madrigalistas de Bellas Artes
Carlos Aransay, director
Coro del Teatro de Bellas Artes
Rodrigo Elorduy, director huésped
Solistas: (27 de noviembre) Lucía Salas, Frida Portillo, Álvaro Anzaldo, Jehú Sánchez. (29 de noviembre) Akemi Endo, Rosa Muñóz, Josué Hernández, José Luis Reynoso
Duración aproximada: 1:30 horas

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#danza, Ballet

Carmina Burana y Noche de Walpurgis

Detalle del poster del Ballet de Jalisco. Se muestra con fines ilustrativos.

El Ballet de Jalisco presentó el pasado 10 de junio en el Palacio de Bellas Artes el programa compuesto por Carmina Burana y La Noche de Walpurgis.

La velada comenzó con La Noche de Walpurgis, sobre el ballet de la ópera Fausto, con música de Gounod. Sin leer el programa de mano, uno de los personajes, con cuernos, me remite a un Fauno, probablemente Dionisio. Su maquillaje me parece excesivo, con los cuernos era suficiente. Los bailes son muy dinámicos. El cuerpo de baile posiblemente son Bacantes, no me sorprendería que el otro personaje masculino sea Apolo. Tras la función, al leer el programa de mano, veo que son Paris, Helena, un fauno y ninfas.

La escenografía (Lucía Ortíz) nos transporta a un bosque en la noche de Walpurgis, como bien dijo un espectador, se parece a Sueño de una Noche de Verano (coreografía de James Kelly con escenografía de Juliana Fraesler Y Erika Gómez, presentada por la Compañía Nacional de Danza en el mismo Palacio de Bellas Artes) Los árboles y la iluminación hacen muy buenos efectos.

La primer parte de la función duró aproximadamente media hora, viene un intermedio y posteriormente el cierre con Carmina Burana, con música de Carl Orff. Nuevamente la escenografía e iluminación crean diversos efectos mágicos jugando con las profundidades de la escena.

No sé por qué razón la música de Orff no se presentó en el orden establecido por el compositor. Los Carmina Burana son un conjunto de cantos, Orff seleccionó algunos de ellos, les hizo un arreglo sinfónico y los organizó de una manera en particular. Si se presenta Carmina Burana de Carl Orff espero oír la cantata como fue concebida por Orff. En su lugar se presentó en diferente orden. En un momento dado comenzó a distraerme el tratar de recordar si una pieza debía seguir a otra o no. Para una obra tan conocida no creo que sea buena idea alterar el orden.

Lo que no me gustó de la función:

  • La edición de la música de Orff.
  • El público compuesto por familiares y amigos. Aplaudían prácticamente en cualquier silencio musical, gritaban “Bravo [nombre de algún bailarín]” y hasta sacaban el celular para tomar fotos y video a pesar de estar prohibido hacerlo en el Palacio. Sé que es un gran logro que sus familiares bailen en Bellas Artes, pero parecía festival escolar. Mis vecinos de butaca incluso me preguntaban si había algo después del intermedio (no conocían el programa)

Lo que me gustó:

  • Ambas coreografías fueron muy dinámicas, la iluminación hizo efectos muy bonitos. La compañía es un conjunto de bailarines muy talentosos. Estuve en quinta fila y no se oían los pies al caer de los saltos, muy buena señal de que están bailando alargados, quitando peso y amortiguando perfectamente las caídas. Cosas que pocas veces veo aún con compañías profesionales.

Disfruté mucho la función, nunca había visto al Ballet de Jalisco y me gustó mucho su trabajo y técnica.

Noche de Walpurgis
Coreografía: Lucy Arce sobre original de Mikhail Labrovsky
Música: Charles Gounod
Carmima Burana
Coreografía: Lucy Arce
Música: Carl Orff

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#magia, #teatro

The Illusionists (2023)

Poster de The Illusionists. Se muestra con fines ilustrativos

El espectáculo The Illusionists regresa a México siendo ésta su quinta presentación en el país (sin contar las versiones especiales de Cancun) Por segunda vez, la temporada es en el Teatro Telcel. A pesar de anunciarse con el lema «Nuevo Show. Más impactante que nunca» el programa es muy parecido al de 2019, por lo que tomaré algunos pasajes de esa reseña.

En esta ocasión son siete magos. De izquierda a derecha del póster: Aryel Altamar (Argentina), Aaron Crow (Bélgica), Pablo Cánovas (España), Xavier Mortimer (Francia), Kevin James (Estados Unidos), James More (Reino Unido) y Joaquín Kotkin (México).

Aryel Altamar “El Hipnotista” regresa a México tras estár en la versión anterior del show. Su segmento me parece demasiado largo. Hipnotiza a un grupo de voluntarios (en la función que vi, a unas 17 personas) metiéndose en sus mentes y jugando un poco con ellos. Nota: nunca me han gustado los espectáculos de hipnosis. A pesar de prometer que no los va a ridiculizar, no estoy totalmente de acuerdo con esa afirmación.

Aaron Crow “El Guerrero” tiene a la vez uno de los segmentos de más tensión y el más romántico. Con una mirada muy penetrante dirige a los espectadores que le ayudan en el escenario. Muestra destreza con espada, chacos y navaja mientras su vista está evidentemente bloqueada por medios que pocos se atreverían a hacer, todo mientras sus asistentes tiemblan de pies a cabeza. En su segmento final, una pareja vuelve a declararse después de enfrentar una flecha de Crow. ¿Acaso desempeña el papel de Cupido? Después de todo Cupido y sus flechas no necesariamente deben venir en presentación tierna. Es también de los elementos recurrentes en el espectáculo.

Pablo Cánovas «El Inolvidable» (?) ha estado en otras temporadas pero no en Ciudad de México. Junto con Mortimer son los dos elementos nuevos para la ciudad. Me pareció de personalidad pesada, apostándole a su juventud y a un estilo de presentación tipo «trata de atraparme y adivinar cómo lo hago» En una «licencia artística» dice haber inventado un efecto que en realidad es de Jim Steinmeyer.

Xavier Mortimer «El Artista» es de las caras nuevas en The Illusionists. Trabajó con Cirque du Soleil y posteriormente abrió su propio espectáculo en Las Vegas. Un artista muy completo, sus segmentos incluyen música, interacción con sombras, elementos de circo como diábolo y acrobacia, baile y por su puesto magia. Su presentación incluye parte de L’Ombre Orchestra, espectáculo con el que viajó por Europa antes de entrar al Cirque du Soleil. El nombre hace un juego de palabras con «ombre» (sombra) y «homme» (hombre). Conocía con anterioridad su trabajó y me dio mucho gusto que lo trajeran a México.

Kevin James «El Inventor» es de los favoritos en The Illusionists, ha estado prácticamente en todas las temporadas en el país. Los efectos que presenta son los mismos. No deja de ser impresionante, por algo lo vuelven a traer. Al igual que Kotkin tiene bastante chispa con los niños.

James More «El Decepcionista» ¿existe esa palabra? No, no existe. En inglés lo presentan como the decepcionist, en español sería algo así como el engañador. Estuvo en la segunda versión del show, conocida como The Illusionists 2.0 Sus segmentos son de grandes ilusiones, particularmente escapes.

Joaquín Kotkin “El Surrealista” conocido como El Mago de la Media Barba, cuenta con varias participaciones que a la vez impresionan y hacen reír con sus comentarios. Ha trabajado casi en todas las versiones del espectáculo en México. Hace las veces de anfitrión e hilo conductor enlazando los diferentes actos. Hay modificaciones en los efectos que ha presentado en años anteriores. Maneja muy bien el humor de situaciones actuales. Sin ser números precisamente infantiles tiene mucha chispa con los niños.

Como mencionaba hace cuatro años, el Teatro Telcel es mucho mejor opción contra el Auditorio Nacional, donde se presentaron las tres primeras versiones. Es un tamaño más adecuado para el espectáculo. A pesar de haber números repetidos con años anteriores es un espectáculo que vale mucho la pena, actos que dificilmente se ven en México. Apto para toda la familia. En temporada desde el 9 de mayo, este domingo 25 de junio finaliza.

The Illusionists
Teatro Telcel
Duración aproximada: 2:30 horas incluye intermedio de 20 minutos (si te ofreces voluntario para ser hipnotizado no tienes intermedio)
Hasta el 25 de junio

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#teatro, marionetas

Peer Gynt

Ayudante del Rey y la madre de Peer Gynt

Marionetitlán recientemente tuvo en el Teatro La Capilla su temporada de Peer Gynt, de Henrik Ibsen con música incidental de Edvard Grieg. La adaptación a títeres es entregada como una primera parte. La música es interpretada en vivo por un cuarteto.

En el escenario, un entablado que hace de espacio para los títeres sirve también para hacer sonar las pisadas de estos. A diferencia de otras compañías, aquí vemos todo el tiempo a los titiriteros, por lo que se puede observar la dificultad para operar las marionetas y el que están todo el tiempo con la espalda alta encorvada, sumando a esto el peso del títere de madera, no ha de ser nada cómodo hacer una obra larga como Peer Gynt.

Como entreacto se presenta otro tipo de títere que representa al mismo Ibsen dando algunas notas sobre la obra, cuya duración originalmente era de unas seis horas. Para hacerla más llevadera se encargó a Grieg componer la música incidental. Estos entreactos sirven también para presentar resúmenes de algunas secciones de la obra y acortarla.

Peer Gynt es un joven bribón que se la pasa holgazaneando e inventado historias. Su mamá lo convence de que debería casarse con una muchacha que es de buena familia, pero es demasiado tarde, ya que ella se casa ese mismo día. Peer se dirige a la boda para interrumpirla. Termina en el bosque siguiendo a la hija del rey troll de la montaña. Ahora la desposará a ella ya que así heredará el reino. La ambición y el querer ganancias fáciles son características de Peer. Tendrá que hacer cosas a cambio, despojándose poco a poco de su humanidad. Finalmente ofende a los trolls y sale huyendo. Al regresar a su pueblo es un proscrito, tiene que entrar a escondidas a ver a su madre moribunda. En una bella escena en la que recuerdan los cuentos de la infancia y las aventuras que inventa Peer, él se la encarga a San Pedro. Al terminar de jugar ve que efectivamente su madre ha fallecido. Peer ya no tiene nada que hacer en el pueblo y parte.

Es en este momento en que se queda la historia. A finales de año se espera presentar en el mismo teatro, la segunda parte de Peer Gynt, tomando como parteaguas la muerte de la madre, ahora será un Peer adulto que tiene que valerse completamente por él mismo.

Como lo he dicho antes, es un esfuerzo muy grande montar una obra de esta duración con títeres. Un extra es la música en vivo. Al ver a los titiriteros podemos darnos cuenta de algunas de las peripecias que hacen para que las figuras cobren vida. Es el proverbial “mirar detrás de la cortina”. También se está rompiendo con la idea de que si son títeres es una obra infantil. Si bien no está mal para niños, puede resultar un tanto densa y larga.

Durante la función trabajaron 4 titiriteros, 4 músicos y por lo menos una persona de staff. No son pocas las personas que trabajaron. Desafortunadamente hubo poco público, si uno hace cuentas no creo que cada artista haya recibido mucho por su trabajo. Ojalá en la próxima temporada de Peer Gynt más gente se anime a verlos.

Peer Gynt
Original de: Henrik Ibsen
Música incidental: Edvard Grieg
Dirección y adaptación para marionetas: Gabriela Kraemer
Marionetistas: Alejandro Camarena, Gabriela Kraemer, Israel Román, Isabel Aguilar, Marco Torres
Músicos: Alejandra Rovira, Aarón Meneses, Isela del Ángel, Josué Gómez, Abel Benítez.

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#teatro, circo, marionetas

El Circo

Poster del Festival de Títeres Lucio Espíndola. Se muestra con fines ilustrativos.

Marionetas de la Esquina fue fundada en 1975 por Lucio Espíndola y Lourdes Pérez Gay. Durante 48 años han presentado su repertorio de teatro de títeres en espacios nacionales e internacionales. Lucio Espíndola falleció el 10 de diciembre de 2022, para recordarlo, del 5 de mayo al 4 de junio se lleva a cabo el Festival de Títeres Lucio Espíndola, en La Titería de Marionetas de la Esquina y en el Teatro Orientación del Centro Cultural del Bosque. En el festival participan diversas compañías como Teatro Tinglado, Teatro al Hombro y Badulake Teatro, entre otras.

El pasado 13 de junio en el Teatro Orientación se presentó El Circo, obra escrita por Espíndola en 1976.

Durante 50 minutos nos traslada a una carpa de circo, de las de los años 70s, de esas que ya no hay, con leones y todo.  El maestro de ceremonias nos da la bienvenida a la carpa que se abre majestuosa ante nosotros. El desfile inaugural con la banda presenta situaciones cómicas con los integrantes. Particularmente me llama la atención el músico de la tambora y platillos por la forma en que se mueve tocando sus instrumentos.

A continuación, Pepe con su monociclo presenta su acto con los ojos vendados. Su lenguaje se reduce casi a un monosílabo, lo cual causa risa por la forma en que entrega su palabra y los significados que tiene. La marioneta es capaz de girar sobre su propio eje y equilibrar un objeto en su nariz. Es un mecanismo muy ingenioso sumado con una excelente animación por parte de los titiriteros.

Posteriormente Ariadna la equilibrista camina en la cuerda floja y hace contorsionismo. Ursus, el hombre fuerte, hace demostraciones con sus pesas, haciendo abdominales mientras carga las pesas con los pies ¡Y en verdad parece que hace abdominales! Es otra marioneta con un ingenioso mecanismo. Estrella, la trapecista me dejó embobado con su movimiento, me hizo recordar la vez que vi a Antonio Diávolo, un trapecista autómata del siglo XIX.

Jaime, el domador, trabaja con el león Budineto. He olvidado el nombre del payaso que hace equilibrio en silla y hace rabiar al maestro de ceremonias. Su rutina es de las que más hizo reír a los niños, quienes incluso pedían continuara con su broma. Finalmente las focas amaestradas juegan con pelotas y la función termina con el desfile de todos los artistas, primero las marionetas y después vemos a los titiriteros.

Los niños junto a mí se quejaban del domador Jaime y el maltrato hacia Budineto. Los niños de ahora no conocen lo que fue el circo.

El Circo fue la primer obra de Marionetas de la Esquina. Nos hace pasar un buen rato con las ocurrencias de los personajes y a los que nos interesamos en la animación de los títeres, nos deja pensando cómo están los hilos para lograr esos movimientos. En algún momento se llega a esa “suspensión de la incredulidad” de la que tanto hablan los magos y decidimos ignorar los hilos de las marionetas. Para ver la programación del festival consultar el blog de La Titería, en este post está la cartelera de ambas sedes.

El Circo
De: Lucio Espíndola
Duración: 50 minutos

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#magia, #teatro

Le Petit Magicien

Escena de Le Petit Magicien. Foto por Iván Casasola

Magia Presto presentó una pequeña temporada (22 y 29 de abril, con dos funciones diarias) de su obra Le Petit Magicien, Espectáculo de magia inspirado en El Principito. Las presentaciones se llevaron a cabo en Marketeatro.

Un narrador nos cuenta la historia de su abuelo, que era aviador y conoció a un pequeño mago que buscaba un amigo. Durante su viaje el pequeño mago conoció diversos personajes como un rey que solo quería dar órdenes, un presumido que buscaba ser alabado, un borracho que tomaba para olvidar la pena que le da ser borracho, un oficinista que perdió su sueño entre números, un cartógrafo perdido en la exploración y un farolero que prende y apaga la luz de su planeta. Así mismo encuentra un conejo y una flor que le muestran las ventajas de la rutina.

Se trata de una historia basada en el libro clásico de Saint-Exupery. Algunos personajes cambian para adaptarse a la modernidad, por ejemplo, el presumido aquí es un influencer. Los personajes que el pequeño mago conoce en los planetas son fácilmente identificables con los del Principito. El zorro (¿conejo?), la serpiente y la flor son los que tienen más cambios.

A lo largo del espectáculo los personajes van haciendo trucos de magia, los cuales están bien integrados a la historia. Algunos son efectos conocidos en el mundo de la magia que se adaptaron a la perfección a la narrativa.

Mis momentos favoritos fueron el borreguito dibujado en una caja, que en este caso es un conejo, instantes más tarde visiblemente se asoma de la misma, dejando un grato souvenir para un afortunado espectador. Otro gran número fue toda la rutina del borracho (Brayan Andrade) donde efectos clásicos están totalmente justificados.

La función a la que asistí comenzó aproximadamente 20 minutos tarde, por lo que pierde puntos, pero los recupera con la forma tan genial en que dan las llamadas: con magia que ilustra el mensaje que se están dando.

El pequeño mago debería ser el protagonista de la historia y el hilo conductor entre los actos, sin embargo, casi no vemos al personaje, pasando a segundo plano. Me hubiera gustado verlo interactuando más. El final lo siento un tanto cortado.

Si no me falla la cuenta, el espectáculo se compone de 10 actos de magia, contando las llamadas, y dos de artes circenses (Conejo con aros hula y Flor con aro aéreo y contorsión)

La obra gira en torno a la frase “solo se ve bien con el corazón, lo esencial es invisible a los ojos” con eso invita a adentrarse al mundo mágico que se nos presenta y disfrutar de los efectos, varios de ellos crean momentos que van directo al corazón.

No conocía el foro, lo esperaba pequeño, pero en realidad tiene un buen tamaño, se aprovechó muy bien la iluminación para crear diversos efectos que resaltaron la narrativa. En el caso del aro aéreo, el varal no parece tener el soporte necesario para esa disciplina, por lo que el aro se balanceaba de manera en la que seguramente dificultaba más la ejecución, sin embargo, no pareció ser problema para Melissa Pérez quien dio vida a la flor.

Los días posteriores a la función saqué la copia familiar de El Principito y lo volví a leer, la obra me dejó curiosidad por recordar detalles de la historia que había olvidado. Cualquier trabajo que invite a leer el original vale la pena.

Como lo he manifestado antes, no me gustan los programas de mano en código QR. Le Petit Magicien cuenta con programa físico, lo cual agradezco infinitamente.

Hay cosas que pulir, se que el equipo de Magia Presto trabajará en ello, la obra es muy buena idea, se disfruta bastante, es el tipo de magia que me gusta ver: como espectáculo teatral. Espero pronto haya más noticias y nueva temporada de Le Petit Magicien.

Le Petit Magicien
Inspirado en El Principito de Antoine de Saint-Exupery
Con: Juan Antonio Iturbe Ayala, Miguel Daniel Ortiz Santamaría, Leonardo Vigueras Salazar, Ricardo Isaac Ayala Rodríguez, Brayan Javier Andrade Yáñez, Mauricio Hernández Gómez, Oscar Mendoza Montalvo, Edgar Armando González Loaeza, Miranda Zoe Muñoz de la Rosa, Melissa Anahí Pérez Alquicita.
Audio y luces: Santiago y Víctor (Marketeatro)
Staff: Erick Israel Navarro Martínez, Luis Manuel Cervantes Luna, Kevin Javier Estrada Ceniceros

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#danza, Ballet

Coppelia

Detalle del programa de mano. Se muestra con fines ilustrativos.

Coppelia o La muchacha con ojos de esmalte fue estrenada en 1870 en la Ópera de París, con música de Léo Delibes, libreto de Charles Nuittier y Arthur Saint-León. Coreografía de Saint-León. El argumento se basa en el cuento El Hombre de Arena de E.T.A. Hoffman. Desde entonces este ballet pantomímico se ha mantenido entre los favoritos del público por ser además cómico, siendo conocido simplemente como Coppelia. Ha tenido varias versiones coreográficas a lo largo de sus más de 150 años de existencia.

La Compañía Nacional de Danza presenta la obra como el programa 2 de la temporada 2023, después de 7 años de no montarla. Esta versión fue coreografiada por Enrique Martínez, quien falleció en 1998.

A pesar de ser una obra bastante conocida, creo nunca la había visto en vivo, solo en videos. Además, esta visita al Palacio de Bellas Artes marca mi primer asistencia al recinto después de iniciada la pandemia, la última vez que estuve fue para la Gala Contemporánea, justo una semana después de confirmado el primer caso en México. En esa ocasión hubo muy poco público. Esta vez me dio gusto ver bastante gente, aunque no lleno total y con promociones en internet con el operador de boletos, lo que puede indicar bajas ventas.

La temporada se realiza en dos versiones: con o sin orquesta (música grabada) Hace años todas las funciones eran con orquesta, no sé por qué hace tiempo comenzaron a hacerse las presentaciones con grabación. Al menos ahora hay oportunidad de seleccionar la función y, para mi gusto, ver el ballet con orquesta.

El ballet se divide en tres actos y cuenta la historia de Swanilda y Franz quienes están comprometidos, sin embargo, Franz coquetea con la misteriosa Coppelia, hija del Doctor Coppelius. Coppelia es una muchacha guapa que sale a leer a su balcón y no interactúa con nadie …excepto para mandarle besos a Franz. Swanilda se enoja y no quiere saber nada del matrimonio con Franz. Él se va con sus amigos a una taberna, Coppelius sale a la calle y los bribones se divierten a su costa atacándolo. En el jaloneo pierde sus llaves. Las muchachas que ven todo, toman la llave y se meten a casa de Coppelius. Franz mientras tanto busca una escalera para subir al balcón y visitar a Coppelia.

En el segundo acto, las muchachas descubren que la casa de Coppelius es un taller donde fabrica autómatas y Coppelia es una muñeca. Coppelius mientras tanto, regresa a casa y encuentra la puerta abierta, las chicas salen huyendo excepto Swanilda que toma el papel de Coppelia. Mientras, Franz ha entrado por la ventana. Coppelius lo emborracha para hacer un hechizo y transferirle su alma a Coppelia y que así tome vida. La tarea parece funcionar, ya que la muñeca se mueve, aunque tomándose demasiadas libertades. En realidad, Swanilda se divierte a costa del Doctor.

Franz despierta y ambos huyen, sin antes dejar revuelto el laboratorio y hacerle ver al Doctor la triste realidad de que todo fue un engaño y Coppelia sigue siendo no más que una muñeca.

Durante el tercer acto se celebra la boda entre Franz y Coppelia. Como sucede en la mayoría de los ballets, el acto está dedicado en su totalidad a los festejos.

El ballet es bastante dinámico y divertido. Al ser pantomima, gran parte de la historia se va narrando con gestos. La mazurka siempre es de las favoritas del público. A mi alrededor escuché gente reaccionando con alegría al escuchar las piezas más conocidas. Mucho colorido, limpieza en el movimiento, la ambientación que crea la escenografía es muy bonita, sensación de profundidad en la plaza. Me gustó particularmente que podemos ver, aunque sea un poco, el interior de la taberna, donde se vislumbra a una persona disfrutando su estancia en el lugar. También me impresionó que los bailarines que hacen de muñecos permanecieron gran parte del segundo acto en una sola posición.

Nuevamente, extraño los programas de mano físicos. Al menos el QR funciona y el PDF está bellamente elaborado. Después de tres años de no ver ballet, fue bastante revitalizante y lo hizo mejor la orquesta en vivo. La temporada termina el 30 de abril, quedando aun con y sin orquesta. La función empieza puntual, lo cual se agradece y cuenta con dos intermedios de aproximadamente 10 minutos, teniendo una duración total de alrededor de 2:00 horas.

Coppelia
Coreografía: Enrique Martínez
Adaptación Coreográfica: Compañía Nacional de Danza
Música: Léo Delibes
Director Musical: Luis Manuel Sánchez
Escenografía y vestuario: Eugenio Servin
Iluminación: Compañía Nacional de Danza
Estreno con la CND: 28 de septiembre de 1989, Sala Principal del Palacio de Bellas Artes

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